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Un álbum eufórico y la llegada a Reading & Leeds: Una entrevista con Calva Louise
Calva Louise es Jess Allanic (de Venezuela), Alizon Taho (Francia) y Ben Parker (Nueva Zelanda). Esta tercia procede de diferentes partes del mundo, pero los une la pasión por hacer música estruendosa, enérgica y sumamente poderosa. Ahora mismo, radican en Inglaterra y desde hace unos años, se han convertido en uno de los actos musicales más novedosos y llamativos de la escena británica.
La banda estrena este 20 de agosto Euphoric, nuevo álbum que le hace honor a su título a través de sus guitarras poderosas, frenético ritmo, complementos electrónicos de primer nivel y la vertiginosa voz de la vocalista sudamericana, que sin miedo le entra a la cantada en español e inglés para abordar sus letras… Un verdadero torbellino musical y un rock refrescante es lo que encontrarán en este disco.
Calva Louise. Foto: Cortesía.
Con motivo del lanzamiento, nos sentamos a charlar con Jess Allanic sobre este material y los detalles que esconde, cómo se conformó, qué historias de la vida real lo inspiran, la influencia y el cariño que la frontwoman siente por la banda mexicana Molotov, su próxima aparición en Reading & Leeds y más.
Un disco eufórico para despejar las malas sensaciones
Jess Allanic confiesa que darle vuelo a Euphoric no fue nada sencillo al principio. Tal como nos lo comenta en entrevista, ella y sus compañeros de Calva Louise se quedaron con la sensación de que la industria musical -que evoluciona a gran velocidad en la era de las redes sociales- no les permitió disfrutar un poco más la época de su pasado material discográfico.
Eso, inevitablemente les dejó algunas malas sensaciones. Pero dentro de todo, ese bajón emocional desaparecería poco a poco al entrar al estudio para comenzar a grabar. En esa montaña rusa de emociones, la tercia de amigos pasó de estar en la curva baja a la cima. ¿Y que viene después? La euforia, la emoción de dejarse ir con todo…
“Después de haber terminado nuestro primer álbum, estábamos en un bajón un poco emocional porque uno trabaja tanto para algo y al final, el mundo te dice: ‘Bueno, todo eso por lo que trabajaste toda tu vida, ya fue. Ahora, comienza otra cosa nueva’. Como si fuera desechable. Y yo, personalmente estaba como: ‘No nos dejan disfrutar lo que acabamos de hacer’. Poco a poco, empezamos a tener nuevas experiencias, a trabajar con nuevas personas que nos alientan y entonces, cuando llegó el momento de escribir este nuevo álbum, fue como una subida en montaña rusa porque estábamos en el bajón y ahora empezamos a subir. Teníamos esa euforia de cuando vas en la montaña rusa, vas subiendo y sabes que viene el momento del clímax de toda la diversión. Mientras estaba escribiendo el álbum, al mismo tiempo íbamos grabándolo y todo eso fue como: ‘¡Conchale! Tiene muchísima energía. Ya no podíamos más; tenemos que tocarlo en vivo’. Así nos sentíamos musicalmente, personalmente, emocionalmente cada uno de los tres y Bobby de Strange Bones [su productor]”.
Portada de ‘Euphoric’. Foto: FRKST Records.
La dualidad del ser humano como tema del álbum de Calva Louise
Musicalmente hablando, como dijimos, Euphoric de Calva Louise se caracteriza por lo poderoso de su esencia. Es un disco estruendoso, potente y con una producción muy bien cuidada; muy detallista. Valga la redundancia, si debiéramos definirlo en una sola palabra, esa precisamente sería ‘eufórico’. Y esa sensación de euforia también recae en la temática antes detallada por la vocalista.
Pero este disco es más que una subida emocional… también funciona como un cuestionamiento a la dualidad del ser humano. Jess Allanic nos explica que esta dualidad a la que se refieren en el material, se basa en lo que las demás personas esperan de uno mismo, en cómo el entorno influye para limitar la identidad de las personas; en cómo a veces dudamos de nosotros mismos, pero no de lo que otras personas piensan de nosotros.
“Cuando hicimos nuestro primer álbum, yo dibujé un pequeño cómic de un personaje que está atrapado en su propia identidad y la descripción que el mundo le da. Con ‘Euphoric’, ya no se trata de buscar una identidad, si no de decir: ‘esta es mi identidad, pero no es todo lo que soy’… Uno tiene la impresión de que el mundo te quiere definir quién eres y nos lo creemos desde muy chiquitos. Y surge la pregunta: ‘Bueno, ¿no hay algo que sea puramente yo?’… También me interesé en la pregunta de ‘¿Por qué a veces me caigo mal?’…. Uno a veces no cree en sí mismo, pero sí cree en lo que los demás dicen de uno”.
Calva Louise. Foto: Cortesía.
La influencia de Molotov y “Tiranito”, la canción que define ‘Euphoric’
Jess partió de Venezuela a Europa ya hace algunos años. Pero en el camino, llevó consigo el recuerdo de esa música con la que creció. Ella platica con cariño el recuerdo de haber visto a los mexicanos Molotov en Caracas, en lo que fue el primer concierto al que asistió en su vida. Y eso no fue algo fortuito… De hecho, la vocalista y guitarrista de Calva Louise nos cuenta que su papá es un fan de hueso colorado y que ver a la banda de Tito Fuentes y compañía, fue una experiencia que la marcó para siempre.
“Yo crecí escuchando a Molotov. Mi papá con el vecino tocaba todas las canciones de Molotov cuando yo crecía en Caracas. Ellos fueron mi primer concierto. Yo tenía como 8 años, no recuerdo bien, pero me acuerdo de ese día y como mi papá es mega fan, siempre escuchábamos todas las canciones. Aunque no entendiera todo el significado de las letras, sí entendía la esencia; el power que tienen. Cuando me sentía muy brava con todo lo que estaba alrededor, yo escuchaba a Molotov y me sentía mucho más tranquila. Ellos siempre representaron para mí la idea de ‘sé tu mismo, qué importa’, pero siempre con sentido común….
Dentro de su nuevo disco Euphoric, hay una canción llamada “Tiranito”. Podríamos decir que esta canción rescata esa esencia de Molotov en el aspecto de la crítica social e incluso personal. La cantante menciona que este tema se originó mientras hablaba por teléfono con su mamá, quien estaba bastante enojada por algo que había pasado en su trabajo. A partir de esa anécdota de la vida cotidiana, se armó uno de los sencillos -opinión personal, je- que definen a esta placa discográfica.
“Cuando estaba escribiendo ‘Tiranito’, estaba hablando con mi mamá por teléfono y ella me decía: ‘¡Conchale con mi trabajo!’. Y yo le decía: ‘Espérame tantito, deja escribo lo que estás diciendo’. Me daba risa porque en todo el mundo el mundo hay diferencias culturales muy grandes… Yo veo que mi mamá es muy venezolana; tiene ese sentimiento de que ‘a mí nadie me dice ni me calla la boca. Uno tiene que ser correcto’. Escuchando a mi mamá hablar de cosas que le molestaban, me identifiqué de cuando uno no quiere ser hipócrita, cuando se quiere ser una buena persona, pero la gente te ataca y no sabes qué hacer. Y mucho peor cuando es un jefe del que no puedes defenderte. Entonces, ese reconcomio [preocupación] va subiendo, ¿y cómo te quitas todo eso de encima? Una canción es la mejor manera… Así, como cuando yo escuchaba a Molotov, me sentía mucho mejor”.
Calva Louise y Strange Bones, las bandas que se apoyan mutuamente
Euphoric de Calva Louise cuenta con Bobby Bentham como productor. Él es vocalista de Strange Bones, otra tremenda banda británica que de a poco ha ganado una fiel base de seguidores en el Reino Unido. Sin embargo, la colaboración entre ambos grupos va más allá de los escenarios y el estudio.
Jess nos cuenta que se conoció con Bobby desde hace cinco años y desde entonces, ambas bandas han caminado juntas de la mano apoyándose en todo momento. Pero no un apoyo solo moral o fraternal… en medio de una escena a veces elitista con los talentos emergentes, ambos proyectos han decidido compartir cada éxito y avance entre sí mismos.
“Hace como cinco años, tocamos en un festival en Glasgow, Escocia con Strange Bones y bueno, yo conocí a Bobby y empezamos a hablar bastante. Teníamos la misma visión no solo artísticamente, sino de la vida. A finales de 2019, la industria estaba como muy snoob; como que decían ‘no me voy a juntar con ellos’. Y nosotros [Calva Louise y Strange Bones] sentíamos que nadie nos apoyaba. Decidimos en ese momento que nos ayudaríamos mutuamente, armamos un estudio e hicimos como un trato verbal de que nos íbamos a apoyar. Todo lo que venga para Calva Louise, lo compartimos con Strange Bones y viceversa. Yo vivo con Bobby, además de que mi bajista Alizon es su mánager. Entonces, tomamos el dinero que nos dio FRKST [el sello discográfico de ambas bandas] y construimos el estudio para Bobby. Todo se mezcló para ir creando algo más fuerte”.
Escuchen a Strange Bones, que es otra banda que vale muchísimo la pena:
Se acerca Reading & Leeds y la banda también tiene a México en la mira
El 2021 no solo es el año en que Calva Louise lanza su segundo material discográfico. Jess, Alizon (bajista) y Ben (baterista) también suman un éxito más a su carrera pues se presentarán en la próximo edición del Reading & Leeds Festival, con parte de los actos que llegan al escenario BBC Introducing. Hay nervios, claro, pero la emoción predomina en ellos.
“Estoy emocionada y al mismo tiempo, cagada. Al principio hubo muchos nervios, pero ese siempre ha sido mi sueño desde que estaba en Venezuela. Y al mismo tiempo, por ejemplo, Alizon que es el más calmado de nosotros, dice: ‘Bueno, es una evolución lógica. Tienes que verlo así. Vamos a tocar, va a estar muy bien. Estamos preparados. Es ahora o nunca’. Tenemos los buenos nervios, pero es un sueño hecho realidad. Es un gran honor para nosotros. Además, me he dado cuenta que a la gente aquí le gusta que cantemos en español. No importa si no entienden el idioma porque entienden el significado. No se cómo va a ser el festival, pero sea como sea, lo voy a disfrutar”.
“Es un sueño. Siempre he querido ir a México. Estamos tratando con una gente que tenemos en Estados Unidos y jamás hemos ido ahí tampoco. De hecho, firmamos con nuestro label vía Zoom y entonces, a mí me encantaría volver a cruzar el océano para poder tocar en México y Estados Unidos. Esa es la meta”.
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Bulgaria ha dado la sorpresa este sábado al ganar por primera vez el Festival de Eurovisión con “Bangaranga”, una festiva canción interpretada por la cantante DARA y con la que el país ha regresado a un certamen en el que llevaba tres años ausente por problemas económicos, en una edición marcada por la polémica presencia de Israel, que quedó segundo.
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El voto del público confirmó el veredicto que los jurados profesionales habían emitido, colocando al país en primera posición y elevó su puntuación total a 516.
Israel, por contra, vio cómo el octavo puesto inicial dado por los jurados se convirtió en una segunda posición con 343 puntos gracias al masivo apoyo del voto del público, en una repetición de lo sucedido el año pasado.
DARA, la ganadora del certamen, definió minutos antes de anunciarse el resultado que el título de su canción, ‘Bangaranga‘ “significa el momento en que decides vivir tu amor y no tu miedo”.
 
¿Por qué la participación de Israel en Eurovisión 2026 fue tan controvertida?
La 70 edición de Eurovisión, celebrada en Viena, ha estado marcada por la polémica presencia de Israel y la ausencia en protesta de España, Países Bajos, Eslovenia, Irlanda e Islandia.
Esos países argumentaron su boicot en los ataques de Israel a la población civil en Gaza, que dejaron más de 70 mil muertos entre 2023 y 2025, en represalia a los atentados terroristas de Hamás en octubre de 2023.
 
Ha sido también polémico el sistema de votación, sobre todo después de que el diario The New York Times publicara una investigación que apunta a que una campaña del Gobierno israelí y el sistema que permitía a cada televidente votar hasta 20 veces inclinaron el resultado de forma que la representante israelí, Yuval Raphael, arrasó el año pasado en el televoto.
En esta edición se han permitido sólo diez votos por cada televidente.
¿Quién es DARA, la ganadora de Eurovisión 2026?
En lo puramente artístico, DARA es con 28 años una de las artistas pop más reconocidas de Bulgaria, y ha marcado la pauta de ese género de su país en los últimos años con su voz única, su imponente presencia escénica y su audaz fusión de géneros.
Se hizo famosa en 2015 al participar en el concurso de talentos ‘X Factor’.
Con todo, las casas de apuestas no tenían a Bulgaria en el ránking de favoritos, que lideraba Finlandia, que finalmente quedó sexto.
De hecho, la propia DARA resumió que el sentido de su canción es que sentirse en armonía con uno mismo es la clave para “ser lo que quieras ser y de que todo es posible”.
JM
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En medio de su estudio de ensayo, buscando desesperadamente una señal estable de internet, Paco Huidobro aparece en Zoom con un sombrero de palma y el username “La Cucaracha”. “Acá en el solazo, quema este sillón”, bromea entre risas antes de comenzar a hablar con EL INFORMADOR sobre el presente de Fobia y su presentación del 21 de mayo en el Auditorio Telmex. Celebran 40 años de carrera.
Lejos de la nostalgia fácil, Huidobro asegura que la banda atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. “Este show lo llevamos preparando desde septiembre. Imagínate cuánto tiempo le he invertido a sacar esto adelante. Está sonando mejor que nunca”, afirma.
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La agrupación tiene montadas alrededor de 35 canciones para esta nueva etapa, apoyándose en tecnología que antes parecía imposible para el grupo. “Ahora sí puedo hacer las cosas tal y como me las imaginaba. Tener las consolas automatizadas, los efectos sincronizados, todo conectado. Cada movimiento en una canción requiere que una computadora mande cambios al sintetizador, a la batería, a la consola. Es muy laborioso, pero me apasiona muchísimo”.
Fobia celebra 40 años de trayectoria y una de sus etapas musicales más sólidas
El músico compara esa complejidad actual con los años iniciales de la banda tocando en Rockotitlán (legendario foro de rock mexicano fundado originalmente en 1985) con equipo mínimo.
“Veo cuando empezábamos a tocar con seis canales y unas bocinitas chiquitas y luego escucho lo que estamos grabando ahorita en los ensayos… sí está mejor que nunca”.
Antes del concierto, Paco también piensa en Guadalajara como un espacio afectivo. Muchas amistades y rituales personales lo mantienen unido en la ciudad. “Siempre me gusta ir a comer, visitar amigos, ir a ver a Jis y a Trino. Tengo cita con ellos para ir a comer. Me encanta Guadalajara”.
La conversación inevitablemente lleva a la dinámica interna de Fobia, una banda históricamente marcada por pausas, diferencias y reconciliaciones. Paco no evade el tema y define al grupo como una “familia disfuncional”. “Todos venimos de familias disfuncionales e hicimos una familia más disfuncional que es un grupo de rock”.
Sin embargo, también reconoce que el paso del tiempo ha ayudado a entender los roles dentro de la banda.
“Es como todas las relaciones humanas. Uno lleva el timón, otro iza las velas, otro suelta el ancla. El problema es cuando unos quieren el lugar de los otros. Ya con los años vas entendiendo quién hace mejor cada cosa”.
Parte importante de esta nueva etapa es la incorporación del baterista Elohim Corona, a quien Paco no duda en calificar como el mejor músico con el que ha trabajado. “Estoy disfrutando muchísimo tocar con el mejor baterista que he visto en mi vida”. Huidobro destaca el entendimiento musical y humano que encontró con él. “Hay músicos que tocan increíble y le pegan a todo lo que se encuentran. Elohim no. Él está al servicio de la canción. Tiene una filosofía parecida a la mía”.
La admiración se extiende a detalles específicos de ejecución y sonido. “La afinación es brutal. La batería ya no tiene un solo sonido uniforme. Cada parte tiene personalidad. El resultado es brutal”. También explica que la convivencia durante los ensayos ha sido determinante para mantener el entusiasmo. “Los ensayos son muy amenos. Yo aprendo mucho de él y él aprende mucho de mí. Siempre que hay algo nuevo hay entusiasmo”.
Paco Huidobro explica por qué Jay de la Cueva no forma parte de la nueva etapa de Fobia
Uno de los temas inevitables alrededor de esta nueva alineación es la ausencia de Jay de la Cueva. Paco responde sin rodeos cuando se le pregunta por qué no forma parte de esta etapa. “Porque no me convenía, la verdad”. Tras una pausa, desarrolla la idea. “Yo ya no me puedo ajustar a los tiempos de alguien más. Si quiero hacer esto es ahora y de esta manera. Lo respeto mucho y viví cosas padrísimas con él, pero en este momento no podía adecuarme a sus tiempos”.
Aunque Fobia volvió a los escenarios, la posibilidad de grabar música nueva sigue siendo incierta. Paco reconoce que tiene canciones, pero admite que la lógica tradicional de la industria ya no le interesa. “Siempre tengo muchas canciones, pero entrar otra vez al ritmo de la industria… hagan un álbum, hagan promoción… híjoles, no”.
Para él, la experiencia de las disqueras terminó convirtiendo a los músicos en vendedores. “Uno empieza queriendo ser músico y la disquera te trata como vendedor de Avón”.
Recuerda con ironía las entrevistas promocionales de los primeros años. “Íbamos a hacer promoción y las preguntas eran: ‘¿Quién tiene más novias?’ Pura pregunta pendeja”. Huidobro asegura que hoy disfruta otros aspectos de la música. “A mí lo que me gusta es mi estudio, las máquinas y tocar. Cuando empezamos a improvisar algo en el ensayo, esos son los momentos que me prenden”. Y remata con una crítica frontal a los formatos promocionales tradicionales. “No quiero ir al programa de la mañana, luego al concurso donde cambian pañales y después toca el grupo. Qué horror”.
Paco Huidobro recuerda el disco “Leche” y reflexiona sobre la creatividad, el arte y la fama
La charla también deriva hacia “Leche”, tercer disco de la banda publicado en 1993 y que Paco considera uno de los momentos creativos más importantes de la banda, aunque reconoce que fue poco comprendido en su momento. “Con el tiempo te das cuenta de que no estabas adelantado a tu época, sino en el lugar atrasado”, exclama entre una risa burlona.
El álbum fue grabado en Nueva York, en el estudio Magic Shop, rodeados de una escena artística que terminó impregnando el sonido del disco. “Absorbimos muchísima cultura. Veíamos música brasileña, DJs, arte, cine, exposiciones. Todo eso se volvió parte del disco”.
Recuerda especialmente las experiencias fuera del estudio: festivales, galerías y encuentros con figuras del arte contemporáneo. “Me acuerdo mucho de ayudar a Antony Gormley a montar una exposición. Llegó un camión con 10 mil piezas de cerámica y ahí estaba él diciendo dónde poner cada cosa. Son momentos que se te quedan grabados”.
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También habla de cómo Nueva York transformó su forma de entender la música y el arte. “No ves al artista como alguien inalcanzable, sino como alguien trabajando contigo”.
Aunque “Leche” no alcanzó la recepción masiva de otros discos de Fobia, Paco parece reconciliado con ello. “Obviamente no iba a ser un disco muy comprendido”.
Y fiel a su estilo, termina dejando una frase que resume buena parte de su visión artística y personal.
“Yo no estoy hecho para que me comprendan, sino para que me amen”.
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Lady Gaga avisó al inicio de su nueva era musical que la categoría era “bailar o morir” y después de elegir tantas veces la primera, era el momento de presenciar lo segundo para despedir su disco ‘MAYHEM’ a través de un concierto documental en el que simula un descenso a los infiernos.
La estrella estadounidense presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem’, una reinterpretación de su séptimo disco de estudio en solitario, cuyo adelanto ofreció de manera exclusiva en un encuentro íntimo el pasado 14 de enero en la sala Wiltern de Los Ángeles.
Si bien ‘MAYHEM’ supuso como el renacer de su etapa pop-dance más popular, en el que volvía a abrazar sus pensamientos intrusivos, esta reinvención pretende rendir un homenaje a esta era y prepararse para su acto final.
Bajo un tono sombrío, con parte del decorado de la gira que todavía sigue realizando por todo el mundo, la artista evocó un universo parecido al ‘Upside Down’ (El Mundo del Revés) de Stranger Things.
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El rito mortuorio en cada disco de Gaga
Vestida de luto y ocultando su rostro bajo un velo frente a un escenario de columnas destruidas, Gaga apareció en escena como la suma sacerdotisa para ofrecer un espectáculo inédito en forma de rito funerario.
Sin dejar atrás sus atuendos estrafalarios, pero alejada de sus coreografías frenéticas, Gaga versionó las canciones que componen ‘MAYHEM’ al son de ritmos experimentales que recordaban a grupos como Daft Punk.
Este nuevo ADN bebió de influencias del metal industrial, alejando el show de cualquier estructura convencional de concierto que acostumbra a seguir Gaga, con solo cinco músicos acompañándola sobre el escenario entre sintetizadores y un órgano de iglesia.
Gaga alternó instrumentos clásicos con efectos electrónicos para convertir el espacio en un templo dedicado a la introspección más profunda del dolor en temas como ‘Desease’ el aclamado ‘Abracadabra’.
A diferencia de sus giras mundiales, la puesta en escena que ofreció fue más estática, simulando una ópera profanada en la que solo los juegos de luces daban dinamismo a una Gaga que se movía en el espacio para tocar instrumentos, cantar y acompañar a los músicos.
En el tramo final de este íntimo concierto, el luto se transformó en un casco metálico futurista con la mezcla de la balada ‘Die With a Smile’ con un sonido de electrónica nocturna.
Con este nuevo proyecto, la estrella del pop-dance parece dar carpetazo a una guerra interna personal con la que ha estado viajando en el último año; un rito en el que sobrevivió a su propio desorden para poder navegar hacia otro horizonte.
Tras una reverencia final, Gaga desapareció entre las sombras del teatro bajo un mensaje de despedida: descanse en paz.
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