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Esta es la historia detrás de “Rooster” de Alice In Chains y su emotivo significado

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Aunque la historia del grunge es relativamente breve, las bandas que emergieron en su auge dejaron un enorme legado y una de ellas, por supuesto, es Alice In Chains. El grupo que en su momento encabezó Layne Staley tiene un lugar especial dentro del género y mucho de ello tiene que ver con el excelente trabajo que significó su disco Dirt.

Y sí, lo sabemos: su primer álbum, Facelift, también es espectacular en muchos niveles. Pero en términos generales, es su segundo material el que mejor rendimiento otorgó. Y en todo caso, es el que impulsó su carrera como una de las agrupaciones más llamativas dentro del llamado “sonido de Seattle”, esto gracias a canciones de la talla de “Would?”, “Rain When I Die” y “Down In A Hole”, que nos mostraban el lado más áspero y melancólico de dicho estilo musical.

Esta es la historia detrás de "Rooster" de Alice In Chains y su emotivo significado

Alice In Chains. Foto: Getty

Sin embargo, de esa maravillosa placa discográfica, otro de los tracks más memorables y destacados es “Rooster”, el cual para muchos es la canción definitiva de aquella producción. Este tema alberga una interesante y emotiva anécdota familiar detrás de la poderosa guitarra de Jerry Cantrell y ahora, en esta sección a la que llamamos la Historia detrás de la canción, queremos recordarla.

La etapa de Alice In Chains y ‘Dirt’

Alice In Chains ya tenía un recorrido importante en la escena local de Seattle antes de lanzar Dirt. Para 1990, el grupo había lanzado Facelift, un disco que atrajo las miradas de la gente con rolas como “Man In The Box” (un clásico total) y “We Die Young”. Es justo decir que esa producción aún no los introducía en la estela del grunge pues, primero que nada, este estilo vio su boom en los años siguientes al debut discográfico de la banda, además de que ellos estaban identificados entre el público como una extraña agrupación de hard rock/heavy metal.

Llegó entonces el 29 de septiembre 1992 y con esa fecha, el lanzamiento de Dirt. Y la banda de hecho no abandonó mucho la raíz metalera de la que venía, pero la atenuó con una producción más pulcra, canciones más densas tanto en composición como en lírica, con temáticas diversas e influenciada por uno que otro trágico acontecimiento.

Esta es la historia detrás de "Rooster" de Alice In Chains y su emotivo significado

Portada de ‘Dirt’. Foto: Especial.

Tal como lo recuerda Jerry Cantrell en una entrevista para Vice, una parte de este disco lo grabaron en un estudio en Los Ángeles precisamente en marzo de 1992. Ahí,  les tocó vivir en carne propia -por decirlo de alguna manera- los disturbios y las protestas que diversas comunidades llevaron a cabo luego de que un juez absolviera de todo cargo a un grupo de policías que había golpeado brutalmente al taxista Rodney King.

“El primer día de grabación, Los Ángeles se hizo pedazos en protesta por la brutalidad policial. Tuvimos que intentar salir de la ciudad sin lastimarnos. Creo que nos llevamos a Tom Araya [de Slayer]con nosotros…”, mencionó el guitarrista en esa entrevista. Dato curioso: el vocalista y bajista de Slayer prestó su voz para hacer coros en el disco. Otro dato curioso: ese mismo incidente en L.A. inspiró a Rage Against The Machine a escribir algunos versos para “Killing In The Name”.

La banda admitió en su momento que aquel denso clima social se impregnó de alguna manera en la oscura temática del álbum. Y eso, es solo un ejemplo de lo pesado y deliciosamente áspero que este material resulta para los fans. La otra anécdota se esconde, por ejemplo, en la magnífica “Rooster”.

La historia detrás de “Rooster”

Dirt es un disco que esconde historias oscuras, complicadas, anécdotas duras de la vida real y este es el caso de “Rooster”, el cuarto sencillo del álbum. Para muchos, esta es la canción ‘diferente’ de Alice In Chains, la que marca una pauta distinta dentro del lúgubre y enérgico paseo sonoro que el material evoca, sin abandonar esa característica densa que es el sello de la casa.

La pista tiene una clara referencia a los horrores, las dificultades, el terror y los problemas de la guerra. Y esa no es una inspiración al azar, De hecho, este track está basado en el padre el guitarrista Jerry Cantrell, quien sirvió en la Guerra de Vietnam como soldado. A Jerry Cantrell Sr le apodaban “Rooster”, según platica el músico en una entrevista con el portal LouderSound de 2006.

Esta es la historia detrás de "Rooster" de Alice In Chains y su emotivo significado

Jerry Cantrell. Foto: Getty

Pues resulta que para 1991, Jerry Cantrell se encontraba temporalmente sin hogar, así que se fue a vivir a la casa de Chris Cornell y su entonces esposa Susan Silver, la cual era representante de Alice In Chains en esos días. En ese periodo de introspección, comentó el guitarrista, pensó mucho en el distanciamiento que él y su familia habían tenido tiempo atrás con su padre debido a las secuelas psicológicas que sufrió tras su servicio en la milicia.

“Esa experiencia en Vietnam lo cambió para siempre… y ciertamente tuvo un efecto en nuestra familia, así que supongo que también fue un momento decisivo en mi vida. Él no nos abandonó. Lo dejamos. Era un ambiente que no era bueno para nadie, así que nos fuimos a vivir con mi abuela a Washington, y ahí fue donde asistí a la escuela. No tenía mucho a mi padre cerca, pero comencé a pensar mucho en él durante ese período… Ciertamente yo tenía resentimientos, como cualquier joven en una situación en la que un padre no está presente o una familia está dividida. Pero en Rooster , estaba tratando de pensar en su versión, por lo que podría haber pasado [su padre]”.

En una entrevista más reciente con Gibson TV para su sección Icons, Cantrell dice que esta canción cobró un mayor significado cuando su madre murió y la única figura familiar que le quedó era su padre. Ahí, dice, supo que debía entender todo por lo que su padre había pasado. A continuación, te dejamos esa charla para que la veas (y POR ACÁ, puedes encontrar el fragmento transcrito de la plática).

 

 

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Spotify ofrecerá nuevo plan de suscripción con nuevos beneficios

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Spotify ofrecerá un nuevo plan de suscripción para los usuarios. Se trata de un nuevo plan premium para “superfans” que incluirá funciones adicionales para los suscriptores, según señaló Daniel Ek, director ejecutivo de la plataforma.

Este nuevo nivel llega después de que Spotify y Warner Music Group (WMG) firmaran un acuerdo plurianual que busca ofrecerle nuevas experiencias a los usuarios fanáticos de los artistas pertenecientes a esta compañía.

El nuevo acuerdo ayudará a ofrecer nuevas experiencias a los fanáticos, un catálogo de música y videos más profundo, más niveles de suscripción paga y paquetes de contenido diferenciados“, señalaron ambas empresas en un comunicado.

¿Qué ofrecerá el nuevo plan de suscripción de Spotify y cuánto costará?

Por el momento ninguna de las dos compañías han brindado detalles sobre qué beneficios tendrá el nuevo plan de suscripción. Sin embargo, consideran que tendría un alto nivel de fidelidad con los usuarios.

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De acuerdo con Ek, esta nueva suscripción de Spotify será más atractiva para los fanáticos y además beneficiara a artistas y compositores por igual.

Este importante acuerdo ofrece nuevos beneficios para los artistas, compositores y fans, al tiempo que posibilita una mayor colaboración que expande el ecosistema musical“, reafirmó Robert Kyncl, director ejecutivo de WMG.

Las compañías, tampoco señalaron cuánto costará el nuevo nivel de suscripción premium y si este llegará a todos los países en donde tiene presencia a Spotify o será en territorios seleccionados.

LEE: Así puedes transcribir videos de Youtube más fácil y rápido

La creación de un nuevo plan de suscripción llega en el primer año de rentabilidad para Spotify, después de 17 años de su creación. Su beneficio operativo para el trimestre alcanzó un récord de 509,48 millones de dólares lo que contribuyó a un beneficio operativo total de 1.495 millones de dólares para el año fiscal 2024.

Con información de SUN

MBV

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Inteligencia artificial: ¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?

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Luego de anunciar su regreso a la música con el próximo lanzamiento de su nuevo álbum, Lady Gaga vuelve a causar sensación entre los amantes de la música, especialmente sus fans, los “little monsters”.

Hace unos días la “Mother Monster” reveló que su nuevo álbum, Mayhem, saldrá a la luz el próximo 7 de marzo. Al día de hoy, la cantante ha publicado dos sencillos, “Disease” y “Abracadabra”, que nos muestran una probada de lo que será su siguiente disco. Lo que más destaca de estas dos canciones, es que tienen un sonido y estética muy parecidos a la música de sus inicios, con álbumes como The Fame Monster o Born This Way, causando curiosidad y emoción por el público.

En este sentido, se le pidió a la inteligencia artificial de ChatGPT que determinara cuál es la mejor canción de Lady Gaga, siendo esta una tarea complicada, ya que su catálogo musical es amplio y diverso, y cada canción resuena de manera distinta según los gustos, emociones y contextos personales de quienes la escuchan. 

¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?

Según la IA, “Bad Romance” podría considerarse como una de las mejores canciones de su carrera. Lanzada en 2009 como parte de su álbum The Fame Monster, esta canción es una obra maestra pop, que encapsula los elementos distintivos que hacen a Lady Gaga una artista excepcional.

La canción combina una producción innovadora, una melodía pegadiza y una interpretación vocal poderosa, mostrando la capacidad de Gaga para fusionar estilos musicales electrónicos con letras emocionalmente resonantes.

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“Bad Romance” se destaca no solo por su éxito comercial, alcanzando el primer puesto en numerosos países y ganando varios premios, sino también por su impacto cultural. La canción se convirtió en un himno de la década de 2010, consolidando a Lady Gaga como una figura central en la industria musical.

Por otro lado, el video musical, con su estética futurista y coreografía icónica, redefinió los estándares de la creatividad visual en la música pop.

Desde una perspectiva lírica, “Bad Romance” aborda temas universales como el amor obsesivo y la vulnerabilidad emocional, lo que permite que los oyentes se identifiquen con la narrativa de desear una relación imperfecta pero apasionada. 

Este nivel de sinceridad y complejidad emocional es un rasgo distintivo en la música de la “Mother Monster”, quien ha sabido conectar con su público al exponer sus propias luchas y sentimientos.

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En conclusión, “Bad Romance” es una canción que captura la esencia de Lady Gaga como artista: audaz, emocionalmente honesta y visionaria. Aunque su discografía incluye muchas otras joyas, esta canción destaca como un ejemplo emblemático de su capacidad para trascender los límites del pop convencional, y crear arte que permanece en la memoria colectiva.

Sin duda, tanto sus fans como el público en general, están atentos al nuevo material discográfico que Gaga está por revelar.

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5 power trios de mujeres en la música

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Lo que necesitas saber:

Los power trios son una de las configuraciones más populares para las bandas de rock. Te traemos 5 power trios de mujeres a lo largo de la historia de la música.

Un power trio en el rock es una formación musical compuesta por tres instrumentos: guitarra eléctrica, bajo eléctrico y batería. A pesar de lo simple que parece, ha sido fundamental en la historia del rock, como punto de arranque de algunas de las bandas más influyentes y creativas.

Aunque no está del todo definido y hay puntos de vista contradictorios, sus orígenes se remontan a Cream, la bandota compuesta por Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce. La banda londinense marcaría desde 1966 un hito para el resto de la historia de la música, ya que muchas bandas han seguido su configuración.

Cream pelea haber sido el primer power trio con The Jimi Hendrix Experience, que contaba con Jimi, Mith Mitchel y Noel Redding. La banda se formó en el mismo año que Cream, así que en ese entonces el mundo podía apreciar a estas dos bandotas.

Ahora, décadas después de su origen, los power trios tienen bastante variedad, y ahora analizaremos como es que el girl power ha dominado este tipo de formación de banda, con algunos matices. Te dejamos 5 bandas de puras mujeres esenciales para entender los power trios.

Sleater-Kinney: del riot grrrl a ser las heroínas del underground

Este power trio de culto es una muestra del poder que tiene la configuración clásica de este tipo de bandas. El grupo comenzó como parte del movimiento riot grrrl y rápidamente se convirtió en una parte clave de la escena del indie rock estadounidense.

La banda es conocida por sus posicionamientos feministas y de tendencia izquierdista La banda hizo una pausa en 2006 y se reunieron en 2014, aunque Janet Weiss dejó la banda en 2019. Sleater-Kinney ha sido citado como una influencia importante por muchos artistas, incluyendo a Bikini Kill, The Gossip y Paramore.

El sonido de Sleater-Kinney se caracteriza por sus letras de tendencia izquierdista, voces melódicas y ritmos de batería de alta energía. Muchas de sus canciones abordan temas de política, feminismo y la experiencia de las mujeres en la sociedad. Si quieres entrarle a Sleater-Kinney, tienes que echarte sus discos Dig Me Out, One Beat y The Woods.

The 5.6.7.8’s: rocksito retro directo desde Japón

The 5.6.7.8’s es un grupo femenino japonés de garage rock, que se formó en Tokio en 1986. Su música es un riquísimo homenaje al surf y garage rock estadounidense desde los cincuentas en adelante.

Son famosas por su energía en vivo y la estética retro, además de su aparición en la película Kill Bill Volumen 1 de Quentin Tarantino. Tienen un sonido crudo y enérgico, con influencias del rock and roll clásico y hasta punk rock.

Principalmente cantan en japonés, pero muchas de sus canciones son covers de temas estadounidenses de rock and roll, lo que les ha ayudado a irse de gira por todo el mundo.

Boygenius: el super power trio que no sabíamos que necesitábamos

La historia de los power trios viene desde la configuración de Cream, quienes son vistos como una superbanda, y las Boygenius han traído a esta época la categoría de un power trio que también es una superbanda.

Con muchísima anticipación de su disco debut desde que se anunció la banda, no nos decepcionaron ya que The Record es asombroso, y Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus exhibieron todo el talento musical y también la química que tienen en su composición.

La mayoría de las canciones en The Record de Boygenius son muy destacables, catárticas y liberadoras para el trío, quizás únicamente algunas acústicas calman demasiado los momentos climáticos, y aún así son introspectivas y muy bien trabajadas. Preparen los pañuelos para llorar.

HAIM: un enfoque fresco al power trio

Las hermanas Haim le dan un toque multiinstrumental a la configuración clásica de un power trio. Alana (guitarra y teclados), Danielle (guitarra y batería) y Este (bajo) Haim conforman un power trio en el que las tres le entran a las voces, aunque Danielle suele ser la vocalista principal.

Partiendo del rock hacia una mezcla con pop elegante y algunos elementos del funk y rhythm and blues, las HAIM han sido de las bandas más importantes de la última década.

Sus presentaciones en vivo son una muestra de la energía inagotable que tienen sobre el escenario, algo que presenciamos desde que las vimos en el Corona Capital 2016. Su excelente Women in Music Pt. III tiene ya 5 años de haber salido, por lo que estamos ansiosos de escuchar un nuevo material de estudio de HAIM.

The Warning: rock puro y duro en una configuración clásica

Este es un power trio clásico, que honra el formato tradicional con un virtuosismo asombroso. Alejandra (bajo), Daniela (guitarra y voz) y Paulina (batería) han captado la atención internacional y ya se han presentado en algunos de los festivales más importantes del mundo como Wacken Open Air o Pol’and’Rock.

Les hemos contado bastante sobre el fenómeno que han sido las Warning en una carrera que aún podemos considerar corta. El camino a agotar tres fechas en el Auditorio nacional ha estado lleno de constancia, con grandes lanzamientos y presentaciones potentísimas.

Su disco más reciente, Keep Me Fed, es hasta ahora su mejor trabajo de estudio, ya que incorporó lo mejor de su sonido, sin temor a probar con algo electrónica y cambiar de inglés a español. Para dimensionar la magnitud de este power trio, ya lograron vender tres fechas en el recinto más icónico de la CDMX, el Auditorio Nacional.

Todo lo que no sabías que necesitas saber lo encuentras en Sopitas.com



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