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Recordemos los mejores proyectos musicales y colaboraciones de Travis Barker
Travis Barker se unió a Blink-182 por ahí a finales de los 90 y el resto es historia. La banda acarició el éxito masivo y él, por en lo individual, comenzó delinear su carrera como uno de los bateristas más importantes de la industria musical moderna.
Más allá de su figura como ídolo innegable del pop-punk, el buen Travis ha sabido convertirse en una figura multifacética. Estrella de reality shows (Meet the Bakers), empresario (Famous Stars & Straps) y desde en el ámbito musical, productor/compositor entusiasta del rap y de la música electrónica…
Es un legado amplio el que ha dejado Travis Barker en más de dos décadas de trayectoria. Aquí, recordamos algunos de sus mejores proyectos y colaboraciones musicales.
Las bandas de Travis Barker antes del estrellato
Lo primero que seguramente se les viene a la mente cuando escuchan el nombre de Travis Barker, debe ser Blink-182…. Pero incluso antes de alcanzar el estrellato, el baterista ya había tenido experiencia previa en la escena punkie de California con algunos proyectos menores.
Previo a su carrera con Blink, Barker perteneció a una banda de punk-rock llamada Feeble que no fue particularmente exitosa. Pero no había duda que Travis, ligado al punk-rock y entrenado en las artes jazzeras de la batería desde niño, tenía el talento para brillar de verdad.
Así, a mediados de los 90 llegó a una conocida banda también de punk-rock y ska-punk llamada The Aquabats, conocidos por su indumentaria de superhéroe y estilo un tanto nerdy en el que hasta se ponían apodos. siendo Travis el “Baron Von Tito”. Con ellos, el baterista grabó un disco The Fury of the Aquabats, donde explotó su potencial en grande.
El siguiente video, es de un show de este grupo en el que podemos escuchar que Barker ya era un monstruo de la batería en 1997… Y curiosamente, este show fue abierto por Blink-182.
Blink-182
Scott Raynor, baterista original de Blink-182, fue despedido de la banda en 1998 presuntamente por fricciones ocasionadas por su consumo constante de alcohol (aunque él ya había dicho que había pensado seriamente estudiar la universidad).
Ahí se abrió la puerta para que Travis Barker le entrara al quite, dado que tanto Tom DeLonge como Mark Hoppus ya lo conocían por los shows junto a The Aquabats donde se hizo de un nombre como uno de los bateristas más talentosos del circuito californiano. Y así, comenzaba la historia de éxito masivo, todo en un show donde se dice que Travis se aprendió el set de Blink en menos de una hora. Aquí abajito un video de su primer show.
Travis Barker pasó de ser un baterista para presentaciones en vivo a ser miembro oficial de Blink-182 y un año después de su incorporación, lanzaron el hitazo que fue Enema of the State. Este disco fue, en todos los sentidos, el que posicionó al pop-punk como un estilo musical dominante de finales de los 90 e inicios de los 2000.
Y bueno, como ya sabrán algunos, luego vino otro éxito que fue Take Off Your Pants & Jacket, un disco homónimo en 2003, la pausa indefinida que se convirtió en ruptura, el regreso en 2009 del que derivó el disco Neighborhoods del 2011, la salida de nuevo de Tom DeLonge que permitió la entrada de Matt Skiba de Alkaline Trio y los últimos dos discos de Blink en 2016 y 2019.
La pregunta es: ¿veremos alguna vez de nuevo a la formación clásica de Blink-182 de regreso? Sería una locura.
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Travis divido en Box Car Racer y +44
El periodo de 2002 y 2003 fue sustancial para Blink-182 en el sentido de que estaban por lanzar su disco homónimo, uno que se caracterizó por alejar a la banda un poco del pop-punk para acercarse más al rock alternativo y a las letras un poco más serias y oscuras.
Pero además, en este periodo ya las fricciones entre la banda se comenzaban a hacer más notorias. Si bien no habían llegado al grado de la ruptura, Tom DeLonge fue el primero en mostrar que tenía ganas de hacer algo diferente… y así nació Box Car Racer, un proyecto para el que Tom invitó a Travis Barker.
Su único disco salió en 2002 y era notablemente más oscuro que todo lo que habían hecho con Blink. De hecho, su genialidad viene de que se aleja por completo del pop-punk y se acerca más al post-hardcore, la música alternativa y el punk-rock de la escuela 90era californiana, además de que incluyó colaboraciones de Tim Armstrong de Rancid y el propio Mark Hoppus (con todo y que tenían él y Tom sus rencillas).
Unos años después, precisamente entre 2005 y 2006 (justo tras la pausa indefinida/ruptura de Blink-182), Travis Barker y Mark Hoppus iniciaron un nuevo proyecto llamado +44, que también lanzó un solo disco: When Your Heart Stops Beating de corte más alternativo con toques electrónicos.
El proyecto no trascendió y al igual que Box Car Racer, la crítica no dejó de compararles con Blink-182. Pero al menos en lo que respecta a Travis Barker, las cosas seguirían creciendo con otros proyectos.
Barker se une a Transplants
Si hay algo que caracteriza a la escena californiana del punk-rock, es que muchas de sus figuras son bastante unida. Y así, por ejemplo, llegó a nuestras vidas un interesante proyecto musical llamado Transplants. ¿Lo recuerdan?
Era una banda conformada por Tim Armstrong de Rancid, su amigo y rapero Rob Aston (conocido como “Skinhead Rob”) y el propio Travis Barker, quien se unió gracias al contacto que surgió entre él y Armstrong a través del conocido productor Jerry Finn (un veteranazo que produjo discos para Green Day, Sum 41, Rancid, Blink-182, New Found Glory y más).
Su disco debut homónimo del 2002 es una joya, es la verdad, y contó con colaboraciones junto a Brody Dalle de The Distillers o Davey Havok de AFI, por mencionar algunas. Las producciones venideras del proyecto fueron buenas, pero a diferencia de la primera, no recibieron una gran difusión. Eso sí, ahí ya se dejaba ver el ímpetu de Travis Barker como fan acérrimo del hip-hop.
Expensive Taste
Otro de los proyectos que muchos no recuerdan sobre Travis Barker basado en su gusto por el hip-hop, es Expensive Taste. El baterista la hacía como productor y en esta oportunidad, reclutó al veterano Paul Wall (reconocido por su trabajo con Chamillionaire) y Skinhead Rob (con quien ya había colaborado en Transplants.
Hubo algunos mixtapes y rolas lanzadas como singles individuales, donde destacan colaboraciones con B-Real de Cypress Hill, Lil Jon y Slim Thug. Pero después de 2007, no lanzaron mucho más, sobre todo teniendo en cuenta que Barker estaba envuelto en un montón de proyectos y por esos años, había pasado el trágico y casi mortal accidente de avioneta que sufrió.
TRV$DJAM
Este se trató de un proyecto más experimental junto a Adam Goldstein, mejor conocido como DJ AM, quien trabajó en el pasado con el grupo de rap-rock Crazy Town.
No hubo discos de larga duración y tampoco hubo EP’s como tal. Más bien, Adam y Travis trabajaron en un mixtape llamado Fix Your Face del 2008 que consta de diversas mezclas de canciones populares de artistas como The Chemical Brothers, Rage Against The Machine, The Notorious B.I.G., Joan Jett, Johnny Cash, Daft Punk, M.I.A., entre otros.
El proyecto pintaba para más, pero las cosas se complicaron con el ya mencionado accidente de avioneta del 2008 en el que iban tanto el DJ como el baterista, siendo ellos dos los únicos sobrevivientes. Un año después de eso, Goldstein falleció por una sobredosis.
‘Psycho White’ ft Yelawolf
La amistad entre el rapero Yelawolf y Travis Barker se dio a inicios de los 2010 ya, según contó el baterista alguna vez a Billboard, su manager le mostró un mixtape llamado Trunk Muzik que el rapero lanzó justo en ese año.
Después, coincidieron en diversas fiestas a través del skater Rob Dyrdek y finalmente, terminaron probando su dinámica musical cuando se unieron a una gira musical con Lil’ Wayne. Así fue como empezaron a ver lo de un proyecto juntos.
El resultado: Psycho White, un EP colaborativo que de cinco canciones en el que invitaron a otros viejos colaboradores de Barker como Skinhead Rob, Tim Armstrong y más. De nuevo, el trabajo explota totalmente el lado rapero de Barker, quien produce y aporta todo tipos de ritmos de batería en un material lleno de onda electrónica, hip-hop, reggae, etc.
Un trabajo genial como solista
Give the Drummer Some podría considerarse un disco de los más ambiciosos que se vieron en la década del 2010, sobre todo por la cantidad enorme de estrellas y figuras que participan. Travis Barker no solo la hizo de baterista en su disco debut como solista, sino también de productor ejecutivo.
El resultado fue un material que incluyó a varios de los exponentes más importante del rap de la historia moderna: Snoop Dogg, Game, Lil Wayne, Pharrell, Busta Rhymes, Kid Cudi, Cypress Hill. Y no solo eso pues figuras del rock como Slash y Tom Morello también fueron parte de los invitados de lujo.
Hasta el momento, ha sido el único disco de su etapa solista que ha lanzado. Y la verdad, uno entiende por qué el propio Barker se ha hecho de un nombre notable dentro del rock y el rap casi a la par.
Travis Barker y el cover a led Zeppelin con otras estrellas
Por ahí del 2009, Mary J. Blige estaba lista para sacar otro álbum que agregaría a su exitosa discografía: Stronger with Each Tear. Y en ese disco, hubo un bonus track de un cover a “Stairway To Heaven” de Led Zeppelin.
Para esa versión, la reina del R&B junto a puro nombre pesado de la talla de, claro, Travis Barker, además de Steve Vai, la cantante Orianthi y Randy Jackson. La verdad, uno de los mejores covers del nuevo milenio.
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En medio de su estudio de ensayo, buscando desesperadamente una señal estable de internet, Paco Huidobro aparece en Zoom con un sombrero de palma y el username “La Cucaracha”. “Acá en el solazo, quema este sillón”, bromea entre risas antes de comenzar a hablar con EL INFORMADOR sobre el presente de Fobia y su presentación del 21 de mayo en el Auditorio Telmex. Celebran 40 años de carrera.
Lejos de la nostalgia fácil, Huidobro asegura que la banda atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. “Este show lo llevamos preparando desde septiembre. Imagínate cuánto tiempo le he invertido a sacar esto adelante. Está sonando mejor que nunca”, afirma.
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La agrupación tiene montadas alrededor de 35 canciones para esta nueva etapa, apoyándose en tecnología que antes parecía imposible para el grupo. “Ahora sí puedo hacer las cosas tal y como me las imaginaba. Tener las consolas automatizadas, los efectos sincronizados, todo conectado. Cada movimiento en una canción requiere que una computadora mande cambios al sintetizador, a la batería, a la consola. Es muy laborioso, pero me apasiona muchísimo”.
Fobia celebra 40 años de trayectoria y una de sus etapas musicales más sólidas
El músico compara esa complejidad actual con los años iniciales de la banda tocando en Rockotitlán (legendario foro de rock mexicano fundado originalmente en 1985) con equipo mínimo.
“Veo cuando empezábamos a tocar con seis canales y unas bocinitas chiquitas y luego escucho lo que estamos grabando ahorita en los ensayos… sí está mejor que nunca”.
Antes del concierto, Paco también piensa en Guadalajara como un espacio afectivo. Muchas amistades y rituales personales lo mantienen unido en la ciudad. “Siempre me gusta ir a comer, visitar amigos, ir a ver a Jis y a Trino. Tengo cita con ellos para ir a comer. Me encanta Guadalajara”.
La conversación inevitablemente lleva a la dinámica interna de Fobia, una banda históricamente marcada por pausas, diferencias y reconciliaciones. Paco no evade el tema y define al grupo como una “familia disfuncional”. “Todos venimos de familias disfuncionales e hicimos una familia más disfuncional que es un grupo de rock”.
Sin embargo, también reconoce que el paso del tiempo ha ayudado a entender los roles dentro de la banda.
“Es como todas las relaciones humanas. Uno lleva el timón, otro iza las velas, otro suelta el ancla. El problema es cuando unos quieren el lugar de los otros. Ya con los años vas entendiendo quién hace mejor cada cosa”.
Parte importante de esta nueva etapa es la incorporación del baterista Elohim Corona, a quien Paco no duda en calificar como el mejor músico con el que ha trabajado. “Estoy disfrutando muchísimo tocar con el mejor baterista que he visto en mi vida”. Huidobro destaca el entendimiento musical y humano que encontró con él. “Hay músicos que tocan increíble y le pegan a todo lo que se encuentran. Elohim no. Él está al servicio de la canción. Tiene una filosofía parecida a la mía”.
La admiración se extiende a detalles específicos de ejecución y sonido. “La afinación es brutal. La batería ya no tiene un solo sonido uniforme. Cada parte tiene personalidad. El resultado es brutal”. También explica que la convivencia durante los ensayos ha sido determinante para mantener el entusiasmo. “Los ensayos son muy amenos. Yo aprendo mucho de él y él aprende mucho de mí. Siempre que hay algo nuevo hay entusiasmo”.
Paco Huidobro explica por qué Jay de la Cueva no forma parte de la nueva etapa de Fobia
Uno de los temas inevitables alrededor de esta nueva alineación es la ausencia de Jay de la Cueva. Paco responde sin rodeos cuando se le pregunta por qué no forma parte de esta etapa. “Porque no me convenía, la verdad”. Tras una pausa, desarrolla la idea. “Yo ya no me puedo ajustar a los tiempos de alguien más. Si quiero hacer esto es ahora y de esta manera. Lo respeto mucho y viví cosas padrísimas con él, pero en este momento no podía adecuarme a sus tiempos”.
Aunque Fobia volvió a los escenarios, la posibilidad de grabar música nueva sigue siendo incierta. Paco reconoce que tiene canciones, pero admite que la lógica tradicional de la industria ya no le interesa. “Siempre tengo muchas canciones, pero entrar otra vez al ritmo de la industria… hagan un álbum, hagan promoción… híjoles, no”.
Para él, la experiencia de las disqueras terminó convirtiendo a los músicos en vendedores. “Uno empieza queriendo ser músico y la disquera te trata como vendedor de Avón”.
Recuerda con ironía las entrevistas promocionales de los primeros años. “Íbamos a hacer promoción y las preguntas eran: ‘¿Quién tiene más novias?’ Pura pregunta pendeja”. Huidobro asegura que hoy disfruta otros aspectos de la música. “A mí lo que me gusta es mi estudio, las máquinas y tocar. Cuando empezamos a improvisar algo en el ensayo, esos son los momentos que me prenden”. Y remata con una crítica frontal a los formatos promocionales tradicionales. “No quiero ir al programa de la mañana, luego al concurso donde cambian pañales y después toca el grupo. Qué horror”.
Paco Huidobro recuerda el disco “Leche” y reflexiona sobre la creatividad, el arte y la fama
La charla también deriva hacia “Leche”, tercer disco de la banda publicado en 1993 y que Paco considera uno de los momentos creativos más importantes de la banda, aunque reconoce que fue poco comprendido en su momento. “Con el tiempo te das cuenta de que no estabas adelantado a tu época, sino en el lugar atrasado”, exclama entre una risa burlona.
El álbum fue grabado en Nueva York, en el estudio Magic Shop, rodeados de una escena artística que terminó impregnando el sonido del disco. “Absorbimos muchísima cultura. Veíamos música brasileña, DJs, arte, cine, exposiciones. Todo eso se volvió parte del disco”.
Recuerda especialmente las experiencias fuera del estudio: festivales, galerías y encuentros con figuras del arte contemporáneo. “Me acuerdo mucho de ayudar a Antony Gormley a montar una exposición. Llegó un camión con 10 mil piezas de cerámica y ahí estaba él diciendo dónde poner cada cosa. Son momentos que se te quedan grabados”.
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También habla de cómo Nueva York transformó su forma de entender la música y el arte. “No ves al artista como alguien inalcanzable, sino como alguien trabajando contigo”.
Aunque “Leche” no alcanzó la recepción masiva de otros discos de Fobia, Paco parece reconciliado con ello. “Obviamente no iba a ser un disco muy comprendido”.
Y fiel a su estilo, termina dejando una frase que resume buena parte de su visión artística y personal.
“Yo no estoy hecho para que me comprendan, sino para que me amen”.
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Lady Gaga avisó al inicio de su nueva era musical que la categoría era “bailar o morir” y después de elegir tantas veces la primera, era el momento de presenciar lo segundo para despedir su disco ‘MAYHEM’ a través de un concierto documental en el que simula un descenso a los infiernos.
La estrella estadounidense presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem’, una reinterpretación de su séptimo disco de estudio en solitario, cuyo adelanto ofreció de manera exclusiva en un encuentro íntimo el pasado 14 de enero en la sala Wiltern de Los Ángeles.
Si bien ‘MAYHEM’ supuso como el renacer de su etapa pop-dance más popular, en el que volvía a abrazar sus pensamientos intrusivos, esta reinvención pretende rendir un homenaje a esta era y prepararse para su acto final.
Bajo un tono sombrío, con parte del decorado de la gira que todavía sigue realizando por todo el mundo, la artista evocó un universo parecido al ‘Upside Down’ (El Mundo del Revés) de Stranger Things.
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El rito mortuorio en cada disco de Gaga
Vestida de luto y ocultando su rostro bajo un velo frente a un escenario de columnas destruidas, Gaga apareció en escena como la suma sacerdotisa para ofrecer un espectáculo inédito en forma de rito funerario.
Sin dejar atrás sus atuendos estrafalarios, pero alejada de sus coreografías frenéticas, Gaga versionó las canciones que componen ‘MAYHEM’ al son de ritmos experimentales que recordaban a grupos como Daft Punk.
Este nuevo ADN bebió de influencias del metal industrial, alejando el show de cualquier estructura convencional de concierto que acostumbra a seguir Gaga, con solo cinco músicos acompañándola sobre el escenario entre sintetizadores y un órgano de iglesia.
Gaga alternó instrumentos clásicos con efectos electrónicos para convertir el espacio en un templo dedicado a la introspección más profunda del dolor en temas como ‘Desease’ el aclamado ‘Abracadabra’.
A diferencia de sus giras mundiales, la puesta en escena que ofreció fue más estática, simulando una ópera profanada en la que solo los juegos de luces daban dinamismo a una Gaga que se movía en el espacio para tocar instrumentos, cantar y acompañar a los músicos.
En el tramo final de este íntimo concierto, el luto se transformó en un casco metálico futurista con la mezcla de la balada ‘Die With a Smile’ con un sonido de electrónica nocturna.
Con este nuevo proyecto, la estrella del pop-dance parece dar carpetazo a una guerra interna personal con la que ha estado viajando en el último año; un rito en el que sobrevivió a su propio desorden para poder navegar hacia otro horizonte.
Tras una reverencia final, Gaga desapareció entre las sombras del teatro bajo un mensaje de despedida: descanse en paz.
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Llega el fin de semana y a partir de este viernes 15 de mayo habrá diferentes eventos para el entretenimiento de los tapatíos, desde conciertos, obras de teatro hasta espectáculos circenses. Conoce cuáles son los eventos que se realizarán en los recintos más importantes de la ciudad en la selección de Buena Vida Life & Style y elige el mejor para tu diversión y el de tu familia.
J. Balvin
El cantante colombiano regresa a los escenarios para cantar en vivo y en su gira por México visita Guadalajara para dar un concierto, en el que se escucharán sus recientes canciones así como sus temas más famosos. Disfruta de una noche de gran energía, éxitos y reguetón puro.
Arena VFG.
17 de mayo, 20:00 hrs.
De $ a $2,084.
Fobia
Una de las bandas más representativa del rock alternativo mexicano regresa a la escena musical para ofrecer un concierto en las principales ciudades del país. Celebra la hermandad musical que ha definido generaciones y disfruta de una noche de éxitos, que revivirán una época.
Auditorio Telmex.
21 de mayo, 21:00 hrs.
De $450 a $1,800.
Álex Ubago
El cantautor español celebra 25 años de trayectoria con su gira ¿Qué pides tú? Y visita la Perla Tapatía para dar un concierto y consentir a sus fans con las canciones más famosas de su carrera así como los temas más recientes. Disfruta de una noche de pop romántico en una velada íntima, acompañada de nostalgia y emoción.
Teatro Diana.
16 de mayo, 21:00 hrs.
De $600 a $2,200.
Edith Márquez
La cantante pisa por primera vez el escenario de la Arena Guadalajara para ofrecer el concierto, en el que celebra a las mamás con su inigualable voz. Dentro de su gira Eterna e inolvidable, promociona su reciente producción homónima que hace un homenaje a Rocío Dúrcal, además de interpretar sus emblemáticos éxitos, acompañada por mariachi y orquesta.
Arena Guadalajara.
15 de mayo, 21:00 hrs.
De $440 a $3,514.
Titizé, a venetian dream
La compañía Finzi Pasca presenta este espectáculo de circo, danza y teatro, bajo la dirección de Daniele Finzi Pasca. Inspirado en el lenguaje de los sueños, propone un universo poético y surreal. A través del clown, la acrobacia, el movimiento y máquinas escénicas, se construye un montaje que mezcla tradición e innovación. Goza de un viaje sensorial lleno de asombro y emoción.
Conjunto Santander de Artes Escénicas.
21 y 22 de mayo, 20:30 hrs. 23 de mayo, 13:00 y 19:30 hrs. 24 de mayo, 12:30 y 17:00 hrs.
De $650 a $1,300.
Grupo Frontera
Dentro de su gira internacional Triste pero bien c*brón tour, la agrupación de música mexicana regional se presentará en la ciudad para brindar un concierto, en el que promociona su tercer álbum de estudio “Lo que me falta por llorar” conformado por 12 temas. Disfruta de una noche de sonido norteño-cumbia de una de las agrupaciones más influyentes del género.
Arena Guadalajara.
21 de mayo, 21:00 hrs.
De $753 a $4,685.
Remmy Valenzuela
En el marco de su gira Desde el rancho Tour 2026, el cantante sinaloense brindará una noche de concierto, llena de música de acordeón, sentimiento y corazón norteño. Goza de una velada de música en vivo, donde la esencia de historias de amor, desamor, orgullo y vida ranchera revestirán la atmósfera del recinto.
Auditorio Telmex.
15 de mayo, 21:00 hrs.
De $400 a $2,650. $3,800 VIP.
Leyendas del Mariachi
Es una gala musical que rinde homenaje a la grandeza del mariachi y la riqueza cultural nacional, en la que participarán agrupaciones como el Mariachi Estrella de México, Mariachi Femenil Estrella de México y Leyendas del Mariachi. Disfruta de una noche llena de tradición con la música mexicana que enaltece las raíces y el orgullo de ser mexicano.
Palcco.
15 de mayo, 20:30 hrs.
De $800 a $1,600.
Borrachas, pero buenas muchachas
“La dama de la comedia” Cessy Casanova y “La Chupitos” Liliana Arriaga ofrecerán este espectáculo, en el que te harán reír con su incomparable humor, cada una con un estilo diferente, pero la misma intención de hacer reír con este increíble show. Diviértete con una noche repleta de risas y buen humor.
Teatro Galerías.
16 de mayo, 21:00 hrs.
$450, $550, $650 y $750.
Otros Eventos
Esquizofrenia
Teatro Galerías. 15 de mayo, 20:30 hrs. $400, $550 y $650.
Chesdana
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 15 de mayo, 21:00 hrs. $350.
Dos pianos y un alma
Palcco. 16 de mayo, 17:00 hrs. $350.
Johnn Williams Sinfónico
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 16 de mayo, 20:00 hrs. De $400 a $1,000.
OHIR Programa 5: Ciclo de piano-tripe concierto de Beethoven
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 16 de mayo, 19:30 hrs. De $150 a $230.
Un cardumen en el cielo y una parvada en el mar
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 17, 24 y 31 de mayo, 11:00 hrs. $350 bebé + acompañante. $200 acompañante extra.
31 Minutos-Tributo Oficial
Teatro Galerías. 17 de mayo, 13:30 y 16:30 hrs. $300, $350, $400 y $450.
Marc Martel: One Vision of Queen
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 17 de mayo, 18:00 hrs. De $700 a $2,000.
Leyendas Gruperas: Los Yonic’s, Los Freddys y Los Muecas
Auditorio Telmex. 17 de mayo, 19:00 hrs. De $400 a $1,600. $2,400 VIP.
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