La cantante y compositora regiomontana Karina Sofía presenta su primer álbum como solista: “La Reina del Cañón”, una obra producida por el icónico Gustavo Santaolalla que combina géneros, emociones y una narrativa profundamente personal.

Lanzado el pasado 9 de mayo bajo los sellos Tinta Negra Records y Warner Music Latina, el disco no sólo representa su incursión formal en la industria musical, sino también una declaración de identidad, resiliencia y creatividad femenina.

El álbum, conformado por once temas, es un viaje sonoro que recorre territorios del rock, pop, música regional mexicana y el folclore latinoamericano.

Más allá de su riqueza estilística, se trata de una obra conceptual que da testimonio de un renacer. “Yo creo que la historia de ‘La Reina del Cañón’ tiene un arco muy claro ya que empieza en un lugar muy roto, muy vulnerable, y es toda esa historia de esta mujer que logra volver a encontrarse y sanarse para poder volar más alto”, explica Karina en entrevista con EL INFORMADOR.

Radicada actualmente en Los Ángeles, Karina Sofía reconoce que su carrera profesional en la música comenzó apenas en 2020, aunque su preparación artística venía desde antes, en el ámbito de la actuación y el cine. Desde entonces, ha descubierto las exigencias del medio musical y la importancia de rodearse de un equipo sólido.

“No hay nada que puedas hacer sola más que escribir una canción”, afirma. “Todo lo demás realmente es en equipo. Tienes que estar con gente que cree en ti, que te protege, que te cuida y la verdad es que tuve muchísima suerte de haberme encontrado con Gustavo Santaolalla”.

La colaboración con Santaolalla no solo marcó el sonido del disco, sino también su desarrollo artístico. El tema principal o focus track del álbum, titulado “Más Alto”, es una colaboración directa con el multipremiado productor.

Inspirada en las “Doncellas de la Lluvia”, las primeras mujeres voladoras de México, la canción es una metáfora del dolor transformado en impulso vital. “Cuando me vean volar, siempre va a ser más alto”, canta Karina en un verso que resume su espíritu.

El videoclip que acompaña esta pieza fue dirigido por Mamo Vernet y refuerza visualmente esa noción de liberación femenina y vuelo espiritual. “‘Más Alto’ se levanta como un testimonio de resistencia emocional y evolución espiritual”, señala la artista.

El proceso creativo de “La Reina del Cañón” fue, según relata, profundamente orgánico. Karina buscó romper esquemas sonoros, fusionando elementos del mariachi con guitarras eléctricas distorsionadas, a pesar de las advertencias de los más puristas.

“Desde un principio tenía mucha curiosidad de ver cómo sonaría un requinto eléctrico distorsionado. La primera persona que no me cuestionó fue Gustavo Santaolalla”, recuerda. “Él desde un inicio lo entendió, agarró la onda. Creo que parte de su magia es que no se limita y no tiene expectativas de lo que tiene que sonar un disco”.

Además de aportar visión artística, Santaolalla brindó claridad y congruencia al proyecto, sin apagar el ímpetu experimental de Karina. “Tengo un estilo muy particular de componer y gracias a Dios tengo las herramientas para producir mis propios demos. Entonces, al poder hacer esto y enseñárselo a un productor como Gustavo, fue mucho más fácil que entendiera la misión”.

Explora sus facetas creativas

Karina trabaja en una propuesta visual para llevar su música al escenario. “Estoy trabajando en toda la presentación visual que va a venir con la música en vivo, que para mí es muy importante. Mi sueño es hacer una gira por México y Estados Unidos”, asegura.

Aunque reconoce que el camino es largo y requiere paciencia, está convencida de que pronto encontrará las plataformas adecuadas para mostrar su trabajo en vivo.

Instalada en Los Ángeles, Karina asegura que el entorno ha sido propicio para su desarrollo artístico, aunque reconoce que la distancia con México puede representar ciertos retos. “Estoy con Warner Latino, todos en mi equipo son mexicanos, donde sí lo empiezo a sentir es al momento de promocionar el disco, de hablar con medios en México”, comenta.

“Estando en Ciudad de México posiblemente me podría dar a conocer un poco más rápido, pero he aprendido que no se trata de encontrar la forma rápida, sino la forma sustentable”, remata.

Un disco con dos energías

El disco no es solo un ejercicio musical, sino también una herramienta de introspección. Karina Sofía se propuso visibilizar las realidades de las mujeres mexicanas a través de sus letras, plasmando su fuerza, dolor, contradicciones y procesos de sanación.

“Soy una mujer que se siente más cómoda con su lado masculino que con su lado femenino. Siempre tuve más amigos hombres, me gusta cómo piensan los hombres, hubo un momento en que pensé que, si yo fuera hombre, la vida probablemente hubiera sido más fácil”, admite con franqueza.

En temas como “Fuego”, “Mentirosa” o “Malandrona”, esa energía masculina se manifiesta en personajes duros, agresivos, incluso retadores.

Sin embargo, durante el desarrollo del álbum, la artista fue reconciliándose con su feminidad. “Hice las paces con que soy mujer y el ser mujer es de las cosas más poderosas del mundo”, afirma. “Somos mamás, traemos vida al mundo. Me topé con muchísimas mujeres, incluyendo a las voladoras en Puebla, que me demostraron que la mujer es muy fuerte”.

CT

A la Deriva Teatro es una compañía de ya casi veinte años que ha llevado la experiencia escénica de una manera muy inclusiva, rica y particular a las primeras infancias y a las personas de la tercera edad.

Si bien el teatro podría ser considerado un espacio donde es necesario el silencio —y donde el llanto repentino de un bebé podría resultar incómodo para algunas personas—, A la Deriva se ha encargado de acercar este arte a otros públicos que también son fundamentales, haciendo del mismo un lugar más inclusivo para todos los miembros de la familia.

Por medio de la experiencia de teatro “Me importas tú, boleros para abrazar”, A la Deriva brindará a los tapatíos que apenas cumplen sus primeros años, y a los adultos mayores, una experiencia imperdible de boleros en el Conjunto Santander de las Artes Escénicas, siendo éste un género musical de gran importancia en México.

En conversación con EL INFORMADOR, Cristina Martínez Cornejo de A la Deriva Teatro compartió cómo nació esta idea de llevar el bolero a una experiencia teatral que además de unir a la familia vincula a las primeras infancias con los adultos mayores, y de cómo la compañía ha conseguido crear un espacio seguro en cada una de sus obras para un público que el teatro mismo relega o hace que pase desapercibido.

“Me importas tú” es un viaje a la casa de los abuelos, donde nos encontramos con imágenes, olores, recuerdos de cuando abríamos los armarios de los abuelos y sacábamos cosas. Nos acompaña esta música que es para nosotros tan importante como el bolero, que es tan identitaria, que nos conecta.

Cristina explica que son boleros de versión libre, “cantamos desde ‘Piel Canela’ hasta ‘Amor de mis amores’, y las convertimos en juegos. Además de cantar, los niños, niñas y las familias hacen percusiones corporales, sacamos instrumentos para que nos acompañen en este viaje a casa de los abuelos, y así incluimos a todo el público”.

Para A la Deriva Teatro, el bolero es mucho más que una canción y un género, razón por la cual buscaron crear una experiencia teatral a partir del mismo. “El bolero sigue siendo una música muy presente en nuestra cultura”, dice Cristina. “Nos parecía maravillosa la conexión de esta música tan rica e identitaria que nos conecta a través de las generaciones. Entonces pensamos cómo podíamos hacer uso de estos boleros para convertirlos en juegos para conectar con los bebés, con las niñas, con los niños, y así nació ‘Me importas tú’”.

“Hemos tenido experiencias muy bellas. Una vez tuvimos una familia en la que iban la bisabuela, la abuela, la mamá, y la nieta —cuatro generaciones— y la bisabuela, en una de las canciones, comenzó a cantar. La nieta llegó a contarnos que su bisabuela tenía dos años sin hablar. Y ahí en la obra empezó a cantar uno de los boleros. Entonces esa es la magia del género, y aunque pueda sonar muy común, la música sí tiene algo universal que nos conecta a todos”, comparte la creadora.

Para la agenda

“Me importas tú, boleros para abrazar”, se presentará el 25 de mayo y el 1 de junio del 2025 con dos funciones diarias en el Conjunto Santander de las Artes Escénicas, boletos desde $350 pesos, que incluyen bebé + acompañante.

Si bien es para toda la familia, la experiencia es especial para bebés de 12 meses hasta 3 años. Debido a que cada experiencia es personalizada, los cupos suelen ser limitados.

CT

Guillermo del Toro y Alexander Desplat dieron ayer una lección de música en el Festival de Cannes y hablaron de sus colaboraciones, pero también de lo que debe tener una composición para el cine y los dos coincidieron en que debe “emocionar”.

“Tenemos que permitirnos tener emociones, el arte es emotivo, soy mexicano y soy extremadamente sentimental”, afirmó Del Toro como si de una declaración de intenciones se tratara.

Y agregó: “la emoción es el nuevo punk, es algo a lo que gente no se arriesga, pero nosotros sí nos arriesgamos”.

Hablaba junto a Desplat de las bandas sonoras, las que les han marcado y en las que han colaborado, para “La forma del agua” (“The Shape of Water”, 2017) y “Pinocho” (“Pinocchio”, 2022) y en la que están trabajando para “Frankenstein”, la nueva película de Del Toro, que debe estrenarse este año.

“El cine Guillermo es muy lírico y Mary Shelley -la autora de ‘Frankenstein’- también, así que la música de ‘Frankenstein’ será muy lírica y sentimental, no estoy escribiendo música de terror”, precisó el compositor francés.

A lo que Del Toro añadió que se trata de una historia “sentimental” para él y que nunca ha pretendido hacer una película de terror, aunque dijo que de tanto preguntárselo la gente, igual se lo piensa mejor.

Pero defendió que “Frankenstein” no es un monstruo, como se le ha mostrado en ocasiones anteriores, la percepción que tenemos de él es por el hecho de que “la gente mira a los otros de manera incorrecta”.

Será la tercera colaboración de Del Toro con Desplat, a quien admira desde hace muchos años aunque no contactó por primera vez con él cuando ganó el Oscar por su composición de “The Grand Budapest Hotel” (“El gran hotel Budapest”, 2014), de Wes Anderson, uno de los directores con los que más ha trabajado.

Con Desplat es con el primer compositor con el que Del Toro ha acudido a las grabaciones de la música porque para el francés es importante que el director le diga lo que siente desde el punto de vista sentimental.

Fue algo que le gustó mucho a Del Toro, para quien la música es el único momento de la producción de un filme en el que se sorprende.

“Yo cocino para todos todo el tiempo y con Alexandre es con el único con el que soy yo el que pruebo cosas”, explicó el mexicano.Y para Desplat, es una gran ayuda la pasión por la música del director de “El laberinto del fauno” (2006), que además siempre está abierto a sugerencias. “Yo necesito que el realizador me escuche”, afirmó Desplat.

Para Del Toro la música es esencial para entender el cine, tanto qué solo escuchando una banda sonora, con los ojos cerrados, es cuando puedes evocar sin problema una película.

Ahí señaló por ejemplo la impresión que le causó la composición de John Williams para “Tiburón” (“Jaws”, 1975), de Steven Spielberg.

También Desplat señaló a Spielberg, además de a Martin Scorsese o Robert de Niro, como sus ídolos de adolescencia y los que le hicieron entrar en el mundo cinéfilo y en la historia del cine.

Escuchaba toda la música que podía del cine de aquella época y eso le descubrió que era posible componer otros estilos y que la música aportaba a las películas “una dimensión suplementaria”.

En su caso, siempre le ha gustado introducir ritmos africanos, brasileños o griegos, cosas improbables que dejan volar la imaginación, que es la clave de todo.

Pero al final, lo que intenta es “hacer música accesible, sencilla pero no infantil” y para ello hay que trabajar muy duro para encontrar una buena melodía y llegar a los buenos acordes.Porque, como dijo Del Toro, “la cámara se mueve como una ola y captura el sentimiento, la película trata de hablar y su voz llega con la música”.

EFE

Fascinado por el poder de las bandas sonoras

La pasión por la música está clara en la cinematografía de Del Toro, que edita sus películas sin ella, porque cree que es el filme el que te dice “lo que necesita”, una técnica que lo ha llevado a ser reconocido por el público.

“Amo la música”, señaló rotundo el realizador jalisciense, que asegura que el 90% de lo que escucha son bandas sonoras y recordó que los primeros discos que compró en su vida eran composiciones para películas, entre las que citó “El padrino” (“The Godfather”, 1972), con música de Nino Rota, que ganó un Oscar por la segunda parte de la saga creada por el legendario realizador cinematográfico Francis Ford Coppola.

CT