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10 de los mejores discos que han salido en 2020 para escuchar en casa

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Puede que en estos momentos estés buscando la mejor manera de matar el tiempo después de hacer home office o de plano pasar todo el día encerrado sin hacer nada. Quizá ya te echaste todas y cada una de las series o películas que tenías en tu lista de pendientes, o de plano ya buscaste la manera de aprender algo nuevo en internet, pero siempre podemos recurrir a la vieja confiable para pasarla bien en situaciones como esta en la que es mejor quedarnos en casa, escuchar un par de discos.

La música cura el alma, nos hace cantar, bailar y distraernos en situaciones como esta en la que estamos saturados con tanta información y noticias casi tirándole a un escenario apocalíptico. Y qué mejor que poniéndonos al corriente con aquellos discos que guardamos en Spotify (o en su plataforma de confianza, no se nos pongan celosos) y que nada más no hemos escuchado porque ponemos las mismas 10 rolas de siempre, jiar jiar, cuando hay un montón de músicos y artistas haciendo cosas increíbles.

Es por eso que decidimos armarles una lista con algunos de los álbumes que nos han volado la cabeza, que van desde el rock, hip-hop o pop hasta otros que te harán sacar tus mejores pasos de baile. Así que ve por tus audífonos de confianza, desconéctate un ratito de las redes sociales, ponte cómodo y dale play a 10 de los mejores discos que han salido en lo que va de este año:

Ozzy Osbourne – Ordinary Man 

Después de arrancar el año de una manera extraña –pues hubo por ahí uno que otro ya lo daba por muerto–, además de declararle al mundo que sufría de la enfermedad de Parkinson, el Prínicipe de las Tinieblas volvió para demostrarnos que está más vivo que nunca con Ordinary Man. Este quizá sea uno de los discos más íntimos en la carrera de Ozzy Osbourne y el primero en casi una década, en él la leyenda del metal no pretende nada más que crear música junto a un montón de invitados como Duff McKagan de Guns N’ Roses y Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers.

Por si esto fuera poco, también cuenta con colaboraciones con otros artistas importantes como el gran Elton John en la rola que le da nombre al álbum o el rapero Post Malone en “It’s A Raid”. Más allá de tener a grandes músicos, este disco parece ser una declaración poderosa de Ozzy, recordarle a todos nosotros qué es lo que pasará cuando él de plano ya no esté entre nosotros. 

Mac Miller – Circles

Parece increíble, pero en realidad ha pasado casi año y medio desde que Malcolm James McCormick –mejor conocido por todos como Mac Miller– falleció. Sin embargo, el rapero tenía un enorme genio creativo y nos dejó todo un disco a medias, pues se encontraba trabajando en él antes de su muerte. Afortunadamente para nosotros, algunos amigos y productores como Jon Brion (quien ha estado detrás de discos para artistas como Kanye West, Keane, Dido y Fiona Apple) le dieron las pinceladas que necesitaba para mostrárselo al mundo y el resultado fue Circles. 

En él, el rapero vuelve a hablar de algunas cosas que siempre lo atormentaron, como la depresión y temas personales mezclados con bases ricas en sonidos, que van desde el soul, R&B y por supuesto, hip-jop. Sin duda Circles es un último testamento de Mac Miller, una muestra de que más allá de ser un gran compositor, dentro de su cabeza habían un mundo de posibilidades a la hora de crear música. Siempre nos preguntaremos qué habría sido si no hubiera muerto.

Halsey – Manic

Otro de los regresos más esperados dentro del pop mundial. Después de cuatro años sin estrenar música nueva, la cantante y productora Halsey volvió con uno de los discos más ambiciosos de toda su carrera, Manic. No lo decimos a la ligera, pues después de colaborar con un montón de artistas en los últimos años, ha aprendido que la música no se puede encasillar en un solo género, al menos esa no es una regla para ella, pues se atreve a ir y venir dentro de un enorme mar de sonidos, algo muy arriesgado dentro de la industria musical actual.

Y es que prácticamente en Manic hay de todo, empezando desde el pop más fino lleno de beats interesantes como en “Ashley”, pasando por el rock que se hace presente en “3 am“,  baladas un poco más country como lo muestra en “You Should Be Sad“ o canciones casi acústicas que te llegan directito al alma como “clementine”. Parte de ese aprendizaje y de desenvolverse en un montón de estilos fue trabajar con músicos de todo tipo y en este álbum lo demuestra, pues cuenta con colaboraciones bastante interesantes de Alanis Morissette y hasta BTS. Si quieres escuchar un disco completo, esta es la opción.

Tame Impala – The Slow Rush

Kevin Parker es uno de nuestros consentidos, y la verdad es que cuando anunció que se venía el cuarto disco de estudio de Tame Impala nos emocionamos, sobre todo por el enorme reconocimiento y éxito que tuvo con el último álbum de la banda, Currents, donde ya dejaba ver el camino que tomaría su proyecto más exitoso, lleno de sintetizadores y de atmósferas mucho más amigables para todos los que lo escucharán. 

Después de trabajar junto a músicos como Mark Ronson, Lady Gaga hasta Theophilus London o Travis Scott, Kevin retoma a Tame Impala en un momento creativo bastante interesante, donde el artista se centra más en las melodías de cada canción más allá de intentar crear capas y capas de sonido densas. Puede que The Slow Rush se aleje del sonido que hizo famoso a esta banda, como en Innerspeaker o Lonerism, sin embargo demuestra que como todo en esta vida se encuentra en constante cambio, y en este caso es uno que venía anunciando desde hace mucho tiempo. Sin duda este es uno de esos discos que disfrutarás de principio a fin.

Grimes – Miss_Anthrop0cene

Hablar de Claire Boucher (o para los cuates Grimes) es meterse con una verdadera artistas en la extensión de la palabra. Pues además de ser muy talentosa a la hora de sentarse a componer o entrar a un estudio de grabación, detrás de ella ha creado a un personaje fascinante que nos da ganas de conocer a fondo. Este 2020 nos presentó Miss_Anthrop0cene, un disco con el que se aleja de su alter ego y se transforma en WarNymph, todo esto con el fin de poder desatarse de la presión que tiene contando con un nombre conocido dentro de la industrial musical. 

Aquí, la artista nos demuestra lo multifacética que puede llegar a ser, pues en tan solo una canción pasa de una balada acústica como lo es “Delete Forever” a un ritmo bailable y denso en “Violence”. Más allá de ser un excelente conjunto de canciones pop, en este disco Grimes (ya no sabemos si llamarla así o WarNymph) se libera de sí misma y nos entrega desde su punto de vista un fiel testimonio de lo que es ser una mujer en este momento preciso de la historia. 

Bombay Bicycle Club – Everything Else Has Gone Wrong

Cuando pensamos que Bombay Bicycle Club ya andaba en otras cosas, pues se tardaron seis años en lanzar rolas nuevas, el cuarteto de Londres nos sorprendió porque regresaron por la puerta grande con su quinto disco de estudio, Everything Else Has Gone WrongDetrás de este álbum hay un montón de trabajo e historias que quizá solo los fans mas true conocen, como que lo comenzaron a grabar en 2017, pero en medio de esta y gracias a que cada uno andaba haciendo otras cosas más allá de componer música, vendieron sus instrumentos, pues no tenían planes de seguir tocando juntos. 

Afortunadamente cambiaron de opinión y decidieron terminar este disco, el cual muestra una evolución enorme en Bombay Bicycle Club. Y no lo decimos a la ligera, pues además de contar con músicos invitados como el fallecido Charles Bradley o el grupo de hip hop, De La Soul, gracias a rolas como “Eat, Sleep, Wake (Nothing But You)”, “I Worry Bout You”, “Good Day”, “I Can Hardly Speak” nos damos cuenta de este cambio, donde dejan su zona de confort para explorar sonidos que pasan por el tradicional rock alternativo hasta ligeros toques de jazz mezclado con sintetizadores. Quedó muy claro que ya no son adolescentes rockeros que conocimos a mediados de los 2000.

Soccer Mommy – Color Theory

Dentro del terreno de los ‘artistas emergentes’, tenemos una mujer que sin duda la está rompiendo desde hace un buen rato. Sophie Allison, mejor conocida por el pseudónimo de Soccer Mommy, ha estado involucrada en la música desde temprana edad. Con tan solo 22 años y siendo relativamente joven, ha tenido chance de salir de gira junto a bandas bastante conocidas como Paramore, Foster The People, Kacey Musgraves o Slowdive. 

Con toda esa experiencia, la compositora estrenó este año su segundo álbum llamado Color Theory, en el cual termina de pulir ese sonido pop y rock que tanto la caracteriza y que mezcla con letras con las cuales es muy fácil identificarse. Este es uno de esos discos que simplemente debes darle play y escucharlo de principio a fin. Guárdense bien el nombre de Soccer Mommy, porque estamos seguros que en un futuro no muy lejano la veremos tocar en los festivales más importantes del mundo y hasta de México. Tomen nota.

Pet Shop Boys – Hotspot

Ahora sí, llegó la hora de mover el esqueleto, y no hay mejor manera de hacerlo que con unos maestros para esto, los Pet Shop Boys. Si bien tiene relativamente poco desde que los vimos en vivo en nuestro país y aunque amamos cantar las rolas clásicas de su repertorio, ya necesitábamos escuchar música nueva de Neil Tennant y Chris Lowe. Su respuesta fue Hotspot, un conjunto de rolas que te pueden poner en cualquier mood, ya sea que quieras ser la estrella en cualquier pista de baile o de plano algo más tranquilo en la intimidad de tu cuarto.

Si bien no es un disco que vaya a cambiar por completo la carrera de los Pet Shop Boys, a estas alturas el duo inglés ya no tiene que demostrarle absolutamente nada a nadie y con Hotspot logran dejar muy claro el legado que han marcado en la música electrónica desde hace casi cuatro décadas. Si lo que quieres es hacer un mini rave con toda la buena onda en tu casa, este es el álbum que andabas buscando.

Bad Bunny – YHLQMDLG

Sí, sabemos que en este momento podría salir el tío que va por la vida diciendo “el rock es cultura” que hay dentro de ustedes, pero acá les contamos por qué consideramos al nuevo disco de Bad Bunny en este listado. No podemos negarlo, el género urbano (que comprende al reggaetón y el trap) es todo un fenómeno a nivel mundial, sino nos creen chequen las listas de popularidad de los conteos más importantes dentro de la música así como de las plataformas de streaming que todo el mundo usa. Por si esto no fuera suficiente para ponerle atención, medios como Consequence of Sound le han dedicado reseñas a su último disco.

En YHLQMDLG (abreviación de “Yo hago lo que me da la gana”), Benito Ocasio hace precisamente eso, lo que él quiere. Para empezar hizo un álbum de 20 canciones, que fácilmente pudieron ser dos discos, pero más allá de eso nos queda claro puede ir de un trap amigable y con cierto grado de timidez como en “Si Veo A Tu Mamá”, pasando por un peculiar R&B en “Pero Ya No” hasta rolas de reggaetón de esas que pueden prender una fiesta como “La Santa” o “Safaera”, todo en un solo material. Si algo es digno de reconocer es que en un terreno tan complicado como lo es la música, Bad Bunny presenta sus canciones en español, las cuales van de un género a otro, explorando nuevos ritmos y sonidos. 

Caribou – Suddenly

Por último pero no menos importante tenemos otro de esos discos con tintes electrónicos que esperábamos. Caribou siempre ha sido un nerd de la música y lo demuestra con Suddenly, pues además de cajas de ritmo, dentro de él hay una gama de sintetizadores que cualquiera desearía tener en su colección. Pero más allá de ser un deleite para los melómanos, Daniel Snaith es un experto a la hora jugar con todas las posibilidades que tiene cuando crea canciones, las cuales están llenas de emociones. 

En estas 12 canciones, Caribou toca temas sumamente humanos, que van desde una simple conversación entre hermanos hasta cosas un poco más complejas como las imperfecciones de la vida y cómo estas inevitablemente tienen que pasar en la rutina diaria sin que nosotros podamos hacer algo al respecto. Suddenly es uno de esos discos que podríamos catalogar como finos, pues cada cosa está en su punto, y el músico no necesita más que su talento para componer un álbum personal que te hará bailar y dejarte llevar por 43 minutos de corrido. 

La entrada 10 de los mejores discos que han salido en 2020 para escuchar en casa se publicó primero en Sopitas.com.

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Eurovisión 2026: Bulgaria da la sorpresa y gana el festival por primera vez con “Bangaranga”

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Bulgaria ha dado la sorpresa este sábado al ganar por primera vez el Festival de Eurovisión con “Bangaranga”, una festiva canción interpretada por la cantante DARA y con la que el país ha regresado a un certamen en el que llevaba tres años ausente por problemas económicos, en una edición marcada por la polémica presencia de Israel, que quedó segundo.

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El voto del público confirmó el veredicto que los jurados profesionales habían emitido, colocando al país en primera posición y elevó su puntuación total a 516.

Israel, por contra, vio cómo el octavo puesto inicial dado por los jurados se convirtió en una segunda posición con 343 puntos gracias al masivo apoyo del voto del público, en una repetición de lo sucedido el año pasado.

DARA, la ganadora del certamen, definió minutos antes de anunciarse el resultado que el título de su canción, ‘Bangaranga“significa el momento en que decides vivir tu amor y no tu miedo”.

 
 
 
 

¿Por qué la participación de Israel en Eurovisión 2026 fue tan controvertida?

La 70 edición de Eurovisión, celebrada en Viena, ha estado marcada por la polémica presencia de Israel y la ausencia en protesta de España, Países Bajos, Eslovenia, Irlanda e Islandia.

Esos países argumentaron su boicot en los ataques de Israel a la población civil en Gaza, que dejaron más de 70 mil muertos entre 2023 y 2025, en represalia a los atentados terroristas de Hamás en octubre de 2023.

 
 
 
 

Ha sido también polémico el sistema de votación, sobre todo después de que el diario The New York Times publicara una investigación que apunta a que una campaña del Gobierno israelí y el sistema que permitía a cada televidente votar hasta 20 veces inclinaron el resultado de forma que la representante israelí, Yuval Raphael, arrasó el año pasado en el televoto.

En esta edición se han permitido sólo diez votos por cada televidente.

¿Quién es DARA, la ganadora de Eurovisión 2026?

En lo puramente artístico, DARA es con 28 años una de las artistas pop más reconocidas de Bulgaria, y ha marcado la pauta de ese género de su país en los últimos años con su voz única, su imponente presencia escénica y su audaz fusión de géneros.

Se hizo famosa en 2015 al participar en el concurso de talentos ‘X Factor’.

Con todo, las casas de apuestas no tenían a Bulgaria en el ránking de favoritos, que lideraba Finlandia, que finalmente quedó sexto.

De hecho, la propia DARA resumió que el sentido de su canción es que sentirse en armonía con uno mismo es la clave para “ser lo que quieras ser y de que todo es posible”.

JM

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Paco Huidobro rompe el silencio sobre Jay de la Cueva: ‘Ya no podía ajustarme a sus tiempos’

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En medio de su estudio de ensayo, buscando desesperadamente una señal estable de internet, Paco Huidobro aparece en Zoom con un sombrero de palma y el username “La Cucaracha”. “Acá en el solazo, quema este sillón”, bromea entre risas antes de comenzar a hablar con EL INFORMADOR sobre el presente de Fobia y su presentación del 21 de mayo en el Auditorio Telmex. Celebran 40 años de carrera.

Lejos de la nostalgia fácil, Huidobro asegura que la banda atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. “Este show lo llevamos preparando desde septiembre. Imagínate cuánto tiempo le he invertido a sacar esto adelante. Está sonando mejor que nunca”, afirma.

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La agrupación tiene montadas alrededor de 35 canciones para esta nueva etapa, apoyándose en tecnología que antes parecía imposible para el grupo. “Ahora sí puedo hacer las cosas tal y como me las imaginaba. Tener las consolas automatizadas, los efectos sincronizados, todo conectado. Cada movimiento en una canción requiere que una computadora mande cambios al sintetizador, a la batería, a la consola. Es muy laborioso, pero me apasiona muchísimo”.

Fobia celebra 40 años de trayectoria y una de sus etapas musicales más sólidas

El músico compara esa complejidad actual con los años iniciales de la banda tocando en Rockotitlán (legendario foro de rock mexicano fundado originalmente en 1985) con equipo mínimo.

“Veo cuando empezábamos a tocar con seis canales y unas bocinitas chiquitas y luego escucho lo que estamos grabando ahorita en los ensayos… sí está mejor que nunca”.

Antes del concierto, Paco también piensa en Guadalajara como un espacio afectivo. Muchas amistades y rituales personales lo mantienen unido en la ciudad. “Siempre me gusta ir a comer, visitar amigos, ir a ver a Jis y a Trino. Tengo cita con ellos para ir a comer. Me encanta Guadalajara”.

La conversación inevitablemente lleva a la dinámica interna de Fobia, una banda históricamente marcada por pausas, diferencias y reconciliaciones. Paco no evade el tema y define al grupo como una “familia disfuncional”. “Todos venimos de familias disfuncionales e hicimos una familia más disfuncional que es un grupo de rock”.

Sin embargo, también reconoce que el paso del tiempo ha ayudado a entender los roles dentro de la banda.

“Es como todas las relaciones humanas. Uno lleva el timón, otro iza las velas, otro suelta el ancla. El problema es cuando unos quieren el lugar de los otros. Ya con los años vas entendiendo quién hace mejor cada cosa”.

Parte importante de esta nueva etapa es la incorporación del baterista Elohim Corona, a quien Paco no duda en calificar como el mejor músico con el que ha trabajado. “Estoy disfrutando muchísimo tocar con el mejor baterista que he visto en mi vida”. Huidobro destaca el entendimiento musical y humano que encontró con él. “Hay músicos que tocan increíble y le pegan a todo lo que se encuentran. Elohim no. Él está al servicio de la canción. Tiene una filosofía parecida a la mía”.

La admiración se extiende a detalles específicos de ejecución y sonido. “La afinación es brutal. La batería ya no tiene un solo sonido uniforme. Cada parte tiene personalidad. El resultado es brutal”. También explica que la convivencia durante los ensayos ha sido determinante para mantener el entusiasmo. “Los ensayos son muy amenos. Yo aprendo mucho de él y él aprende mucho de mí. Siempre que hay algo nuevo hay entusiasmo”.

Paco Huidobro explica por qué Jay de la Cueva no forma parte de la nueva etapa de Fobia

Uno de los temas inevitables alrededor de esta nueva alineación es la ausencia de Jay de la Cueva. Paco responde sin rodeos cuando se le pregunta por qué no forma parte de esta etapa. “Porque no me convenía, la verdad”. Tras una pausa, desarrolla la idea. “Yo ya no me puedo ajustar a los tiempos de alguien más. Si quiero hacer esto es ahora y de esta manera. Lo respeto mucho y viví cosas padrísimas con él, pero en este momento no podía adecuarme a sus tiempos”.

Aunque Fobia volvió a los escenarios, la posibilidad de grabar música nueva sigue siendo incierta. Paco reconoce que tiene canciones, pero admite que la lógica tradicional de la industria ya no le interesa. “Siempre tengo muchas canciones, pero entrar otra vez al ritmo de la industria… hagan un álbum, hagan promoción… híjoles, no”.

Para él, la experiencia de las disqueras terminó convirtiendo a los músicos en vendedores. “Uno empieza queriendo ser músico y la disquera te trata como vendedor de Avón”.

Recuerda con ironía las entrevistas promocionales de los primeros años. “Íbamos a hacer promoción y las preguntas eran: ‘¿Quién tiene más novias?’ Pura pregunta pendeja”. Huidobro asegura que hoy disfruta otros aspectos de la música. “A mí lo que me gusta es mi estudio, las máquinas y tocar. Cuando empezamos a improvisar algo en el ensayo, esos son los momentos que me prenden”. Y remata con una crítica frontal a los formatos promocionales tradicionales. “No quiero ir al programa de la mañana, luego al concurso donde cambian pañales y después toca el grupo. Qué horror”.

Paco Huidobro recuerda el disco “Leche” y reflexiona sobre la creatividad, el arte y la fama

La charla también deriva hacia “Leche”, tercer disco de la banda publicado en 1993 y que Paco considera uno de los momentos creativos más importantes de la banda, aunque reconoce que fue poco comprendido en su momento. “Con el tiempo te das cuenta de que no estabas adelantado a tu época, sino en el lugar atrasado”, exclama entre una risa burlona.

El álbum fue grabado en Nueva York, en el estudio Magic Shop, rodeados de una escena artística que terminó impregnando el sonido del disco. “Absorbimos muchísima cultura. Veíamos música brasileña, DJs, arte, cine, exposiciones. Todo eso se volvió parte del disco”.

Recuerda especialmente las experiencias fuera del estudio: festivales, galerías y encuentros con figuras del arte contemporáneo. “Me acuerdo mucho de ayudar a Antony Gormley a montar una exposición. Llegó un camión con 10 mil piezas de cerámica y ahí estaba él diciendo dónde poner cada cosa. Son momentos que se te quedan grabados”.

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También habla de cómo Nueva York transformó su forma de entender la música y el arte. “No ves al artista como alguien inalcanzable, sino como alguien trabajando contigo”.

Aunque “Leche” no alcanzó la recepción masiva de otros discos de Fobia, Paco parece reconciliado con ello. “Obviamente no iba a ser un disco muy comprendido”.

Y fiel a su estilo, termina dejando una frase que resume buena parte de su visión artística y personal.

“Yo no estoy hecho para que me comprendan, sino para que me amen”.

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Lady Gaga estrena “MAYHEM: Requiem” en Apple Music en Los Ángeles

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Lady Gaga avisó al inicio de su nueva era musical que la categoría era “bailar o morir” y después de elegir tantas veces la primera, era el momento de presenciar lo segundo para despedir su disco ‘MAYHEM’ a través de un concierto documental en el que simula un descenso a los infiernos.

La estrella estadounidense presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem’, una reinterpretación de su séptimo disco de estudio en solitario, cuyo adelanto ofreció de manera exclusiva en un encuentro íntimo el pasado 14 de enero en la sala Wiltern de Los Ángeles.

Si bien ‘MAYHEM’ supuso como el renacer de su etapa pop-dance más popular, en el que volvía a abrazar sus pensamientos intrusivos, esta reinvención pretende rendir un homenaje a esta era y prepararse para su acto final.

Bajo un tono sombrío, con parte del decorado de la gira que todavía sigue realizando por todo el mundo, la artista evocó un universo parecido al ‘Upside Down’ (El Mundo del Revés) de Stranger Things.

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El rito mortuorio en cada disco de Gaga

Vestida de luto y ocultando su rostro bajo un velo frente a un escenario de columnas destruidas, Gaga apareció en escena como la suma sacerdotisa para ofrecer un espectáculo inédito en forma de rito funerario.

Sin dejar atrás sus atuendos estrafalarios, pero alejada de sus coreografías frenéticas, Gaga versionó las canciones que componen ‘MAYHEM’ al son de ritmos experimentales que recordaban a grupos como Daft Punk.

Este nuevo ADN bebió de influencias del metal industrial, alejando el show de cualquier estructura convencional de concierto que acostumbra a seguir Gaga, con solo cinco músicos acompañándola sobre el escenario entre sintetizadores y un órgano de iglesia.

Gaga alternó instrumentos clásicos con efectos electrónicos para convertir el espacio en un templo dedicado a la introspección más profunda del dolor en temas como ‘Desease’ el aclamado ‘Abracadabra’.

Fotografía cedida por Apple Music que muestra a la estrella estadounidense Lady Gaga quien presenta para Apple Music Live 'MAYHEM: Requiem
Fotografía cedida por Apple Music que muestra a la estrella estadounidense Lady Gaga quien presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem”. EFE/Apple Music

A diferencia de sus giras mundiales, la puesta en escena que ofreció fue más estática, simulando una ópera profanada en la que solo los juegos de luces daban dinamismo a una Gaga que se movía en el espacio para tocar instrumentos, cantar y acompañar a los músicos.

En el tramo final de este íntimo concierto, el luto se transformó en un casco metálico futurista con la mezcla de la balada ‘Die With a Smile’ con un sonido de electrónica nocturna.

Con este nuevo proyecto, la estrella del pop-dance parece dar carpetazo a una guerra interna personal con la que ha estado viajando en el último año; un rito en el que sobrevivió a su propio desorden para poder navegar hacia otro horizonte.

Tras una reverencia final, Gaga desapareció entre las sombras del teatro bajo un mensaje de despedida: descanse en paz.

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