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Las 10 mejores ceremonias de inducción en el ‘Rock & Roll Hall of Fame’ (parte 2)
Este mes de septiembre se cumplieron 25 años de la inauguración del Rock & Roll Hall of Fame (o Salón de la Fama del Rock & Roll), un museo con sede en el poblado de Cleveland, en el estado de Ohio, Estado Unidos, dedicado al recuerdo y memoria de los artistas más famosos e influyentes en la industria musical.
Como recordarán –y porque dicen que recordar es volver a vivir– hace unos días les compartimos un listado de las mejores ceremonias de inducción que este museo ha visto a través de su historia. Por ello, acá les va la segunda parte con las otras cinco bandas que dejaron su huella en el Rock & Roll Hall of Fame y el mundo de la música
Foto: Getty Images
Beastie Boys
Los originarios de New York no se podían quedar fuera de la gran fiesta de inmortalidad dentro de la industria de la música. En el 2012, los Beastie Boys llegaron al Hall Of Fame, inducidos por Chuck D, de Public Enemy, y por LL Cool J.
Un merecidísimo reconocimiento se otorgó a los pioneros del hip-hop con ritmos impulsados por ingeniosos juegos de palabras, empalmes de géneros inteligentes y videos sumamente creativos; una banda que nunca tuvo miedo de experimentar y evolucionar, convirtiéndose en partidarios vocales de causas sociales y problemas globales.
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Desde que Billboard comenzó a registrar el número de ventas en 1991, Beastie Boys es el grupo de rap que más ventas ha logrado alrededor del mundo. Sin embargo, Chuck D, dentro de su discurso, cuestionó el real valor que tiene el hip-hop dentro de la industria: “No hay una medida adecuada del impacto que los Beastie Boys tuvieron en la música”, siendo apenas el tercer grupo de rap incluido dentro del Rock & Roll Hall Of Fame.
El momento emotivo de la noche llegó cuando Adam Horovitz, en compañía con Michael Diamond, leyó la carta que escribió Adam “MCA” Yauch, bajista de la banda, antes de morir el 4 de mayo de ese mismo año en el 2012 a los 47 años a causa del cáncer que padecía en la parótida. Sin duda, de las ceremonias más emotivas que se han visto.
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David Bowie
Una carrera de 50 años caracterizada por una evolución constante llena de innovación y una profundidad intelectual en cada una de sus obras, quedó inmortalizada en lo más alto de la industria musical un 6 de enero de 1996.
Inducido por David Byrne de Talking Heads, con quien comparte un puente musical a través de Brian Eno a finales de los 70’s, aquella noche Byrne abría el discurso diciendo “Cuando llegó David, el rock & Roll necesitaba un tiro en el brazo”, destacando la revolucionaria carrera de Bowie que entregó siempre miles de formas imaginativas de música, explorando diversos géneros musicales, siempre futurista e imposible de encapsular sus diversos rostros en uno solo.
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Esa noche Madonna fue la encargada de aceptar dicha distinción en nombre de David Bowie, algo que hizo con un discurso donde mencionó la manera en la que Bowie le cambió la vida cuando ella sólo tenía 15 años de edad, pues él fue el primer show que vio en vivo. Uno que califica como el mejor concierto de su vida.
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Fleetwood Mac
En 1998 e inducidos al Rock & Roll Hall of Fame por Sheryl Crow, Fleetwood Mac se hizo de un nombre en la máxima distinción en este salón.
Una banda que se formó a finales de los años 60 y que en la década de los 70 se convirtió en una de las agrupaciones más influyentes, escribiendo algunas de las canciones más memorables de aquellos días. A través de grandes discos como Rumors –uno de los 10 álbums más vendido de todos los tiempos– o Tusk, Fleetwood Mac logró posicionarse de forma importante logrando ventas multimillonarias.
Sheryl Crow aquella noche, dentro de su discurso, mencionó que Fleetwood Mac se ha dedicado a “Desafiarnos a todos a mirar el lado sensual y espiritual de nosotros mismos”, una noche donde interpretaron canciones como “Say You Love Me”, “Landslide” y “Big Love”.
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Janis Joplin
Perteneciente al famoso “club de los 27”, Janis Joplin entró al Rock & Roll Hall of Fame en enero de 1995, inducida por Melissa Etheridge, quien mencionó en su discurso que “simplemente, sin intentarlo, Janis se convirtió en un icono”.
La cantante era rock and roll de tiempo completo a través de un Blues que emergió a finales de la década de los años 60, siendo una de las voces más poderosas de aquellos tiempos; convirtiéndose en la primera reina del rock.
El discurso de Melissa Etheridge fue totalmente hecho con el corazón, siempre diciéndole la verdad mencionó que ella “realmente la amaba porque se llevó un pedacito de su corazón, ella escribía poesía”. El vibrante speech de Melissa también describe la vida de Janis Joplin inmersa en el mundo de las drogas y la libertad, conceptualizando aquello como una fórmula sumamente peligrosa. Esa noche los encargados de recibir la distinción fueron sus hermanos Laura y Michael Joplin, un regalo que Janis recibió una semana antes de lo que hubiera sido su cumpleaños.
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Pink Floyd
En 1996 e inducidos por Billy Corgan, de Smashing Pumpkins, Pink Floyd entró al Rock & Roll Hall of Fame. Los arquitectos de grandes movimientos musicales como el rock psicodélico y el rock progresivo, fueron, son y serán por muchos años más una de las voces más representativas de causas sociales, políticas y emocionales.
Corgan describió su vida creciendo en las décadas de los años 70 y 80 escuchando a Pink Floyd, alrededor de prismas y pirámides espectaculares y locas. Siempre estacando su trabajo artístico, pero sobretodo lo que musicalmente le aportaron y le inspiraron, afirmando que sin duda es la mejor música que ha escuchado en su vida.
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Durante su discurso, Billy Corgan contó que cuando tenía 17 años a su mamá le diagnosticaron cáncer, uno de los momentos más dolorosos de su vida, y justo en ese preciso momento llegó a su vida la icónica canción ‘Wish You Were Here’, y escuchándola una y otra y otra vez él lloraba a través de aquella hermosa canción, misma que pudo interpretar con sus ídolos, quienes los acompañaron musicalmente en uno de los peores momentos de su vida.
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Y para ustedes, ¿cuál es la mejor ceremonia de inducción que ha visto el Rock & Roll Hall of Fame?
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Lo que necesitas saber:
Ezra Collective es una de las bandas británicas más rifadas de la actualidad, y acá les contamos por qué deben echarle oí a este grupo.
En estos tiempos, hay muchos que siguen pensando que el jazz es aburrido e incluso pretencioso. Sin embargo, en la actualidad tenemos bandas que nos demuestran lo contrario, que este género puede ser divertido y entretenido. Tal es el caso de Ezra Collective, quienes seguro te harán cambiar tu perspectiva de este tipo de música.
Aunque llevan unos cuantos años haciendo un montón de ruido, este grupazo lleva un buen rato innovando y haciendo cosas bastante interesantes dentro de la escena musical del Reino Unido, llevándose premios importantes y el reconocimiento no solo del público y la prensa, también de varios colegas músicos. Y si no los conocen, acá les contamos quiénes son y por qué deben escucharlos.
¿Quiénes son Ezra Collective?
La historia de Ezra Collective inicia en 2012, con Femi Koleoso como baterista y líder (quien también ha tocado con Gorillaz en sus últimas giras), su hermano TJ Koleoso en el bajo, Joe Armon-Jones en los teclados, James Mollison en el saxofón y Ife Ogunjobi en la trompeta. Todos se juntaron en la banda de Tomorrow’s Warriors, una iniciativa de educación musical en el South Bank Centre de Londres que busca que los jóvenes se acerquen al jazz.
Desde sus inicios, el grupo llamó fuertemente la atención, pues su propuesta fusiona el jazz con otros géneros también influenciados por la música africana, como el propio afrobeat, reggae, hip-hop, grime y R&B. Sin embargo, fue hasta 2016 con el lanzamiento de su EP debut, Chapter 7, que cambiaron de nombre al que les conocemos ahora y que se empezaron a ganar la atención de la prensa especializada.
Tan solo un año después, Ezra Collective estrenó otro EP, Juan Pablo: The Philosopher, con el cual se hicieron de un nombre y reputación como músicos. Con el crecimiento y renacimiento de la escena del jazz en Londres, junto con artistas como Kamaal Williams, Sons of Kemet y Comet Is Coming, el grupo se convirtió en un tema de moda en la capital británica, tanto así que sus shows en la ciudad y otras partes del país eran sold out.
El álbum debut del grupo los lanzó al estrellato
En 2018, la banda ganó premios como Mejor acto de jazz del Reino Unido y Experiencia en vivo del año en los premios Jazz FM. Con estos carteles encima, la banda empezó a grabar su álbum debut hasta que finalmente, en 2019 sacaron You Can’t Steal My Joy un disco en el que le dieron nueva vida a la escena del jazz, con una mezcla alucinantes de influencias musicales y en el que colaboraron con artistas como Loyle Carner, Jorja Smith y Kokoroko.
Su primer material discográfico los convirtió en abanderados del movimiento nu-jazz del Reino Unido, aunque el disco también se hizo popular entre las escenas del funk, el R&B e incluso algunos DJ’s de EDM lo tomaron para hacer remixes. Gracias a este álbum, así como a la enorme promoción que le dieron en la radio británica, Ezra Collective armó una gira por su país y algunos lugares europeos.
Para 2020 y luego de que cada uno de los integrantes trabajaron con otros músicos así como en sus proyectos personales, el grupo regresó con la rola “Quest for Coin II”, donde colaboran con el MC JME y el productor Swindle (la cual se ganó el premio a “la canción más popular del año” de la DJ de BBC Radio 1, Annie Mac).
Al siguiente año, la banda volvió a salir de gira, presentándose en los festivales más importantes de jazz en Europa e incluso regresaron a tocar en clubes como en sus inicios, aunque debido a su popularidad, ahora se trataban de bares mucho más grandes. Sin embargo, durante ese tiempo también empezaron a componer lo que se convertiría en su siguiente álbum de estudio.
Ezra Collective se consolidó con ‘Where I’m Meant to Be’
Finalmente, en 2022, Ezra Collective estrenó Where I’m Meant to Be, su segundo material discográfico. En este álbum, el grupo armó 14 rolas donde combinaron a la perfección el afrobeat, jazz, funk y hip-hop; además que como lo mencionábamos antes, contaron con la participación de invitados especiales como Kojey Radical, Emeli Sande, la cantautora Nao y la rapera Sampa the Great.
El disco debutó en la cima de la lista de álbumes de jazz y blues del Reino Unido de Official Charts Company, ocupó el puesto 24 en la lista de álbumes del Reino Unido e incluso los llevó a grabar una sesión para Tiny Desk Concerts. Por si esto no fuera suficiente, el álbum pasó seis semanas no consecutivas en el número uno de las listas de jazz. Así que como verán, con su segundo trabajo, el grupo la rompió por completo.
Además de la música, también llamó la atención la portada de Where I’m Meant to Be (inspirada en la de Underground de Thelonious Monk), pues es una fotografía de la banda en un estudio en el sur de Londres y en el que podemos verlos rodeados de elementos, instrumentos musicales y cosas que los inspiran (como una bandera kazaja –que representa una ocasión en la que dieron un show en el país– y un disco de Fela Kuti).
En general, la prensa y medios musicales británicos calificaron el segundo disco de Ezra Collective como una verdadera joya, pues el grupo nos lleva por un viaje con un ritmo acelerado que nos invita a simplemente bailar, festejar y disfrutar de la vida a través de su música. Sin duda, es uno de esos álbumes que te levantan el ánimo simplemente dándole play.
Y gracias a ese disco se llevaron el Mercury Prize en 2023
Por si esto no fuera suficiente, con Where I’m Meant to Be, Ezra Collective dio el paso a las grandes ligas ganando el Mercury Prize en 2023 (el cual reconoce al mejor disco del Reino Unido de cada año). La victoria de la banda fue una sorpresa, porque le ganaron a nombres como Arctic Monkeys, Jessie Ware o Fred Again…
Sin embargo, ese año los expertos decidieron darle el Mercury a este quinteto que hizo historia, pues se trata del primer material discográfico de jazz que se lleva a casa el galardón de la música británica… así como lo leen.
“En este momento no es sólo un resultado para Ezra Collective, no es sólo un resultado para el jazz británico, sino que es un momento especial para todas y cada una de las organizaciones de todo el país que dedican sus esfuerzos y su tiempo a que los jóvenes toquen música”.
Dijo Femi Koleoso, integrante de la banda en su discurso de aceptación del Mercury Prize 2023
Los éxitos siguieron llegando para la banda, pues en 2024 nos volvieron a volar la cabeza con su siguiente material discográfico, Dance, No One’s Watching. En este álbum –el cual está dedicado por completo al baile–, el quinteto volvió a colaborar con artistas importantes, como Yazmin Lacey, Olivia Dean, Moonchild Sanelly y M.anifest).
Con decirles que el mismísimo Barack Obama eligió la rola “God Gave Me Feet for Dancing” de Ezra Collective para su lista de 25 canciones favoritas de 2024. Y sin duda, el futuro pinta increíble para esta bandota, pues fueron subcampeones de la encuesta Sounds of 2025 de la BBC y por si esto no fuera suficiente, están nominados para los Brit Awards en categorías como Mejor Nuevo Artista y Mejor Acto de Rock o Alternativo.
Si son fans del jazz fusionado con otros ritmos, deben escuchar a Ezra Collective
Sabemos que siguen existiendo muchos puristas del jazz, que no les gusta que lo mezclen con otros ritmos porque es sacrilegio. Sin embargo, grupos como Ezra Collective nos demuestran que siempre se puede llevar este género a otro nivel y sobre todo, que precisamente es gracias al jazz que pueden surgir combinaciones alucinantes que lo reinventen y llegue a nuevas generaciones.
Aunque más allá de juntar el jazz con el reggae, afrobeat, calypso, R&B, hip-hop y grime, quizá el mayor mérito que tiene este grupazo es popularizar de nuevo estos sonidos en el Reino Unido. Sobre todo después del Brexit y las repercusiones sociales que tuvo esta decisión, dejando una imagen negativa de los inmigrantes y la población afrodescendiente británica, cuando lo único que han hecho es complementar su cultura.
Si a ustedes les late escuchar a músicos virtuosos tocando con pasión, emoción y energía, pero también divirtiéndose y pasándola bomba, de plano no se van a arrepentir de darle una oportunidad a las rolas y discos de Ezra Collective, porque estamos seguros que les van a volar la cabeza con su propuesta y con la buena vibra que traen.
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Guadalajara vivió una noche inolvidable con el debut de Linkin Park en la ciudad. La legendaria banda estadounidense, que marcó a toda una generación, inició una nueva etapa en su trayectoria con la presentación de su más reciente álbum From Zero y la incorporación de su nueva vocalista, Emily Armstrong. Aunque por momentos mostró nerviosismo, Armstrong dejó claro que no busca reemplazar a nadie, sino escribir un nuevo capítulo en la historia de la agrupación.
El Estadio 3 de Marzo fue el escenario donde miles de fanáticos se dieron cita para recibir con entusiasmo a la banda. Desde temprana hora, el acceso al recinto se dio de manera fluida, favorecido por el puente laboral, lo que permitió que, para el inicio del show, el estadio luciera prácticamente lleno. La banda invitada, AFI, se encargó de encender los ánimos con una presentación potente que preparó el terreno para el plato fuerte de la noche.
El concierto de Linkin Park estuvo estructurado en cuatro actos, además de un encore final. Cada bloque fue acompañado de visuales, transiciones gráficas y un juego de luces láser que potenciaron la experiencia audiovisual.
Minutos después de las 21:00 horas, el ambiente se encendió con un guiño a la cultura mexicana: El Rey, de Vicente Fernández, sonó en los altavoces como un homenaje a la tierra tapatía. Al terminar, los primeros acordes instrumentales de Castle of Glass comenzaron a resonar mientras en el escenario aparecían transiciones gráficas que daban paso al espectáculo. El escenario estaba conformado por dos grandes pantallas laterales, una más al centro en el fondo y tres adicionales en la parte superior, ofreciendo una experiencia visual envolvente.
El arranque del concierto no pudo ser más impactante. La banda abrió con tres himnos de su carrera: Somewhere I Belong, Crawling y New Divide, temas que de inmediato desataron la euforia del público. Mike Shinoda, quien se ha convertido en el rostro principal de Linkin Park desde la partida de Chester Bennington, tomó la delantera en la pasarela que se extendía hasta la zona A y, en un español juguetón, saludó a la multitud con energía:
”¡Buenas noches! ¡Qué pasó! ¡Cómo estás! ¡Estamos muy emocionados de estar aquí con ustedes!”
A lo largo del show, la banda repasó varios de sus mayores éxitos, pero el punto culminante de la noche llegó con In The End. La emblemática canción, considerada un himno para toda una generación, provocó una respuesta apoteósica del público, que coreó cada palabra con una pasión indescriptible. La emoción continuó con Faint, recordando la energía que Chester Bennington imprimía en cada interpretación y demostrando que, a pesar del paso del tiempo, Linkin Park sigue vigente.
Cerca del final del concierto, Mike Shinoda volvió a dirigirse a los asistentes en español para agradecer el apoyo:
“Gracias por venir hoy y gracias por apoyar el nuevo disco, además de recibir con cariño a los nuevos miembros de la banda”, expresó con sinceridad.
Tras casi dos horas de un viaje entre nostalgia y celebración, la banda cerró la noche con Bleed It Out.
Setlist de Linkin Park en Guadalajara
Act I
Intro A (w/ elements of “Castle of Glass”)
Somewhere I Belong
Crawling
New Divide
The Emptiness Machine
Act II
Creation Intro A (w/ elements of “Castle of Glass”)
The Catalyst
Burn It Down
Over Each Other (with Emily on guitar)
Waiting for the End
Castle of Glass
Two Faced
Joe Hahn Solo (with Colin on drums)
(audio) Empty Spaces
When They Come for Me / Remember the Name (Mike solo; with Colin on guitar and drums)
Keys to the kingdom
One Step Closer
Act III
*Break/Collapse
Lost (hybrid version live debut; 1st verse/1st chorus Mike and Emily piano into full band version)
Good Things Go (Live debut)
What I’ve Done
Act IV
(Audio) Kintsugi
Overflow
Numb (with “Numb/Encore” intro)
In the End
Faint (Extended outro)
Encore
Resolution Intro A (with elements of “Papercut” & “Castle of Glass”)
Papercut
A Place for My Head
Heavy Is the Crown
Bleed It Out (extended bridge with “Cut the Bridge” bridge)
CT
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