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FERAL: La película mexicana que usa el falso documental para aterrarnos
Su nombre era Juan Felipe de Jesús González, un hombre solitario: algunos dirían que hasta ermitaño. Vivía a las afueras de un pequeño poblado de Oaxaca en una cabaña y mantenía contacto sólo con un par de personas. Pocos sabían que era un exsacerdote de un convento católico que ocultaba en su casa a tres niños salvajes que había encontrado en las profundidades del bosque. Se descubrió únicamente cuando su hogar fue consumido por un incendio, aunque, aún así, parece que hoy nadie sabe y nadie recuerda. FERAL es la nueva propuesta de cine mexicano de terror, un falso documental construido con retazos de found footage, entrevistas con un par de allegados a Juan Felipe y, desde luego, el poder de la ficción, siempre presente aunque oculta a la vista.
Premiada con el galardón de Mejor película en el pasado Festival Internacional de Cine de Los Cabos, FERAL relata un evento ficticio del pasado –ocurrido durante los años 80– a través de una cámara documental que conversa con aquellos que estuvieron cerca, y además lo complementa con las cintas que el protagonista de la tragedia documentó para sí mismo. Con el pasar de los minutos, la experiencia es como la de ver una realidad inmersa en el horror. Andrés Kaiser su director, le explicó a Cine PREMIERE por qué eligió realizar su ópera prima en ese formato.
«La estructura documental proveía una experiencia hiperrealista para el espectador», comentó el cineasta, quien también es un escritor premiado en las esferas literarias. «Al presentarle todo esto en un formato documental, o entrevista con cámara, ese artificio paradójicamente lo que hace es que te quita los velos. Hace como si todo fuera mucho menos trabajado. La cámara existe, la cámara esta ahí, se mueve, tiene errores o alguien esta operando esa cámara. Si además de eso le sumamos los videos de found footage, tienes entonces una experiencia de realidad voyerista. Porque esos videos no están hechos para que alguien más los vea, están hechos para que alguien haga una investigación, y además te permiten ir al pasado, porque esos videos se filmaron en los años 80. Entonces tienes una película con hiperrealidad, con una alta carga voyerista y con la capacidad de saltar entre dos líneas temporales. En términos formales era muy seductor y muy potente para contar una historia, además de que ya en términos dramáticos te permitía que los personajes se contradijeran entre si».
Los personajes de la película, aunque pocos, son esenciales para construir el relato. Los videos filmados en primera persona no resultan suficientes para entender la complejidad que existe detrás del suceso. Algunos vecinos deciden no acordarse de lo que sucedió; otros más lo recuerdan, pero prefieren no hablar de ello; sus allegados opinan sobre el estado mental del protagonista, pero sobre todo es el espectador el que se involucra como una parte activa, que debe decidir por sí misma.
Sobre ese tipo de experiencia inmersiva, el cineasta considera que era una oportunidad mucho más atractiva que la de cualquier película de terror convencional. En este sentido, FERAL no es formalmente una película de terror que busque el suspenso con el pretexto de lo sobrenatural, sino detenta aquello que el mismo Kaiser decribe como un «desdoblamiento de género», que le permitía relacionar su película con algunas otras de las que es fanático, como Funny Games de Michael Haneke.
«En algún momento la película dio señales claras de que necesitaba pasar de un thriller de misterio que tiene que ver con la investigación, el análisis del pasado, y poco a poco se fuera desdoblando en una rareza que llegara al horror», comentó.
«A diferencia de una película cien por ciento de horror, que desde el inicio te trata de meter en la cabeza qué es lo que está sucediendo, cuál es el horror, a mí me interesaba mucho esa progresión. Como [sucede en] esas películas que a mí me gustan mucho, como Funny Games […] No quería que fuera solamente una película de misterio. [Quería que fuera] Un viaje de género. Un género que se desdobla».
La idea de la película surgió a partir de la relación del director con Vicente Leñero. Andrés Kaiser fue alumno de Leñero durante seis años en uno de sus talleres y allí el profesor le contó la historia de un monasterio psicoanalista. A partir de allí nace la oportunidad de imaginar a un personaje en dicho lugar y descubrir a dónde llegaría. Al final, la película derivó no en encontrar la relación de un hombre con Dios, como era la intención del director y guionista en un inicio, sino de encontrar a un grupo de niños salvajes que «representan la tierra y el horror de la realidad».
El caso de los niños ferales no ha sido ajeno a los titulares y a los estudiosos del pasado. Para poder tocar el tema, Kaiser lo tuvo que explorar a profundidad:
«Hay muy poca información. Está muy pobremente documentado, pero descubrí el libro de Jean Itard [El niño salvaje de Aveyron] que es el que trata de llevar a Victor a ser un ciudadano francés. Y luego [François] Truffaut lo hace en una película; también el caso de Kaspar Hauser que Werner Herzog hace en una película; el caso de la niña Genie en California; y me rodee de todo eso y fue tan impresionante que un mes antes de empezar a filmar, apareció el caso en Oaxaca de una niña llamada Herminia [….] una niña que tenían encerrada en una caja de madera y cuando la rescatan y la llevan al hospital, no se puede ni acostar en la cama porque la caja estaba diseñada para que estuviera en una postura […] fue una cosa muy brutal y sigue sucediendo y para mí pues despierta muchísimo interés porque según yo en los niños ferales está contenido el enigma de la humanidad, de quiénes somos, qué nos hace humanos, qué nos hace ser más que simios desnudos».
Según el director, la idea desde el principio resultaba atractiva y tan seductora que mucha gente inmediatamente quiso sumarse al proyecto. Su ópera prima no estaba destinada a ser FERAL, sino la historia de un loro que todas las mañana recitaba los Salmos. Una suerte de comedia que reflexionara sobre la religión –para Kaiser, la religión y la relación del hombre con Dios es un motivo de interés–. Aunque a final de cuentas el atractivo principal de su única película es el trío de niños salvajes, la relación del protagonista, un monje católico, con la teología permite que exista una dimensión extra que entremezcla la ciencia y la religión. El psicoanálisis que permite conocer al ser humano contra el camino que el hombre debe seguir según las reglas de Dios.
A dicha disyuntiva se enfrentan los niños. Una tríada a la que se intenta educar desesperadamente en los comportamiento civilizados, pero a su vez en las reglas morales dictadas por los textos sagrados. Para Kaiser la experiencia de trabajar con niños fue muy dichosa y rehúye por completo de considerar tal actividad como uno de los retos más grandes de la película. Los niños se sometieron a un entrenamiento riguroso que les permitiera explorar especialmente su expresión corporal.
«Hicimos un casting que duró ocho meses. Nos quedamos con 3 y los pusimos un año en un taller supervisado por Margarita y Daniela Mandoki, que tienen una escuela de actuación infantil», relató Kaiser. «Pero yo no estaba interesado en darles una escuela de actuación, estaba interesado en sus capacidades motoras y corporales. Unimos al equipo a Jaime Razzo, que es un bailarín de danza butoh, quien durante un año les dio un taller de expresión corporal en el que conectaron con su cuerpo, mas allá de cómo decir un dialogo, que creo que les sirvió muchísimo y los hizo muy disciplinados porque Jaime es durísimo. Pero una vez que entraron al set fue maravilloso».
FERAL guarda muchas sorpresas en sus aproximados cien minutos de duración, así como los guardó para su director, quien pensó inicialmente que sería fácil de filmar. Las complicaciones incluyeron un set en medio del bosque de difícil acceso, hasta el reto de filmar en una locación que tendría que ser destruida más adelante: solo habría una oportunidad de hacerlo bien. Sin embargo fueron muchas las personas que se sumaron al proyecto en cuanto conocieron la idea del cineasta. «La idea resultaba tan seductora desde el inicio», dijo Kaiser. «Un falso documental con niños salvajes. Todo el mundo decía: a ver dime más. Y yo tenía la impresión de que iba a ser fácil de filmar, barato de filmar. Como súper fácil, agarro una cámara la pongo aquí y ya, pero claro que no. Pero esa idea era tan seductora, que la historia y la forma inmediatamente pegó gente».
Actualmente, FERAL se exhibe en los cines independientes de la Ciudad de México -Cineteca Nacional, La Casa del Cine MX-.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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