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5 razones por las que ansiamos ver a The Whitest Boy Alive en el Corona Capital 2021
Luego de una pausa de casi dos años, será el próximo 20 y 21 de noviembre cuando disfrutaremos una edición más del Corona Capital, uno de los festivales de música más importantes de México que este año reanudará actividades con un lineup que nos promete un fin de semana lleno de mucha música.
Y es que ya sea por los conocidos headliners o las prometedoras “letras chiquitas”, el cartel del Corona Capital ha causado emoción en muchas personas por ser uno de los eventos en México que reanudarán los conciertos masivos en vivo. Dicho sea de paso, será uno de los pocos festivales de este 2021 que nos permitirán disfrutar de varios artistas internacionales.
Foto: Corona Capital (Facebook)
El Corona Capital traerá a The Whitest Boy Alive a México
Hablando de eso, aunque muchas de las bandas en el cartel del Corona Capital 2021 no tienen mucho de haber visitado México (ya que se nos haya hecho una eternidad es otra cosa), debemos decir que hay un nombre que nos emociona mucho por su larga ausencia en tierras mexicanas. Sí, hablamos de The Whitest Boy Alive.
El grupo musical formado en Berlín y comandado por Erlend Øye regresará a la Ciudad de México después de 10 años para poner el ambiente en el Corona Capital 2021 y de paso, deleitarnos con algunos de los éxitos que marcaron la trayectoria de la banda, tales como “Burning”, “Island”, “Rollercoaster Ride”, entre muchas otras.
Aprovechando el hype que tienen los fans mexicanos por el regreso de The Whitest Boy Alive, acá les dejamos 5 razones por las cuales no se deben perder a la agrupación en el Corona Capital que se realizará este año.
1.- Porque tenemos una década sin verlos en vivo
Como ya lo dijimos al principio de esta nota, The Whitest Boy Alive es quizá una de las agrupaciones que más ansias tenemos de ver este año y las razones son obvias. La presentación de la banda será la primera que Erlend y compañía brinden en Ciudad de México después de 10 años y la verdad muchos no queremos arriesgarnos a esperar otros 10 años más.
Y es que como recordarán, Erlend y compañía se separaron en 2014. Aunque muchos creímos que sería el fin de uno de los proyectos del músico noruego, la sorpresa llegó a finales de 2019 cuando The Whitest Boy Alive se reunió y comenzó a programar fechas en varias partes del mundo. Una lista en la que México estaba incluido y la cual sólo se retrasó por el COVID-19.
Foto: Getty Images
2.- Podría ser la última presentación de The Whitest Boy Alive en nuestro país
No queremos asustarlos ni mucho menos, pero hay una razón muy fuerte para pensar que la presentación de The Whitest Boy Alive en el Corona Capital 2021 podría ser la última en nuestro país. Claro que no lo decimos porque la banda tardó mucho en regresar a México, en realidad es más por algunas cuestiones de salud de Erlend.
En su momento al confirmar la primera fecha en México (a finales de 2019), The Whitest Boy Alive publicó que las condiciones para tocar en vivo eran tener dos conciertos al año, que fueran en exteriores y preferiblemente al atardecer. “La duración de los espectáculos no durará más de una hora debido a los oídos de Erlend”, detalló la agrupación.
Foto: Getty Images
Si no lo sabían, desde hace unos años Erlend Øye padece tinnitus, un síndrome que se describe a menudo como un zumbido en los oídos y el cual está asociado con la pérdida de audición. En otras palabras, Erlend corre el riesgo de quedarse sordo y por ello es que trata de no exponerse a ruidos tan “pesados” como los de The Whitest Boy Alive.
De hecho en el 2014, esa fue la principal razón por la cual Erlend anunció la separación de la banda. Y aunque lo hemos visto activo con Kings of Convenience y otros lanzamientos como solista, él mismo ha dicho que la música con The Whitest Boy Alive tiene una atmósfera más de fiesta a la que ya no está acostumbrado.
Foto: The Whitest Boy Alive (Facebook)
3.- Podrían traer música nueva bajo el brazo
En marzo de 2020 y luego de 11 años de no publicar nuevo material (su último disco fue Rules en 2009), The Whitest Boy Alive lanzó el sencillo llamado “Serious“, el cual nos hizo creer que durante este tiempo Erlend y compañía no perdieron el tiempo y se dedicaron a crear nuevas rolas que, o sacarán en un nuevo disco, o estrenarán como sencillos aleatorios.
La realidad es que “Serious” no es la única nueva canción que podríamos escuchar en el Corona Capital 2021, pues hay una gran probabilidad de que también podamos disfrutar de algunas rolas de Quarantine at El Ganzo, el disco que Erlend Øye y Sebastian Maschat (baterista de TWBA) hicieron durante su cuarentena en México.
4.- Para que Erlend Øye se olvide del mal rato que tuvo con sus lentes
Sí, sí, ya sabemos que ya pasó más de una década después del vergonzoso episodio protagonizado un fan mexicano que, en un acto de total gandallismo, decidió robar los lentes que Erlend usaba durante un concierto que The Whitest Boy Alive ofrecía en nuestro país por allá del 2010 en un antro de la colonia Del Valle.
Aunque muchos juramos que Erlend no iba a regresar después de eso (y pues con mucha razón), un año después el músico volvió a México como si nada. Si bien Øye parece ya haber superado el trago amargo, no cabe duda que el tema sigue siendo sensible para muchos de los fans de The Whitest Boy Alive, quienes buscan compensar a la banda por lo ocurrido. Y sí, el Corona Capital podría ser la oportunidad perfecta para ello.
11 años después: Recordemos el incidente que Erlend Øye tuvo con sus lentes en la CDMX
5.- Por la mera nostalgia
The Whitest Boy Alive fue una de las bandas que más relevancia tuvo en la llamada escena ‘indie’ que comenzó a surgir a principios de los años 2000. Mucho de ello fue gracias a su primer disco de estudio ‘Dreams’, lanzado en el 2006 y en el cual la agrupación nos habló del amor, el desamor, así como de la complejidad y matices que tiene la vida misma.
La fórmula de la primera placa de este proyecto musical encabezado por Øye en realidad fue simple, pero muy efectiva. Con acordes simples y un par de instrumentos, Dreams fue suficiente para que The Whitest Boy Alive comenzara a ganar terreno en el mundo del indie pop y se consolidara como una de las bandas más importantes de dicho género.
Lo anterior sólo quedó remarcado en el 2009 con la llegada de su segundo disco Rules (2009), uno que además de haber sido grabado en la playa Punta de Burros, ubicada en Nayarit, también terminó de comprobar que la faceta más electrónica y bailable de Erlend Øye no era casualidad y en realidad The Whites Boy Alive era una de las bandas más relevantes de aquellos tiempos.
Nos basta comprobar eso al ver que después de tantos años canciones como la icónica “Burning” siguen siendo coreadas y bailadas como la primera vez. Dicho todo esto nos queda claro que la nostalgia es quizá el factor más poderoso que nos lleva a querer ver a Erlend y compañía sobre un escenario en la CDMX, algo que bien suena como una experiencia que no se repetirá en mucho tiempo (aunque esperamos lo contrario).
Foto: Corona Capital
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Lo que necesitas saber:
Ezra Collective es una de las bandas británicas más rifadas de la actualidad, y acá les contamos por qué deben echarle oí a este grupo.
En estos tiempos, hay muchos que siguen pensando que el jazz es aburrido e incluso pretencioso. Sin embargo, en la actualidad tenemos bandas que nos demuestran lo contrario, que este género puede ser divertido y entretenido. Tal es el caso de Ezra Collective, quienes seguro te harán cambiar tu perspectiva de este tipo de música.
Aunque llevan unos cuantos años haciendo un montón de ruido, este grupazo lleva un buen rato innovando y haciendo cosas bastante interesantes dentro de la escena musical del Reino Unido, llevándose premios importantes y el reconocimiento no solo del público y la prensa, también de varios colegas músicos. Y si no los conocen, acá les contamos quiénes son y por qué deben escucharlos.
¿Quiénes son Ezra Collective?
La historia de Ezra Collective inicia en 2012, con Femi Koleoso como baterista y líder (quien también ha tocado con Gorillaz en sus últimas giras), su hermano TJ Koleoso en el bajo, Joe Armon-Jones en los teclados, James Mollison en el saxofón y Ife Ogunjobi en la trompeta. Todos se juntaron en la banda de Tomorrow’s Warriors, una iniciativa de educación musical en el South Bank Centre de Londres que busca que los jóvenes se acerquen al jazz.
Desde sus inicios, el grupo llamó fuertemente la atención, pues su propuesta fusiona el jazz con otros géneros también influenciados por la música africana, como el propio afrobeat, reggae, hip-hop, grime y R&B. Sin embargo, fue hasta 2016 con el lanzamiento de su EP debut, Chapter 7, que cambiaron de nombre al que les conocemos ahora y que se empezaron a ganar la atención de la prensa especializada.
Tan solo un año después, Ezra Collective estrenó otro EP, Juan Pablo: The Philosopher, con el cual se hicieron de un nombre y reputación como músicos. Con el crecimiento y renacimiento de la escena del jazz en Londres, junto con artistas como Kamaal Williams, Sons of Kemet y Comet Is Coming, el grupo se convirtió en un tema de moda en la capital británica, tanto así que sus shows en la ciudad y otras partes del país eran sold out.
El álbum debut del grupo los lanzó al estrellato
En 2018, la banda ganó premios como Mejor acto de jazz del Reino Unido y Experiencia en vivo del año en los premios Jazz FM. Con estos carteles encima, la banda empezó a grabar su álbum debut hasta que finalmente, en 2019 sacaron You Can’t Steal My Joy un disco en el que le dieron nueva vida a la escena del jazz, con una mezcla alucinantes de influencias musicales y en el que colaboraron con artistas como Loyle Carner, Jorja Smith y Kokoroko.
Su primer material discográfico los convirtió en abanderados del movimiento nu-jazz del Reino Unido, aunque el disco también se hizo popular entre las escenas del funk, el R&B e incluso algunos DJ’s de EDM lo tomaron para hacer remixes. Gracias a este álbum, así como a la enorme promoción que le dieron en la radio británica, Ezra Collective armó una gira por su país y algunos lugares europeos.
Para 2020 y luego de que cada uno de los integrantes trabajaron con otros músicos así como en sus proyectos personales, el grupo regresó con la rola “Quest for Coin II”, donde colaboran con el MC JME y el productor Swindle (la cual se ganó el premio a “la canción más popular del año” de la DJ de BBC Radio 1, Annie Mac).
Al siguiente año, la banda volvió a salir de gira, presentándose en los festivales más importantes de jazz en Europa e incluso regresaron a tocar en clubes como en sus inicios, aunque debido a su popularidad, ahora se trataban de bares mucho más grandes. Sin embargo, durante ese tiempo también empezaron a componer lo que se convertiría en su siguiente álbum de estudio.
Ezra Collective se consolidó con ‘Where I’m Meant to Be’
Finalmente, en 2022, Ezra Collective estrenó Where I’m Meant to Be, su segundo material discográfico. En este álbum, el grupo armó 14 rolas donde combinaron a la perfección el afrobeat, jazz, funk y hip-hop; además que como lo mencionábamos antes, contaron con la participación de invitados especiales como Kojey Radical, Emeli Sande, la cantautora Nao y la rapera Sampa the Great.
El disco debutó en la cima de la lista de álbumes de jazz y blues del Reino Unido de Official Charts Company, ocupó el puesto 24 en la lista de álbumes del Reino Unido e incluso los llevó a grabar una sesión para Tiny Desk Concerts. Por si esto no fuera suficiente, el álbum pasó seis semanas no consecutivas en el número uno de las listas de jazz. Así que como verán, con su segundo trabajo, el grupo la rompió por completo.
Además de la música, también llamó la atención la portada de Where I’m Meant to Be (inspirada en la de Underground de Thelonious Monk), pues es una fotografía de la banda en un estudio en el sur de Londres y en el que podemos verlos rodeados de elementos, instrumentos musicales y cosas que los inspiran (como una bandera kazaja –que representa una ocasión en la que dieron un show en el país– y un disco de Fela Kuti).
En general, la prensa y medios musicales británicos calificaron el segundo disco de Ezra Collective como una verdadera joya, pues el grupo nos lleva por un viaje con un ritmo acelerado que nos invita a simplemente bailar, festejar y disfrutar de la vida a través de su música. Sin duda, es uno de esos álbumes que te levantan el ánimo simplemente dándole play.
Y gracias a ese disco se llevaron el Mercury Prize en 2023
Por si esto no fuera suficiente, con Where I’m Meant to Be, Ezra Collective dio el paso a las grandes ligas ganando el Mercury Prize en 2023 (el cual reconoce al mejor disco del Reino Unido de cada año). La victoria de la banda fue una sorpresa, porque le ganaron a nombres como Arctic Monkeys, Jessie Ware o Fred Again…
Sin embargo, ese año los expertos decidieron darle el Mercury a este quinteto que hizo historia, pues se trata del primer material discográfico de jazz que se lleva a casa el galardón de la música británica… así como lo leen.
“En este momento no es sólo un resultado para Ezra Collective, no es sólo un resultado para el jazz británico, sino que es un momento especial para todas y cada una de las organizaciones de todo el país que dedican sus esfuerzos y su tiempo a que los jóvenes toquen música”.
Dijo Femi Koleoso, integrante de la banda en su discurso de aceptación del Mercury Prize 2023
Los éxitos siguieron llegando para la banda, pues en 2024 nos volvieron a volar la cabeza con su siguiente material discográfico, Dance, No One’s Watching. En este álbum –el cual está dedicado por completo al baile–, el quinteto volvió a colaborar con artistas importantes, como Yazmin Lacey, Olivia Dean, Moonchild Sanelly y M.anifest).
Con decirles que el mismísimo Barack Obama eligió la rola “God Gave Me Feet for Dancing” de Ezra Collective para su lista de 25 canciones favoritas de 2024. Y sin duda, el futuro pinta increíble para esta bandota, pues fueron subcampeones de la encuesta Sounds of 2025 de la BBC y por si esto no fuera suficiente, están nominados para los Brit Awards en categorías como Mejor Nuevo Artista y Mejor Acto de Rock o Alternativo.
Si son fans del jazz fusionado con otros ritmos, deben escuchar a Ezra Collective
Sabemos que siguen existiendo muchos puristas del jazz, que no les gusta que lo mezclen con otros ritmos porque es sacrilegio. Sin embargo, grupos como Ezra Collective nos demuestran que siempre se puede llevar este género a otro nivel y sobre todo, que precisamente es gracias al jazz que pueden surgir combinaciones alucinantes que lo reinventen y llegue a nuevas generaciones.
Aunque más allá de juntar el jazz con el reggae, afrobeat, calypso, R&B, hip-hop y grime, quizá el mayor mérito que tiene este grupazo es popularizar de nuevo estos sonidos en el Reino Unido. Sobre todo después del Brexit y las repercusiones sociales que tuvo esta decisión, dejando una imagen negativa de los inmigrantes y la población afrodescendiente británica, cuando lo único que han hecho es complementar su cultura.
Si a ustedes les late escuchar a músicos virtuosos tocando con pasión, emoción y energía, pero también divirtiéndose y pasándola bomba, de plano no se van a arrepentir de darle una oportunidad a las rolas y discos de Ezra Collective, porque estamos seguros que les van a volar la cabeza con su propuesta y con la buena vibra que traen.
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Guadalajara vivió una noche inolvidable con el debut de Linkin Park en la ciudad. La legendaria banda estadounidense, que marcó a toda una generación, inició una nueva etapa en su trayectoria con la presentación de su más reciente álbum From Zero y la incorporación de su nueva vocalista, Emily Armstrong. Aunque por momentos mostró nerviosismo, Armstrong dejó claro que no busca reemplazar a nadie, sino escribir un nuevo capítulo en la historia de la agrupación.
El Estadio 3 de Marzo fue el escenario donde miles de fanáticos se dieron cita para recibir con entusiasmo a la banda. Desde temprana hora, el acceso al recinto se dio de manera fluida, favorecido por el puente laboral, lo que permitió que, para el inicio del show, el estadio luciera prácticamente lleno. La banda invitada, AFI, se encargó de encender los ánimos con una presentación potente que preparó el terreno para el plato fuerte de la noche.
El concierto de Linkin Park estuvo estructurado en cuatro actos, además de un encore final. Cada bloque fue acompañado de visuales, transiciones gráficas y un juego de luces láser que potenciaron la experiencia audiovisual.
Minutos después de las 21:00 horas, el ambiente se encendió con un guiño a la cultura mexicana: El Rey, de Vicente Fernández, sonó en los altavoces como un homenaje a la tierra tapatía. Al terminar, los primeros acordes instrumentales de Castle of Glass comenzaron a resonar mientras en el escenario aparecían transiciones gráficas que daban paso al espectáculo. El escenario estaba conformado por dos grandes pantallas laterales, una más al centro en el fondo y tres adicionales en la parte superior, ofreciendo una experiencia visual envolvente.
El arranque del concierto no pudo ser más impactante. La banda abrió con tres himnos de su carrera: Somewhere I Belong, Crawling y New Divide, temas que de inmediato desataron la euforia del público. Mike Shinoda, quien se ha convertido en el rostro principal de Linkin Park desde la partida de Chester Bennington, tomó la delantera en la pasarela que se extendía hasta la zona A y, en un español juguetón, saludó a la multitud con energía:
”¡Buenas noches! ¡Qué pasó! ¡Cómo estás! ¡Estamos muy emocionados de estar aquí con ustedes!”
A lo largo del show, la banda repasó varios de sus mayores éxitos, pero el punto culminante de la noche llegó con In The End. La emblemática canción, considerada un himno para toda una generación, provocó una respuesta apoteósica del público, que coreó cada palabra con una pasión indescriptible. La emoción continuó con Faint, recordando la energía que Chester Bennington imprimía en cada interpretación y demostrando que, a pesar del paso del tiempo, Linkin Park sigue vigente.
Cerca del final del concierto, Mike Shinoda volvió a dirigirse a los asistentes en español para agradecer el apoyo:
“Gracias por venir hoy y gracias por apoyar el nuevo disco, además de recibir con cariño a los nuevos miembros de la banda”, expresó con sinceridad.
Tras casi dos horas de un viaje entre nostalgia y celebración, la banda cerró la noche con Bleed It Out.
Setlist de Linkin Park en Guadalajara
Act I
Intro A (w/ elements of “Castle of Glass”)
Somewhere I Belong
Crawling
New Divide
The Emptiness Machine
Act II
Creation Intro A (w/ elements of “Castle of Glass”)
The Catalyst
Burn It Down
Over Each Other (with Emily on guitar)
Waiting for the End
Castle of Glass
Two Faced
Joe Hahn Solo (with Colin on drums)
(audio) Empty Spaces
When They Come for Me / Remember the Name (Mike solo; with Colin on guitar and drums)
Keys to the kingdom
One Step Closer
Act III
*Break/Collapse
Lost (hybrid version live debut; 1st verse/1st chorus Mike and Emily piano into full band version)
Good Things Go (Live debut)
What I’ve Done
Act IV
(Audio) Kintsugi
Overflow
Numb (with “Numb/Encore” intro)
In the End
Faint (Extended outro)
Encore
Resolution Intro A (with elements of “Papercut” & “Castle of Glass”)
Papercut
A Place for My Head
Heavy Is the Crown
Bleed It Out (extended bridge with “Cut the Bridge” bridge)
CT
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