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La oscura historia y significado de “Mr. Crowley” de Ozzy Osbourne
Cuando hablamos de Ozzy Osbourne, por supuesto que se nos viene a la mente verlo como el frontman y vocalista de Black Sabbath, pues junto a la banda no solo consolidó el sonido que más tarde conoceríamos como heavy metal, también se forjó una imagen sombría y aterradora, características que años después lo coronaría como el ‘príncipe de las tinieblas’. Sin embargo, no podemos dejar de lado la enorme carrera solista que forjó cuando salió de la agrupación.
A lo largo de su camino en solitario, Ozzy nos ha regalado rolas espectaculares y ha colaborado con grandes músicos que durante años se han unido a su banda. Sin embargo, en esta ocasión queremos hablar de una de sus canciones más emblemáticas y oscuras que terminaron por consagrarlo: ni más ni menos que “Mr. Crowley”.
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Ozzy Osbourne inició con el pie derecho su carrera como solista
Después de su salida de Black Sabbath, las cosas no fueron sencillas para Ozzy Osbourne. Tuvo que enfrentarse al divorcio de su primera esposa Thelma, y se vio envuelto en una profunda depresión, que lo llevó a permanecer días enteros solo en un cuarto de hotel entre botellas de alcohol y drogas para olvidarse de todos sus problemas. Sharon Arden, hija de Don Arden –y quien más tarde se convertiría en Sharon Osbourne–, lo convenció para que continuara con su carrera musical, firmando un contrato discográfico con su papá.
Sharon trató de animar a Ozzy a que iniciara una nueva banda o un supergrupo junto a otros músicos famosos, pero el cantante lo menos que quería era volver a involucrarse en esa dinámica. Es por eso que a finales de 1979, Osbourne retomó el proyecto Blizzard of Ozz –el cual planeó tras su primera salida de Sabbath– y del cual surgió su primer álbum de estudio. Sin embargo, no estaba solo, pues armó una bandota de acompañamiento conformada por nombres como el baterista Lee Kerslake (de Uriah Heep), el bajista y compositor Bob Daisley (de Rainbow y Uriah Heep), el tecladista Don Airey (de Rainbow y Deep Purple años después) y un joven guitarrista Randy Rhoads (de Quiet Riot).
Fue el 20 de septiembre de 1980 cuando Ozzy Osbourne estrenó su primer material discográfico como solista, el cual le valió el reconocimiento por parte de la crítica porque fue como si hubiera revivido después de años de oscuridad. Por supuesto que este álbum tiene canciones clásicas, como “Crazy Train”, “Suicide Solution” y “Goodbye to Romance”. Pero sin duda, una de las rolas que llamó la atención fue “Mr. Crowley”.
Aleister Crowley, la oscura inspiración de Ozzy y otros músicos
Para algunos, el título de esta canción de Ozzy es una referencia demasiado obvia, pero no está de más repasar un poco al personaje en el que se inspiró. Aleister Crowley (1875-1947) fue un conocido ocultista, místico, alquimista y escritor británico, que era famoso por practicar magia oscura. A lo largo de su vida hizo muchas cosas, como fundar la filosofía religiosa de Thelema (cuyas máximas eran “haz tu voluntad: será toda la ley” y “amor es la ley, amor bajo voluntad”), crear sociedades como Astrum Argentum, además de formar parte de organizaciones esotéricas como la Orden Hermética de la Aurora Dorada (de donde lo expulsaron) y Ordo Templi Orientis.
Crowley ganó fama gracias a sus escritos sobre magia, especialmente por El libro de la ley –el libro de Thelema–, aunque también escribió sobre otros temas y géneros alejados de sus prácticas, como ficción y poesía. A inicios de los 60 y a casi dos décadas de su muerte, muchos músicos británicos lo tomaron como influencia para sus trabajos y terminaron fascinados con su historia. No por nada, su figura de cartón aparece en la mítica portada del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles, e incluso Jimmy Page basó algunas de las portadas de los discos de Led Zeppelin en la obra del llamado “hombre vivo más malvado”.
Sin embargo, Ozzy Osbourne decidió utilizar la figura mística de Aleister Crowley para llevarlo más allá, pues muchos lo tomaron como inspiración pero nadie se había atrevido a hacer una canción sobre este personaje británico. Y a pesar de que para la época en la que salió la rola, la sociedad estaba más abierta a debatir sobre estos temas, una vez más, señalaron al cantante inglés por hablar sobre una persona controversial que por supuesto, no tenía una afiliación religiosa y se dedicaba a practicar ocultismo.
Osbourne usó la imagen de Crowley para consolidar su “imagen satánica”
Y la verdad es que a Ozzy jamás le importó lo que se decía sobre él, al contrario. La canción ayudó a a reforzar su imagen de falso satánico, algo que hacía a menudo para conseguir un efecto impactante en el público y que era evidente desde sus años con Black Sabbath. De acuerdo con Songfacts, en las notas de The Ozzman Cometh, Osbourne escribió: “Había leído varios libros sobre Aleister Crowley. Era un tipo muy raro y siempre quise escribir una canción sobre él. Mientras grabábamos el álbum ‘Blizzard of Ozz’ había una baraja de cartas de tarot que él había diseñado por el estudio. Bueno, una cosa llevó a la otra y la canción ‘Mr. Crowley’ nació”.
Por otro lado, Bob Daisley fue otro de los compositores principales de este rolón, y dijo que tanto él como Ozzy Osbourne querían “mirar a la oscuridad y cuestionar a Aleister Crowley. Aleister, ¿en qué estabas pensando? Ya sabes. Toda esta oscuridad y negatividad”. Pero eso no es todo, ya que hay varias referencias a la vida del afamado ocultista alrededor de la letra.
Para que se den una idea, la leyenda cuenta que cuando Crowley nació, esparcieron la placenta porque tenía una marca de nacimiento con forma de esvástica y Ozzy canta sobre ello. Aunque también hay una frase en particular donde habla sobre las drogas, pues Aleister era un conocido consumidor de opio. Desde entonces, “Mr. Crowley” se convirtió en una de las rolas más famosas de Osbourne y de las infaltables en sus conciertos, pues aumentó su legado e imagen como uno de los artistas más oscuros y controversiales de la historia .
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Bulgaria ha dado la sorpresa este sábado al ganar por primera vez el Festival de Eurovisión con “Bangaranga”, una festiva canción interpretada por la cantante DARA y con la que el país ha regresado a un certamen en el que llevaba tres años ausente por problemas económicos, en una edición marcada por la polémica presencia de Israel, que quedó segundo.
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El voto del público confirmó el veredicto que los jurados profesionales habían emitido, colocando al país en primera posición y elevó su puntuación total a 516.
Israel, por contra, vio cómo el octavo puesto inicial dado por los jurados se convirtió en una segunda posición con 343 puntos gracias al masivo apoyo del voto del público, en una repetición de lo sucedido el año pasado.
DARA, la ganadora del certamen, definió minutos antes de anunciarse el resultado que el título de su canción, ‘Bangaranga‘ “significa el momento en que decides vivir tu amor y no tu miedo”.
 
¿Por qué la participación de Israel en Eurovisión 2026 fue tan controvertida?
La 70 edición de Eurovisión, celebrada en Viena, ha estado marcada por la polémica presencia de Israel y la ausencia en protesta de España, Países Bajos, Eslovenia, Irlanda e Islandia.
Esos países argumentaron su boicot en los ataques de Israel a la población civil en Gaza, que dejaron más de 70 mil muertos entre 2023 y 2025, en represalia a los atentados terroristas de Hamás en octubre de 2023.
 
Ha sido también polémico el sistema de votación, sobre todo después de que el diario The New York Times publicara una investigación que apunta a que una campaña del Gobierno israelí y el sistema que permitía a cada televidente votar hasta 20 veces inclinaron el resultado de forma que la representante israelí, Yuval Raphael, arrasó el año pasado en el televoto.
En esta edición se han permitido sólo diez votos por cada televidente.
¿Quién es DARA, la ganadora de Eurovisión 2026?
En lo puramente artístico, DARA es con 28 años una de las artistas pop más reconocidas de Bulgaria, y ha marcado la pauta de ese género de su país en los últimos años con su voz única, su imponente presencia escénica y su audaz fusión de géneros.
Se hizo famosa en 2015 al participar en el concurso de talentos ‘X Factor’.
Con todo, las casas de apuestas no tenían a Bulgaria en el ránking de favoritos, que lideraba Finlandia, que finalmente quedó sexto.
De hecho, la propia DARA resumió que el sentido de su canción es que sentirse en armonía con uno mismo es la clave para “ser lo que quieras ser y de que todo es posible”.
JM
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En medio de su estudio de ensayo, buscando desesperadamente una señal estable de internet, Paco Huidobro aparece en Zoom con un sombrero de palma y el username “La Cucaracha”. “Acá en el solazo, quema este sillón”, bromea entre risas antes de comenzar a hablar con EL INFORMADOR sobre el presente de Fobia y su presentación del 21 de mayo en el Auditorio Telmex. Celebran 40 años de carrera.
Lejos de la nostalgia fácil, Huidobro asegura que la banda atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. “Este show lo llevamos preparando desde septiembre. Imagínate cuánto tiempo le he invertido a sacar esto adelante. Está sonando mejor que nunca”, afirma.
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La agrupación tiene montadas alrededor de 35 canciones para esta nueva etapa, apoyándose en tecnología que antes parecía imposible para el grupo. “Ahora sí puedo hacer las cosas tal y como me las imaginaba. Tener las consolas automatizadas, los efectos sincronizados, todo conectado. Cada movimiento en una canción requiere que una computadora mande cambios al sintetizador, a la batería, a la consola. Es muy laborioso, pero me apasiona muchísimo”.
Fobia celebra 40 años de trayectoria y una de sus etapas musicales más sólidas
El músico compara esa complejidad actual con los años iniciales de la banda tocando en Rockotitlán (legendario foro de rock mexicano fundado originalmente en 1985) con equipo mínimo.
“Veo cuando empezábamos a tocar con seis canales y unas bocinitas chiquitas y luego escucho lo que estamos grabando ahorita en los ensayos… sí está mejor que nunca”.
Antes del concierto, Paco también piensa en Guadalajara como un espacio afectivo. Muchas amistades y rituales personales lo mantienen unido en la ciudad. “Siempre me gusta ir a comer, visitar amigos, ir a ver a Jis y a Trino. Tengo cita con ellos para ir a comer. Me encanta Guadalajara”.
La conversación inevitablemente lleva a la dinámica interna de Fobia, una banda históricamente marcada por pausas, diferencias y reconciliaciones. Paco no evade el tema y define al grupo como una “familia disfuncional”. “Todos venimos de familias disfuncionales e hicimos una familia más disfuncional que es un grupo de rock”.
Sin embargo, también reconoce que el paso del tiempo ha ayudado a entender los roles dentro de la banda.
“Es como todas las relaciones humanas. Uno lleva el timón, otro iza las velas, otro suelta el ancla. El problema es cuando unos quieren el lugar de los otros. Ya con los años vas entendiendo quién hace mejor cada cosa”.
Parte importante de esta nueva etapa es la incorporación del baterista Elohim Corona, a quien Paco no duda en calificar como el mejor músico con el que ha trabajado. “Estoy disfrutando muchísimo tocar con el mejor baterista que he visto en mi vida”. Huidobro destaca el entendimiento musical y humano que encontró con él. “Hay músicos que tocan increíble y le pegan a todo lo que se encuentran. Elohim no. Él está al servicio de la canción. Tiene una filosofía parecida a la mía”.
La admiración se extiende a detalles específicos de ejecución y sonido. “La afinación es brutal. La batería ya no tiene un solo sonido uniforme. Cada parte tiene personalidad. El resultado es brutal”. También explica que la convivencia durante los ensayos ha sido determinante para mantener el entusiasmo. “Los ensayos son muy amenos. Yo aprendo mucho de él y él aprende mucho de mí. Siempre que hay algo nuevo hay entusiasmo”.
Paco Huidobro explica por qué Jay de la Cueva no forma parte de la nueva etapa de Fobia
Uno de los temas inevitables alrededor de esta nueva alineación es la ausencia de Jay de la Cueva. Paco responde sin rodeos cuando se le pregunta por qué no forma parte de esta etapa. “Porque no me convenía, la verdad”. Tras una pausa, desarrolla la idea. “Yo ya no me puedo ajustar a los tiempos de alguien más. Si quiero hacer esto es ahora y de esta manera. Lo respeto mucho y viví cosas padrísimas con él, pero en este momento no podía adecuarme a sus tiempos”.
Aunque Fobia volvió a los escenarios, la posibilidad de grabar música nueva sigue siendo incierta. Paco reconoce que tiene canciones, pero admite que la lógica tradicional de la industria ya no le interesa. “Siempre tengo muchas canciones, pero entrar otra vez al ritmo de la industria… hagan un álbum, hagan promoción… híjoles, no”.
Para él, la experiencia de las disqueras terminó convirtiendo a los músicos en vendedores. “Uno empieza queriendo ser músico y la disquera te trata como vendedor de Avón”.
Recuerda con ironía las entrevistas promocionales de los primeros años. “Íbamos a hacer promoción y las preguntas eran: ‘¿Quién tiene más novias?’ Pura pregunta pendeja”. Huidobro asegura que hoy disfruta otros aspectos de la música. “A mí lo que me gusta es mi estudio, las máquinas y tocar. Cuando empezamos a improvisar algo en el ensayo, esos son los momentos que me prenden”. Y remata con una crítica frontal a los formatos promocionales tradicionales. “No quiero ir al programa de la mañana, luego al concurso donde cambian pañales y después toca el grupo. Qué horror”.
Paco Huidobro recuerda el disco “Leche” y reflexiona sobre la creatividad, el arte y la fama
La charla también deriva hacia “Leche”, tercer disco de la banda publicado en 1993 y que Paco considera uno de los momentos creativos más importantes de la banda, aunque reconoce que fue poco comprendido en su momento. “Con el tiempo te das cuenta de que no estabas adelantado a tu época, sino en el lugar atrasado”, exclama entre una risa burlona.
El álbum fue grabado en Nueva York, en el estudio Magic Shop, rodeados de una escena artística que terminó impregnando el sonido del disco. “Absorbimos muchísima cultura. Veíamos música brasileña, DJs, arte, cine, exposiciones. Todo eso se volvió parte del disco”.
Recuerda especialmente las experiencias fuera del estudio: festivales, galerías y encuentros con figuras del arte contemporáneo. “Me acuerdo mucho de ayudar a Antony Gormley a montar una exposición. Llegó un camión con 10 mil piezas de cerámica y ahí estaba él diciendo dónde poner cada cosa. Son momentos que se te quedan grabados”.
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También habla de cómo Nueva York transformó su forma de entender la música y el arte. “No ves al artista como alguien inalcanzable, sino como alguien trabajando contigo”.
Aunque “Leche” no alcanzó la recepción masiva de otros discos de Fobia, Paco parece reconciliado con ello. “Obviamente no iba a ser un disco muy comprendido”.
Y fiel a su estilo, termina dejando una frase que resume buena parte de su visión artística y personal.
“Yo no estoy hecho para que me comprendan, sino para que me amen”.
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Lady Gaga avisó al inicio de su nueva era musical que la categoría era “bailar o morir” y después de elegir tantas veces la primera, era el momento de presenciar lo segundo para despedir su disco ‘MAYHEM’ a través de un concierto documental en el que simula un descenso a los infiernos.
La estrella estadounidense presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem’, una reinterpretación de su séptimo disco de estudio en solitario, cuyo adelanto ofreció de manera exclusiva en un encuentro íntimo el pasado 14 de enero en la sala Wiltern de Los Ángeles.
Si bien ‘MAYHEM’ supuso como el renacer de su etapa pop-dance más popular, en el que volvía a abrazar sus pensamientos intrusivos, esta reinvención pretende rendir un homenaje a esta era y prepararse para su acto final.
Bajo un tono sombrío, con parte del decorado de la gira que todavía sigue realizando por todo el mundo, la artista evocó un universo parecido al ‘Upside Down’ (El Mundo del Revés) de Stranger Things.
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El rito mortuorio en cada disco de Gaga
Vestida de luto y ocultando su rostro bajo un velo frente a un escenario de columnas destruidas, Gaga apareció en escena como la suma sacerdotisa para ofrecer un espectáculo inédito en forma de rito funerario.
Sin dejar atrás sus atuendos estrafalarios, pero alejada de sus coreografías frenéticas, Gaga versionó las canciones que componen ‘MAYHEM’ al son de ritmos experimentales que recordaban a grupos como Daft Punk.
Este nuevo ADN bebió de influencias del metal industrial, alejando el show de cualquier estructura convencional de concierto que acostumbra a seguir Gaga, con solo cinco músicos acompañándola sobre el escenario entre sintetizadores y un órgano de iglesia.
Gaga alternó instrumentos clásicos con efectos electrónicos para convertir el espacio en un templo dedicado a la introspección más profunda del dolor en temas como ‘Desease’ el aclamado ‘Abracadabra’.
A diferencia de sus giras mundiales, la puesta en escena que ofreció fue más estática, simulando una ópera profanada en la que solo los juegos de luces daban dinamismo a una Gaga que se movía en el espacio para tocar instrumentos, cantar y acompañar a los músicos.
En el tramo final de este íntimo concierto, el luto se transformó en un casco metálico futurista con la mezcla de la balada ‘Die With a Smile’ con un sonido de electrónica nocturna.
Con este nuevo proyecto, la estrella del pop-dance parece dar carpetazo a una guerra interna personal con la que ha estado viajando en el último año; un rito en el que sobrevivió a su propio desorden para poder navegar hacia otro horizonte.
Tras una reverencia final, Gaga desapareció entre las sombras del teatro bajo un mensaje de despedida: descanse en paz.
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