Musica
Joyísimas: 7 discos conceptuales para entender la genialidad de las óperas rock
Una de las grandes revoluciones en la historia de la música, vino cuando los artistas comenzaron a trabajar en discos conceptuales. Fue a mediados del siglo veinte cuando músicos de diversos estilos, sobrados de creatividad, pensaron en alguna manera de hacer que un álbum estuviera más cohesionado dentro de una temática en específico.
La canciones ya no tenían que tratar cada una un tema por separado sin relacionarse; ahora se nos podía contar una misma anécdota desde la primera rola de un material discográfico, hasta el track final del mismo. Y de a poco, ese recurso del álbum conceptual nos llevó a las conocidas óperas rock.
Con las óperas rock, se hizo más común el uso de un personaje o un hilo conductor muy específico cuya historia se desarrollaba en cada tema, funcionando estas como si fueran capítulos. Y eso es lo bonito de este tipo de trabajos musicales: los artistas ponen sus capacidades creativas al máximo para ensamblar una trama a lo largo de cualquier cantidad de canciones.
Son producciones ambiciosas en toda la extensión de la palabra, que nos muestran de cierto modo los alcances en la inspiración de aquellos que componen. Aquí, enlistamos algunas de las óperas rock/discos conceptuales más geniales que se conocen desde siempre.
The Rise Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars – David Bowie
Podemos llamarle a este uno de esos ‘accidentes’ que terminan siendo espectaculares. ¿Por qué? Bueno, porque se dice que David Bowie nunca pensó en Ziggy Stardust and the Spiders from Mars como un disco conceptual o una ópera rock. Simplemente se fue dando y terminó siendo eso.
Las canciones del disco se compusieron al mismo tiempo que en la etapa de Hunky Dory y según algunos testimonios de los músicos que trabajaron en Ziggy Stardust, nunca se habló en reuniones sobre hacer un álbum conceptual. Ken Scott, productor del disco, dijo alguna vez que solo tres canciones se unen entre sí concretamente: “Ziggy Stardust”, “Lady Stardust” y “Star”. Las demás, siendo coincidencia o tal vez no, terminaron encajando bien con la historia lineal que al final Bowie puso sobre la mesa.
Ziggy Stardust era un alienígena andrógino enviado a salvar la Tierra -o algo así-, alcanzando aquí la fama y siendo corrompido por la misma (de ahí el término de ‘el ascenso y la caída’ en el título del disco). The Spiders From Mars era su banda, inspirada por el gusto del propio David por esos artistas enormes acompañados por sus grupos como Iggy Pop and The Stooges o Lou Reed durante su época con Velvet Underground. La estética de su personaje y su historia, se sabe, estaban basadas en el solista Vince Taylor y Marc Bolan de T. Rex.
En una anécdota curiosa rescatada por la NME, se dice que David y los integrantes del grupo, vestidos con sus prendas extravagantes, estaban en los foros de la BBC pues tocarían en el popular programa Top Of The Pops… Bueno, pues la gente del canal los confundió pensando que eran extras de la serie de ciencia ficción Doctor Who. Al final, la presentación en TOTP significó efectivamente el ascenso al estrellato masivo para Bowie luego de que sus primeros discos, aunque eran buenos, no tuvieron el éxito deseado.
Tommy – The Who
Tommy de The Who, lanzado en 1969, es uno de los discos a los que el tiempo no le ha jugado una buena pasada, pues ya no se habla de él con la misma regularidad como de otras piezas de antaño. Pero este, es por mucho uno de los mejores álbumes del combo británico y para muchos, es el que definió lo que es una ópera rock como tal.
La historia que nos cuenta se centra en Tommy, un niño que crece con su madre y su padrastro sin complicaciones… Al menos hasta que se entera que su verdadero padre, un militar que se pensaba estaba muerto, regresa a casa solo para ver que su esposa ha hecho su vida con otro sujeto.
El padre biológico de Tommy mata a su padrastro frente a los ojos del joven protagonista, dejándolo con un trauma intenso que bloquea sus sentidos de la vista, el oído y el habla. Y así, nos adentramos en la dura vida de este chico, que es eventualmente abusado por primos y tíos, al tiempo que descubre su única pasión: el pinball (del que es un excelente jugador ya que su desarrollado sentido del tacto se lo permite).
Luego de algunas sesiones de terapia con un psicoanalista, la mamá de Tommy logra desbloquear la mente del chico de manera aparentemente milagrosa, devolviéndole sus sentidos. Debido a ello, se hace muy popular y sus familiares quieren ganar dinero a costa del propio Tommy explotándolo como una especie de gurú… Pero al final, notablemente afectado por su experiencia, Tommy pierde a sus seguidores quedando atrapado en sus propias fantasías.
De-Loused in the Comatorium – The Mars Volta
Intentar entender las letras de The Mars Volta es una tarea titánica porque no son lo que podríamos decir, muy literales. Cedric Bixler-Zavala es un letrista raro, en el mejor sentido de la palabra, y nunca escatima en crear sus propios términos o en hacer analogías muy técnicas o filosóficas que a primera escucha, parecieran nada entendibles. Pero eso es parte de la magia de TMV y por supuesto, del fabuloso De-Loused in the Comatorium.
Pa’ pronto…. El disco nos habla de Cerpin Taxt, un artista con tendencias suicidas que se da un pasón de morfina y veneno para ratas (dicen algunos, jeje). La intoxicación lo lleva a permanecer en coma durante varios días, conociendo un mundo fantasioso (el Comatorium) en su propia mente, que le fascina y le aterroriza casi por igual.
Las interpretaciones varían, pero una creencia muy popular dice que al final del disco, Cerpin Taxt ha despertado y se siente decepcionado del mundo convencional, en el entendido de lo que vivió mientras permanecía en coma. Y así, decide quitarse la vida lanzándose de un puente hacia una autopista. Esta de más decir que la historia está inspirada en el viejo amigo de la banda, Julio Venegas.
The Wall – Pink Floyd
Ningún listado sobre óperas rock o álbumes conceptuales puede estar completo sin The Wall de Pink Floyd. Un joya absoluta de la música que nos explica a grandes rasgos lo que es una crisis existencial, y como el trauma derivado de este u otros factores nos puede aislar dentro de un muro de autopreservación que nos condena a la soledad.
Pink, una estrella de rock deprimida, recuerda poco a poco cada uno de los traumas que ha arrastrado desde la niñez hasta su vida actual: la muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, ser víctima del abuso y la intimidación escolar, la sobreprotección de su madre, la infidelidad de su pareja, la adicción, el sentimiento de soledad, entre otras cosas… Cada problema representa un ladrillo en la pared/muro que él mismo construye para aislarse del mundo.
El final del disco es ambiguo, pues si bien se establece que el muro cae luego de que Pink afronta su crisis existencial, también queda una referencia para helarte la sangre sobre que este tipo de experiencias, las crisis y los problemas nunca acaban. Libre interpretación pues, pero quizá la lección al final es que el sufrimiento es parte inherente de la vida misma y hay que aprender a lidiar con él cuando aparece; hay que saber derrumbar los muros que nos imponemos.
The Black Parade – My Chemical Romance
Si hay un disco con el que My Chemical Romance se ganó el estatus como una de las mejores bandas de su generación, ese es The Black Parade. Es justo decir que MCR regularmente sabe hacer discos conceptuales sin problema (por sí solo, Gerard Way es una maquinaria de creatividad perfecta), pero este álbum está varios peldaños por encima.
La historia se centra en el personaje de El Paciente, un hombre enfermo de cáncer en un hospital que empieza a rememorar su vida y sus relaciones en su lecho de muerte. Cada canción sirve como una explicación de sus recuerdos con su pareja, amigos, familia, así como su reflexión sobre si le tocará ir al cielo o al infierno o si eso en realidad existe, entre varias cosas más.
Estéticamente, los disfraces de la banda en este disco son alusiones a Sgt. Pepper de The Beatles, mientras que en lo musical y lo lírico David Bowie (con el ya mencionado Ziggy Stardust) y Queen (principalmente en diversos arreglos de guitarra de Ray Toro) son influencias muy notorias.
American Idiot – Green Day
Otro gran disco de los 2000 que demuestra que los álbumes conceptuales no pierden peso en la industria. American Idiot puede ser considerado el máximo éxito comercial de Green Day y es curioso eso tomando en cuenta que el material pudo no haber existido. Billie Joe Armstrong y compañía lo trabajaron luego de que otro disco que tenían en proceso, Cigarettes & Valentines, se perdiera en un robo a su estudio. AQUÍ la historia.
Pues bien, en el aclamado American Idiot, se nos presenta al Jesus Of Suburbia (o el Jesús de los Suburbios), un adolescente punk de clase media baja, problemático, con problemas familiares, adicciones y que aparentemente no tiene un lugar en el mundo. En la canción del mismo nombre, que dura casi 10 minutos, se cuenta dinámicamente su historia en varios capítulos: cómo escapa de los suburbios y de su vida apestosa donde siente que nadie cree en él.
En las demás canciones, se nos relata su viaje a la gran ciudad en busca de una oportunidad de ser alguien en la vida. Pero nada es fácil… Después de pasar un periodo de fiesta, sabe que es momento de ponerle seriedad a la vida. Pero la gran ciudad no lo ha tratado bien; él siente que no pertenece ahí y empieza a sentirse solo. Su primera idea entonces es adoptar un alter ego conocido como St. Jimmy, un tipo sin escrúpulos al que no le importa nada.
Ahora bajo su nueva identidad, se enamora de una chica de la que no recuerda el nombre (“Whatsername”), la pasan bien, pero la incapacidad de St. Jimmy para madurar y aspirar a una vida tranquila terminan esa relación. Nuestro protagonista ha fracasado en su aventura, pero ve la vida con perspectiva y se da cuenta que el inmaduro St. Jimmy -en sentido figurado- debe morir para dar paso a un nuevo ciclo de vida. Y este, consiste en regresar a casa para nuevamente empezar de cero.
Metropolis, Part II: Scenes From a Memory – Dream Theater
Por mucho, dentro de este listado, este disco de Dream Theater es el más complejo como álbum conceptual. Y es que si recuerdan bien, la banda tiene un tema llamado “Metropolis Part I – The Miracle and The Sleeper” de 1992.
Pues bien, la continuación de esa canción es un disco completo llamado Metropolis, Part II: Scenes From a Memory. Pero vayamos por partes… En “The Miracle and The Sleeper”, se nos cuenta la historia de dos hermanos, Edward y Julian, quienes están enamorados de la misma mujer, una chica llamada Victoria. Para esto, Victoria y Julian son pareja como tal.
Y entonces, viene el trancazo para volarnos la cabeza… En el disco Metropolis Part II, conocemos a un hombre llamado Nicholas quien va a hipnoterapia para analizar sus sueños. Él sueña precisamente con Victoria (la mujer de la canción anterior) y en sus visiones, Nicholas nos revela que esa mujer engaña a Julian con su hermano Edward… De locos, ¿no? Pues la cosa se pone mejor.
Resulta que Nicholas es algo así como la reencarnación de Victoria en otra vida y por eso tiene esas visiones de ella y los hermanos enamorados de esta mujer. Para no hacerles el cuento largo, en este enredo de infidelidades, Nicholas descubre en sus sueños que Julian mató a Victoria y luego este mismo se suicidó. Desencajado, Nicholas regresa a su casa y ahí mismo es asesinado por su terapeuta… Así, se nos revela que el hipnoterapeuta es la reencarnación de Edward, quien en la vida pasada se enteró que Victoria en realidad no lo amaba. ¡WTF, qué locura!
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A 22 años de haber iniciado su carrera como solista, Kalimba regresa a Guadalajara con un formato que apuesta menos por el espectáculo multitudinario y más por la cercanía emocional.
El cantante presentará el próximo 7 de mayo su “Íntimo Tour Deluxe” en el Teatro Galerías, un concierto construido a partir de las canciones que marcaron su trayectoria y de las peticiones de sus propios seguidores.
Tras concluir en febrero la gira “K20”, el intérprete inicia una nueva etapa con un espectáculo que recorrerá México, Estados Unidos y Europa. Sin embargo, Guadalajara vuelve a ocupar un lugar especial dentro de ese camino, pues, según el propio artista, la ciudad se ha convertido en una constante dentro de su historia profesional.
“De 10 giras que he hecho, siete han arrancado aquí, sin contar las de OV7. Mi primer festival, mi primera presentación en vivo de un sencillo y mi primer show como solista con ‘No Me Quiero Enamorar’ hace 22 años fue aquí en Guadalajara. Honestamente me siento muy agradecido y muy honrado. Guadalajara es como mi ‘lucky charm’”, compartió en entrevista con EL INFORMADOR.
Cara a cara con sus fieles
Kalimba plantea ahora una experiencia más íntima y flexible, capaz de adaptarse tanto a escenarios pequeños como a recintos de mayor capacidad.
“Estamos emocionados de que el público quiera más. Es la continuación de la gira ‘Íntimo’ y por ello ahora es ‘Íntimo Deluxe’. Habrá más que mis canciones y mis éxitos; también habrá homenajes a José José, Juan Gabriel, Emmanuel y Los Ángeles Negros”, explicó.
La nostalgia será una de las piezas centrales del espectáculo. Además de interpretar sus temas más conocidos, el cantante incorporará canciones sugeridas por sus seguidores en redes sociales, lo que convertirá cada fecha en una experiencia distinta.
“Consulté con mis seguidores qué más querían escuchar. Mencionaron a Luis Miguel, Cristian Castro, Luis Fonsi, David Bisbal, Alex Ubago, Armando Manzanero, Francisco Céspedes, Ricky Martin y Julio Iglesias. De ahí vamos a elegir algunas que quedarán en el show y esto será un karaoke”.
El artista adelantó que el concierto está pensado para sentirse como una reunión entre amigos, donde el público no solamente escuche, sino que también participe activamente.
“El show lo generamos a partir del capricho del público. Canto mis éxitos, los temas de homenaje y canciones que nunca habían venido en algún disco. Estoy seguro de que van a sentirlo como un gran karaoke, como una bohemia con Kalimba, y para mí es un placer”.
Lleno de gratitud
En medio de una carrera que ya suma más de dos décadas, Kalimba aseguró sentirse agradecido por la permanencia y el respaldo de sus seguidores, especialmente porque considera que la relación entre artista y audiencia es lo que realmente da sentido al escenario.
“Son ya 22 años y me siento tremendamente agradecido. El público es una parte crucial de mi vida. Yo puedo ser artista en mi casa o en el estudio, pero arriba del escenario no existe el performer si el público no está ahí. Qué bendición poder expresar el arte frente a la gente y tener una relación tan linda con ellos”.
Para el cantante, esa conexión no se limita al entretenimiento. Con el paso de los años, asegura haber comprendido que sus canciones también pueden convertirse en refugio emocional para quienes lo escuchan.
“Yo intento cantar y hacer cosas que lleguen no solamente a sus oídos, sino a sus corazones. Creo que la base de la relación con el público es el amor”.
Esa visión también influye directamente en la manera en que escribe y concibe su música. Al hablar sobre las emociones que lo inspiran, Kalimba se inclinó por el corazón humano como el eje principal de sus composiciones.
“La vida misma inspira, pero sobre todo el corazón. El ser humano vive en una búsqueda constante de amor. A veces encontramos lugares tóxicos, de dolor o necesidad; otras veces encontramos pasión y aventura. El corazón humano es un lugar tan enigmático que esa es mi musa principal”.
“El Triste”, la canción que transformó su camino
Dentro del repertorio de “Íntimo Tour Deluxe”, uno de los momentos más significativos llegará con la interpretación de “El Triste”, tema que, según el cantante, marcó un antes y un después en la percepción que el público tenía de él como intérprete.
“Durante muchos años me consideré un buen entretenedor. Tú ibas a verme y sabías que la ibas a pasar bien. Pero a partir de que canté ‘El Triste’, creo que se me dio un lugar distinto en la música. Ya no solamente entretienes, también interpretas y haces sentir”.
Kalimba confesó que revisitar canciones que lo han acompañado durante distintas etapas de su vida suele convertirse en un ejercicio profundamente emocional, pues inevitablemente lo confronta con el paso del tiempo y con la evolución de su propia carrera.
“Estas canciones me recuerdan dónde estaba hace 10 o 15 años. Creo que desde ahí Kalimba dejó de ser solamente un artista que entretiene para convertirse en alguien que busca quedarse en la vida de las personas. Hay cosas que disfrutas un momento y luego olvidas. Yo quiero que la música se guarde en la gente y creo que estas canciones lo han logrado”.
Kalimba en concierto
En un formato personal, regresa el cantante para presentarse el 7 de mayo, a las 21:00 horas, en el Teatro Galerías, con su gira “Íntimo Tour Deluxe”.
CT
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La democratización de la inteligencia artificial (IA) generativa ha otorgado a artistas y aficionados un “poder de deidad” capaz de subvertir la realidad física y fusionar los sentidos.
A través de la multimodalidad, nuevas herramientas permiten crear mundos que a la par que imaginativos son hiperrealistas, o que la música trascienda lo auditivo para transformarse en experiencias visuales interactivas, rompiendo las barreras tradicionales.
Esta semana, Google Labs permitió a un grupo de artistas -procedentes de campos tan diversos como la arquitectura, la moda, el periodismo y el cine- utilizar su última herramienta de generación de vídeo, Flow, para desarrollar cortometrajes en seis semanas.
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Manipular la naturaleza
A pesar de sus distintos orígenes geográficos y profesionales, los proyectos revelaron tendencias comunes como el rechazo deliberado a la “perfección” digital -los artistas optaron por rostros humanos con acné, cicatrices o dientes rotos- o la manipulación de la naturaleza, al crear mundos donde la nieve sube en lugar de caer o la naturaleza domina espacios cotidianos.
Lucas Ortiz, director y uno de los participante en el proyecto, explicó en una entrevista con EFE esta nueva relación con lo divino: “De alguna forma la IA te da como un poder de deidad. De repente el poder manipular la naturaleza te da una sensación de asombro… como que te atrapa el poder cambiarla”.
Ortiz trabaja actualmente en el lanzamiento de su película ‘Los Exploradores’, una obra generada por IA que narra la historia de un creador de imágenes al que se le pide generar imágenes del conflicto en Gaza, desencadenando una reflexión sobre la propia naturaleza de la inteligencia artificial.
Conflicto en la industria
El artista español explica que el proceso de crear una película con IA es completamente distinto al de crear una cinta convencional: “Todos mirábamos a la pantalla juntos. Yo iba diciendo: ‘Esto me gusta, esto no’; el ayudante de dirección decía: ‘Ahora cortamos'”, relata sobre un proceso que combinó tres meses de generación y tres de montaje
.Aunque el director prevé un “boom” increíble en los procesos de CGI (imágenes generadas por computadora) y postproducción que podría reducir costes drásticamente, “como producir un ‘Superman’ por 100 millones de dólares en lugar de 300”, considera que el cine de autor íntegramente hecho con IA todavía está lejos.
Sin embargo, el avance tecnológico no está exento de conflictos legales y sociales. La IA fue uno de los detonantes de las recientes huelgas en Hollywood y la industria de los videojuegos.
La película ‘The Brutalist’ fue muy criticada después de que el editor Dávid Jancsó revelara el uso de IA (Respeecher) para que los actores Adrien Brody y Felicity Jones sonaran más auténticos al hablar húngaro. No obstante, Brody se hizo con un Óscar por su actuación en la cinta.
Mira: Adiós a comisiones por pagar gasolina en México: en esta fecha inicia
El futuro del sonido
En el ámbito musical, el auge de la IA ha hecho que sea difícil para el oído humano distinguir entre una canción creada por un ser humano o por una máquina. Modelos gratuitos como Suno y Udio son algunos de los más populares, ya que permiten crear canciones de cualquier estilo, sobre cualquier tema y en varios idiomas.
Elias Roman, director senior de producto en Google Labs, señala a EFE que surgirán géneros completamente nuevos.
“Podrás convertir tu canción en un videojuego o en un visualizador interactivo. Veremos relaciones más auténticas donde la gente crea música para su círculo íntimo, como canciones de cumpleaños personalizadas”, explica Roman.
El gran quebradero de cabeza de estas nuevas herramientas de IA son los derechos de autor; es por ello que muchos modelos no permiten al usuario insertar letras de canciones o usar voces -aunque sean las suyas- por miedo a enfrentarse a una denuncia.
“La parte técnica no es lo difícil; lo difícil es asegurar que haya una forma responsable de hacerlo, para que si dices que es tu voz, realmente lo sea”, explica Roman.
En 2024, más de 200 artistas, incluidos Billie Eilish, Pearl Jam y Katy Perry, pidieron a las empresas de tecnología que dejaran de usar IA para “infringir y devaluar los derechos de los artistas humanos”.
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El nuevo disco de Carlos Vives, dos temas de Maluma y una colaboración de Luis R. Conríquez y Grupo Frontera inspirada en Salma Hayek encabezan los principales estrenos de música latina de esta semana, marcada por una mezcla de sonidos tradicionales y propuestas contemporáneas.
A estos lanzamientos se suman novedades que reflejan la diversidad del panorama actual: Silvestre Dangond y Manuel Turizo sorprendieron con una reinterpretación de su tema “El Pacto”, ahora transformado con ritmos de bachata que le dan un giro fresco y bailable; mientras que Tito Double P presentó “Pase y Pase”, su primer sencillo del año, en el que explora emociones intensas dentro de relaciones marcadas por la contradicción.
Por su parte, Leonardo Aguilar rinde homenaje a la herencia musical mexicana con una nueva versión de “El Adolorido”, reconociendo la influencia de Don Antonio Aguilar en la cultura popular.
En conjunto, estos lanzamientos no solo destacan por sus colaboraciones y fusiones de géneros, sino también por la forma en que conectan tradición, identidad y nuevas tendencias dentro de la música latina.
Homenajea sus orígenes
Maluma, la estrella colombiana lanzó el sencillo “Loco X Volver”, un tema cargado de emoción en el que explora sus raíces a través de un bambuco andino y que está acompañado por un videoclip en el que se observa el páramo colombiano y otras imágenes del día a día en su Medellín natal.
Por si fuera poco, esta semana, el cantante también colaboró en el tema “QHP Piñata” un adelanto del “mixtape” del productor colombiano Sky Rompiendo y Kris R., que apuesta por un reguetón enérgico que combina percusiones contundentes con sintetizadores.
Siguiendo en el tono del talento colombiano, Carlos Vives presentó su nueva producción discográfica, “El último disco Vol.1”, compuesto por diez canciones que buscan conectar la raíz y la modernidad e incluye colaboraciones de figuras como el dominicano Juan Luis Guerra, el productor Sergio George y la cantautora española Niña Pastori.
Origen y sinergias
Silvestre Dangond y Manuel Turizo vuelven sobre uno de sus temas más conocidos, “El Pacto”, pero lo hacen desde un lugar distinto. La canción, que en su versión original respiraba el aire del vallenato, ahora se transforma bajo el pulso de la bachata, un giro que no solo modifica su ritmo, sino también su atmósfera.
En esta nueva lectura, la historia adquiere un tono más íntimo y cadencioso, dejando que las emociones fluyan con una sensibilidad diferente, marcada por la esencia del género dominicano.
Por su parte, Tito Double P abre su año musical con “Pase y Pase”, un sencillo en el que se adentra en los claroscuros de las relaciones intensas. A través de una narrativa que oscila entre el deseo y la dependencia, el artista construye un relato donde la repetición y la contradicción definen el vínculo entre sus protagonistas, dibujando una dinámica emocional tan adictiva como inestable.
En otro registro, Leonardo Aguilar mira hacia atrás para rendir homenaje a una de las figuras más emblemáticas de la música mexicana. Con su interpretación de “El Adolorido”, el cantante no solo revisita una pieza clásica, sino que también honra el legado de Don Antonio Aguilar, evocando su influencia tanto en la música como en el cine.
La versión busca tender un puente entre generaciones, acercando esa herencia artística a nuevos públicos sin perder su esencia original.
Se inspiran en Salma Hayek
Los mexicanos Luis R. Conríquez y Grupo Frontera estrenaron el tema “Salma Hayek”, un corrido tumbado que mezcla el sello narrativo del regional mexicano con matices más contemporáneos, apostando por una producción que resalta tanto la voz como la atmósfera del tema. La canción retrata a la actriz como una figura sofisticada, magnética e inalcanzable, construyendo a su alrededor una imagen de lujo, misterio y poder de atracción, capaz de hipnotizar a cualquiera que se cruce en su camino.
Este lanzamiento representa el tercer adelanto del próximo álbum de Luis R. Conríquez, consolidando una etapa en la que el cantante continúa explorando colaboraciones estratégicas y ampliando su alcance dentro de la escena actual. Con ello, tanto él como Grupo Frontera refuerzan su presencia en uno de los géneros más populares del momento, conectando con nuevas audiencias sin perder su identidad.
Con información de EFE
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