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Jack White explota su lado más acústico e íntimo en el disco ‘Entering Heaven Alive’

Jack White lanzó hace unos meses Fear Of The Dawn (AQUÍ la reseña), un disco donde el originario de Detroit detonó ese lado más frenético, experimental y excéntrico -musicalmente hablando- que le conocemos. Pero ese solo era el primero de dos discos que nos tenía preparados para este año.
El segundo, Entering Heaven Alive, ya está aquí a partir de este viernes 22 de julio y funciona perfecto como antítesis de su antecesor. De corte prácticamente acústico en su totalidad, este nuevo material discográfico también se siente más íntimo, claramente menos caótico y seguro que dividirá bastante la opinión.

¿Y es malo o es bueno? Lo tenemos que decir: dependerá de qué tan fan seas de White… Y claro, qué tan excluyente seas cuando un artista se inclina tanto por explotar el elemento acústico en sus creaciones.
Si no tienes falla con eso, está es una pieza en la que encontrarás delicadeza, emotividad y mucho sentimiento. Si eres un entusiasta de la faceta mas agresiva de Jack, posiblemente no digerirás este álbum con tanta facilidad.
Jack White en dos facetas
Jack White es quizá uno de los artistas del rock moderno que más remarcada tiene esa línea divisora entre lo potente y lo calmado. Y él es quizá uno de los que mejor balancea ambos mundos a la hora de componer.
Cualquiera de sus proyectos musicales, sea como solista o como miembro de una banda, nos dan muestra de que sabe hacer buenas canciones ya sea con la distorsión a tope o con la dulzura de una guitarra acústica. Esa creatividad e ingenio le ha dado suficiente como para hacer dos discos en los últimos meses, uno inclinado por la desfachatez de lo agresivo y el otro, el Entering Heaven Alive del que hablamos ahora, sintiéndose poderosamente íntimo.

Algunos se preguntarán entonces: ¿por qué no hacer un solo material discográfico y combinar los mejores temas de uno y otro? ¿Por qué no mejor un álbum doble como hizo, por ejemplo, Parcels recién con Day/Night? ¿Por qué no entregarnos una mezcla potente y serena en un solo paquete? Bueno, el mismo Jack White nos lo dijo en entrevista (POR ACÁ la pueden leer completa):
Yo tengo la noción que a la gente ya no le gustan tanto los discos dobles, pero es difícil saberlo... Creo que una de las grandes formas de hacer discos es tener variedad y que cada canción tenga una personalidad… Yo no sabía que haría un disco doble pero es interesante partirlo como dos componentes distintos; las personas tienen mucho más por absorber.
Las canciones de coro o más suaves están en uno y las más pesadas o rasposas están en otro, así que para mí, siento que funcionará dependiendo del humor de cada quien y estará limitado a si te gusta la izquierda o la derecha. Al menos así ha sido mi relación con la música por años…”.

Y hay otro factor. Si bien ya lo había hecho antes de manera esporádica, Jack White en este par de discos prácticamente grabó todos los instrumentos. Dice el de Detroit que tanto Fear Of The Dawn como Entering Heaven Alive tienen canciones que se compusieron al mismo tiempo, muchas en el auge pandémico.
Así que Jack tuvo bastante tiempo para componer, grabar y dejar volar su imaginación sin las complicaciones de estar juntando a un grupo de músicos. Este par de discos, en todo caso, son quizá la esencia más pura de White como artista; sus ya mencionadas facetas agresiva y calmada.
El primer álbum sorprendió (ahí nomás cuatro estrellas de cinco en nuestra reseña)… ¿y el segundo? Veamos a dónde nos lleva.
‘Entering Heaven Alive’
Sabemos que Jack White es un amante efusivo del blues y él mismo lo sabe diseccionar. Regularmente, a él como figura musical lo asociamos más a ese estilo ‘garajero’ de guitarras distorsionadas, pero en Entering Heaven Alive retoma sus raíces blueseras y las encamina hacia el art-rock, el folk-rock y el blues más tradicional (bueno, no tan tradicional, pero entienden el punto).
El disco abre con “A Tip From You to Me”, que es una pieza hipnótica donde el piano toma el lugar principal del ensamble, mientras la guitarra aterriza en un segundo plano. Las melodías juegan entre la alegría y la nostalgia de lo que sería una canción perfecta para una película del Viejo Oeste.
Luego viene “All Along The Way”, que es quizá una de las que se acerca más a lo que un oyente casual esperaría de Jack White en su faceta acústica. Eso sí, esta rolita tiene un encanto genial cuando pasa del minimalismo acústico a un bonito arreglo de psicodelia de antaño, que dicho sea de paso no dura mucho pero se disfruta.
La dualidad del amor para Jack White
“Help Me Along” llega entonces para ponernos en el modo más cursi jamás experimentado, esto a través de su ritmo folk innegable y violines llenos de dulzura. Sin miedo a decirlo, esta posiblemente es una de las canciones más melosas jamás escritas por Jack White.
Es además una canción que no se pone a ensamblar versos llenos de analogías o conceptos rebuscados. “Si me ayudas, prometo amarte… iré a donde vayas… me muero por tomarte a donde sea“, dice de forma concreta y sin tapujos.
Pero el amor bonito se hace melancolía cuando llega “Love Is Selfish”, que nos pone en el escenario de lo egoístas que podemos ser cuando estamos enamorados. Esta es la más sencilla de la canciones del Entering Heaven Alive, a puro arpegio y voz prácticamente.
Así llegamos a “I’ve Got You Surrounded (With My Love)”, un blues experimental y tranquilo en el que la clásica guitarra eléctrica clásica de Jack White se hace presente en pequeños momentos. Esta pudo formar parte del Fear Of The Dawn sin muchas broncas.
“Queen of the Bees” aparece entonces como una interesante muestra de cómo podría sonar The Velvet Underground si fuesen una banda de esta época. Este tema es encantador, con un Jack que le pone coqueteo a su voz en una rola de melodías alegres, pero que habla sobre sentirse atraído demasiado por una persona a la que se ve inalcanzable. “Yo soy una mosca en la pared y tú la reina de las abejas”, dice el verso principal.
La parte final del disco es genial
El tramo final del disco es interesante porque vienen las canciones más elaboradas del Entering Heaven Alive. Jack White nuevamente enfoca la mayor parte de sus esfuerzos en el piano, esta vez para “A Tree on Fire from Within” en la que se nota que hay más elementos musicales a la mano.
De entrada, el storytelling de White es muy bueno en una canción que no necesita tantos versos para sobresalir. Y con los poquitos versos que suelta, Jack nos dice que podemos sentirnos raros, solos o excluidos, pero eso no significa que no podamos brillar.
Pa’ ponernos más existenciales y trágicos, la rola “If I Die Tomorrow” que combina muy bien los elementos country-blues con el folk rock. Por ahí, para ponerle su toque personal, Jack tira algunos punteos distorsionados sutiles pero que aportan mucho.
¿Más magia bluesera? Ahí tenemos la genial “Please God, Don’t Tell Anyone” con su instrumentación alegre, pero lírica para tirar tristeza un rato. Es la narración de un delincuente rogándole a Dios que si él muere, sus hijos nunca se enteren de las cosas que hizo, incluso si las realizó para proveer a su familia. De nuevo el storytelling en su punto más alto.
Después, viene una de las rolas con más estilo del disco. “A Madman From Manhattan”, que derrocha un flow bien bohemio con escuela de Lou Reed. Jack White se la rifa bastante cuando canta y cuando solo habla sin entonar la voz. Lindo cierre para el disco.
Bueno, bueno…. el álbum en realidad cierra con una versión acústica de “Taking Me Back” (rola original del disco anterior) que, sí está virtuosa, pero no era necesaria. Si no la ponen en el material discográfico, no pasa nada.
Jack White y ‘Entering Heaven Alive’
El Entering Heaven Alive de Jack White es un buen disco y nos muestra lo mejor de la vibra acústica y tranquila de su creador. Tal vez no se siente tan propositivo o electrizante como su antecesor, pero sí es muy disfrutable.
Aunque como dijimos, todo dependerá de qué tan fan seas de Jack en todas sus facetas. Si solo te agrada White cuando le pega con distorsión a la guitarra, será más difícil entrarle a este nuevo álbum. De lo contrario, hallarás un entretenido ensamble de rolas de las que rascaras 3 o 4 para tus playlists definitivos.

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Kike Jiménez apuesta por su “Nueva Piel” sin dejar de lado a Los Daniels
El cantante tapatío Kike Jiménez atraviesa uno de los momentos más importantes de su carrera. Mientras prepara su presentación del próximo 22 de mayo en el Foro Atemporal con su tour “Nueva Piel”, el músico también comienza una nueva etapa como vocalista de Los Daniels, agrupación emblemática del rock mexicano que recientemente renovó su alineación tras la salida de Ismael Salcedo.
Con el lanzamiento de su sencillo “Tú” y una agenda dividida entre su faceta solista y la banda capitalina, el artista reconoce que vive meses intensos, aunque también profundamente satisfactorios.
“Kike Jiménez, el humano, está un poco sobreestimulado, pero muy agradecido. La neta sí estoy contento, emocionado por lo que viene y por lo que se está viviendo. Estoy disfrutando el proceso”, compartió en entrevista con EL INFORMADOR.
El cantante llega al Foro Atemporal con “Nueva Piel”
El concierto de “Nueva Piel” marcará un reencuentro con su público tapatío, ciudad que, asegura, representa mucho más que una parada dentro de la gira. Para él, tocar en Guadalajara implica regresar a casa y convivir con la gente que lo ha acompañado desde sus primeros años dentro de la música.
“Cada vez que vengo a Guadalajara, para mí es como una reunión familiar. Vamos a invitar a los compas, vamos a pasarla chido. Obviamente están los fans y todo el tema del show, pero para mí es una fiesta de celebración, de reunión con mi gente”, expresó.
La presentación se realizará en el Foro Atemporal a las 21:00 horas y contará con la participación de Somnia, banda originaria de Puebla, además de Miray, agrupación local. Kike adelantó que habrá invitados especiales durante la noche.
“Va a ser una noche larga, con mucha música y mucha propuesta. Tendré invitados especiales también durante el show y siento que será una noche muy especial”.
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¿Cómo fue integrarse a Los Daniels?
Aunque el escenario solista continúa siendo una prioridad en su carrera, el cantante vive paralelamente una nueva experiencia artística tras convertirse en el nuevo vocalista de Los Daniels, banda formada en 2007 y actualmente integrada por Alfonso Díaz, Rasheed Durán, René Lugo y Charly Palomares.
La invitación, admite, llegó de forma inesperada.
“Yo alcancé a ver todo el bombardeo de información el año pasado cuando el ex vocalista tomó la decisión de salirse. Corte A: dos semanas después recibo un mensaje preguntándome si podía conectarme a un Zoom con Los Daniels. Tenían tres opciones de vocalista y yo era el número uno”.
Aunque conocía la trayectoria del grupo desde su adolescencia, Kike decidió tomarse el tiempo necesario antes de aceptar.
“Sí era una banda que escuchaba cuando estaba en la prepa, pero no los tenía tan presentes últimamente. Cuando volví a escuchar la música, dije: ‘sí, me vi haciendo algo con ellos’. La respuesta fue positiva y empezamos a trabajar música a distancia”.
Desde entonces, la agrupación ya lanzó : “Sí,sencillos con esta nueva alineación y, asegura, la respuesta del público ha sido favorable.
“La gente reaccionó superchido. Suena muy bien. Son superbuena onda, nos llevamos superchido y hay mucho respeto y admiración de ambas partes”.
Kike considera que lo más importante ha sido encontrar una conexión real tanto en lo musical como en lo humano. El primer ensayo con la banda terminó por confirmar que existía química suficiente para construir una nueva etapa.
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“Me gusta mucho cómo hacen las cosas, la efectividad y el profesionalismo con el que manejan todo. Cuando me reuní con ellos, sí llegué pensando en llenar ciertos zapatos, pero también entendiendo que no iban a esperar exactamente lo mismo. Queríamos ponerle nuestro sazón”.
El resultado, asegura, fue inmediato. “El ensayo sonó brutal. Quedamos muy contentos con la primera sesión de composición y dijimos: ‘Aquí podríamos ser una máquina de hits’. Ellos tienen muchísimo bagaje y trayectoria, pero estamos en el mismo recorrido desde hace tiempo. Ahora, uniendo fuerzas, creo que sí podemos llegar bastante lejos”.
El músico también destacó el regreso de René Lugo y Charly Palomares a la agrupación, situación que, desde su perspectiva, ayudó a recuperar parte de la esencia original de la banda.
“Alcanzo a percibir una química muy bonita entre ellos a nivel trabajo, composición y en vivo. Se nota que llevan toda la vida tocando juntos”.
El músico mexicano se siente emocionado por esta nueva etapa demandante
Para el cantante, haber sido buscado por una banda con casi dos décadas de trayectoria representa también una validación al trabajo que ha realizado como artista independiente desde hace años.
“Sí es una palmadita en la espalda de decir: ‘Toda la piedra que se ha picado ha rendido frutos’. Pero yo lo veo más como un tercer brazo creativo. No era mi sueño entrar a una banda ya encarrilada, simplemente se dio la situación y me gustó cómo se siente”.
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En medio de giras, nuevas canciones y agendas cada vez más demandantes, el músico reconoce que ha tenido que modificar hábitos para mantenerse enfocado física y emocionalmente.
“El ejercicio, la alimentación, dormir bien, meditar… trato de mantenerme fuerte y en el centro. Ya no estoy tanto de fiesta porque todos los días hay actividades importantes donde tienes que estar presente y enfocado”.
Consciente de que atraviesa una etapa decisiva, Kike Jiménez apuesta por mantener el equilibrio entre sus proyectos y disfrutar el momento que hoy vive dentro de la música mexicana.
“El juego se empieza a poner mejor y tienes que estar al nivel. Me siento tranquilo, enfocado y emocionado por lo que viene, tanto con mi camino solista como con Los Daniels. Queremos hacer ruido dentro y fuera del país”.
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BTS regresa a Cinépolis y Cinemex: fecha, boletos y todo sobre la transmisión de Arirang en cines
Para todos los que se perdieron el show de “Arirang” en vivo o para quienes buscan revivir una de las noches más especiales, prepárense, porque los cines mexicanos volverán a recibir a BTS en una función especial programada para el mes de junio.
A semanas de la serie de conciertos que la banda surcoreana protagonizó en el Estadio GNP de la Ciudad de México, las y los ARMY del país reciben una noticia que una vez más los hará conectar con sus ídolos, pero ahora en la pantalla grande.
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Cinépolis y Cinemex confirmaron este miércoles, a través de sus medios oficiales, que la experiencia BTS Live Viewing llegará a sus salas de cine proyectando la transmisión del concierto de la agrupación en Busan.
No es la primera vez que el fandom recibe este tipo de experiencias en México, pues anteriormente también se transmitieron conciertos desde Corea del Sur y Japón, los cuales tuvieron una respuesta espectacular al reunir a cientos de seguidores para cantar y bailar juntos.
¿Cuándo se transmitirá el concierto de BTS en cines?
La proyección se llevará a cabo el próximo sábado 13 de junio en salas de Cinépolis y Cinemex. La transmisión se convertirá en un evento aún más especial para la banda y sus seguidores, ya que coincide con el aniversario del debut del grupo.
El horario todavía no ha sido definido, debido a que no se trata de una transmisión completamente en vivo, sino de funciones diferidas que en algunos territorios serán programadas más tarde para ajustarse al horario local.
Asimismo, ninguna de las compañías ha revelado qué complejos participarán en esta experiencia, aunque eventos similares suelen incluir tanto salas tradicionales como VIP.

¿Cuándo será la venta de boletos?
Cinemex confirmó que la venta de entradas comenzará el próximo jueves 28 de mayo a través de su página oficial. Por su parte, Cinépolis aún no ha revelado una fecha específica; sin embargo, todo apunta a que ambas ventas se realizarán el mismo día.
En un comunicado oficial, la banda informó que los boletos estarán disponibles a partir del día 28, lo que refuerza la posibilidad de que las dos cadenas lancen la preventa de manera simultánea.
El horario de inicio de venta tampoco se ha hecho público, así como la lista de ciudades en las que estará disponible la experiencia. No obstante, ambas compañías adelantaron que en los próximos días compartirán más información.
Por ello, se recomienda mantenerse atento a las cuentas oficiales y a los anuncios de las cadenas de cine para conocer todas las actualizaciones del evento.
Busan: un lugar especial para BTS
Además de coincidir con la celebración de aniversario, la banda preparó esta transmisión para que tuviera un significado especial tanto para ellos como para sus fans, por lo que eligieron el Busan Asiad Main Stadium. Este recinto fue el último escenario en el que se presentaron antes de suspender temporalmente sus actividades como grupo.
Cabe recordar que BTS hizo una pausa debido a que todos los integrantes tuvieron que cumplir con el servicio militar obligatorio en Corea del Sur. Por ello, este estadio quedó marcado como el lugar donde la agrupación se despidió de sus seguidores durante una pausa que duró 3 años y 8 meses.
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Ahora, Jin, Suga, J-Hope, RM, Jimin, V y Jung Kook buscan resignificar este espacio y consolidar oficialmente su regreso con la gira mundial “Arirang”.
Con esta nueva experiencia en cines, BTS y ARMY volverán a encontrarse para celebrar no solo la música del grupo, sino también el esperado regreso de una de las bandas más influyentes del mundo.
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Martín García García promete una noche de trascendencia en el Degollado
El pianista español Martín García García regresará a Guadalajara con un programa que él mismo define como “completo” y profundamente cercano a su historia personal. El músico, considerado una de las figuras jóvenes con mayor proyección internacional en la música clásica, se presentará este jueves 21 de mayo a las 20:30 horas en el Teatro Degollado, como parte del Festival Cultural de Mayo.
Durante una rueda de prensa encabezada por Sergio Alejandro Matos, director del festival, el intérprete habló sobre el significado emocional y artístico del repertorio que interpretará, integrado por la Grand Sonata Op. 37 de Piotr Ilyich Tchaikovsky, los Valses nobles y sentimentales de Maurice Ravel y la Sonata No. 3 de Johannes Brahms.
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“Estoy encantadísimo de volver. Tengo muy buenos recuerdos de mi última vez en Guadalajara. Me quedé con uno de los conciertos más cálidos al público que recuerdo, no solo de aquel año, sino de mi carrera”, expresó el pianista español, quien llegó a México tras un viaje de más de 24 horas desde Varsovia y antes de continuar con una nueva gira por Japón.
Martín García García presentará un repertorio marcado por su historia personal
El músico explicó que la selección del programa responde a una conexión íntima con las obras y a la necesidad de compartir piezas que considera trascendentes. Particularmente, habló de la sonata de Brahms, una obra monumental que, dijo, forma parte de una especie de herencia emocional dentro de su formación pianística.
“Todos mis profesores y maestros tenían esta pieza como una de las más cercanas a su corazón. Es una de las obras más importantes de todo el repertorio musical para piano. Y no solo para piano, porque es una pieza completamente sinfónica”, comentó.
García García recordó además una anécdota atribuida al propio Brahms tras concluir la composición de la obra cuando apenas tenía poco más de 20 años. “Dijo: ‘No veo volver a componer más notas para piano en mi vida’, porque ya consideraba que había hecho lo mejor que podía hacer con esta pieza. Si él considera eso, yo tampoco tengo mucho más que añadir”, señaló entre risas.
Sobre la sonata de Tchaikovsky, el pianista reconoció que se trata de una obra poco frecuente en las salas de concierto, pero profundamente significativa para él debido a su formación con maestros rusos.
“Es una sonata fantástica y también sinfónica. Me encanta porque es una especie de collage de las mejores melodías de Tchaikovsky. De repente aparecen fragmentos que nos recuerdan a El lago de los cisnes o El cascanueces y luego desaparecen. Tiene momentos de una belleza impresionante”, explicó.
El recital cerrará con los valses de Ravel, una colección de piezas breves que el pianista describió como una celebración de “la sofisticación de lo banal”, de “la joie de vivre” y de la capacidad de la música para condensar emociones complejas en pequeñas estructuras.
“Es un programa muy fácil de seguir para el público porque está lleno de grandes melodías. No solo son estructuras musicales, son melodías que conectan inmediatamente con quien escucha”, afirmó.
Festival Cultural de Mayo destaca trayectoria internacional del pianista
Por su parte, Sergio Matos destacó la relevancia artística del intérprete español y aseguró que actualmente es uno de los pianistas jóvenes más importantes de Europa. También subrayó la exigencia técnica del repertorio que presentará en Guadalajara.
“Estamos arrancando con la gran sonata de Tchaikovsky, una pieza muy poco tocada. Yo no recuerdo haberla escuchado jamás en Guadalajara. Y luego abordar en el mismo concierto la sonata de Brahms es un reto brutalmente demandante”, comentó.
Matos resaltó además la intensa actividad internacional del pianista, quien ha ofrecido más de 220 conciertos en América, Asia y Europa durante los últimos tres años y actualmente mantiene temporadas de hasta 80 recitales anuales en algunos de los principales escenarios del mundo.
“El maestro Martín García García tiene ese tono del gran pianismo. Ese sonido envolvente, elegante, perfectamente pensado. Hay pianistas virtuosos, pero el tono es otra cosa, y Martín tiene uno de esos tonos que ya no se escuchan tanto”, dijo el director del festival.
El también gestor cultural comparó la sonoridad del español con la tradición de grandes intérpretes clásicos y destacó tanto su profesionalismo como la claridad artística con la que aborda cada proyecto.
“Luego luego sientes que comprende a dónde va, por dónde va y dónde quiere terminar. Esa claridad no todos los pianistas la tienen”, añadió.
Durante el encuentro con medios, García García también habló sobre la impresión que le ha dejado el Festival Cultural de Mayo y aseguró que, desde su perspectiva, el encuentro cumple con todos los elementos necesarios para ser considerado un gran festival internacional.
“Tenemos grandes músicos, variedad de disciplinas, un público fantástico y un teatro maravilloso. Si hacemos una checklist de lo que necesita un gran festival, aquí todo está en verde. No se puede hacer mejor”, expresó.
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Finalmente, el pianista aprovechó para extender una invitación al público tapatío y aseguró que cada concierto representa para él un acto de responsabilidad emocional con quienes deciden asistir.
“Siempre considero que un músico roba muchas horas de vida de la gente que viene a escucharlo y eso merece agradecimiento. Espero ofrecerles una velada de trascendencia, de reflexión, de salir con nuevas ideas para su propia vida. Para eso toco. Si no fuera así, no tendría sentido”, concluyó.
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