Cine y Tv
Somos. ¿Cómo construir memoria a través de la ficción?
La tarde del 18 de marzo de 2011 ocurrió en Coahuila una masacre de la que no se habló durante mucho tiempo. Aún hoy, sus horrores son mayormente desconocidos: ¿qué fue lo que vivieron los habitantes del pueblo de Allende cuando los Zetas, cobijados por la policía local, entraron con sus trocas para exterminarlo todo? ¿quiénes eran estas vidas que se perdieron? ¿hay forma si quiera de imaginarlo o, más aún, de narrarlo? La serie de Netflix Somos. (con punto final), que estrenó esta semana en la plataforma, fue impulsada por el productor estadounidense James Schamus (Secreto en la montaña, El tigre y el dragón) y escrita en conjunto con la guionista mexicana Monika Revilla y la escritora Fernanda Melchor para llevar a cabo dicha tarea titánica: hacer visibles las experiencias de las víctimas.
Antes de la ficción, sin embargo, estuvo el periodismo. En 2014, Diego Enrique Osorno publicó un reportaje en Vice, donde narraba su investigación de campo sobre la matanza en esta localidad, ubicada a 60 kilómetros de la frontera con Estados Unidos. En su historia citaba testimonios de residentes que hablaban de 300 personas secuestradas y asesinadas, de horas de violencia, saqueos, casas demolidas con maquinaria pesada y completo silencio por parte de las autoridades. El periodista cuenta que visitó, contra toda recomendación, las ruinas de los ranchos que los sicarios usaron como campos de exterminio y también cita el trabajo de Juan Alberto Cedillo, corresponsal de Proceso, quien había confirmado un año antes la causa del ataque: una ruptura y traiciones al interior del grupo de Los Zetas, liderado por los hermanos Treviño.
Tres años después, la periodista Ginger Thompson ofreció un poderoso vuelco en la narrativa. En su reportaje Anatomía de una masacre, publicado en ProPublica en colaboración con National Geographic, no sólo reveló que la matanza fue en realidad producto de un error de la DEA – la Administración para el Control de Drogas de Estados Unidos– también puso a las vivencias de las personas al centro del relato. En la forma de un testimonial y producto de una ardua investigación de dos años, el texto está construido con las voces de los familiares de las víctimas y de los habitantes del pueblo que se atrevieron a hablar con la periodista. Se trata de un conjunto de puntos de vista, que teje un panorama de lo sucedido y que fue retomado como base por el equipo de Somos. para escribir la serie. «A diferencia de otros artículos periodísticos, [el de Ginger Thompson] no se lee como datos, como hecho tras hecho. Se lee como experiencias humanas entretejidas», explica la guionista Monika Revilla, de cuya pluma han salido producciones como El baile de los 41 y la serie Juana Inés.
«Lo que hace Ginger es contar lo que pasó desde varias voces, no solo desde una sola perspectiva. Eso era algo que considerábamos muy importante hacer. Porque un evento no lo vive todo el mundo de la misma manera. La violencia no se vive de la misma forma si eres un hombres o una mujer, por ejemplo, si eres un ranchero o si eres la vendedora de hot dogs. Cambia dependiendo de dónde estás parado. Tener una sola perspectiva de algo tan complejo hubiera desmerecido lo que pasó», explica la guionista.
De acuerdo con lo expresado por el equipo de creadores detrás de Somos., la decisión de crear personaje ficticios como protagonistas de la serie, en lugar de solo extraer las vivencias y los nombres del reportaje de Thompson, se debió a la necesidad de proteger de la revictimización a las personas que compartieron sus experiencias. La ficción, en este sentido, habría servido como un recurso de cuidados y también de potencia. «Queríamos amplificar los testimonios», dice Monika. «La gente que vivió esto ya habló. Ya hizo ese gran esfuerzo de exponerse. Nosotros queremos amplificarlos a través de la televisión y de la ficción».
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Vidas en lugar de «muertes»
Te despiertas con el ruido de las metralletas tronando afuera de tu casa. Saltas de la cama y cruzas corriendo el pasillo para entrar al cuarto de tu hijo: yace en su cama, despierto y asustado. Tu esposo se asoma por la ventana de la sala y te grita que te arrojes al piso. Te dice que afuera hay soldados, que van armados, que acaban de agarrar tu auto como parapeto, que apuntan a una camioneta volcada al final de la calle.
No te atreves a abrir la puerta de tu casa hasta bien entrada la mañana.
El anterior es un extracto de la crónica periodística Veracruz se escribe con z, por la que la escritora Fernanda Melchor se hizo acreedora al Premio Nacional de Cónica Dolores Guerrero en 2012. Contada en segunda persona, el texto interpela al lector y ofrece un vistazo a la cotidianidad de la violencia, sacando a los sicarios del centro del relato y reemplazándolos con las personas que viven su día a día. Somos. presenta una perspectiva similar, que se rehusa a tomar a la figura del narco antihéroe como protagonista, fórmula por excelencia de las llamadas narcoseries. «Recibí esta invitación en un momento en que estaba concentrada en escribir libros», nos dice la autora de Temporada de huracanes, «fue algo asombroso, para mí, que me invitaran a formar parte de un show que buscaba presentar la visión de las víctimas de la violencia en México. Algo que yo ya estaba trabajando en mis crónicas y que conocía bien por haber crecido en una ciudad como Veracruz».
Desde que el productor James Schamus empujaba en Netflix la realización de esta serie sabía que no podría hacerla solo. «Necesitábamos un equipo que no fuera a repetir la narrativa estandarizada de narcotráfico, que es muy masculina y masculinista», nos comparte el tres veces nominado al Óscar, quien encontró conexión con la historia a partir de la responsabilidad que tuvo Estados Unidos en propiciar la masacre. «Fue importante tener voces que tuvieran su propia integridad. También a alguien que supiera cómo era escribir para televisión, porque yo nunca lo había hecho. Fue una combinación increíble: Fernanda, una voz literaria completamente única, y Monika, quien siempre mantiene su voz y su individualidad en una industria tan masiva. Eso me permitió a mí estar al mismo tiempo dentro y afuera del proceso».
Una vez formado el equipo de escritores, el primer ejercicio que realizaron fue escoger los puntos de vista del artículo de Thompson que les parecieran interesantes para imaginar vidas ficticias a partir de ellos. «Debíamos elegir personajes que tuvieran la esencia de la voz recogida por Ginger y la esencia de Allende, sin que pudieran ser relacionados directamente a personas existentes para que no vieran su experiencia nuevamente reflejada en pantalla», explica Monika. La guionista cita como ejemplo al personaje de la actriz Mercedez Hernández (Sin señas particulares), quien interpreta a una vendedora de hot dogs que hace lo imposible por ayudar a su yerno.
Cambiar la narrativa centrada en el llamado saldo rojo, el «número de muertes», para hablar más bien de «vidas» fue la prioridad del equipo de creadores a la hora de escribir los seis capítulos en los que se divide el relato. Lo importante, de acuerdo con Monika Revilla, era no reducir a los personajes a su condición de víctimas, una etiqueta que en el ámbito de las narrativas «aplasta cualquier otra característica humana que tenga la persona». Para evitar esto desde la escritura, el equipo escribió los primeros cinco capítulos sin pensar en el destino que les esperaba a cada uno en el último: de esta forma se permitieron involucrarse con las vidas de los protagonistas, explorar su cotidianidad, sin caer en la tentación de tratarlos diferente dependiendo de si serían víctimas de la violencia o no. «Y realmente dejarlos vivir», platica la guionista. Una adolescente que se convierte en la primera mujer del equipo de futbol americano de su escuela; una veterinaria que lucha por su matrimonio; un hijo que desea la aprobación de su padre son solo algunas de la cotidianidades que se exploran.
Lo mismo sucedió en el set. Durante la filmación, los actores desconocían el destino final de sus personajes o de aquellos que eran cercanos a los suyos, de modo que no afectara la forma en que interpretaban y experimentaban su día a día. «Fue una buena estrategia de la dirección porque aunque no lo quieras a veces uno ya premedita como actor y la cámara se da cuenta de todo», comenta Everardo Arzate, quien interpreta a un miembro del grupo de bomberos, quien también es el coach de futbol americano de la escuela, «no dejaron que esto se filtrara para no saber, porque, en mi caso, pues mi personaje no sabe lo que está pasando en el pueblo y continúa tratando de sobrevivir en su día a día. Entonces, si ya tenías ese granito de lo que iba a pasar pues creo que la cámara lo puede descubrir. ¡En mi caso me iban dando el guion casi por hoja!»
Los problemas de la ficción
James Schamus, Monika Revilla y Fernanda Melchor hablan con consciencia de los peligros de la ficcionalización televisiva en un país azotado por la violencia: de convertir en entretenimiento serializado el dolor real de víctimas o de seducir a las audiencias con las personalidades excéntricas de narcotraficantes. La misma plataforma Netflix ha sido casa de algunas de estas historias, que narran los eventos de la guerra contra el narcotráfico en clave de thriller. «Esa es una cuestión ideológica y también una pregunta estética», comparte Schamus, «cómo no lograr no ceder y cubrir estas vidas con géneros o con elementos de género. No dramatizar ni revictimizar, pero al mismo tiempo elevar estas vivencias para hacerlas visibles. Y esto no funciona a menos que las personas se queden viéndola».
De acuerdo con Schamus, ese equilibrio se buscó tanto en la escritura como en otros procesos. Uno de ellos fue el de casting. «Insistimos en que [el elenco] fuera mitad actores profesionales y mitad actores no profesionales. De esta forma viven en el mismo espacio, y tienen que crear juntos un mundo verosímil. No se trata solo de documentar, pero tampoco de hacer una fantasía masiva. Esa mezcla de estilos e interpretaciones, en donde todos tenían que encontrar una nueva realidad juntos, que pudiera vivir como entretenimiento pero que se relacionara con la realidad, fue algo que empezamos en el cuarto de escritores y continuó hasta el final».
Interpretar a Allende: ese fue el reto de los actores. «Lo complejo de aquí era mimetizarte con un colectivo y con actores naturales», explica Everardo Arzate, quien encarna a un bombero y coach juvenil de futbol americano. «Para mí eso fue lo más complejo, había que desaprender y pasar un poco desapercibidos para ser parte de este trabajo coral. Las peripecias de mi personaje justamente no debían ser representadas como en una ficción sino como algo sustentado realmente. Y por ahí nos sirvieron mucho los tips del director [Álvaro Curiel, quien dirige capítulos junto con Mariana Chenillo] de no ver ficción sino ver documentales, en donde se habla de este dolor para ver cómo se representa en la vida cotidiana [uno de ellos fue Hasta los dientes, de Alberto Arnaut]. Más allá de representar al personaje de Chema, no debe de quedar duda de que tú naciste en el pueblo de Allende, tú eres parte de esa gente que se ve todos los días ahí y que no va a sobresalir tu trabajo cuando se haga un paneo de cámara. Eso es lo más complejo, para mí, que me ha tocado trabajar».
La actriz Mercedes Hernández y el actor natural Jesús Sida –quien encarna al personaje de Paquito en su debut en la pantalla– coinciden en que las locaciones y el diseño de producción de Ana Solares ayudaron a construir una realidad en conjunto (por temas de seguridad, la serie fue filmada principalmente en Durango y en algunos municipios de Torreón, Coahuila). Ya desde entonces los actores sintieron el cambio de narrativa. «Yo no soy fan fan de las nacoseries», confiesa Mercedes, «tanto balazo y tanta sangre no me gustan y aquí lo que se sentía era que había una constante tensión dramática. Eso y la cercanía con la gente. Estando en Canatlán yo me salía de mi camper y me iba a comprar unas papas o algo, y nunca nadie siquiera se imaginaba que yo no era doña Chayo».
¿Cuál es el fin, entonces, de sumar una ficción al trabajo periodístico ya realizado? ¿De qué forma ayuda a la construcción de memoria? Para Monika Revilla, la ficción es una herramienta que nos ayuda, no solo a poner los pies en Allende de forma segura, sino a entender los eventos en toda su complejidad. «La realidad es muy caótica, y nadie tiene la posibilidad de estar en tantos lugares al mismo tiempo para poder construir, en su experiencia personal, tantas situaciones. Las ficciones nos dan esa posibilidad. Representar muchos puntos de vista y también reconstruir situaciones que en ese momento no se sabían. Ahorita con Somos., por ejemplo, algo fundamental para entender lo que pasó es que la cárcel de Piedras Negras estaba en una situación de autogobierno y los sicarios la usaban como búnker. La gente en ese entonces no sabía eso. Era información que no había forma de tener. Pero cuando haces una ficción y tienes oportunidad de hacer investigación, y de tener una perspectiva del pasado, puedes reconstruir y dar elementos que de otra forma no hubiera sido posibles».
Somos., está ya disponible en la plataforma Netflix.
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La popular serie Oshi no Ko hace su cierre en la gran pantalla. La intriga y enredos de Aqua, Ruby y su madre Ai se desenlazan en un evento cinematográfico. Aquí te contamos lo que debes saber sobre la película Oshi no Ko: El último acto:
¿De qué trata Oshi no ko: El último acto?
La historia de Oshi no ko comienza con el doctor Gorou Amamiya, un ginecólogo-obstetra que ayuda en secreto a la famosa idol Ai Hoshino a dar a luz a sus hijos gemelos. La noche del parto un fanático obsesivo de Ai aparece y asesina a Gorou, pero algo inesperado sucede. Gorou reencarna como Aqua, uno de los gemelos de Ai, y él está consciente de los recuerdos de su vida anterior. Sin saberlo, su hermana Ruby también es la reencarnación de otra persona; Sarina Tendōji, una paciente de Gorou que era fanática de Ai.
Cuatro años después del nacimiento de los gemelos, Ryōsuke, el fanático que asesinó a Gorou reaparece molesto por que la idol ha traicionado su amor teniendo hijos en secreto y mata a Ai. El fanático se quita la vida, pero Aqua cree que su padre biológico es cómplice del asesino y le proporcionó la información de dónde encontrar a su madre. Así que el niño decide vengar la muerte de la idol.
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Doce años más tarde, Miyako Saitō, la dueña de la agencia de talentos de Ai, Strawberry Productions, ha adoptado a los niños. Aqua y Ruby ya adolescentes, han seguido los pasos de su madre en el entretenimiento. Ruby trabaja en convertirse una idol, mientras que Aqua se ha desenvuelto en la actuación. Utilizando su posición dentro del espectáculo, Aqua pretende utilizar sus contactos y amistades para localizar a su padre y cobrar cuentas.
La película tiene lugar después de los eventos de la serie. La distribuidora Madness Entertainment comparte la siguiente sinopsis:
En Oshi no Ko: El último acto, la búsqueda de venganza de Aqua Hoshino alcanza su clímax mientras secretos del pasado y traiciones salen a la luz. Dividido entre hacer justicia y proteger el legado de su madre Ai, Aqua se enfrenta a las sombras del despiadado mundo del entretenimiento. Mientras tanto, Ruby brilla como estrella, pero su éxito oculta heridas profundas. Cuando sus caminos se cruzan en una revelación que sacude la industria, deberán elegir: ¿destruir la oscuridad que los une o dejar que los consuma? Un final impactante lleno de drama, giros y emociones desgarradoras”.
Producción de la película Oshi no Ko: El último acto
Oshi no Ko originalmente fue creada en el año 2020 como una serie de manga publicada en la revista Shūkan Young Jump de Shūeisha. Es una historia escrita por Akasaka Aka (Kaguya-sama wa Kokurasetai: Tensai-tachi no Ren’ai Zunōsen) e ilustrada por Mengo Yokoyari (Kuzu no Honkai). Ha sido adaptada a anime por el estudio Doga Kobo (YuruYuri) y recientemente serializada como drama de televisión para Amazon Prime Video.
La película Oshi no ko: El último acto cuenta con el mismo equipo de producción de Ryûsuke Imoto para la serie live-action. Smith retoma su posición en la dirección para la película, Ayako Kitagawa como guionista y la banda sonora compuesta por Fox Capture Plan. El elenco está compuesto por Kaito Sakurai (Vivant) como Aqua Hoshino, Nagisa Saito (Algún día seré la novia de alguien) como Ruby Hoshino, Asuka Saito (Light of My Lion) como Ai Hoshino, Nanoka Hara (Suzume) como Kana Arima, Mizuki Kayashima (To Be Killed by a High School Girl) como Akane Kurokawa, y Ano (Adam by Eve: A Live in Animation) como Mem-cho.
¿Dónde puedo ver la serie Oshi no ko?
La serie live-action de ocho episodios está disponible en Amazon Prime. Además puedes encontrar las dos temporadas de la serie de anime en Netflix. Una tercera temporada del anime está planeada para estrenarse en el año 2026.
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¿Dónde ver la película Oshi no ko: El último acto?
Cinépolis tendrá en exclusiva la película Oshi no Ko: El último acto únicamente un fin de semana, los días 21, 22 y 23 de febrero de 2025.
Póster oficial
Tráiler de Oshi no Ko: El último acto
Victor Recinos “El Collecto” El cine me ha acompañado toda mi vida en un viaje de emociones, a través del tiempo, la imaginación y mundos mágicos de colores; desde galaxias muy lejanas hasta la realidad. Gracias al cine soy: creativo, otaku, Jedi, replicant, Batman y parte Cine PREMIERE.
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Corría 1996 cuando la periodista, novelista y guionista Helen Fielding lanzó El diario de Bridget Jones, novela escrita en forma de diario donde una mujer con más de treinta años hacía un recuento de su vida profesional, familiar y amorosa. De inmediato se convirtió en un éxito, pues le hablaba con veracidad a mujeres que, como su protagonista, enfrentaban más de un obstáculo para realizarse en todos los sentidos. Varias décadas después, Bridget Jones se convirtió en la protagonista de queridas y exitosas películas, demostrando que más de una persona se identificaba con ella.
Working Title Films adquirió los derechos en 1997, y pronto se puso en marcha la primera adaptación cinematográfica. Nombres como Helena Bonham Carter, Cate Blanchett y hasta Kate Winslet fueron considerados, y al final Renée Zellweger se convirtió en la elegida. Más de 25 años después, no queda duda de cuán acertada fue la decisión.
¿Cuántas películas de Bridget Jones se han hecho?
El diario de Bridget Jones (Dir. Sharon Maguire, 2001)
Bridget Jones es una treintañera soltera y llena de complejos, cuya vida sentimental es un desastre. Tiene sólo dos ambiciones: adelgazar y encontrar el amor verdadero. El día de Año Nuevo toma dos decisiones: perder peso y escribir un diario. Pero muy pronto su vida amorosa se vuelve a complicar, pues se encuentra dividida entre dos hombres. Por un lado, Daniel Cleaver, su jefe, un tipo encantador y sexy, pero peligroso; por otro, Mark Darcy, un viejo amigo de la familia, que al principio le parece demasiado reservado y aburrido.
La película se convirtió en un éxito de taquilla en Estados Unidos, donde mantuvo caídas pequeñas durante varias semanas gracias al boca a boca. En el Reino Unido su taquilla fue una locura, y a pesar de las críticas por la elección de Zellweger (que no era británica), el público cayó rendido. La cinta consiguió una nominación a los BAFTA, y Zellweger incluso llegó a contender por el Óscar a la Mejor actriz, algo no muy común para las comedias románticas.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bridget Jones: Al borde de la razón (Dir. Beeban Kidron, 2004)
Todo parece felicidad en la vida de Bridget. Vive con Mark Darcy y ya dejó a Daniel, su mujeriego exjefe. De pronto llega la atractiva Rebeca, quien pone problemas en la relación de Bridget y Mark. Los celos, la inseguridad y la tentación laboral -esta última de nuevo junto a Daniel- amenazan con pisotear el sueño de Bridget en un enredo que involucra malos consejos, peores malentendidos y verdaderos desastres que sólo le podían pasar a ella.
A pesar de sus locaciones en Austria y hasta las referencias a Orgullo y prejuicio (en su versión creada por la BBC), las críticas fueron terribles. Se le acusó de ser predecible, abusar de los gags sin sentido, y de convertir a su protagonista prácticamente en un chiste. Su taquilla bajó en Estados Unidos, pero creció a nivel mundial, llevándola a ser aún más exitosa que su antecesora. Renée Zellweger repitió su nominación a los Globos de Oro como Mejor actriz en una película musical o de comedia.
¿Dónde ver? Prime Video. Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
El bebé de Bridget Jones (Dir. Sharon Maguire, 2016)
El cuento de hadas parece haber terminado. Bridge terminó su relación con Mark, por lo que se encuentra soltera y recibiendo los 40 años. Decidida a empezar un nuevo capítulo, se concentra en el trabajo y aprovecha para rodearse de todos sus amigos. or una vez en su vida, Bridget parece tenerlo todo bajo control. Pero su vida amorosa toma una nueva dirección cuando conoce a un elegante estadounidense llamado Jack, un galán que tiene todo lo que no tiene el Sr. Darcy. Al descubrir que está embarazada, Bridget entra en pánico: no sabe quién es el padre del hijo que espera.
La cinta se anunció un lustro después de la segunda película, pero con su historia se tomó una decisión inesperada: basarla en las columnas escritas por Helen Fielding, no en la tercera novela de la saga. Hugh Grant no participó en esta entrega, pues mostró su descontento con la primera versión del guion, y posteriormente no se le encontró una forma de encajar en la trama. Las críticas fueron tan positivas como con la primera cinta, pero no hubo presencia en grandes premiaciones.
¿Dónde ver? Prime Video. Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
Bridget Jones: Loca por él (Dir. Michael Morris, 2025)
En la cuarta entrega de la saga se vive una tragedia. Bridget ahora es madre soltera de Billy, de 9 años, y Mabel, de 4. Tristemente, quedó viuda cuando Mark murió en una misión humanitaria en Sudán hace cuatro años. Acompañada por sus leales amigos: Shazzer, Jude, Tom, su compañera de trabajo Miranda, su madre y la Dra. Rawlings, Bridget intenta encontrar un nuevo camino hacia el amor y la vida. Gracias a las apps de citas y sus nuevas relaciones laborales, un joven decide cortejarla. Al mismo tiempo, el maestro de ciencias de Billy mostrará un ligero interés en ella.
La película se confirmó a finales de 2022, y se basa en el tercer libro de la serie. Cuando el tráiler confirmó la muerte de Mark, no muchos fans quedaron satisfechos. Hugh Grant regresa a la franquicia, mientras que Chiwetel Ejiofor Y Leo Woodall se suman como los intereses amorosos.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
¿Habrá más películas de Bridget Jones?
En 2016, Helen Fielding publicó el último libro (hasta ahora) de Bridget. Curiosamente, no se trata de Loca por él, sino de aquel donde se habla sobre su embarazo. Ya hubo una película inspirada en otras publicaciones de la autora, pero los planes siempre han sido respetar el material original y la visión de Helen. Ante las peticiones de una quinta entrega y lo que podría deparar el futuro, así respondió Renée Zellweger (vía).
“Digo todo el rato que sí, pero Helen terminó ya de escribir todas las historias de este personaje y creo que es justo. Me encanta el personaje, sus experiencias vitales y me gusta reencontrarme con amigos en el set de rodaje. Creo que devolver a la vida a Bridget en cada película es algo mágico y, encima, hago nuevos amigos. Digamos que no es un mal día en la oficina”.
¿Cuál es el orden cronológico de las películas?
- El diario de Bridget Jones (2001)
- Bridget Jones: Al borde de la razón (2004)
- El bebé de Bridget Jones (2016)
- Bridget Jones: Loca por él (2025)
¿Cuál es el orden de lanzamiento de los libros?
- El diario de Bridget Jones (1996)
- Bridget Jones: Al borde de la razón (1999)
- Bridget Jones: Loca por él (2013)
- El bebé de Bridget Jones (2016)
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
¿Dónde ver? Disponible en DVD en Amazon.
Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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