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«El Spiderverse marcó un antes y un después en la animación»: Cruz Antonio Contreras
En esta entrevista colaborativa, realizada por alumnos de la carrera de Comunicación de la Universidad Panamericana, el animador mexicano Cruz Antonio Contreras reflexiona sobre los caminos que le llevaron a proyectos como la película ganadora del Óscar Spider-Man: Un nuevo universo; las transformaciones que ha experimentado la animación en los últimos años, y la creciente conquista del «Spiderverse look».
La animación se encarga de dar vida a mundos desde cero, dentro de los que existen personajes peculiares con apariencias únicas que tienen el poder tanto de atraparnos como de conmovernos. Pero esta magia no puede ocurrir sin la creatividad de quienes se encuentran detrás. ¿Te has preguntado qué inspira a un animador?
En Cine PREMIERE tuvimos la oportunidad de platicar con Cruz Antonio Contreras, el animador mexicano originario de Iguala, Guerrero, que está conquistando a las a audiencias de todas las edades a través de su arte.
A sus 32 años de edad, los proyectos en los que ha participado se han convertido en un referente para los artistas visuales a nivel internacional. Tal es el caso de Monstruo del mar, que recientemente se convirtió en la película animada más vista en Netflix, o la ganadora del Óscar, Spider-Man: Un nuevo universo. Actualmente reside en Canadá y se desempeña en Sony Pictures como artista CFX, un área dedicada a trabajar en la ropa y el cabello de los personajes, elementos claves para lograr su adecuada caracterización y animación.
En entrevista, Cruz nos remonta a su infancia y comparte qué se siente sumergirse en aquellos mundos que desde niño admiraba y que hoy ha ayudado a revolucionar.
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Mariana Zamudio: ¿Recuerdas el momento clave en el que supiste que la animación era para ti y en el que te asumiste como animador y artista?
Cruz Antonio: A mí siempre me han gustado las películas animadas. Cuando yo era niño, pensaba que todas las películas animadas eran con dibujitos. Un día fui al cine con mis tíos, ya tenía como nueve años, a ver Harry Potter y la piedra filosofal, que era una película con efectos visuales orientada para niños. Eso yo nunca lo había visto. No sabía cómo se hacía esa magia, por mi cabeza no pasaba que se hacía por computadora. Ahora los niños ya lo saben. Antes no era tan obvio.
Pues yo me la creí y dije: “Esto se puede hacer en algún lugar, en algún lugar del mundo hay magia”. Ya con el paso de los años empecé a investigar cómo se hacían estas cosas. Vi que eran efectos visuales, me llamó muchísimo la atención y es por eso que hago lo que hago.
Joshua Sigler: ¿Qué series o películas animadas veías de niño que te inspiraron a ser lo que eres?
CA: Yo me la pasaba viendo Cartoon Network y Nickelodeon en ese entonces. Me aventaba Oye, Arnold, Bob Esponja, Rocket Power, Los Castores Cascarrabias, los que antes se llamaban Nicktoons, me gustaban muchísimo. Me gustaba todo lo de Hanna-Barbera, hasta Scooby Doo.
Yo no era tanto de películas porque crecí en una ciudad donde no había cine. Ir al cine era toda una experiencia. Nos teníamos que reunir todos los primos y todos los tíos y nos llevaban a otra ciudad para poder ir al cine.
Regina Hernández: ¿Qué has encontrado en la animación que en el live action no?
CA: Esta pregunta me encanta. Por algunos años yo estuve haciendo live action y en un inicio eso me llenaba porque me encantaba saber que estaba trabajando en una película con, no sé, Superman o en la Liga de la Justicia. Hasta que una vez en una revisión entregué lo que yo pensé era una simulación de ropa muy padre y uno de los directores me dijo: no, es que esta simulación se nota mucho, necesitamos hacer que no se vea. Y como que eso me dolió, ¿sabes?, porque dije, la simulación está padrísima y me estás pidiendo que no se vea. ¿Por qué? Porque llama mucho la atención. La gente que está viendo la película se enfocaría más en la ropa que en el personaje o en otra cosa. Y yo creo que esa es la razón por la que yo hago animación, porque en el live action yo escondo mi trabajo para que la gente no lo vea y pase desapercibido, mientras que en animación lo que hago es lo que está en pantalla. Es muy común escuchar, por ejemplo: qué bonito pelo tiene Elsa o qué bonita ropa tiene Ana. Pero eso no lo dicen en las películas live action. Y a mí me gusta enseñar lo que hago, así que….
Fernanda Ximena Conde: ¿Cuáles son los mayores desafíos a los que te has enfrentado en tu carrera y qué personaje te ha marcado más?
CA: En un inicio yo creo que fue el idioma. Tener que cambiar mi conocimiento de seis años de la experiencia que ya tenía acá, llegar [a Canadá] y hacerlo todo en inglés. Fue difícil. Ahora, yo creo que al inicio de cada proyecto, al inicio de cada película, siempre tienes esa sensación de dolor de estómago, de decir: “¿Qué tan difícil va estar? ¿Podré terminar? ¿Qué es lo que quieren?” Y ya después, cuando estás encaminado, ese sentimiento va desapareciendo un poquito.
¿Y qué personaje me gusta más o ha marcado más mi carrera? Yo creo que todos. Yo creo que se vuelven parte de tu familia. Es una tontería, pero yo sí lo veo así, porque son personajes que ves todos los días. Todos los días te despiertas, estás con ellos. Los ves por uno o dos años todos los días. Y hasta se siente feo cuando cierras esa última escena de esa última toma y sabes que ya no lo vas a volver a ver, quién sabe en cuántos años o tal vez jamás. Se siente raro. Son como tus amigos.
Hareth Peraza: Se ha hecho mucho énfasis en el hecho de que la animación no es un género, sino un medio para contar todo tipo de historias, no solo infantiles. ¿Qué crees que se necesita para que empecemos a verla y experimentarla más como un medio, como un lenguaje, y no necesariamente como un género específico?
CA: Yo creo que [necesitamos que] se empiecen a contar más historias. Siento que todavía la gente le tiene mucho miedo a invertirle a la animación para adultos, porque puede no ser tan redituable como la animación para niños.
Siento que las películas en las que estamos trabajando ahorita son para todo el público. Spider-Verse, por ejemplo, es una película que puede disfrutar cualquier persona de cualquier edad, incluso. Este año también terminamos Monstruo del mar, que está en Netflix. Igual es una película que puede ser disfrutada por cualquier persona.
Pero en los Óscar los presentadores decían que las películas animadas son estas películas que los niños disfrutan y los papás tenemos que aguantar. Y en esa categoría estaba nominada una película que habla sobre una persona que está enferma de SIDA y que tiene que huir de su país [Flee: Huyendo de casa]. Hay muchísimas historias que están siendo contadas, entonces, faltarle el respeto así a la animación… la verdad me dolió. Yo andaba bien iracundo en ese momento, a punto de golpear la tele (ríe). Pero sí, yo creo que lo que hace falta es contar buenas historias.
Hareth Peraza: En México existe una escuela fuerte de animadores, especialmente en stop-motion, cuyas historias desafían etiquetas y son de hecho bastante surreales y oscuras. ¿Qué crees que la animación de acá pueda aportar a esa conversación?
CA: Eso es algo que me gusta mucho de la animación mexicana, que no tenemos límites. Siento que la animación que se hace por acá, la animación hollywoodense, vive bajo un una esfera, bajo una burbuja, en donde te dicen: “No te vayas para allá porque no va a vender” o “no para acá porque a los niños no les va a gustar”. Y siento que en México no existe esa burbuja y se hace lo que sea. Y hay artistas que se arriesgan muchísimo para contar historias, que se arriesgan en técnicas a la hora de hacerlo. Siento que el talento mexicano no tiene límites. El problema es que acá no hay recursos para apoyar esas historias.
Viviana Aguilar: Has hablado antes sobre cómo existen muchas más historias de México que contar, más allá del Día de Muertos. ¿Qué historias te gustaría abordar a ti por medio de la animación?
CA: Algo que tenemos en México que no tienen en todos lados es la temporada de las posadas. Se me hace algo tan lindo y para mí es uno de los momentos más bonitos que tuve cuando crecía. Independientemente de toda la cuestión religiosa, yo hablo más de la convivencia de la gente en las calles, de que cierras una calle y estás conviviendo con tus vecinos. Eso no pasa acá. O sea, eso es extraño, súper raro. Y cuando lo cuentas por acá la gente se saca de onda. Les resulta súper, súper extraño. Yo acá no sé ni quiénes son mis vecinos, mientras que cuando yo crecía era muy común conocerlos y haber jugado con los niños de la calle.
Diego Westrup: Hoy, si un mexicano triunfa dentro de la industria, se considera un éxito que compartimos todos ¿Sientes que cargas una responsabilidad, al llevar la bandera mexicana en proyectos tan importantes como Monstruo del mar o Spiderverse?
CA: Yo creo que sí. Yo estoy dando todo de mí. Todo el corazón y todo mi trabajo para que la película salga lo mejor posible. En Across the Spiderverse ahorita, en mi departamento, somos tres mexicanos y dos mexicoamericanos. Los cinco somos muy unidos. Me ha tocado escuchar eso de que el peor enemigo de un mexicano es otro mexicano. Pero curiosamente eso no pasa en el mundo de la animación. Todos los mexicanos que yo he conocido acá te ayudan, siempre te echan la mano y siempre te dan un consejo. Entre nosotros nos ayudamos muchísimo. Somos muy unidos.
Mira aquí la entrevista con Cruz Antonio Contreras sobre Monstruo del mar
Saúl Ramírez: Cualquier artista quiere tener un impacto en las personas que lo ven. Como animador, ¿qué es lo que buscas generar en los espectadores?
Algo que me ha gustado mucho y que he buscado en los proyectos en los que trabajo es ese sentido de inclusión. Desde que empecé a trabajar en Spider-Man, saber que Miles es mitad latino y habla español con su mamá es algo que a mí me ha llenado mucho porque me hace sentir parte de.
Nos contaba uno de los directores de Spiderverse que en una ceremonia se le acercó un niño con su mamá, y que la mamá le decía: “Mira, mira, mira, él es el que hizo Spiderverse”. El niño se le acerca y le dice: “¿Es usted?, gracias por hacer un superhéroe que habla igual que yo y que se parece a mí”. Entonces dice el director: “Con esto me di por bien servido, me pueden quitar mi salario y estoy feliz”. Y ese tipo de historias me gustan mucho y son las que yo he buscado contarnos.
Saúl Ramírez: Viene la secuela Spider-Man: Across the Spiderverse, en la que también estás trabajando. ¿Qué es lo que sigue para Spider-Man? ¿Qué se ha planteado el equipo de animadores para esta nueva película?
CA: Cuando empecé en este proyecto, en Un nuevo universo, y empecé a ver las primeras etapas del proyecto, yo decía: “¿Cómo lograron esto? ¿Cómo estamos haciendo esto? ¿Cómo es que este estilo visual está siendo plasmado en animación?”. En mi cabeza no lo lograba concebir.
Ahora me está pasando exactamente lo mismo. Lo cual es raro, porque ya ha pasado mucho tiempo. He agarrado más experiencia todavía. Entonces, yo podría pensar que es muy difícil que algo me sorprenda. Y de repente llego a esta película otra vez y ver todas las pruebas que se están haciendo es una locura. Son cosas que en mi vida pensé que se iban a poder animar y se están animando. Lo único que puedo decirles es que si la uno les pareció una explosión visual, la dos es una locura.
Valeria González: ¿Cómo ha cambiado tu concepción del arte de la animación, sus objetivos, de cuando saliste de estudiar a hoy en día?
CA: Cuando salí de estudiar, la verdad sentí que me iba a morir de hambre. Ya con el paso de los años y con mucho trabajo duro, estoy en un momento en donde ya puedo decir que me encanta hacer lo que hago. Que mi trabajo salga en la televisión o en el cine, y que mi nombre salga ahí, la verdad es que ya es un extra. Para mí es un juego todavía haber estado en proyectos como Spiderverse, ya que es una película que cambió la animación. O sea, siento que hay un antes y un después de Spiderverse. Hace poco estaba leyendo un artículo en el que se decía que, antes, las películas animadas buscaban tener el «Pixar look». Es decir, todas buscaban verse como Pixar, pero que a partir de Spiderverse las películas nuevas están buscando tener el «Spiderverse look«. Y ya vemos películas como La familia Mitchell vs. las máquinas o incluso producciones como Pixar, por ejemplo Red, donde los personajes les cambian los ojitos a tipo animé. O películas como El gato con botas que va a estrenar este año y su trailer es idéntico al de Spiderverse. Ver que este tipo de animación se está empezando a crear en otros proyectos y saber que tú fuiste parte de ese que originó todo, pues es algo muy bonito.
Texto y edición:
Joshua Sigler
Saúl Ramírez
Viviana Aguilar
Diego Westrup
Gerardo González
Omar Ayala
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
¿Dónde ver? Disponible en DVD en Amazon.
Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Estrreno, trailer y entrevista del coming-of-age con Isaac Cherem y Aksel Gomez| Cine PREMIERE
Déjame estar contigo es una producción mexicana en la que Bruno y Lucía, un par de adolescentes con toda la inexperiencia del mundo y nada de tiempo restante, deciden aventurarse en la mágica experiencia humana que es querer a alguien y dejarse querer por ese alguien.
¿De qué trata Déjame estar contigo?
Bruno es un joven de 18 años que es deportado de Estados Unidos a México sin conocer nada ni a nadie. Lucía es una universitaria de 19 años con una enfermedad incurable. Sus caminos se cruzan cuando Bruno, trabajando en un call-center, llama a Lucía, quien le pide ayuda con una situación urgente.
En esta llamada encontrarán empatía, esperanza y mariposas en el estómago provocadas por alguien a quien todavía no conocen. Cuando lo hacen, tendrán que decidir cómo enfrentar sus sentimientos por el otro.
¿Quiénes están detrás de Déjame estar contigo?
Esta montaña rusa de emociones está escrita por Fernanda Eguiarte (La flor más bella) y dirigida por Isaac Cherem (Leona), quien nos compartió en entrevista para Cine PREMIERE que ella “es una persona muy tierna, entonces siento que ella ve así las relaciones”, además de que la inspiración para tomar este proyecto fue “mi experiencia personal de transición a la adultez, que tengo muy presente, que fue muy importante, que fue muy intensa y que, además, fue mientras me mudaba la Ciudad de México. Entonces era como un poco lo que vive el personaje de Bruno”.
En las sillas de producción tenemos a José Nacif Gobera (La caída), Marco Polo Constandse (Casi el paraíso), Catalina Aguilar Mastretta (Cindy, la regia: la serie) y Mariana Rodríguez Cabarga (Temporada de huracanes) a través de Filmadora; mientras que Fernanda Eguiarte y Ramiro Ruiz (Somos oro) se enmarcan como productores ejecutivos. La cinta está distribuida por Videocine.
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El elenco detrás de Déjame estar contigo
Aksel Gómez hace su debut fílmico en esta cinta, quien también nos contó en entrevista que encontró muchas similitudes con su personaje, a tal punto que sentía que estaba predestinado. Como Bruno, él también ha vivido toda su vida en Estados Unidos, lo que ayuda muy poco en su habla del español, sin embargo, aunque al principio podemos detectar cierto acento que lo delata, para el final su pronunciación tiene una notoria mejoría.
Al respecto, dijo que todo fue cuestión de “práctica, también, hablando con Andrea y con el crew. Y también hice una playlist de canciones de puro español, y las cantaba en la mañana antes de ir al set para que se me aflojara la lengua”. En esta misma conversación, Isaac preguntó cómo se comunicaba con sus papás, a lo que Aksel respondió que utilizaba el inglés, el español y el spanglish: “Como mi papá no es de Estados Unidos, es de México también, con él hablo mucho español; y con mi mamá es mayormente en inglés, pero sí, a veces le hablo en español también”.
A su lado, también protagonizando, se encuentra Andrea Sutton (The Gigantes), uniéndoseles Silvia Navarro (Papá o mamá), Johanna Murillo (La liberación) y Regina Blandón (Firma aquí).
¿Cuándo estrena Déjame estar contigo?
Este coming of age llega a las salas de cine mexicanas a partir del 30 de enero de 2025.
Póster oficial
Trailer oficial de Déjame estar contigo
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Yessica R. Viais Vivo creyendo que no se trata de lo que ves en la pantalla, sino de lo que te hace sentir, y mí me gusta mucho sentir. I’m just a girl… jaja
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Como ha sucedido en los últimos años, la fuerza interpretativa de las mujeres ha dejado espectaculares resultados. Hace unos meses, dos leyendas de la industria (Angelina Jolie y Nicole Kidman) parecían inamovibles entre las nominadas al Óscar 2025 como Mejor actriz, pero las últimas semanas han dado un gran giro a la competencia. Contendientes internacionales, películas exitosas y otros premios han hecho que la categoría sea una de las más difíciles para predecir. Y no nos malentiendan, eso se agradece.
Considerando los resultados de la temporada de premios, la narrativa alrededor de esta, e incluso los discursos, a continuación te presentamos nuestra predicción de la actriz que se alzará con la estatuilla más codiciada de la industria cinematográfica.
Revisa aquí la lista completa de nominaciones y nuestro análisis (con predicciones) por categoría.
Demi Moore – La sustancia (Predicción CP)
Tras años de ausencia, Demi Moore demostró que no sólo tiene el talento para protagonizar una cinta arriesgada, sino también las agallas para retarse a sí misma. Si los momentos más “extraños” en La sustancia funcionan (y vaya que hay muchos) es gracias a ella, que además ya tiene en la bolsa el Globo de Oro. Es díficil imaginar a otra actriz que pudiera interpretar a Elisabeth Sparkle con tanta dignidad y precisión.
A favor: Una poderosa narrativa muy similar a la que se ve en la película. Su discurso de agradecimiento en los Globos de Oro hizo que el mundo volteara a verla. Por otro lado, la Academia ama los regresos como este… y a los actores ocultos tras grandes capas de maquillaje.
En contra: El poco amor que los votantes han dado al terror / thriller, o a películas con una temática e imágenes igual de sangrientas. Mikey Madison también representa una gran amenaza.
Mikey Madison – Anora
La historia de una trabajadora sexual que sucumbe ante el amor hizo que esta joven actriz consiguiera el reconocimiento mundial. Los fans de Scream y Había una vez… en Hollywood ya la conocían, pero ahora fue el turno de la industria para ponerla en la cima. Como en el caso anterior, no habría una Anora tan aclamada de no ser por Madison.
A favor: Una película constante en nominaciones para otros premios. Madison ha conseguido todas las nominaciones de los premios precursores y carga, totalmente, con el peso de la cinta. Para quienes no la conocían, es toda una revelación.
En contra: El contenido sexual de la cinta podría alejar a algunos votantes. Se trata, también, de una actriz que “apenas” tiene 25 años. Muchos podrían considerar que, con su talento y edad, no batallará en conseguir otra nominaciones y galardones en el futuro.
Cynthia Erivo – Wicked
Después de una larga carrera en el teatro y algunos papeles en la pantalla grande (no todos igual de exitosos), la británica consiguió uno de los personajes más aclamados en 2024: Elphaba. La historia no contada de la bruja verde nos recordó su increíble talento vocal, pero también el rango que tiene para ir de la felicidad al coraje en sólo instantes.
A favor: Una película más que complaciente. La gran mayoría de los que ven Wicked resultan fascinados por su historia y mitología. Por otro lado, la cinta cierra con su interpretación de Defying Gravity, donde entrega todo de sí y crea momentos memorables. Tampoco se ha quedado fuera de las nominaciones más importantes.
En contra: Hay una competencia brutal por parte de Madison y Moore, y si hay una actuación de Wicked que será premiada por la Academia, esa pinta para ser la de Ariana Grande como Glinda. No todo está perdido, pues podría competir el próximo año gracias a Wicked: For Good, y a la canción que coescribió para la película.
Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
Más de una década atrás disfrutamos de su talento en Nosotros los Nobles, e incluso hace un par de años participó en un programa de cocina mexicano. Hoy, Karla Sofía Gascón llega a la contienda con un premio de Cannes y múltiples marcas en otras ceremonias, pero sobre todo, con una seguridad impresionante. Hay muchas cosas cuestionables en la película donde participa, pero si alguien cumple con lo que se le pide, es ella.
A favor: Una película adorada por la crítica internacional. Si los votantes extranjeros apoyan una actuación, muy probablemente sea esta. Al ser la primera actriz trans nominada a un Óscar, también arrastra consigo una importante narrativa. Su triunfo, por muchas razones, sería un momento histórico.
En contra: Las dudas sobre su rol en la película. Esta lleva el nombre de su personaje como título, pero muchos la consideran una interpretación secundaria y ven a Zoe Saldaña como la verdadera protagonista y es ella quien ha recibido más elogios.
Fernanda Torres – I’m Still Here
Creció en un entorno marcado por el arte. Su madre, Fernanda Montenegro, es considerada una de las actrices brasileñas más importantes de la historia, y ahora es su turno para continuar con el legado. Las buenas críticas a su trabajo y el apoyo de fans y críticos internacionales parecen coincidir en una cosa: “lo que bien se aprende, nunca se olvida”. Es considerada una gran figura en el arte contemporáneo brasileño.
A favor: Una sorpresiva victoria en los Globos de Oro, donde venció a actrices con mayor renombre. Su película, desde entonces, ha debutado con éxito en otros países y ha generado más conversación a su alrededor. Es una carrera muy abierta, y si los votantes internacionales deciden apoyarla, podría repetir la sorpresa. Además, que su película contienda al premio máximo no se debe ignorar.
En contra: Prácticamente todos los premios precursores han ignorado su trabajo. No estuvo presente en los Critics Choice Awards, SAG o BAFTA, y por ello, se puede considerar que la nominación es su verdadero triunfo.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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