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“Dios no existe”: La frase que desapareció de un mural de Diego Rivera
Seguro algunos de ustedes conocen esta historia y otros la habrán leído o escuchado en alguna parte, pero si ya no la recuerdan o de plano no se la saben, en Tragicomedias les contamos la historia detrás de la polémica frase “Dios no existe” que Diego Rivera escribió en uno de sus más famosos murales que pintó en la Ciudad de México.
¿Qué dice José Agustín?
En nuestra “biblia”, el volumen 1 de la trilogía “Tragicomedia mexicana”, José Agustín nos cuenta que en 1946, Diego Rivera “seguía abonando escándalos”, pues cuando le encargaron un mural para el entonces nuevo Hotel Del Prado, decidió escribir en él la frase “Dios no existe”.
Sí, la obra de la que estamos hablando es nada más y nada menos que “Sueño de una tarde dominical en la Alameda”, en la cual decidió colocar estas letras y ganarse el odio de varios fanáticos religiosos, quienes llegaron al punto de atentar contra su pintura para eliminar la frase.
“Las protestas por la ‘blasfemia’ subieron a tal punto que Diego mejor eliminó la frase, escoltado por un grueso contingente de intelectuales y artistas que la prensa llamó ‘grupo de comunistas’”, comenta el escritor José Agustín.
Pero, ¿ustedes sabían que la frase “Dios no existe” en realidad no era de Rivera sino de un político liberal mexicano? Acá les contamos de quién era y por qué el muralista mexicano decidió incluirla en su pintura.
Un pesito de contexto…
Antes de contarles el chisme completo, necesitamos ponerlos en contexto de cuándo se dio este hecho en el que estuvieron involucrados varios personajes de la historia de México:
- El presidente de México en ese entonces era Miguel Alemán (1946-1952)
- Obvio el Partido de la Revolución Mexicana (ahora PRI) era el que estaba en el poder
- Ocurría el llamado “Milagro mexicano” (1930-1950) caracterizado por cierta estabilidad económica
- Y Diego Rivera era el muralista mexicano más popular tanto aquí como en el extranjero, quien ya había pintado grandes obras como “El hombre controlador del universo”, en el Palacio de Bellas Artes
Con todo esto, ahora sí vamos a contarles la historia detrás de la frase “Dios no existe” que Diego Rivera pintó en uno de sus murales.
“Sueño de una tarde dominical en la Alameda”
Según Raquel Tibol en “Sueños de un domingo en la Alameda. Historia documental”, que se incluye en el libro “Alameda. Visión histórica y estética de la Alameda de la ciudad de México”, esta historia comienza en 1946, cuando estaba por terminarse en la avenida Juárez el Hotel Del Prado.
Con casi las obras concluidas, Carlos Obregón Santacilia, autor del edificio, convocó a algunos artistas para que pintaran murales en su nuevo proyecto; uno de ellos fue Diego Rivera.
Así, en 1947, comenzó a pintar en una pared del comedor principal a un grupo de personajes que habían tenido como escenario el parque de la Alameda.
“El fresco se titula ‘Sueños de un domingo en la Alameda’. En él he desarrollado un solo tema, que es el que enuncia el citado título. La composición son recuerdos de mi vida, de mi niñez y de mi juventud, y cubre de 1895 a 1910“, explicó Rivera.
Sin embargo, también agregó que la composición era un resumen de la historia de este lugar y de todo el país: “Al hacer una síntesis de la historia de la Alameda, como este lugar está conectado no sólo con la historia de la ciudad sino con la de todo el país, la composición en realidad sintetiza la historia de México, o una de sus más interesantes partes”.
Entre los personajes que incluyó, destacan los siguientes: Hernán Cortés, Antonio López de San Anna, Benito Juárez, Maximiliano de Habsburgo, José Martí, Porfirio Díaz, José Guadalupe Posada, Frida Kahlo, Sor Juan Inés de la Cruz, la llamada “Catrina”, y hasta el mismísimo Diego Rivera de niño.
Sin embargo, el que más llamó la atención fue Ignacio Ramírez, mejor conocido como “El Nigromante”, un escritor y político liberal que en la pintura de Diego Rivera mostraba un papel con la frase “Dios no existe”.
Diego Rivera vs Todos
Esta frase provocó que la Iglesia, los dueños del hotel y hasta el presidente de la república, Miguel Alemán, se la agarraran contra él.
Por ejemplo, el arzobispo de México, Luis Marín Martínez, se negó a bendecir el hotel, por lo que Rivera salió a pedir, presionado por los dueños del inmueble, que la autoridad religiosa fuera a echar el agua bendita para que “con la ayuda divina, realice ese establecimiento las mejores ganancias posibles, y que maldiga mi ‘Sueño dominical en la Alameda’, para que yo me vaya tranquilamente a los infiernos”, nótese el sarcasmo del pintor.
Incluso señaló que el gerente del hotel, Luis Osio y Torres Rivas, supo de su frase desde que había terminado el mural, el 15 de septiembre de 1947, y que desde entonces, él le había pedido que borrara la frase, pero que se había negado porque le parecía que estaba de por medio la historia de México.
Luego se sumaron las protestas de los fanáticos religiosos, como cuando el 4 de junio de 1948, un grupo de estudiantes de la Facultad de Ingeniería entraron en la noche al comedor del Hotel Del Prado y con cuchillos tomados de las mesas, atacaron a meseros y vigilantes y luego rasparon las palabras “no existe”.
Incluso, después, ocurrió un nuevo atentado contra su mural, en el cual, además de raspar la frase, dañaron su autorretrato de niño, por lo que Diego Rivera reparó los daños y colocó de nuevo “Dios no existe”.
Y para rematar, luego de los ataques contra la obra, le pidieron su opinión al presidente Miguel Alemán, el 12 de junio de 1948, a lo que él respondió: “Alrededor de la pintura no debemos hacer una discusión de carácter nacional. El país no quiere lucha ideológica, quiere trabajo”.
¿De quién es la frase “Dios no existe” que incluyó Diego Rivera en su mural?
Como mencionó Diego Rivera alguna vez, la frase “Dios no existe” fue dicha por primera vez por el político y escritor Ignacio Ramírez en un acto académico como parte de una tesis, y que, según el muralista, marcó el auge del liberalismo mexicano.
Aunque igual explicó por qué decidió ponerla en su pintura: “Para afirmar ‘Dios no existe’ no me escudé en don Ignacio Ramírez; soy ateo y considero las religiones como una forma de neurosis colectiva”.
Esto, obviamente, desató la furia de muchos creyentes católicos mexicanos, aunque aseguró que no deseaba el odio del pueblo y advirtió que no debían ofenderse, ya que sólo se trataba de su opinión filosófica.
Por otra parte, en el libro “Diego Rivera. Mi arte, mi vida”, el artista indicó que en un inicio mucha gente creyó que la frase era de él, pero que en realidad era de “El Nigromante”, quien la había proclamado cuando era estudiante en un evento de la Academia de Letrán, que estaba al sur de la Alameda.
“Ramírez afirmaba la tesis de que la Humanidad sólo puede avanzar a base de la ayuda mutua, lo que hacía un absurdo de la idea de la ayuda sobrenatural”, agregó Rivera en su libro.
Y además afirmó que si algunas personas no hubieran tenido el propósito de provocar un escándalo (Torres Rivas, gerente del Hotel Del Prado, ejem ejem…), la frase apenas habría sido advertida, pues cuenta que durante varios meses ya estaba trazada al carbón y nadie la había pelado.
¿Qué pasó al final?
Después de los atentados contra el mural de Diego Rivera, específicamente contra la frase “Dios no existe”, los dueños del Hotel Del Prado decidieron cubrir la obra artística con una pantalla móvil, la cual podía hacerse a un lado cuando un visitante sí quería verla.
Por esta misma razón, el 20 de octubre de 1948, Frida Kahlo le mandó una carta a Miguel Alemán, donde le pedía que defendiera el mural de Diego Rivera, a lo que el presidente respondió que con quienes debían acudir, era con la Secretaría de Bienes Nacionales y la Dirección de Bellas Artes, pues eran éstas las encargadas de llevar casos así; en pocas palabras, la bateó.
Ya para 1955, durante un viaje en la Unión Soviética para recibir un tratamiento contra el cáncer, Diego Rivera le escribió a su amigo Carlos Pellicer, poeta católico que realizaba una encuesta sobre su mural en el Hotel Del Prado, para pedirle que diera a conocer una nueva decisión sobre la polémica frase.
Sí, ésta era que aunque él creía que la frase debía mantenerse en la pintura porque se trataba solamente de una cita histórica y una prueba del cambio en México, le parecía mejor que se borrara y en su lugar se escribiera “Conferencia en la Academia de Letrán – 1836”, para que así ya no molestara a algunas personas.
De esta manera, el 15 de abril de 1956, cuando se quitó la pantalla móvil del mural después de ocho años, Diego Rivera subió a un andamio para cambiar la frase “Dios no existe”, tal y como lo había dicho en su carta a Pellicer.
En fin… ¿Ustedes conocían este chisme sobre el mural “Sueño de una tarde dominical en la Alameda”?
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Bulgaria ha dado la sorpresa este sábado al ganar por primera vez el Festival de Eurovisión con “Bangaranga”, una festiva canción interpretada por la cantante DARA y con la que el país ha regresado a un certamen en el que llevaba tres años ausente por problemas económicos, en una edición marcada por la polémica presencia de Israel, que quedó segundo.
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El voto del público confirmó el veredicto que los jurados profesionales habían emitido, colocando al país en primera posición y elevó su puntuación total a 516.
Israel, por contra, vio cómo el octavo puesto inicial dado por los jurados se convirtió en una segunda posición con 343 puntos gracias al masivo apoyo del voto del público, en una repetición de lo sucedido el año pasado.
DARA, la ganadora del certamen, definió minutos antes de anunciarse el resultado que el título de su canción, ‘Bangaranga‘ “significa el momento en que decides vivir tu amor y no tu miedo”.
 
¿Por qué la participación de Israel en Eurovisión 2026 fue tan controvertida?
La 70 edición de Eurovisión, celebrada en Viena, ha estado marcada por la polémica presencia de Israel y la ausencia en protesta de España, Países Bajos, Eslovenia, Irlanda e Islandia.
Esos países argumentaron su boicot en los ataques de Israel a la población civil en Gaza, que dejaron más de 70 mil muertos entre 2023 y 2025, en represalia a los atentados terroristas de Hamás en octubre de 2023.
 
Ha sido también polémico el sistema de votación, sobre todo después de que el diario The New York Times publicara una investigación que apunta a que una campaña del Gobierno israelí y el sistema que permitía a cada televidente votar hasta 20 veces inclinaron el resultado de forma que la representante israelí, Yuval Raphael, arrasó el año pasado en el televoto.
En esta edición se han permitido sólo diez votos por cada televidente.
¿Quién es DARA, la ganadora de Eurovisión 2026?
En lo puramente artístico, DARA es con 28 años una de las artistas pop más reconocidas de Bulgaria, y ha marcado la pauta de ese género de su país en los últimos años con su voz única, su imponente presencia escénica y su audaz fusión de géneros.
Se hizo famosa en 2015 al participar en el concurso de talentos ‘X Factor’.
Con todo, las casas de apuestas no tenían a Bulgaria en el ránking de favoritos, que lideraba Finlandia, que finalmente quedó sexto.
De hecho, la propia DARA resumió que el sentido de su canción es que sentirse en armonía con uno mismo es la clave para “ser lo que quieras ser y de que todo es posible”.
JM
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En medio de su estudio de ensayo, buscando desesperadamente una señal estable de internet, Paco Huidobro aparece en Zoom con un sombrero de palma y el username “La Cucaracha”. “Acá en el solazo, quema este sillón”, bromea entre risas antes de comenzar a hablar con EL INFORMADOR sobre el presente de Fobia y su presentación del 21 de mayo en el Auditorio Telmex. Celebran 40 años de carrera.
Lejos de la nostalgia fácil, Huidobro asegura que la banda atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. “Este show lo llevamos preparando desde septiembre. Imagínate cuánto tiempo le he invertido a sacar esto adelante. Está sonando mejor que nunca”, afirma.
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La agrupación tiene montadas alrededor de 35 canciones para esta nueva etapa, apoyándose en tecnología que antes parecía imposible para el grupo. “Ahora sí puedo hacer las cosas tal y como me las imaginaba. Tener las consolas automatizadas, los efectos sincronizados, todo conectado. Cada movimiento en una canción requiere que una computadora mande cambios al sintetizador, a la batería, a la consola. Es muy laborioso, pero me apasiona muchísimo”.
Fobia celebra 40 años de trayectoria y una de sus etapas musicales más sólidas
El músico compara esa complejidad actual con los años iniciales de la banda tocando en Rockotitlán (legendario foro de rock mexicano fundado originalmente en 1985) con equipo mínimo.
“Veo cuando empezábamos a tocar con seis canales y unas bocinitas chiquitas y luego escucho lo que estamos grabando ahorita en los ensayos… sí está mejor que nunca”.
Antes del concierto, Paco también piensa en Guadalajara como un espacio afectivo. Muchas amistades y rituales personales lo mantienen unido en la ciudad. “Siempre me gusta ir a comer, visitar amigos, ir a ver a Jis y a Trino. Tengo cita con ellos para ir a comer. Me encanta Guadalajara”.
La conversación inevitablemente lleva a la dinámica interna de Fobia, una banda históricamente marcada por pausas, diferencias y reconciliaciones. Paco no evade el tema y define al grupo como una “familia disfuncional”. “Todos venimos de familias disfuncionales e hicimos una familia más disfuncional que es un grupo de rock”.
Sin embargo, también reconoce que el paso del tiempo ha ayudado a entender los roles dentro de la banda.
“Es como todas las relaciones humanas. Uno lleva el timón, otro iza las velas, otro suelta el ancla. El problema es cuando unos quieren el lugar de los otros. Ya con los años vas entendiendo quién hace mejor cada cosa”.
Parte importante de esta nueva etapa es la incorporación del baterista Elohim Corona, a quien Paco no duda en calificar como el mejor músico con el que ha trabajado. “Estoy disfrutando muchísimo tocar con el mejor baterista que he visto en mi vida”. Huidobro destaca el entendimiento musical y humano que encontró con él. “Hay músicos que tocan increíble y le pegan a todo lo que se encuentran. Elohim no. Él está al servicio de la canción. Tiene una filosofía parecida a la mía”.
La admiración se extiende a detalles específicos de ejecución y sonido. “La afinación es brutal. La batería ya no tiene un solo sonido uniforme. Cada parte tiene personalidad. El resultado es brutal”. También explica que la convivencia durante los ensayos ha sido determinante para mantener el entusiasmo. “Los ensayos son muy amenos. Yo aprendo mucho de él y él aprende mucho de mí. Siempre que hay algo nuevo hay entusiasmo”.
Paco Huidobro explica por qué Jay de la Cueva no forma parte de la nueva etapa de Fobia
Uno de los temas inevitables alrededor de esta nueva alineación es la ausencia de Jay de la Cueva. Paco responde sin rodeos cuando se le pregunta por qué no forma parte de esta etapa. “Porque no me convenía, la verdad”. Tras una pausa, desarrolla la idea. “Yo ya no me puedo ajustar a los tiempos de alguien más. Si quiero hacer esto es ahora y de esta manera. Lo respeto mucho y viví cosas padrísimas con él, pero en este momento no podía adecuarme a sus tiempos”.
Aunque Fobia volvió a los escenarios, la posibilidad de grabar música nueva sigue siendo incierta. Paco reconoce que tiene canciones, pero admite que la lógica tradicional de la industria ya no le interesa. “Siempre tengo muchas canciones, pero entrar otra vez al ritmo de la industria… hagan un álbum, hagan promoción… híjoles, no”.
Para él, la experiencia de las disqueras terminó convirtiendo a los músicos en vendedores. “Uno empieza queriendo ser músico y la disquera te trata como vendedor de Avón”.
Recuerda con ironía las entrevistas promocionales de los primeros años. “Íbamos a hacer promoción y las preguntas eran: ‘¿Quién tiene más novias?’ Pura pregunta pendeja”. Huidobro asegura que hoy disfruta otros aspectos de la música. “A mí lo que me gusta es mi estudio, las máquinas y tocar. Cuando empezamos a improvisar algo en el ensayo, esos son los momentos que me prenden”. Y remata con una crítica frontal a los formatos promocionales tradicionales. “No quiero ir al programa de la mañana, luego al concurso donde cambian pañales y después toca el grupo. Qué horror”.
Paco Huidobro recuerda el disco “Leche” y reflexiona sobre la creatividad, el arte y la fama
La charla también deriva hacia “Leche”, tercer disco de la banda publicado en 1993 y que Paco considera uno de los momentos creativos más importantes de la banda, aunque reconoce que fue poco comprendido en su momento. “Con el tiempo te das cuenta de que no estabas adelantado a tu época, sino en el lugar atrasado”, exclama entre una risa burlona.
El álbum fue grabado en Nueva York, en el estudio Magic Shop, rodeados de una escena artística que terminó impregnando el sonido del disco. “Absorbimos muchísima cultura. Veíamos música brasileña, DJs, arte, cine, exposiciones. Todo eso se volvió parte del disco”.
Recuerda especialmente las experiencias fuera del estudio: festivales, galerías y encuentros con figuras del arte contemporáneo. “Me acuerdo mucho de ayudar a Antony Gormley a montar una exposición. Llegó un camión con 10 mil piezas de cerámica y ahí estaba él diciendo dónde poner cada cosa. Son momentos que se te quedan grabados”.
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También habla de cómo Nueva York transformó su forma de entender la música y el arte. “No ves al artista como alguien inalcanzable, sino como alguien trabajando contigo”.
Aunque “Leche” no alcanzó la recepción masiva de otros discos de Fobia, Paco parece reconciliado con ello. “Obviamente no iba a ser un disco muy comprendido”.
Y fiel a su estilo, termina dejando una frase que resume buena parte de su visión artística y personal.
“Yo no estoy hecho para que me comprendan, sino para que me amen”.
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Lady Gaga avisó al inicio de su nueva era musical que la categoría era “bailar o morir” y después de elegir tantas veces la primera, era el momento de presenciar lo segundo para despedir su disco ‘MAYHEM’ a través de un concierto documental en el que simula un descenso a los infiernos.
La estrella estadounidense presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem’, una reinterpretación de su séptimo disco de estudio en solitario, cuyo adelanto ofreció de manera exclusiva en un encuentro íntimo el pasado 14 de enero en la sala Wiltern de Los Ángeles.
Si bien ‘MAYHEM’ supuso como el renacer de su etapa pop-dance más popular, en el que volvía a abrazar sus pensamientos intrusivos, esta reinvención pretende rendir un homenaje a esta era y prepararse para su acto final.
Bajo un tono sombrío, con parte del decorado de la gira que todavía sigue realizando por todo el mundo, la artista evocó un universo parecido al ‘Upside Down’ (El Mundo del Revés) de Stranger Things.
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El rito mortuorio en cada disco de Gaga
Vestida de luto y ocultando su rostro bajo un velo frente a un escenario de columnas destruidas, Gaga apareció en escena como la suma sacerdotisa para ofrecer un espectáculo inédito en forma de rito funerario.
Sin dejar atrás sus atuendos estrafalarios, pero alejada de sus coreografías frenéticas, Gaga versionó las canciones que componen ‘MAYHEM’ al son de ritmos experimentales que recordaban a grupos como Daft Punk.
Este nuevo ADN bebió de influencias del metal industrial, alejando el show de cualquier estructura convencional de concierto que acostumbra a seguir Gaga, con solo cinco músicos acompañándola sobre el escenario entre sintetizadores y un órgano de iglesia.
Gaga alternó instrumentos clásicos con efectos electrónicos para convertir el espacio en un templo dedicado a la introspección más profunda del dolor en temas como ‘Desease’ el aclamado ‘Abracadabra’.
A diferencia de sus giras mundiales, la puesta en escena que ofreció fue más estática, simulando una ópera profanada en la que solo los juegos de luces daban dinamismo a una Gaga que se movía en el espacio para tocar instrumentos, cantar y acompañar a los músicos.
En el tramo final de este íntimo concierto, el luto se transformó en un casco metálico futurista con la mezcla de la balada ‘Die With a Smile’ con un sonido de electrónica nocturna.
Con este nuevo proyecto, la estrella del pop-dance parece dar carpetazo a una guerra interna personal con la que ha estado viajando en el último año; un rito en el que sobrevivió a su propio desorden para poder navegar hacia otro horizonte.
Tras una reverencia final, Gaga desapareció entre las sombras del teatro bajo un mensaje de despedida: descanse en paz.
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