Musica
‘The Car’: El disco más orquestado y retro de Arctic Monkeys que abandona el guitar rock
Los Arctic Monkeys fueron, en sus inicios, una banda popularizada por internet que tocaba riffs acelerados con baterías que parecían una estampida; y de acompañamiento, letras inteligentes y sarcásticas sobre la vida cotidiana de jóvenes ingleses de apenas 20 años.
Dieciséis años y siete discos después, en un proceso de cambio sonoro que gradualmente dejó atrás las letras sobre las noches de fiesta y que los mayores te robaran a tu novia, el cuarteto de Sheffield tiene una ambición gigante que se sirve de una orquesta, teclados, percusiones variadas y un generador lírico en un proceso que como pocos, supieron aprovechar, especialmente Alex Turner, en The Car. AQUÍ las reacciones.
El largo camino hacia una composición ambiciosa y cinematográfica
Los seis discos de los Arctic se han lanzado en un lapso bastante reducido, y a diferencia de algunas bandas de su generación, no han sufrido largos recesos o han mostrado pistas de que exista algún problema entre ellos. Turner y compañía comenzaron como una fuente de riffs, melodías y percusiones complejas que llegó a producir cuatro discos en cinco años como el Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006) y Suck It And See (2011).
Escondiendo sus inicios y adolescencia, hoy presentan un disco orquestado, cinematográfico y refinado que explora el sonido de Tranquility Base Hotel & Casino (2018). Y es una vez más, producido por el integrante en vivo James Ford (Simian Mobile Disco, The Last Shadow Puppets).
Este es el disco más complejo a la fecha de Arctic Monkeys con los arreglos orquestales. Por ejemplo, la incorporación más evidente, sumado a un trabajo en teclados que nunca antes habían usado tanto (al parecer idea de Jamie Cook, según Alex) y con las letras más crípticas que Alex ha escrito en cualquiera de sus proyectos.
No es poco afirmar considerando que hablamos de la banda que creó “Brianstorm” y “R U Mine?”, pero este es otro tipo de complejidad, con muchísimos elementos coincidiendo en cada una de las nuevas canciones. El miembro más atareado en vivo es James Ford, quien soluciona todo lo que se refiere a los nuevos arreglos y percusiones, además de que Jamie trabaja mucho más que antes en los teclados.
La afición al cine
Desde TBH&C, los monos dejaron atrás su zona de confort para aventurarse a nuevos sonidos, ritmos y claramente a nuevos temas para sus letras. Ahora están inmersos en ese sonido. Y aunque Alex reconozca haber usado más guitarra en este disco que en su antecesor, tenemos baladas, algo de funk, percusiones disco y rolas más uptempo con bastante glamour.
El disco está repleto de referencias al cine, por poner algunos ejemplos: se menciona CinemaScope en “Jet Skis On The Moat”; dirigir y actuar en una película en “Big Ideas”; “Sculptures of Anything Goes” surge de Indiana Jones y “Hello You” abre con Lego Napoleon Movie (..).
La afición en común que tienen Alex y Matt, que lleva años siendo un fotógrafo curioso, y justamente tomó la foto del Corolla que es la portada del disco y que refleja en el sentido literal lo que es The Car.
La cima de un cambio natural y trazable
Como las primeras insinuaciones al sonido pre Tranquility Base que nos muestran hoy Arctic Monkeys, recordamos “Only Ones Who Know”, “505”, “Secret Door” y “I Wanna Be Yours”, y por supuesto, las joyas de lo que Alex armó para la peli Submarine como “Piledriver Waltz”, sin que podamos quitarnos de la mente los dos discos de The Last Shadow Puppets como aventuras de Alex que finalmente nos orientan bastante sobre los intereses de los ingleses.
Analizando detenidamente la discografía de Arctic Monkeys, no resulta tan sorpresivo que Alex y compañía se hayan decidido por un camino que los lleva a ser una banda extraña en estos tiempos, homenajeando el sonido de guitarras funky, los teclados en Moog y las baterías sutiles pero difíciles.
“Jet Skis On The Moat” y “The Car” nos dejan una sensación vintage de cantautores del nivel de Leonard Cohen (a quien Alex referenció en TBH&C) o Joan Baez. La elegancia en los acompañamientos del track que da nombre al disco, nos pintan la imagen más clara sobre los monos actuales con un solo de guitarra que ya no busca ser estridente sino colocarse en el mismo nivel que el resto de los instrumentos.
Con diez canciones que apenas sobrepasan los 37 minutos, Alex Turner, Jamie Cook, Nick O’Malley y Matt Helders regresan al planeta después del cambio que significó TBH&C, y se quedó en ellos gran parte del sonido que definió al antecesor de The Car.
La elección por este camino llegó después del punto decisorio más grande que se les presentó con el lanzamiento de AM (2013). En lugar de seguir con la parte más inclinada hacia el rock y la distorsión, los Arctic Monkeys optaron por un sonido distinto, desacelerado que da lugar a una reflexión inagotable por parte de Alex en sus letras.
Matt, que ha cambiado la asombrosa velocidad por una precisión clínica para tocar lo que es necesario para la canción, los arreglos orquestados y la integración del piano en el rock de los monos, ahora luce en una mayor magnitud que el disco pasado. Otro gran acierto es que la orquesta magnifica los sentimientos que pretenden generar los Arctic, tomando su propio camino en lo sonoro.
“Hello You” trae percusiones tropicales, en una oda a los setentas. Este tempo más apresurado que en otras rolas parece ser lo más acelerado que tendremos de la banda en este disco. Una rola sensual otra vez dirigida a una pareja pasada, que parece reflexionar sobre lo sucedido, nos lleva a bailar sobre el dolor. La presencia intensa de la orquesta nos hace pensar en cómo es que James Ford lo trabajará en vivo con sintetizadores que entren en los momentos indicados.
Una delgada línea entre relaciones, desamor y hablarse al espejo
Las letras son un elemento importantísimo en la música de Arctic Monkeys. Desde sus inicios, Alex acaparó la atención por mostrar un manejo de palabras preciso para contar historias personales. Ahora, tenemos a uno de los letristas más solventes de su generación que carga sus letras de símbolos y referencias externas, pero que también juega con las perspectivas y nos pone a especular sobre a quién le habla en cada rola.
“There’d Better Be A Mirrorball” fue la primera canción que compusieron para el disco, y es una muestra clara de que Alex juega con referirse a sí mismo por momentos y a un interés romántico. Eligiendo la interpretación sobre una relación que está muriendo, es increíble el efecto que causa una canción profundamente nostálgica, que justifica la incorporación de cuerdas como vehículo para transmitirnos una tristeza agridulce al pedirle un último baile a alguien.
A lo largo del disco, no sabemos a ciencia cierta si se trata de un ejercicio de autocrítica o Alex le dirige sus mensajes a alguien más en un intento de diálogo sin receptor. Para no variar, Alex le da al clavo con los temas centrales y títulos centrales de sus rolas como “I Ain’t Quite Where I Think I Am” y “Sculptures of Anything Goes”, una mezcla de un beat distorsionado con acompañamiento orquestado en quizás la canción más anticlimática del disco.
“Body Paint” es uno de los mejores trabajos líricos de Alex, considerando todos sus proyectos. En una canción con espacios, Alex habla con alguien, quizás un amor pasado, sobre lo que observa, y esa es una de sus mayores virtudes, ser un testigo honesto de su vida amorosa. En entrevistas, ha reconocido la labor de Jamie Cook en los teclados, y resulta una grata sorpresa el puente de esta rola, con una guitarra distorsionada, guitarra acústica, cuerdas y batería funcionando al unísono. Sin duda, será uno de los mejores momentos del sábado del Corona Capital 2022.
En todo el disco, el símbolo de The Car es un guiño a décadas pasadas, siendo el coche un lugar común y cambiante, dependiendo del contexto. Un lugar feliz cuando nos vamos a vacacionar, como lo dice la rola homónima, un lugar triste y de tensión alrededor de un rompimiento amoroso y hasta un resguardo del resto del mundo. Alex señaló que la repetición de un coche en las letras fue inconsciente, pero al darse cuenta de su presencia, el título del disco debía ser ese.
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La expectativa sobre su regreso a México
Arctic Monkeys le tiene un especial cariño a nuestro país. Con un par de videos sobre sus presentaciones y un resumen sobre su show en el Foro Sol en 2019, esperamos ansiosamente su presentación estelar el sábado 19 de noviembre en el Corona Capital.
Especulamos sobre su setlist, alguna sorpresa especial y quizás hasta vuelvan a grabar algún material para su acervo, ya que seguramente habrá muchísima gente frente al escenario en el que se presentarán los Arctic Monkeys.
Para celebrar la salida de The Car, los monos lanzaron un par de ediciones especiales en vinilo, gris y crema, así como mercancía oficial que pueden encontrar por ACÁ. Después de la dinámica que lanzamos para la listening party del vinil, en colaboración con Vavava shop y Faramalla, podemos confirmar que el LP físico suena espectacular.
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Con concierto magistral en el Teatro Degollado, la edición 29 del Festival Cultural de Mayo concluyó la noche de este viernes con una velada dedicada a la tradición musical vienesa, ejemplificada en las piezas enormes y complejas de Johannes Brahms y Johann Strauss II. En el acto protocolario previo, Sergio Alejandro Matos, director del Festival, agradeció al público por lo que están a punto de ser tres décadas incesantes de cultura en Guadalajara.
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“Quiero agradecer a todos por estos 29 años (…) esta noche Viena está en Guadalajara y está cerrando a lo grande. La verdad es que me cuesta trabajo pensar en lo grande que esto es. Gracias por seguir convirtiendo a Guadalajara en la capital cultural de Latinoamérica“, dijo. Abigail Vásquez, de Cultura GDL, celebró lo que el Festival ha construido anualmente para la ciudad. “El Festival de Mayo se ha convertido en parte fundamental de la identidad cultural de Guadalajara y su permanencia es resultado del trabajo constante de muchísimas personas”, aseguró.
La Orquesta Filarmónica de Jalisco, dirigida por la batuta del maestro invitado Johannes Wildner, contó también con el virtuosismo de la pianista Lilya Zilberstein, cuyas manos mágicas se deslizaban por las teclas como si tuvieran vida propia. Su habilidad en el piano era tal, que, sin mirar siquiera al teclado, con el rostro inmutable, como si fuera una cosa de todos los días, realizaba movimientos tan complejos que en instantes hacía parecer que tenía más de un par de manos.
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El concierto, un homenaje a dos titanes de la música, resultó un viaje sonoro a través de las obras de Johannes Brahms y Johann Strauss II: el Concierto para piano y orquesta, y la Noche Vienesa. El piano llegó a extremos de dulzura y brutalidad; Zilberstein logró traducir los sentimientos de su compositor mismo, pues Brahms la compuso en uno de los momentos más álgidos de su vida, luego de ver cómo su propio maestro sucumbía en el manicomio presa de la locura.
La Noche Vienesa con música de Johann Strauss II, por otro lado, fue un viaje a las profundidades de una noche azul, melancólica y radiante, cuyos seis movimientos parecieron dejar una estela satinada a través de los ámbitos y en el oxígeno mismo del Teatro Degollado. El silencio se volvió una cosa brillante. El público, como es frecuente en los conciertos de la OFJ, no resistió la tentación de aplaudir entre cada movimiento en lugar de esperar a que finalizara la pieza, pues la intensidad de la orquesta hacía inevitable que la audiencia respondiera con el mismo entusiasmo.
La noche entera fue una muestra total del virtuosismo que se puede alcanzar en el piano. También fue un concierto en el que se saldaron muchas cuentas; cuando el Concierto para piano de Brahms fue estrenado hace casi dos siglos, fue recibida de manera agria, e incluso la audiencia la rechazó con silbidos desaprobatorios. “Los silbidos fueron en verdad excesivos”, escribió Brahms, desencantado, a un amigo suyo en una carta de 1859.
El tiempo hizo lo suyo. Lo hizo esta noche, en el Degollado. Los aplausos fueron, sobre todo, para Lilya Zilberstein, que recibió la marabunta sonora de medio teatro, cuyos asistentes, en su gran mayoría, la ovacionaron de pie. Pero sobre todo los aplausos fueron para Brahms, el maestro incomprendido, que no sabría nunca que, 167 años más tarde, su pieza sería aplaudida hasta el cansancio en una ciudad de la que quizá no oyó hablar nunca, pero que usó su pieza para cerrar con broche de oro un festival que, a su vez, en mayo entrante celebrará sus primeras tres décadas de fiesta, cultura y música.
JM
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Ya es viernes, llega el fin de semana y termina el mes de mayo, pero el entretenimiento sigue presente en los principales recintos de la ciudad. Revisa la selección de la agenda de Buena Vida Life & Style y disfruta de los conciertos y los espectáculos que se realizarán a partir de hoy en Guadalajara.
Cristian Castro
El cantante regresa a los escenarios y en su gira Nada, solo éxitos 2026 visita Guadalajara para ofrecer un concierto dedicado a sus seguidores con los temas que se han convertido en emblemáticos éxitos en su carrera y que son parte del pop en español. Con su inigualable voz, el artista promete una noche de recuerdos y música que ha marcado generaciones.
Auditorio Telmex.
29 de mayo, 21:00 hrs.
De $750 a $3,250. $3,950 VIP.
Jesse & Joy
En el marco de su gira El Despecho, el conocido dueto de música pop regresa a la Perla Tapatía para dar un concierto, en el que interpretará las mejores canciones de su trayectoria, los temas de su reciente álbum y los sencillos de su documental lanzado en HBO. Goza de una velada de música que canta al amor, al despecho y hasta tienen dedicatoria.
Arena Guadalajara.
29 de mayo, 21:00 hrs.
De $484 a $3,452.
Víctor García
Tras su gran presentación en el escenario jalisciense con un lleno total en 2025, el cantante originario de Tamaulipas regresa a Guadalajara para ofrecer un concierto dentro de su gira Mi Regreso. Disfruta de una destacada producción en una noche llena de éxitos y algunas canciones recientes, las cuales podrás corear y bailar durante la velada.
Teatro Diana.
29 de mayo, 21:00 hrs.
De $500 a $2,200.
Banda MS
La banda sinaloense ha preparado un gran concierto para subir por primera vez al escenario de Arena Guadalajara, la primera banda del género en presentarse en este recinto. Goza de la música de la banda de Sergio Lizárraga, que año con año renueva su espectáculo, y actualmente cuenta con un segmento de mariachi con el que fusiona su talento y crea un ambiente especial. Sin duda, una presentación que no te puedes perder.
Arena Guadalajara.
30 de mayo, 21:00 hrs.
De $565 a $4,197.
Despechados
Jorge “Coque” Muñiz, Francisco Céspedes y Carlos Cuevas unen sus voces en un original concierto titulado Despechados dedicado a los corazones rotos y aquellos que aman con intensidad. Disfruta de una noche bohemia con las grandes voces de esto cantantes en una velada de canciones de amor, desamor y despecho.
Teatro Galerías.
4 de junio, 20:30 hrs.
$850, $1,000, $1,350 y $1,650.
Incorregibles
Edson Zúñiga “El Norteño” y Javier Carranza “El Costeño” regresan con un renovado show, que se centra en la amistad de ambos y con gran sentido del humor se abordan las irreverencias de la vida, lo absurdo de lo cotidiano así como un bagaje situaciones personales que se reflejan en el escenario. Disfruta de este espectáculo que invita a reír y divertirse.
Teatro Galerías.
30 de mayo, 20:00 hrs.
$550, $600, $900 y $1,050.
Jumbo
Después de más de una década de ausencia discográfica, la agrupación promociona su sencillo Voy a quedarme, y dentro de su gira 2026 visita Guadalajara para brindar un concierto con el que celebra su trayectoria, en una noche llena de energía y nostalgia. Disfruta de un recorrido por lo mejor de su repertorio con nuevos arreglos y una gran calidad sonora.
Teatro Diana.
30 de mayo, 21:00 hrs.
De $300 a $1,300.
El Divo: Homenaje sinfónico al Divo de Juárez
Uno de los cantautores más queridos de México ha sido Juan Gabriel, a quien se le hace un homenaje a su música desde el respeto, la admiración y el amor por su obra. Es un concierto en formato sinfónico interpretado por la Orquesta Sinfónica Camerata Opus 11 y el Coro Sinfónico, que celebran el legado de uno de los intérpretes más grandes del país.
Arena Guadalajara.
31 de mayo, 18:30 hrs.
De $866 a $3,137.
Otros Eventos
Doppler
Escenik Teatro Bar de Palcco. 29 de mayo, 21:00 hrs. $694.
Leire Martínez
Teatro Galerías. 29 de mayo, 21:00 hrs. $1,000, $1,500 y $2,500.
Cornelio Vega & T3r Elemento
Auditorio Telmex. 30 de mayo, 21:00 hrs. De $400 a $2,600. $3,800 VIP.
Los Meñiques de la Casa y Saritah Bebe: Baila a lo loco tour
Teatro Diana. 31 de mayo, 17:30 hrs. De $500 a $1,600.
Peter Pan y los piratas de Nunca Jamás
Palcco. 31 de mayo, 11:00 y 13:30 hrs. $350.
LMV Los Mesmos Show
Teatro Galerías. 31 de mayo, 19:00 hrs. $300, $500, $700 y $1,000.
Milo J
Auditorio Telmex. 4 de junio, 21:00 hrs. De $500 a $1,280. $1,380 VIP.
XM
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Jugar, divertirse y disfrutar del futbol también forma parte de las historias de las mujeres. Esa es la idea que Julieta Venegas transmite en “La Niña Futbolista”, canción presentada rumbo al Mundial de 2026 por el Gobierno de la Ciudad de México.
Se trata de una reinterpretación del tema de la banda de rock infantil Patita de Perro. El videoclip, en el que participa el Coro del Conservatorio Nacional de Música de México, fue lanzado este viernes 29 de mayo con un mensaje que busca visibilizar la participación femenina dentro del deporte.
Durante la conferencia matutina de la Presidenta Claudia Sheinbaum, la secretaria de Cultura, Claudia Curiel de Icaza, explicó que la idea de que Venegas interpretara la canción surgió hace varios meses, luego de una propuesta realizada por la secretaria de las Mujeres, Citlalli Hernández.
La letra incluye versos como: “Le gusta cantar, le gusta brincar y jugar fútbol es muy normal” y “Tienen miedo a jugar con una mujer”, frases que hacen referencia a los prejuicios que enfrentan niñas y mujeres interesadas en el deporte.
De acuerdo con Billboard, la grabación se realizó en los Estudios Churubusco y el videoclip fue producido por Canal 22.
La interpretación de Venegas se suma a las iniciativas culturales que acompañarán la Copa Mundial de 2026, torneo que tendrá como sedes a México, Estados Unidos y Canadá.
Como parte de las celebraciones, el Estadio Banorte tendrá su ceremonia inaugural el próximo 11 de junio, en la que se prevé la participación de artistas como Belinda, Danny Ocean, Los Ángeles Azules, Alejandro Fernández, Tyla, Lila Downs, J Balvin y Maná.
La presentación de la canción generó reacciones encontradas en redes sociales. Algunos usuarios consideraron que la propuesta musical no encajaba con el contexto del Mundial, mientras que otros cuestionaron que el mensaje se enfocara en la experiencia femenina dentro del futbol.
También aparecieron críticas dirigidas a la propia cantante. Frases como “Creo que has hecho cosas mejores que esto”, “¿Julieta, fuiste obligada a cantarla?”, fueron algunos de los comentarios.
MF
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