Los mitos y teorías siguen rondando a Kurt Cobain, quien además de marcar estilo en la industria musical al dar voz a la agrupación Nirvana, no sólo se convirtió en un ícono del rock y estandarte de la oleada grunge, también abrió paso a profundos análisis sobre las complejidades que los “rockstars” enfrentan cuando la depresión y la adicción a las drogas se cruzan sobre los escenarios.
El 5 de abril de 1994, se daba a conocer la noticia que cimbraría a la llamada generación “X”, uno de sus máximos referentes juveniles en el ámbito artístico era encontrado con un tiro fulminante en la cabeza; los titulares apuntaban a que Kurt había optado por el suicidio pese a estar en la cima del éxito.
Aunque a los años han surgido nuevas suposiciones que exponen que la muerte de Cobain pudo tratarse también de un asesinato, el legado musical de este cantautor nacido el 20 de febrero de 1967, en Washington, sigue a la alza al consagrarse como uno de los proyectos sonoros de mayor leyenda e impacto mundial no solo en la generación que vio nacer a Nirvana, pues a 26 años de la muerte de Kurt, éste sigue siendo considerado un parteaguas por los expertos musicales y principalmente en los nuevos aficionados que progresivamente descubren y recorren la discografía atribuida a Nirvana.
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Los antecedentes de Nirvana se remontan al encuentro que Kurt Cobain tuvo con Krist Novoselic durante 1985 y que permitió que ambos músicos comenzaran a colaborar en diversos proyectos como la banda “Stiff Woodies”; dos años después y con la intención de impulsar una iniciativa propia, Cobain y Novoselic hacen mancuerna con el baterista AaronBurckhard para dar nacimiento a una banda dispuesta a explorar una faceta más alternativa y totalmente fuera los clichés del rock de esa época.
Un cárdigan vintage de Kurt Cobain, subastado por 334 mil dólares
La personalidad desenfadada de Kurt y la inquietud lírica que ofrecía en sus composiciones, atrajeron la atención de Jack Endino, famoso productor afincado en Seattle, quien no dudó en fichar a Nirvana y ayudar al juvenil trío con un primer demo de 10 canciones que marcarían el debut oficial de la banda a mediados de 1988.
El impacto de Nirvana en la radio y la popularidad que desencadenó en los primeros programas televisivos dedicados a la música, empujaron a banda dar el banderazo oficial a una extensa gira por Estados Unidos con el arropo de su primera producción “Bleach”, y poco a poco abrirse al mercado europeo con canciones que proyectaban una visión más sarcástica y juguetona con temas como “Floy the barber”, “Big cheese”, “School” y “Love buzz”, por ejemplo.
Para finales de 1991, el liderazgo masivo de Cobain y la estridencia de Nirvana llegaron hasta firmar con la disqueraDGCRecords y convertirse en la banda telonera de Sonic Youth encuentros como el “Reading Festival”, en Inglaterra; presentaciones que quedaron inmortalizadas filmes como “The year punk broke”.
Ponen a la venta casa donde se suicidó Kurt Cobain
Talento de claroscuros
Conforme la popularidad de Nirvana aumentó, los rumores sobre la inestabilidad emocional de Kurt comenzaban a llegar a los titulares, que poco a poco, daban cuenta de su vida personal y situaciones que suponían adicción a las drogas y relaciones enfermizas con las personas más cercanas a él.
Tras el lanzamiento de “Nevermind” en 1991 y el tema cumbre “Smells like teen spirit”, los discos de oro y giras extendidas a Japón y Australia, por ejemplo, fueron inmediatas, al igual que los escándalos alrededor de Cobain, quien a la par, no dudaba en sumar luchas o posturas sociales referentes a la lucha contra violencia en el mundo, por ejemplo.
La muerte de Kurt recordó situaciones similares en las que otros íconos de la música como Jim Morrison, Jimi Hendrix y Janis Joplin, quienes al igual que Cobain murieron a los 27 años de edad, dando paso así al llamado “Club de los 27”, siempre relacionados a conflictos emocionales, familiares y descontrol en el consumo de drogas habían orillado a estos talentos al descuido personal, aislamiento, suicidio y sobredosis mortales.
El trágico “Club de los 27”
Caso cerrado
Ante la insistencia del periodista de Seattle, Richard Lee, por obtener la liberación de 55 fotografías catalogadas como evidencia cuando se encontró el cuerpo de Kurt Cobain, con el objetivo de demostrar o abrir nuevas líneas de investigación que abonarán a la teoría de que el cantante fue asesinado, la cantante CourtneyLove (viuda de Kurt), y su hija FrancesBeanCobain, lograron tener el fallo a su favor para evitar la divulgación de la imágenes.
Aunque Courtney Love ha sido precavida en las declaraciones sobre la muerte de Cobain y cómo hicieron frente a las adicciones y las dificultades que enfrentaron para mantener la custodia de su hija, en internet existen múltiples foros en donde además de rendir homenaje al legado de Kurt, también se comparten distintas versiones de la carta que el cantante dejó aclarando los motivos de su muerte, y en la que supuestamente confesaba que su labor musical ya no lo motivaba a seguir; incluso, existen demás teorías y estudios de grafólogos que analizan si la letra de la supuesta carta realmente fue escrita por el rockero.
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Diversos trabajos han tratado de explicar la visión que Kurt Cobain tenía de la música y la vida, por ejemplo, el libro “Serving the servant: Reflections on Kurt Cobain”, escrito por quien fuera mánager de Nirvana, Danny Goldberg; también se realizó el documental aprobado por la familia de Cobain “Kurt Cobain: montage of heck”, con la producción de Frances Bean Cobain, hija de Cobain; e incluso, en 2014, en París, se impulsó una exposición especial de las últimas fotografías realizadas a este ícono del rock.
Curiosidades
El 19 de noviembre de 1993, Nirvana grabó el icónico concierto acústico para “MTV Unplugged”, en los estudios Sony, en Nueva York; y aunque este formato causó controversia en aquellos fans que tildaron de “vendidos” a los rockeros por aceptar el formato, al ser televisado semanas después reforzó la popularidad de Nirvana.
El suéter gris-verde olivo (cárdigan) que Kurt Cobain vistió en el “MTV Unplugged” fue subastado por 334 mil dólares, considerado como una de las prendas “más costosas” de la historia tras una inaudita puja en el Hard Rock Café de Nueva York, por la firma Julien’s Auctions. Aunque la identidad del comprador nunca se dio a conocer, este hecho forzó el legado que mantiene el cantautor.
El estudio de la variabilidad de la frecuencia cardíaca puede proporcionar información importante sobre la maduración del sistema nervioso autónomo de los fetos, ya que una mayor variabilidad suele indicar un desarrollo saludable. En este sentido, según un estudio de investigadores mexicanos, la música clásica puede calmar la frecuencia cardíaca fetal, lo que potencialmente aporta beneficios para su desarrollo.
Los responsables de esta investigación fueron los investigadores la Universidad Autónoma del Estado de México, la Universidad Autónoma Metropolitana, el Hospital General Nicolás San Juan y el Instituto Nacional de Cardiología Ignacio Chávez, quienes estudiaron el efecto de la música en el latido cardíaco fetal.
En el estudio publicado en Chaos, participaron 36 embarazadas a las que se hizo escuchar dos composiciones de música clásica: ‘El cisne’, del francés Camille Saint-Saëns, y ‘Arpa de Oro’, del mexicano Abundio Martínez.
Los resultados revelaron que, en general, “la exposición a la música daba lugar a patrones de frecuencia cardíaca fetal más estables y predecibles”, según Claudia Lerma, una de las firmantes.
Además, los cambios en la dinámica de la frecuencia cardíaca fetal se producen instantáneamente en fluctuaciones a corto plazo, por lo que los padres podrían plantearse exponer a sus fetos a música tranquila, en palabras de Alonso Abarca-Castro, otro de los firmantes.
El equipo también estudió las diferencias entre las dos piezas clásicas y aunque ambas eran eficaces, vieron que la melodía de la guitarra mexicana tenía un efecto mayor: ‘Arpa de oro’ parecía tener un impacto más fuerte en algunas medidas, indicando que producía patrones de frecuencia cardíaca que eran más predecibles y regulares”, explicó Abarca-Castro.
El investigador consideró que factores como las características rítmicas, la estructura melódica o la familiaridad cultural pueden estar relacionados con esta diferenciación.
Los investigadores sugieren que la música clásica podría ayudar a promover el desarrollo fetal, por lo que el equipo tiene previsto seguir estudiando este efecto con distintos géneros y tipos de música y una muestra mayor de personas.
¿Qué podemos esperar en el show de Kendrick Lamar en el Medio Tiempo del Super Bowl 2025? Acá les damos 5 predicciones al respecto.
El próximo 9 de febrero será la final del Super Bowl y Kendrick Lamar será el encargado del show de Medio Tiempo2025. Una noticia que ha hecho eco desde que se anunció a finales de 2024 y que tiene las expectativas de los fans por los cielos.
Kendrick Lamar será el encargado del show de Medio Tiempo del Super Bowl 2025. Foto: Apple Music
Kendrick Lamar será el encargado del show de Medio Tiempo en el Super Bowl 2025
No es raro considerando que el rapero de Compton, quien recientemente sumó 5 premios Grammy a su curriculum musical, hará historia como el primer cantante de hip hop en ser el artista estelar en un show de Medio Tiempo del Super Bowl este 2025.
Del show no se sabe mucho y K-dot apenas ha dado algunas pistas con los teasers que ha compartido. Por ejemplo, gracias a ellos sabemos que Kendrick Lamar tendrá como invitada especial a SZA, amiga y una de sus colaboradoras frecuentes.
Foto: Apple Music
Y acá enlistamos 5 predicciones de lo que podríamos ver en su show
Eso sí, los fans sabemos que si una frase que define a Kendrick Lamar es la de “El diablo está en los detalles”, pues el rapero es experto en mandar mensajes crípticos en elementos que pueden pasar desapercibidos o a los que uno debe ponerles mucha atención.
Tomando esto en cuenta, hay cosas que esperamos que Kendrick Lamar haga durante el show de Medio tiempo del Super Bowl 2025 y nosotros por acá armamos 5 predicciones de lo que podríamos ver por parte del rapero de Compton ese día:
¿Será que veremos a Kendrick Lamar dando un posicionamiento político ahora que se dice, Trump asistirá al Super Bowl este 2025? ¿Qué canciones escucharemos del rapero californiano? ¡No podemos esperar a ver lo que Kendrick tiene preparado!
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Redactora de música, entretenimiento y noticias. Llevo siete años en medios de comunicación y he tenido la oportunidad de conocer, entrevistar y escuchar en vivo a mis artistas favoritas.
More by Stephania Carmona
Ezra Collective es una de las bandas británicas más rifadas de la actualidad, y acá les contamos por qué deben echarle oí a este grupo.
En estos tiempos, hay muchos que siguen pensando que el jazz es aburrido e incluso pretencioso. Sin embargo, en la actualidad tenemos bandas que nos demuestran lo contrario, que este género puede ser divertido y entretenido. Tal es el caso de Ezra Collective, quienes seguro te harán cambiar tu perspectiva de este tipo de música.
Aunque llevan unos cuantos años haciendo un montón de ruido, este grupazo lleva un buen rato innovando y haciendo cosas bastante interesantes dentro de la escena musical del Reino Unido, llevándose premios importantes y el reconocimiento no solo del público y la prensa, también de varios colegas músicos. Y si no los conocen, acá les contamos quiénes son y por qué deben escucharlos.
Ezra Collective es una de las bandas más emocionantes que hay en la actualidad en el Reino Unido/Foto vía Facebook de la banda
¿Quiénes son Ezra Collective?
La historia de Ezra Collective inicia en 2012, con Femi Koleoso como baterista y líder (quien también ha tocado con Gorillaz en sus últimas giras), su hermano TJ Koleoso en el bajo, Joe Armon-Jones en los teclados, James Mollison en el saxofón y Ife Ogunjobi en la trompeta. Todos se juntaron en la banda de Tomorrow’s Warriors, una iniciativa de educación musical en el South Bank Centre de Londres que busca que los jóvenes se acerquen al jazz.
Desde sus inicios, el grupo llamó fuertemente la atención, pues su propuesta fusiona el jazz con otros géneros también influenciados por la música africana, como el propio afrobeat, reggae, hip-hop, grime y R&B. Sin embargo, fue hasta 2016 con el lanzamiento de su EP debut, Chapter 7, que cambiaron de nombre al que les conocemos ahora y que se empezaron a ganar la atención de la prensa especializada.
Tan solo un año después, Ezra Collective estrenó otro EP, Juan Pablo: The Philosopher, con el cual se hicieron de un nombre y reputación como músicos. Con el crecimiento y renacimiento de la escena del jazz en Londres, junto con artistas como Kamaal Williams, Sons of Kemet y Comet Is Coming, el grupo se convirtió en un tema de moda en la capital británica, tanto así que sus shows en la ciudad y otras partes del país eran sold out.
El álbum debut del grupo los lanzó al estrellato
En 2018, la banda ganó premios como Mejor acto de jazz del Reino Unido y Experiencia en vivo del año en los premios Jazz FM. Con estos carteles encima, la banda empezó a grabar su álbum debut hasta que finalmente, en 2019 sacaron You Can’t Steal My Joy un disco en el que le dieron nueva vida a la escena del jazz, con una mezcla alucinantes de influencias musicales y en el que colaboraron con artistas como Loyle Carner, Jorja Smith y Kokoroko.
Su primer material discográfico los convirtió en abanderados del movimiento nu-jazz del Reino Unido, aunque el disco también se hizo popular entre las escenas del funk, el R&B e incluso algunos DJ’s de EDM lo tomaron para hacer remixes. Gracias a este álbum, así como a la enorme promoción que le dieron en la radio británica, Ezra Collective armó una gira por su país y algunos lugares europeos.
Para 2020 y luego de que cada uno de los integrantes trabajaron con otros músicos así como en sus proyectos personales, el grupo regresó con la rola “Quest for Coin II”, donde colaboran con el MC JME y el productor Swindle (la cual se ganó el premio a “la canción más popular del año” de la DJ de BBC Radio 1, Annie Mac).
Al siguiente año, la banda volvió a salir de gira, presentándose en los festivales más importantes de jazz en Europa e incluso regresaron a tocar en clubes como en sus inicios, aunque debido a su popularidad, ahora se trataban de bares mucho más grandes. Sin embargo, durante ese tiempo también empezaron a componer lo que se convertiría en su siguiente álbum de estudio.
Ezra Collective se consolidó con ‘Where I’m Meant to Be’
Finalmente, en 2022, Ezra Collective estrenó Where I’m Meant to Be, su segundo material discográfico. En este álbum, el grupo armó 14 rolas donde combinaron a la perfección el afrobeat, jazz, funk y hip-hop; además que como lo mencionábamos antes, contaron con la participación de invitados especiales como Kojey Radical, Emeli Sande, la cantautora Nao y la rapera Sampa the Great.
El disco debutó en la cima de la lista de álbumes de jazz y blues del Reino Unido de Official Charts Company, ocupó el puesto 24 en la lista de álbumes del Reino Unido e incluso los llevó a grabar una sesión para Tiny Desk Concerts. Por si esto no fuera suficiente, el álbum pasó seis semanas no consecutivas en el número uno de las listas de jazz. Así que como verán, con su segundo trabajo, el grupo la rompió por completo.
Además de la música, también llamó la atención la portada de Where I’m Meant to Be (inspirada en la de Underground de Thelonious Monk), pues es una fotografía de la banda en un estudio en el sur de Londres y en el que podemos verlos rodeados de elementos, instrumentos musicales y cosas que los inspiran (como una bandera kazaja –que representa una ocasión en la que dieron un show en el país– y un disco de Fela Kuti).
En general, la prensa y medios musicales británicos calificaron el segundo disco de Ezra Collective como una verdadera joya, pues el grupo nos lleva por un viaje con un ritmo acelerado que nos invita a simplemente bailar, festejar y disfrutar de la vida a través de su música. Sin duda, es uno de esos álbumes que te levantan el ánimo simplemente dándole play.
Y gracias a ese disco se llevaron el Mercury Prize en 2023
Por si esto no fuera suficiente, con Where I’m Meant to Be, Ezra Collective dio el paso a las grandes ligas ganando el Mercury Prize en 2023 (el cual reconoce al mejor disco del Reino Unido de cada año). La victoria de la banda fue una sorpresa, porque le ganaron a nombres como Arctic Monkeys, Jessie Ware o Fred Again…
Sin embargo, ese año los expertos decidieron darle el Mercury a este quinteto que hizo historia, pues se trata del primer material discográfico de jazz que se lleva a casa el galardón de la música británica… así como lo leen.
Los integrantes de Ezra Collective con el Mercury Prize 2023/Foto: Getty Images
“En este momento no es sólo un resultado para Ezra Collective, no es sólo un resultado para el jazz británico, sino que es un momento especial para todas y cada una de las organizaciones de todo el país que dedican sus esfuerzos y su tiempo a que los jóvenes toquen música”.
Los éxitos siguieron llegando para la banda, pues en 2024 nos volvieron a volar la cabeza con su siguiente material discográfico, Dance, No One’s Watching. En este álbum –el cual está dedicado por completo al baile–, el quinteto volvió a colaborar con artistas importantes, como Yazmin Lacey, Olivia Dean, Moonchild Sanelly y M.anifest).
Con decirles que el mismísimo Barack Obama eligió la rola “God Gave Me Feet for Dancing” de Ezra Collective para su lista de 25 canciones favoritas de 2024. Y sin duda, el futuro pinta increíble para esta bandota, pues fueron subcampeones de la encuesta Sounds of 2025 de la BBC y por si esto no fuera suficiente, están nominados para los Brit Awards en categorías como Mejor Nuevo Artista y Mejor Acto de Rock o Alternativo.
Si son fans del jazz fusionado con otros ritmos, deben escuchar a Ezra Collective
Sabemos que siguen existiendo muchos puristas del jazz, que no les gusta que lo mezclen con otros ritmos porque es sacrilegio. Sin embargo, grupos como Ezra Collective nos demuestran que siempre se puede llevar este género a otro nivel y sobre todo, que precisamente es gracias al jazz que pueden surgir combinaciones alucinantes que lo reinventen y llegue a nuevas generaciones.
Aunque más allá de juntar el jazz con el reggae, afrobeat, calypso, R&B, hip-hop y grime, quizá el mayor mérito que tiene este grupazo es popularizar de nuevo estos sonidos en el Reino Unido. Sobre todo después del Brexit y las repercusiones sociales que tuvo esta decisión, dejando una imagen negativa de los inmigrantes y la población afrodescendiente británica, cuando lo único que han hecho es complementar su cultura.
Si a ustedes les late escuchar a músicos virtuosos tocando con pasión, emoción y energía, pero también divirtiéndose y pasándola bomba, de plano no se van a arrepentir de darle una oportunidad a las rolas y discos de Ezra Collective, porque estamos seguros que les van a volar la cabeza con su propuesta y con la buena vibra que traen.
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