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Demon Slayer: El fenómeno de taquilla

La noche del 31 de diciembre de 2020 nos fuimos a dormir con una certeza: por primera vez en la historia, la película más taquillera a nivel global no sería hollywoodense.
Tras un año catastrófico para la industria cinematográfica, solamente una película había logrado rebasar los $450 millones de dólares (MDD) y se erguía como monarca anual, con una recaudación entre los $461 y los $472 MDD (dependiendo la fuente). La película en cuestión era The Eight Hundred (Ba bai), el drama bélico dirigido y escrito por Guan Hu. Estelarizado por Huang Zhizhong, Oho Ou, Jiang Wu, Zhang Yi y Wang Qianyuan, el filme seguía la odisea de 800 soldados chinos que, durante el asedio de Shanghái en 1937, lucharon desde un almacén en medio del campo de batalla, completamente rodeados por el ejército japonés.
En su primer día de exhibición, The Eight Hundred ganó $40 MDD y en su primer fin de semana recaudó un total de $116 MDD. Al final de su corrida comercial hizo lo suficiente para ser el primer lugar anual de 2020. El top 3 lo completaron otra película china, My People, My Homeland (Wo He Wo De Jia Xiang), con $430 MDD, y Bad Boys por siempre, con $424 MDD, estrenada en un mundo pre-pandemia y con Will Smith como cabeza de reparto.
Pero esta historia no terminó aquel 31 de diciembre. Se definió cuatro meses más tarde. En efecto, la corona de la película más taquillera de 2020 permaneció en Asia, pero recayó en un título japonés… ¡de anime! Hablamos de Demon Slayer: Mugen Train – La película (Kimetsu no Yaiba: Mugen Ressha–hen).

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El lento camino hacia el primer lugar
En la mayoría de los mercados internacionales (Estados Unidos, China, México, casi todo Europa…), una película recauda cerca de la mitad de su taquilla en sus primeros siete días en exhibición. La excepción siempre serán los éxitos inusitados, los cuales pueden multiplicar tres, cuatro, cinco o hasta diez veces los números de su primera semana; por ejemplo: Avatar, Zootopia, Bohemian Rhapsody (EE.UU.) o Nosotros los Nobles (México).
En Japón, la historia es distinta. Allá casi todas las películas tienen una larga corrida comercial (lo que en EEUU se conoce como long legs), y la mayor parte experimentan descensos moderados de una semana a otra. De hecho, no es extraño que algunas propuestas aumenten su recaudación en fines de semana posteriores a su estreno y que su taquilla final termine multiplicando por cinco, diez o veinte sus números de arranque.
Ese fue el caso de Demon Slayer: Mugen Train – La película, secuela de la popular serie anime que debutó el 16 de octubre de 2020 en cines japoneses y que, al momento de escribir este texto –12 de agosto de 2021–, aún sigue en cartelera: 300 días (42 semanas) después de su debut, una vez que multiplicó por once sus números de arranque.
En su primer fin de semana, el anime sorprendió a todo mundo pues, en medio de la pandemia por COVID-19, debutó con el equivalente a $31.82 MDD. En sus primeras ocho semanas nunca registró una caída en taquilla superior al 35%, y en sus primeras ¡15 SEMANAS! en cines se mantuvo en la cima, hasta el 28 de enero de 2021. Más aún: en su fin de semana número 21 (este marzo) regresó al primer lugar y no fue sino hasta su semana 27 en cartelera (tras medio año en cines) cuando finalmente abandonó el top 5 de la taquilla japonesa.
Al cierre de 2020, Demon Slayer: Mugen Train – La película acumulaba $330 MDD sólo en Japón, y para entonces ya había debutado en más mercados del sureste asiático, como Taiwán (30 de octubre), Singapur (12 de noviembre) y Hong Kong (12 de noviembre). En Taiwán instauró récord como el mayor debut animado de la historia, con $12.6 MDD; en Singapur se convirtió en el anime más taquillero de la historia, con $1.83 MDD; y en Hong Kong tenía una prometedora corrida comercial, pero los cines fueron cerrados apenas tres semanas después, y reabrieron hasta el 18 de febrero de 2021.
De esta forma, Demon Slayer finalizó 2020 en el quinto lugar anual, con $350 MDD, apenas $10 millones detrás de Tenet (que se estrenó en prácticamente todo el mundo, con números destacados en Europa y China) y $30 millones delante de Sonic: La película, el último gran estreno hollywoodense antes de la Era-Covid.
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América, el boleto a la cima
Como ya adelantamos, Demon Slayer: Mugen Train – La Película no dejó de figurar en el top 10 de la taquilla nipona en los primeros siete meses de 2021, pero aún le faltaba debutar en territorios más allá de sus vecinos asiáticos.
Luego de un fenomenal paso por Corea del Sur ($18.0 MDD), el primer ‘testeo’ exitoso de su potencial de expansión tuvo lugar en Oceanía. En Australia sumó $3.2 MDD, y en Nueva Zelandia, $0.54 MDD. En ambos casos tuvo una ‘doble corrida’ comercial: primero en su idioma original con subtítulos y luego con doblaje al inglés. ¿Tenía sentido debutar en América y Europa? Para quienes no están familiarizados con el impacto del anime en el mundo, la idea sonaba un tanto descabellada, pero para quienes saben el tamaño de este mercado en el hemisferio occidental, había una oportunidad de registrar buenos números.
Fue así como entre el 21 y el 23 de abril, Demon Slayer: Mugen Train – La película debutó en Estados Unidos, España, México y una buena cantidad de mercados de Latinoamérica (del Río Bravo hacia abajo, cortesía de Konnichiwa Festival). Al no tratarse de una franquicia previamente establecida (Pokémon; Dragon Ball), de una casa productora reconocida (Studio Ghibli) y, sobre todo, al haber debutado en tiempos pandémicos, los números que registró el anime pueden calificarse como un éxito rotundo.
En México, Demon Slayer: Mugen Train – La Película debutó en 765 salas, solo 1.1% detrás de Ruega por nosotros (la líder semanal), con $25.0 millones de pesos (MDP) en taquilla y 312,300 espectadores, quienes pagaron un precio promedio de $4 dólares ($80 pesos) por boleto. Para dar contexto: Dragon Ball Super: Broly debutó en enero de 2019, con $123.6 MDP (3,361 pantallas), y Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses hizo lo propio en septiembre de 2013, con $36.4 MDP (360 salas). En ambos casos, las películas NO se estrenaron en una pandemia y correspondían a un título con una fanbase mucho más consolidada. De allí que fuera aún mayor la hazaña de Demon Slayer.
En EE.UU. también debutó en 2º lugar, a menos de 10% de distancia del 1er puesto (Mortal Kombat), con $21.1 MDD, en apenas 1,605 cines (Mortal Kombat debutó en más de 3 mil). De paso, obtuvo otro récord: es el mayor debut de un filme extranjero (no producido en EE.UU. / no hablado en inglés), superando a la superproducción Héroe (2002) y sus $17.8 MDD.
En el resto de Iberoamérica también tuvo grandes resultados. En Argentina y Colombia debutó en 2º lugar y en Centroamérica fue 1º. Sólo Brasil no tuvo los números esperados, pero por circunstancias bien conocidas (entiéndase una pandemia descontrolada). En España también fue 1er lugar, con €0.55 millones de euros. Al sumar esos resultados con los de Japón y otra decena de territorios de Oceanía y del sureste asiático, elevó su recaudación global a $456 MDD.
Una semana más tarde, Demon Slayer se colocó como líder de taquilla en EE.UU. (rebasó a Mortal Kombat y finalizó con $47.7 MDD) y muy pronto sucedió lo inevitable: Demon Slayer rebasó los $472 MDD recaudados por The Eight Hundred en 2020. Así, la noche del 2 de mayo de 2021, los fanáticos del anime, los fanáticos de Tanjiro y Nezuko Kamado, se fueron a dormir con la satisfacción de que un anime (¡UN ANIME!) era la película más taquillera de todo un año a nivel global, aún habiéndose estrenado en la mayoría de los países en cines con capacidad restringida.
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Las claves del éxito
¿Cuáles fueron las claves de este éxito fuera de toda proporción, si todo parecía indicar que Demon Slayer solo podría interesar a una base de fanáticos limitada? Vayamos por partes. Primero, la franquicia ya contaba con una fanbase sólida como publicación (en Japón, sobre todo). Pero la llegada de la serie de televisión (disponible en Funimation, Crunchyroll y Netflix) acercó este universo a un público mas extenso.
Karla Bravo, cofundadora Kem Media –empresa dueña del Konnichiwa Festival–, indica que el paso a cine de Demon Slayer: Mugen Train – La película por la taquilla mundial es un caso particular.
“Era un proyecto ambicioso en el cual no se escatimaron recursos. El producto, en conjunto, estaba muy bien hecho: lo desarrolló un estudio de animación increíble, Ufotable, que empleó un arco narrativo bien adaptado a cine, pues la película la puedes ver siendo o no siendo fan”.
Bravo añade que otro factor determinante para el éxito fue su habilidad para convertirse en una four quadrant-movie, esto es, una película que resulta atractiva a todas las audiencias.
“Consiguieron llegar a todos los target (hombres y mujeres; niños/adolescentes y adultos por igual) con una historia sencilla, bien escrita, y un protagonista empático, cuyo viaje del héroe le va dejando valiosas lecciones de camaradería, de no rendirse y seguir adelante”, precisa Bravo, quien añade que el músculo mercadológico fue otro factor determinante. No por nada hubo fanáticos que la vieron dos, tres… diez veces en cines.
Pero a veces no basta con tener un producto muy bueno. En este caso, el otro gran factor que ayudó a su éxito –por paradójico que pudiera parecer– fue la pandemia por COVID-19. En Japón, Demon Slayer debutó en un mercado necesitado de películas (hasta hoy, suma 28.3 millones de boletos vendidos). De estrenos hollywoodenses, no había uno solo en el horizonte.
La misma situación se replicó en otros mercados, en distintos momentos. En el caso de México y Latinoamérica, la producción de Ufotable debutó en el impasse entre Godzilla vs Kong (que genuinamente regresó a la gente a las salas) y la dupla El conjuro 3 / Cruella, que llegó un mes más tarde.
“Demon Slayer debutó en un momento de la industria muy particular. En México, aprovechamos el ‘vacío’ de contenidos para estrenar, pues en un universo sin pandemia, hubiera enfrentado una mayor competencia”, indica Karla Bravo, quien se dice gratamente satisfecha con los números finales en México: más de 820 mil espectadores y $68 millones de pesos.
Si somos honestos, Demon Slayer representa mejor el espíritu combativo de la humanidad en 2020 que la película china, otrora campeona anual. Me explico: mientras que The Eight Hundred apenas se estrenó en una docena de países e hizo el 99.6% de su taquilla en un solo mercado (China), Demon Slayer sí se fue abriendo paso en distintos mercados y en varios marcó importantes récords, lo mismo como el filme animado más taquillero de la Era-Covid, que como el anime más taquillero de la historia, dejando atrás a otros títulos como your name. o El viaje de Chihiro.
Personalmente, creo que no podría haber mejor monarca de la taquilla de 2020 que Demon Slayer: Mugen Train – La Película.
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Corolario: una marca extra
En mayo, el filme debutó en Francia, Alemania, Reino Unido, Holanda, Rusia, y gracias a sus potentes números, el primer fin de semana de junio se coronó como en el primer anime en cruzar la barrera de los $500 MDD a nivel global. Ello solo vino a reafirmar su papel como campeón taquillero del año más convulso de la historia para la industria cinematográfica.
Corolario 2: Demon Slayer, en streaming.
En México –y en muchos otros países–, Demon Slayer: Mugen Train – La Película tiene distribución en streaming desde este viernes 13 de agosto en Funimation. A ello se debe sumar su presencia en manga (Panini Manga) y en figuras coleccionables (Tamashii Nations) para cerrar la pinza.
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Cinemex reabre su complejo Reforma 222 renovado, con nueva propuesta gastronómica y tecnología láser
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Cinemex reabrió las puertas de su complejo ubicado en Reforma 222, en la Ciudad de México, tras una renovación que actualizó tanto su infraestructura tecnológica como su oferta de alimentos y el diseño de sus instalaciones.
El complejo se integra ahora al formato «Market» de la cadena, un modelo que combina la proyección de películas con una zona de restaurantes y snacks de distintas marcas. Con esta incorporación, Cinemex suma nueve complejos bajo ese esquema en todo el país.
En materia gastronómica, el lugar alberga opciones como Mini Moshi, La Crepe Parisienne, Cielito Querido Café, Red Kitchen, Lucky Bones y Burk’s. Uno de los espacios que más destaca es el PopCorn Lab, una barra de palomitas con más de diez sabores que van desde opciones clásicas como mantequilla y caramelo hasta variantes como Oreo, chile limón y tamarindo.
En cuanto a tecnología, las salas incorporan proyección láser en formatos 2K y 4K, que permite mayor brillo y definición de imagen, acompañada de sistemas de sonido envolvente. El diseño interior fue reformado con butacas ergonómicas, mayor distancia entre filas e iluminación contemporánea.
La reapertura de Reforma 222 forma parte de un plan de modernización más amplio que la empresa inició en 2025. En el transcurso de este año, la compañía también prevé renovar los complejos de Patriotismo, Lindavista, Lomas Verdes, Fashion Drive y Paseo San Pedro, estos últimos en Monterrey.
Cinemex emplea actualmente a más de 7 mil personas de forma directa en el país.
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Poncho Pineda: quiero que mis obras sean personales
Poncho Pineda, mexicano en nacionalidad y esencia, es el director de cine y televisión más visto en la historia de ViX. Sus proyectos (Es por su bien (2024), Profe infiltrado (2024), entre otras), han recibido buena apreciación en aquella plataforma. Desde su primer largometraje Amor, dolor y viceversa(2008) ha ido abriéndose camino a nivel internacional. Un hombre de cuarenta y siete años que remonta su trayectoria a los once, cuando se descubrió inventando historias que le permitían comprender las situaciones que iba atravesando. Sin embargo, no fue hasta que la afición se enfrentó con la técnica cuando Poncho encontró su pasión: uno de esos azares del destino que conducen a uno al resto de su vida. En su caso, una electiva de fotografía; la asignatura escolar que resultó determinante para la carrera del cineasta, que le brindó las herramientas para (re)presentar sus vivencias y su entorno.
“Terminé enamorado de la imagen, de lo que se podía hacer con una (imagen), de lo que representaba emocional o simbólicamente”.
La fotografía como elemento narrativo, que sugiere, que se arriesga y que intriga fue lo que despertó en Poncho una fascinación que le sirvió como motor para emprender el camino de la cinematografía y, que eventualmente, influyó en su propia manera de ver y de dirigir. Para él, el amor por esta profesión y la inspiración no surgieron en la academia, pues a pesar de haber realizado estudios en literatura, cine, dirección, guionismo y producción, su pasión tiene origen en su infancia: en el amor que sus padres tenían por el cine en blanco y negro y por las películas de Alfred Hitchcock.

Con el tiempo, este cariño lo hizo propio y Poncho terminó por encontrar a sus propios ídolos: grandes cineastas de distintas partes del mundo que lo inspiraron durante todo el proceso de creación de su primera cinta. “Yo realmente estuve muy inspirado por Quentin Tarantino, Paul Fitzgerald, David Fincher, Michael Haneke. Luego, cuando fui creciendo, Amores Perros (Iñárritu, 2000) me encantaba, la foto y lo visceral. Me encantaba lo que lograban comunicar con la cámara”. Fue todo el misterio que suscita la fotografía de esta icónica cinta mexicana en el espectador lo que, comparte Poncho, impulsó su primera película.
No obstante, es bien sabido que tras las inspiraciones llega uno mismo, que después de observar e intentar, uno encuentra su versión más auténtica, con su propio lenguaje y su propia esencia. Hoy, no cabe duda de que Poncho se encuentra en este lugar, en el punto de su carrera en el que sus seguidores son capaces de reconocer sus obras, de identificar las marcas personales del cineasta; por ejemplo, el constante retorno a las dinámicas familiares. Este director es consciente de que, como mexicanos, la familia es nuestro núcleo más importante a nivel social– algo que él mismo comparte– por lo que decide jugar con este elemento y presentar escenas y narrativas que toquen fibras en más de una persona.
No es casualidad de que, sin importar el género con el que Poncho esté trabajando, la dirección de sus películas esté enfocada en resaltar dichas nociones y conductas (familiares), pues él se mantiene firme en la idea de que la familia puede ser constructora, pero también limitante para el futuro y el avenir de cada individuo; un algo que trasciende lo comprensible: “dicen que antes de nacer hacemos un trato para ver a qué clan nos unimos”.
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Soltar. Entender. Resignificar.
Poncho sabe que su profesión abarca más allá de los límites del entretenimiento. Tiene presente que detrás de cada cortometraje o largometraje hay una anécdota, una profundidad y un contexto, que hay un alguien; una persona que fue protagonista de la misma historia que pretende ser contada. Ecos que vuelven de cada cinta una obra cargada de sentido y significado. Por eso, bajo esta perspectiva el cineasta mexicano no sólo tiene como objetivo ser consumido, sino ser escuchado y, en el proceso, entenderse a sí mismo.
En su estreno más reciente, Familia a la deriva (2026), Poncho hace esto mismo: a través de risas y buen humor, pretende provocar en la audiencia empatía hacia aquellas figuras que, aunque no son ausentes, tampoco desempeñan el papel que uno espera. Con esto, él comparte un poco de su historia a un público y una sociedad que sabe que no es ajena a este sentimiento, volviendo su profesión en un elemento transformador. “Logro resignificar esto, de decir “entiendo, pero yo no quiero esto”. Digo, es a nivel muy personal”.
El cine, su trabajo y su pasión se vuelven catárticos. Trascienden lo profesional para convertirse en duelo, para dar sentido a circunstancias que atraviesa y, que incluso a determinada edad, siguen causando incertidumbre. Poncho encuentra en la dirección una manera de jugar con fantasmas del pasado; del mismo modo que, experimentando con distintos géneros, una forma de interactuar con los fantasmas del presente. Este director nos comparte que su transición del thriller a la comedia surge de una situación familiar que azotó inesperadamente y que terminó por redirigirlo a un nuevo género en su trabajo, que le permitiera no sólo dar forma al dolor, sino a reconectar y externar.
“Todas esas cosas que uno empieza a vivir, de repente dices pues no soy el único que las está viviendo. Estoy en un lugar privilegiado para poder contar la historia y que uno diga, no pues yo estoy pasando por lo mismo”.

El avenir
Aunque este malabarismo entre thriller y comedia no es fácil de explicar al público, Poncho decide que no está dispuesto a sacrificar ningún género. Encontró en ellos pasión, significado, retos y emoción; nuevos proyectos que llegan a su mesa y ya están en la mira de ejecución. Sin embargo, a pesar de que la comedia es algo que quiere seguir llevando de la mano, nos comparte que para el futuro cercano se están contemplando principalmente dos o tres thrillers y horrores.
Finalmente, Poncho responde a la pregunta sobre cómo definiría su trayectoria actual como director:
“Sé el camino y voy con un paso lento para poder llegar, sabiendo que voy a llegar y poder contar lo que me inquieta el alma”.
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Yrsa Roca Fannberg, sobre su documental La tierra bajo nuestros pies
Tras su paso por la gira de documentales Ambulante en la Ciudad de México, nos sentamos a platicar con la directora Yrsa Roca Fannberg sobre La tierra bajo nuestros pies, un íntimo retrato documental que nos invita a reflexionar sobre el final de la vida, el cuidado en las residencias de adultos mayores y el valor de acompañar con empatía los últimos días.
Cine PREMIERE: En tu película planteas un acercamiento a la muerte muy particular. ¿Qué significa para ti el final de la vida y cómo quisiste abordarlo?
Yrsa Roca Fannberg: Algún día nos vamos. Para mí, es muy importante poder compartir el momento, dar valor al tiempo que tenemos juntos y a la existencia del otro. Es algo muy bonito en la vida, especialmente cuando ya no queda mucho tiempo, porque luego se van y ya no los podemos retomar. La muerte es un momento muy final. A veces me gusta que los personajes queden callados, que sus frases queden inacabadas, porque en el silencio hay una enseñanza; si nos paramos a escuchar y a compartir su vida, no solamente dándoles los buenos días, se vuelve un acto de sentir y ver. El documental se trata mucho de escuchar, de la quietud.
CP: Al respecto, grabaste en formato analógico de 16 milímetros. En una época donde lo digital domina, ¿cómo fue este proceso y qué le aportó a tu obra?
YRF: Creo que filmar en celuloide es el momento de elegir. Si tuviera una cámara digital, tal vez me perdería grabando cosas innecesarias; pero con el 16 mm la focalización de encontrar momentos se vuelve algo casi mágico. Ahora estamos aquí filmando y es un proceso cotidiano, casi celebratorio. Cuando intentamos capturarlo todo, perdemos muchas cosas. Este formato me dio la belleza de esperar y de dar importancia a la filmación, sabiendo que ya no sabes de dónde viene el momento exacto que vas a registrar.

CP: Uno pensaría que el rol de dirección es solo dirigir, pero se nota que aquí fuiste muy partícipe. ¿Cómo lograste ese vínculo desde adentro con las y los residentes?
YRF: La primera escena de la que participé era para mostrar que somos un equipo que viene de adentro y no de fuera. Para mí, en esta residencia de 160 personas, fue importante tener una relación real. Había un trabajo previo de confianza y respeto con las personas. Yo no hago películas tanto para los espectadores como para quienes están ahí. Queríamos mostrar este vínculo real y no limitarnos a observar; el diseñador de sonido incluso puso un micrófono en el estetoscopio para escuchar el corazón, involucrándonos en algo muy íntimo. Conocer a las personas —yo sabía cómo le gusta hacer la cama a una de ellas— nos permitió compartir sin dirigir, sino creando circunstancias donde ellas pudieran ser.
CP: ¿Cómo surgió tu interés por retratar este ambiente y documentarlo en tu película?
YRF: Al principio quería hacer un documental sobre mi abuela en otra residencia, pero no se dio. Escribí esta película en un momento de maduración, de entender que la vida se va disminuyendo poco a poco. Empecé haciendo retratos fotográficos y conversando con la gente. Era importante mostrar esta etapa de la vida en una película que me parecía que debía ser un proceso lento para revelar que son obras de arte vivas.
CP: La película también evidencia el contraste entre la soledad de la vejez y la juventud del personal médico y de cuidados. ¿Cómo integraste este contraste?
YRF: Era esencial quitarle el peso a las rutinas del personal y observar cómo estas personas mayores han construido su propia convivencia y amistad, donde a veces se tiene a un amigo de 95 años. Hay mucha gente joven trabajando ahí y el contraste es muy marcado. Depende de todo el personal que este no sea solo un lugar de asistencia, sino un hogar. Hay personas a las que no les importa nada, pero muchos traen muebles de sus casas, se llevan sus cosas y mantienen su individualidad. Es crucial ser escuchado, incluso si solo es por una persona. A veces, me pregunto por qué la gente se emociona tanto y creo que es porque esta experiencia nos toca de manera muy personal, desde la identificación y no desde la lástima.
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