Cine y Tv
Servant: Los secretos detrás del thriller producido por M. Night Shyamalan
A través de su segunda temporada, estrenada el pasado 15 de enero, la serie de Apple TV Plus Servant retoma la historia de una pareja emocionalmente afectada por una tragedia familiar y eventos paranormales que empiezan a suceder tras abrirle las puertas de su hogar a una enigmática niñera. Insistiendo en una duración episódica de media hora, el show producido por M. Night Shyamalan sigue sin escatimar ni un segundo en aras de insertar nuevas incógnitas o sumir al espectador en una densa nube de horror y drama, con destellos de humor negro. Como resultado, la nueva tanda de capítulos hasta ahora mantiene un 85% de frescura en los Rotten Tomatoes, demostrando estar a la altura de la primera entrega.
Hace algunas semanas, el mismo Shyamalan y el elenco principal de Servant —Lauren Ambrose (Dorothy Turner), Toby Kebbell (Sean Turner), Nell Tiger Free (Leanne Grayson) y Rupert Grint (Julian Pearce)— hablaron con Cine PREMIERE respecto a los secretos detrás de la serie. Conozcan a continuación lo que nos dijeron en torno al rodaje pandémico de su segunda temporada, detalles sobre los personajes y las ventajas del formato televisivo para narrar una historia tan absorbente y perturbadora como ésta.
Un espacio libre de virus
Transcurridos seis meses de suspensión por la crisis sanitaria, el rodaje de la segunda temporada de Servant fue retomado en septiembre de 2020. Además de sólo depender de dos locaciones distintas (una, para interiores; otra, para exteriores) ubicadas en Pensilvania, los protocolos de seguridad adoptados habrían propiciado una cifra nula de contagios por COVID-19.
«Fuimos afortunados de tener a los directores que tuvimos para culminar esos cuatro episodios durante la pandemia», nos comparte Toby Kebbell. «Fue mucho trabajo. Probamos que puede hacerse [filmar durante la contingencia] y que nosotros podemos hacerlo de manera exitosa».
A la par de darle seguimiento a Servant, cabe decir que la compañía Blinding Edge Pictures —comandada por M. Night Shyamalan— pudo resolver de inicio a fin la producción del venidero largometraje de este director, titulado Old, durante el último cuatrimestre del 2020.
«Creo que [con Blinding Edge] fuimos de los primeros en retomar filmaciones en general», comenta el cineasta. «De cierta forma nosotros estábamos liderando y todos nos llamaban para preguntarnos qué estábamos haciendo, cómo lo hacíamos y cómo estábamos teniendo tanto éxito. Pero creo que de manera natural [las medidas de prevención] se acoplaban al tipo de cosas que hacemos en esta compañía, que a mí me interesan: la locación aislada, el elenco pequeño. Es muy minimalista. No tenemos coches estallando, no tenemos grandes secuencias de persecución. Ese no es el tipo de historias que cuento, entonces asemeja mucho a una obra de teatro. Servant es, en mucho, una obra de teatro».
El escenario primordial para la serie simula el interior de una enorme casa en la zona centro de Filadelfia. De aquel espacio, Shyamalan destaca el aprovechamiento de elementos que devienen significativos dentro de la atmósfera inquietante de Servant; por ejemplo, el sonido de pisadas o de puertas cerrándose a lo lejos. En cambio, Lauren Ambrose percibe ahí un ambiente idóneo para profundizar en los efectos de la cuarentena, aún muy vigente en el mundo real.
«[El set] nos proporciona un gran marco para jugar y particularmente amo la sensación. Aquí estamos todos en este mundo, sintiéndonos claustrofóbicos durante estos días y [la serie] fue una oportunidad perfecta para explorar esa sensación en casa de los Turner; básicamente estar atrapada en esta casa con estos pocos personajes y con muchísima intensidad. A veces se siente como si el techo fuera a colapsar», nos comparte la histrión norteamericana.
Por su parte, Nell Tiger Free declara que «es un lujo» asistir diariamente a un mismo lugar para el rodaje, al punto de sentirlo como tu verdadero hogar. No obstante, al derivar de un show cuya historia es poco benévola con los bebés, semejante sensación no sería fácilmente asimilada por Rupert Grint, considerando que su primera hija nació durante el receso pandémico.
«[Servant] es probablemente el peor show para estar involucrado cuando acabas de volverte papá», declara burlonamente el inglés.
Los personajes, desafíos y emociones
La segunda temporada de Servant comienza con el matrimonio Turner enteramente dispuesto a hallar al bebé que ellos aceptaron como Jericho en la entrega pasada. Sin embargo, mientras Sean intenta no hacer de esta búsqueda un alboroto mediático, Dorothy —ya incapaz de ver al reborn doll como un ser vivo— ha dado un «giro muy mandón y poderoso, y [la historia] se vuelve muy oscura», en palabras de Ambrose. Por otro lado, no se echarán de menos las intensas conversaciones entre ambos esposos que, desde la perspectiva de Toby Kebbell, componen las escenas que fueran «las más gratificantes» al momento del rodaje.
«Cuando regresamos a esas escenas en las que hablamos sinceramente sobre nuestra relación y sobre nuestros sentimientos mutuos, de dónde estamos y qué está pasando [con nosotros], ésas son desafiantes pero un gran gozo porque realmente te adentras en aquel mecanismo de actuación y haces que se crea real, que se sienta real», nos comenta el actor.
En ese sentido, él tampoco pierde oportunidad de ovacionar el trabajo de su compañera, cuyo rol en la serie —el de una progenitora que, por desgaste físico y mental, comete un error fatal— incluso volvió a Kebbell más consciente de «la presión de ser una buena madre, la presión de hacer todo correctamente y a veces no puedes». Destaca un momento de Servant en el que una callada Dorothy, al descubrir lo sucedido con Jericho, se abofetea repetidamente dentro de la habitación del bebé.
«[Esa escena] es brillante, es realmente brillante, muy difícil de representar. Es cine silente, el gran cine original. Es muy bueno ver todo derrumbándose mientras ella está de pie ante la cuna», expresa el intérprete de Sean Turner.
Después de abandonar repentinamente la casa de los Turner al final de la temporada anterior, la sombría Leanne Grayson vuelve en Servant «con una piel completamente nueva» y encaminada a convertirse «en algo inesperado». Así lo manifiesta Nell Tiger Free, quien batalló para encarnar apropiadamente a un personaje que inspira, a la vez, temor y compasión.
«[Como actriz] quieres hacerlo bien. No quieres no asustar si tú eres la cosa aterradora de este show aterrador. Es definitivamente desafiante intentar mantener ese elemento de misterio y miedo alrededor de ella [Leanne], pero también volverla alguien agradable, quizá alguien a quien apoyar en algunos episodios y por quien sentir lástima cuando comete errores. Creo que sostener esa dualidad es un reto en definitiva», afirma la británica.
Terror y conmiseración son contrarrestados por un toque humorístico que nuevamente encuentra en Julian Pearce, hermano de Dorothy, su mayor promotor. Aún así, Rupert Grint prefiere no olvidar que tras el encanto cómico de su personaje, hay emociones lacerantes que derivan de la tragedia familiar.
«Debajo [Julian] sólo es alguien que está lidiando con su dolor. La verdad es que aquí es donde entra el humor como un mecanismo de supervivencia. Es una manera de desviar sus verdaderos sentimientos y lo hace con la bebida o con bromas ingeniosas», nos dice el histrión.
Raíces y frutos del proyecto
Fue durante un almuerzo casual que la idea primigenia para Servant llegó a oídos de M. Night Shyamalan. Era una historia pensada para la televisión y que, de acuerdo al nominado al Óscar, el ahora acreditado como creador y guionista de la serie Tony Basgallop concebía como una versión «de Mary Poppins muy oscura» y plagada de «mucha más fantasía» en comparación al producto final. Hubieron varios cambios entre aquella propuesta inicial y el show que ha merecido alabanzas por parte del maestro del terror Stephen King y del galardonado realizador Guillermo del Toro. No obstante fueron conservados elementos como el duelo maternal, el reborn doll y «la niñera de quien desconoces sus motivaciones».
«[La propuesta para Servant] era diferente de cómo el show terminó siendo pero en su centro existía esta noción sobre una mujer cuyo hijo falleció y ella utilizaba este muñeco para pretender que el niño seguía vivo. Me conmovió mucho este concepto de no ser capaz de sobrellevar el luto. Es súper poderoso», nos revela Shyamalan. «[El argumento original] tenía lugar en una casa brownstone. En aquel tiempo era sólo un piloto, sólo una idea, pero dije: ‘¿qué tal si nos enfocamos en esa casa y seguimos contando la historia de esta familia que finge y finge? Y luego entra esta mujer [de quien nos preguntamos si] es alguien sobrenatural y revivió a su hijo’. Simplemente me sentí intrigado. Quería saber el final de la historia».
Fungiendo como productor ejecutivo, el aludido cineasta encontró para Servant un hogar en Apple, una compañía con la cual él ya preveía asociarse apenas ésta decidiera impulsar programas de televisión y una plataforma streaming propia. Si bien originalmente se proyectaban seis entregas, al final fueron pactadas únicamente cuatro temporadas (de diez episodios cada una) para la totalidad del show, debido a que la misma historia habría exigido esa longitud… aunque también influyó que Shyamalan ha estado profundamente involucrado en la serie (fichajes, música, edición) y, en sus palabras, «no sé si yo habría sido capaz de comprometerme a ello» por más de cuatro años.
Estrenado casi un mes después del debut de Apple TV Plus (en noviembre de 2019), Servant habría devenido el «show más pegajoso» de la plataforma, en el sentido de que bastaba ver el episodio piloto para quedar enganchado. En parte, Shyamalan adjudica este efecto al ritmo desacelerado y al exhaustivo desarrollo de personajes que permite el formato seriado de la televisión, con el cual el director de Sexto sentido todavía sigue familiarizándose.
«[En las películas] hay mucha presión para establecer personajes lo más rápido posible y sólo dentro del perímetro de [por ejemplo] el barco hundiéndose o los terroristas ocupando el edificio», nos dice. «En televisión, dentro de este formato extenso, es diferente. Tienes mucho más espacio para el desarrollo de personajes y realmente esa es la razón por la que el público vuelve una y otra vez, por la conexión con los personajes. [Para mí] es un formato realmente nuevo, del cual estoy disfrutando sobremanera el aprendizaje de sus ritmos. Y por supuesto el thriller de media hora es una suerte de formato novedoso».
Sujeta a una duración más próxima a la de sitcoms que a la de otros programas de misterio y horror psicológico, Servant pudiera parecer una copa de vino (a propósito, un elemento nunca ausente de la serie) que a pesar de su complejidad, se bebe como agua. Esta idea encuentra respaldo en comentarios de Nell Tiger Free, quien además señala que la nueva tanda de capítulos no soltará al espectador en ningún momento.
«Creo que [la serie] es adictiva porque son treinta minutos por cada episodio. Es una inyección rápida de thriller y de drama. Queremos mantenerlos enganchados y con nosotros tanto como sea posible», manifiesta la intérprete de Leanne. «[La segunda temporada] se pondrá más y más dramática con cada episodio».
Los primeros cuatro episodios de la segunda entrega de Servant ya están disponibles a través de Apple TV Plus. Una nuevo episodio seguirá estrenando cada viernes, previéndose su final de temporada para el próximo 19 de marzo.
Del mismo servidor streaming, las producciones On the Rocks, Wolfwalkers y Ted Lasso presumen nominaciones a los Golden Globes 2021. Pasen aquí para conocer la lista completa de contendientes.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
¿Dónde ver? Disponible en DVD en Amazon.
Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Estrreno, trailer y entrevista del coming-of-age con Isaac Cherem y Aksel Gomez| Cine PREMIERE
Déjame estar contigo es una producción mexicana en la que Bruno y Lucía, un par de adolescentes con toda la inexperiencia del mundo y nada de tiempo restante, deciden aventurarse en la mágica experiencia humana que es querer a alguien y dejarse querer por ese alguien.
¿De qué trata Déjame estar contigo?
Bruno es un joven de 18 años que es deportado de Estados Unidos a México sin conocer nada ni a nadie. Lucía es una universitaria de 19 años con una enfermedad incurable. Sus caminos se cruzan cuando Bruno, trabajando en un call-center, llama a Lucía, quien le pide ayuda con una situación urgente.
En esta llamada encontrarán empatía, esperanza y mariposas en el estómago provocadas por alguien a quien todavía no conocen. Cuando lo hacen, tendrán que decidir cómo enfrentar sus sentimientos por el otro.
¿Quiénes están detrás de Déjame estar contigo?
Esta montaña rusa de emociones está escrita por Fernanda Eguiarte (La flor más bella) y dirigida por Isaac Cherem (Leona), quien nos compartió en entrevista para Cine PREMIERE que ella “es una persona muy tierna, entonces siento que ella ve así las relaciones”, además de que la inspiración para tomar este proyecto fue “mi experiencia personal de transición a la adultez, que tengo muy presente, que fue muy importante, que fue muy intensa y que, además, fue mientras me mudaba la Ciudad de México. Entonces era como un poco lo que vive el personaje de Bruno”.
En las sillas de producción tenemos a José Nacif Gobera (La caída), Marco Polo Constandse (Casi el paraíso), Catalina Aguilar Mastretta (Cindy, la regia: la serie) y Mariana Rodríguez Cabarga (Temporada de huracanes) a través de Filmadora; mientras que Fernanda Eguiarte y Ramiro Ruiz (Somos oro) se enmarcan como productores ejecutivos. La cinta está distribuida por Videocine.
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El elenco detrás de Déjame estar contigo
Aksel Gómez hace su debut fílmico en esta cinta, quien también nos contó en entrevista que encontró muchas similitudes con su personaje, a tal punto que sentía que estaba predestinado. Como Bruno, él también ha vivido toda su vida en Estados Unidos, lo que ayuda muy poco en su habla del español, sin embargo, aunque al principio podemos detectar cierto acento que lo delata, para el final su pronunciación tiene una notoria mejoría.
Al respecto, dijo que todo fue cuestión de “práctica, también, hablando con Andrea y con el crew. Y también hice una playlist de canciones de puro español, y las cantaba en la mañana antes de ir al set para que se me aflojara la lengua”. En esta misma conversación, Isaac preguntó cómo se comunicaba con sus papás, a lo que Aksel respondió que utilizaba el inglés, el español y el spanglish: “Como mi papá no es de Estados Unidos, es de México también, con él hablo mucho español; y con mi mamá es mayormente en inglés, pero sí, a veces le hablo en español también”.
A su lado, también protagonizando, se encuentra Andrea Sutton (The Gigantes), uniéndoseles Silvia Navarro (Papá o mamá), Johanna Murillo (La liberación) y Regina Blandón (Firma aquí).
¿Cuándo estrena Déjame estar contigo?
Este coming of age llega a las salas de cine mexicanas a partir del 30 de enero de 2025.
Póster oficial
Trailer oficial de Déjame estar contigo
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Yessica R. Viais Vivo creyendo que no se trata de lo que ves en la pantalla, sino de lo que te hace sentir, y mí me gusta mucho sentir. I’m just a girl… jaja
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Como ha sucedido en los últimos años, la fuerza interpretativa de las mujeres ha dejado espectaculares resultados. Hace unos meses, dos leyendas de la industria (Angelina Jolie y Nicole Kidman) parecían inamovibles entre las nominadas al Óscar 2025 como Mejor actriz, pero las últimas semanas han dado un gran giro a la competencia. Contendientes internacionales, películas exitosas y otros premios han hecho que la categoría sea una de las más difíciles para predecir. Y no nos malentiendan, eso se agradece.
Considerando los resultados de la temporada de premios, la narrativa alrededor de esta, e incluso los discursos, a continuación te presentamos nuestra predicción de la actriz que se alzará con la estatuilla más codiciada de la industria cinematográfica.
Revisa aquí la lista completa de nominaciones y nuestro análisis (con predicciones) por categoría.
Demi Moore – La sustancia (Predicción CP)
Tras años de ausencia, Demi Moore demostró que no sólo tiene el talento para protagonizar una cinta arriesgada, sino también las agallas para retarse a sí misma. Si los momentos más “extraños” en La sustancia funcionan (y vaya que hay muchos) es gracias a ella, que además ya tiene en la bolsa el Globo de Oro. Es díficil imaginar a otra actriz que pudiera interpretar a Elisabeth Sparkle con tanta dignidad y precisión.
A favor: Una poderosa narrativa muy similar a la que se ve en la película. Su discurso de agradecimiento en los Globos de Oro hizo que el mundo volteara a verla. Por otro lado, la Academia ama los regresos como este… y a los actores ocultos tras grandes capas de maquillaje.
En contra: El poco amor que los votantes han dado al terror / thriller, o a películas con una temática e imágenes igual de sangrientas. Mikey Madison también representa una gran amenaza.
Mikey Madison – Anora
La historia de una trabajadora sexual que sucumbe ante el amor hizo que esta joven actriz consiguiera el reconocimiento mundial. Los fans de Scream y Había una vez… en Hollywood ya la conocían, pero ahora fue el turno de la industria para ponerla en la cima. Como en el caso anterior, no habría una Anora tan aclamada de no ser por Madison.
A favor: Una película constante en nominaciones para otros premios. Madison ha conseguido todas las nominaciones de los premios precursores y carga, totalmente, con el peso de la cinta. Para quienes no la conocían, es toda una revelación.
En contra: El contenido sexual de la cinta podría alejar a algunos votantes. Se trata, también, de una actriz que “apenas” tiene 25 años. Muchos podrían considerar que, con su talento y edad, no batallará en conseguir otra nominaciones y galardones en el futuro.
Cynthia Erivo – Wicked
Después de una larga carrera en el teatro y algunos papeles en la pantalla grande (no todos igual de exitosos), la británica consiguió uno de los personajes más aclamados en 2024: Elphaba. La historia no contada de la bruja verde nos recordó su increíble talento vocal, pero también el rango que tiene para ir de la felicidad al coraje en sólo instantes.
A favor: Una película más que complaciente. La gran mayoría de los que ven Wicked resultan fascinados por su historia y mitología. Por otro lado, la cinta cierra con su interpretación de Defying Gravity, donde entrega todo de sí y crea momentos memorables. Tampoco se ha quedado fuera de las nominaciones más importantes.
En contra: Hay una competencia brutal por parte de Madison y Moore, y si hay una actuación de Wicked que será premiada por la Academia, esa pinta para ser la de Ariana Grande como Glinda. No todo está perdido, pues podría competir el próximo año gracias a Wicked: For Good, y a la canción que coescribió para la película.
Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
Más de una década atrás disfrutamos de su talento en Nosotros los Nobles, e incluso hace un par de años participó en un programa de cocina mexicano. Hoy, Karla Sofía Gascón llega a la contienda con un premio de Cannes y múltiples marcas en otras ceremonias, pero sobre todo, con una seguridad impresionante. Hay muchas cosas cuestionables en la película donde participa, pero si alguien cumple con lo que se le pide, es ella.
A favor: Una película adorada por la crítica internacional. Si los votantes extranjeros apoyan una actuación, muy probablemente sea esta. Al ser la primera actriz trans nominada a un Óscar, también arrastra consigo una importante narrativa. Su triunfo, por muchas razones, sería un momento histórico.
En contra: Las dudas sobre su rol en la película. Esta lleva el nombre de su personaje como título, pero muchos la consideran una interpretación secundaria y ven a Zoe Saldaña como la verdadera protagonista y es ella quien ha recibido más elogios.
Fernanda Torres – I’m Still Here
Creció en un entorno marcado por el arte. Su madre, Fernanda Montenegro, es considerada una de las actrices brasileñas más importantes de la historia, y ahora es su turno para continuar con el legado. Las buenas críticas a su trabajo y el apoyo de fans y críticos internacionales parecen coincidir en una cosa: “lo que bien se aprende, nunca se olvida”. Es considerada una gran figura en el arte contemporáneo brasileño.
A favor: Una sorpresiva victoria en los Globos de Oro, donde venció a actrices con mayor renombre. Su película, desde entonces, ha debutado con éxito en otros países y ha generado más conversación a su alrededor. Es una carrera muy abierta, y si los votantes internacionales deciden apoyarla, podría repetir la sorpresa. Además, que su película contienda al premio máximo no se debe ignorar.
En contra: Prácticamente todos los premios precursores han ignorado su trabajo. No estuvo presente en los Critics Choice Awards, SAG o BAFTA, y por ello, se puede considerar que la nominación es su verdadero triunfo.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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