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“Creo que cada persona es el salvador de si mismo”: Una entrevista con Kamasi Washington
Por: Salvador Medina Preciado
Nacido en Los Ángeles en 1981 y criado en un hogar de músicos, desde pequeño desarrolló la habilidad que ya corría por su sangre. Es licenciado de la Academia de Música del Alexander Hamilton High School en Beverlywood, posee estudios en etnomusicología y actualmente es una de las principales figuras del jazz.
A través del jazz, Kamasi Washington nos lleva en un viaje de completa espiritualidad, sonidos que nos provocan sensaciones y emociones que por un momento nos dan esa tranquilidad que necesitamos y ese nudo en la garganta pero de satisfacción, esa dosis de serotonina que nos impulsa a seguir adelante.
Con una expresión luminosa y envuelto en una calidad humana que se percibe desde que lo ves, emanando creatividad desde su característico outfit, desde la sala de su camerino previo a su presentación en el Foro Bismarck de Guadalajara, tuvimos la oportunidad de platicar con él y descubrir que hay detrás de toda esa magia que sale de su saxofón; su trayectoria, sus aprendizajes y sobre todo las enseñanzas que con sus palabras nos compartió.
Y sí… después de haber triunfado en grandes escenarios como Glastonbury, Coachella, Fuji Rock o Primavera Sound, era momento de regresar a México en una mini gira que incluyó fechas especiales en el Plaza Condesa de la Ciudad de México y otra en la tierras tapatías. “Creo que el jazz está llegando a un lugar donde está llegando a nuevas personas, está encontrando un hogar en lugares donde antes no tenía un hogar, para mí es bueno, quiero decir que la música de jazz representa esta idea de libertad y estar en el momento, es música que llega a más personas, personas con esa noción de ser abiertos y libres”.
Un género con el cual convivió y creció desde temprana edad, gracias a su papá, un reconocido saxofonista que influyó de gran forma en su carrera. “Era grande, cuando era niño siempre tuve todos los instrumentos en la casa, la música siempre estaba presente, cualquier pregunta que tenía, tenía a alguien allí para ayudarme, a veces los padres no entienden lo que eso significa, pero mi padre lo entendió, así que incluso cuando era muy joven salía a tocar por la noche y no tenía toque de queda ni nada por el estilo. Yo iba a tocar en clubes y bares incluso cuando tenía 13-14 años, así que fue bueno para mí tener un padre que entendiera lo que estaba tratando de hacer“, nos dijo con total tono de agradecimiento hacía su padre y con una emoción bastante marcada en el rostro.
El jazz ha sido un género que ha sido maltratado a lo largo de los años, clasificado como un género relegado solo para cierto tipo de estrato social, sin embargo, ha sobrevivido por músicos como Kamasi Washington y ha logrado estar en esencia en algunos otros géneros, incluso como influencia o fuente de inspiración. “Absolutamente se ramifican del mismo árbol, crecí tocando toda esa música y detrás de escena, la realidad es que siempre estuvieron conectados, los músicos de jazz tocaban en las bandas de funk y los músicos de r&b tocaban en las bandas de jazz, por lo que siempre están conectados”.
Distinguido por haber colaborado a largo de su carrera con grandes figuras como Snoop Dog, Ibeyi, Thundercat, Flying Lotus, Kendrick Lamar, él mismo se cuestiona y recuerda estos épicos momentos. “Es eso, es compartir y comprender, porque todos hacen música de una manera diferente, la forma en que Flying Lotus hace música es un poco diferente de cómo snoop o yo hacemos música, y así, todos con los que he tocado o hecho música y he visto la forma en que hacen música, me hace mejor, a mi manera, mi parte favorita es la parte del aprendizaje, aprender de otras personas”.
Desde ‘The Epic’, su primer trabajo discográfico, hasta ‘Heaven and Earth’, su último álbum, Kamasi nos explica lo que ha experimentado en ese trayecto y la diferencia que existe entre uno y otro, una evolución constante que lo han hecho crecer como músico, compositor y productor. “Cuando estaba haciendo ‘The Epic’ tocaba con muchas personas diferentes al mismo tiempo (Harvey Mason, Stanley Clarke, Gerald Wilson) y los músicos con los que estaba tocando en la agrupación también tocaban con diferentes artistas, así que era un momento en el que nos estábamos alcanzando el uno al otro, cuando llegamos a ‘Heaven and Earth’ estábamos muy unidos, porque estábamos de gira juntos y era algo diferente porque ‘The Epic’ era como alcanzar el uno al otro y ‘Heaven and Earth’ era como aferrarse el uno al otro”.
Pareciera que todo este camino habría sido difícil, sin embargo, de forma contundente nos comparte que a medida de que avanzas en la vida y las cosas cambian, tienes que seguir avanzando, nada es estático… esa es la parte más difícil, entender que en la vida siempre vas a experimentar cambios y ese ajuste temporal es la parte de las cosas más difíciles de aceptar, pero en realidad una vez que se logra hacer el ajuste en uno mismo, podría no ser tan difícil.
Kamasi Washington ha sido denominado como el salvador del jazz, y respecto a esto el nos dice: “creo que cada persona es el salvador de sí mismo, de su propia música, lo que estoy haciendo es llegar a las personas, pero al final cada uno tiene que tener su propio viaje, no me veo como un salvador, solo me veo como una buena herramienta para la música, un buen componente para el esquema general y creo que todos son una pieza de un rompecabezas. Creo que soy una buena pieza del rompecabezas, pero ninguna pieza puede salvar todo el rompecabezas”.
La música en general ha sido uno de los principales motores de inspiración para la humanidad, así también las personas que a través de ella nos aportan nuevas ideas, sensaciones y emociones, pero… ¿qué percepción tendrá de ella uno de los exponentes de un género tan difícil y ambicioso como el jazz? “Creo que la música nos conecta, inspirarnos por alguien es tener una conexión con ellos, creo que la música es una herramienta realmente fuerte para compartir los pensamientos y las experiencias que tienes, mientras compartes tu música, compartes tus experiencias, me encanta escuchar la música de otras personas porque sentí que entendí una parte de quienes son”.
Kamasi Washington tiene siempre muy claras sus ideas, y deja fluir con libertad los mensajes que se transmiten a través de su música. Vaya que nos hacen falta más músicos como él…
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Spotify ofrecerá nuevo plan de suscripción con nuevos beneficios
Spotify ofrecerá un nuevo plan de suscripción para los usuarios. Se trata de un nuevo plan premium para “superfans” que incluirá funciones adicionales para los suscriptores, según señaló Daniel Ek, director ejecutivo de la plataforma.
Este nuevo nivel llega después de que Spotify y Warner Music Group (WMG) firmaran un acuerdo plurianual que busca ofrecerle nuevas experiencias a los usuarios fanáticos de los artistas pertenecientes a esta compañía.
“El nuevo acuerdo ayudará a ofrecer nuevas experiencias a los fanáticos, un catálogo de música y videos más profundo, más niveles de suscripción paga y paquetes de contenido diferenciados“, señalaron ambas empresas en un comunicado.
¿Qué ofrecerá el nuevo plan de suscripción de Spotify y cuánto costará?
Por el momento ninguna de las dos compañías han brindado detalles sobre qué beneficios tendrá el nuevo plan de suscripción. Sin embargo, consideran que tendría un alto nivel de fidelidad con los usuarios.
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De acuerdo con Ek, esta nueva suscripción de Spotify será más atractiva para los fanáticos y además beneficiara a artistas y compositores por igual.
“Este importante acuerdo ofrece nuevos beneficios para los artistas, compositores y fans, al tiempo que posibilita una mayor colaboración que expande el ecosistema musical“, reafirmó Robert Kyncl, director ejecutivo de WMG.
Las compañías, tampoco señalaron cuánto costará el nuevo nivel de suscripción premium y si este llegará a todos los países en donde tiene presencia a Spotify o será en territorios seleccionados.
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La creación de un nuevo plan de suscripción llega en el primer año de rentabilidad para Spotify, después de 17 años de su creación. Su beneficio operativo para el trimestre alcanzó un récord de 509,48 millones de dólares lo que contribuyó a un beneficio operativo total de 1.495 millones de dólares para el año fiscal 2024.
Con información de SUN
MBV
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Inteligencia artificial: ¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?
Luego de anunciar su regreso a la música con el próximo lanzamiento de su nuevo álbum, Lady Gaga vuelve a causar sensación entre los amantes de la música, especialmente sus fans, los “little monsters”.
Hace unos días la “Mother Monster” reveló que su nuevo álbum, Mayhem, saldrá a la luz el próximo 7 de marzo. Al día de hoy, la cantante ha publicado dos sencillos, “Disease” y “Abracadabra”, que nos muestran una probada de lo que será su siguiente disco. Lo que más destaca de estas dos canciones, es que tienen un sonido y estética muy parecidos a la música de sus inicios, con álbumes como The Fame Monster o Born This Way, causando curiosidad y emoción por el público.
En este sentido, se le pidió a la inteligencia artificial de ChatGPT que determinara cuál es la mejor canción de Lady Gaga, siendo esta una tarea complicada, ya que su catálogo musical es amplio y diverso, y cada canción resuena de manera distinta según los gustos, emociones y contextos personales de quienes la escuchan.
¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?
Según la IA, “Bad Romance” podría considerarse como una de las mejores canciones de su carrera. Lanzada en 2009 como parte de su álbum The Fame Monster, esta canción es una obra maestra pop, que encapsula los elementos distintivos que hacen a Lady Gaga una artista excepcional.
La canción combina una producción innovadora, una melodía pegadiza y una interpretación vocal poderosa, mostrando la capacidad de Gaga para fusionar estilos musicales electrónicos con letras emocionalmente resonantes.
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“Bad Romance” se destaca no solo por su éxito comercial, alcanzando el primer puesto en numerosos países y ganando varios premios, sino también por su impacto cultural. La canción se convirtió en un himno de la década de 2010, consolidando a Lady Gaga como una figura central en la industria musical.
Por otro lado, el video musical, con su estética futurista y coreografía icónica, redefinió los estándares de la creatividad visual en la música pop.
Desde una perspectiva lírica, “Bad Romance” aborda temas universales como el amor obsesivo y la vulnerabilidad emocional, lo que permite que los oyentes se identifiquen con la narrativa de desear una relación imperfecta pero apasionada.
Este nivel de sinceridad y complejidad emocional es un rasgo distintivo en la música de la “Mother Monster”, quien ha sabido conectar con su público al exponer sus propias luchas y sentimientos.
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En conclusión, “Bad Romance” es una canción que captura la esencia de Lady Gaga como artista: audaz, emocionalmente honesta y visionaria. Aunque su discografía incluye muchas otras joyas, esta canción destaca como un ejemplo emblemático de su capacidad para trascender los límites del pop convencional, y crear arte que permanece en la memoria colectiva.
Sin duda, tanto sus fans como el público en general, están atentos al nuevo material discográfico que Gaga está por revelar.
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5 power trios de mujeres en la música
Lo que necesitas saber:
Los power trios son una de las configuraciones más populares para las bandas de rock. Te traemos 5 power trios de mujeres a lo largo de la historia de la música.
Un power trio en el rock es una formación musical compuesta por tres instrumentos: guitarra eléctrica, bajo eléctrico y batería. A pesar de lo simple que parece, ha sido fundamental en la historia del rock, como punto de arranque de algunas de las bandas más influyentes y creativas.
Aunque no está del todo definido y hay puntos de vista contradictorios, sus orígenes se remontan a Cream, la bandota compuesta por Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce. La banda londinense marcaría desde 1966 un hito para el resto de la historia de la música, ya que muchas bandas han seguido su configuración.
Cream pelea haber sido el primer power trio con The Jimi Hendrix Experience, que contaba con Jimi, Mith Mitchel y Noel Redding. La banda se formó en el mismo año que Cream, así que en ese entonces el mundo podía apreciar a estas dos bandotas.
Ahora, décadas después de su origen, los power trios tienen bastante variedad, y ahora analizaremos como es que el girl power ha dominado este tipo de formación de banda, con algunos matices. Te dejamos 5 bandas de puras mujeres esenciales para entender los power trios.
Sleater-Kinney: del riot grrrl a ser las heroínas del underground
Este power trio de culto es una muestra del poder que tiene la configuración clásica de este tipo de bandas. El grupo comenzó como parte del movimiento riot grrrl y rápidamente se convirtió en una parte clave de la escena del indie rock estadounidense.
La banda es conocida por sus posicionamientos feministas y de tendencia izquierdista La banda hizo una pausa en 2006 y se reunieron en 2014, aunque Janet Weiss dejó la banda en 2019. Sleater-Kinney ha sido citado como una influencia importante por muchos artistas, incluyendo a Bikini Kill, The Gossip y Paramore.
El sonido de Sleater-Kinney se caracteriza por sus letras de tendencia izquierdista, voces melódicas y ritmos de batería de alta energía. Muchas de sus canciones abordan temas de política, feminismo y la experiencia de las mujeres en la sociedad. Si quieres entrarle a Sleater-Kinney, tienes que echarte sus discos Dig Me Out, One Beat y The Woods.
The 5.6.7.8’s: rocksito retro directo desde Japón
The 5.6.7.8’s es un grupo femenino japonés de garage rock, que se formó en Tokio en 1986. Su música es un riquísimo homenaje al surf y garage rock estadounidense desde los cincuentas en adelante.
Son famosas por su energía en vivo y la estética retro, además de su aparición en la película Kill Bill Volumen 1 de Quentin Tarantino. Tienen un sonido crudo y enérgico, con influencias del rock and roll clásico y hasta punk rock.
Principalmente cantan en japonés, pero muchas de sus canciones son covers de temas estadounidenses de rock and roll, lo que les ha ayudado a irse de gira por todo el mundo.
Boygenius: el super power trio que no sabíamos que necesitábamos
La historia de los power trios viene desde la configuración de Cream, quienes son vistos como una superbanda, y las Boygenius han traído a esta época la categoría de un power trio que también es una superbanda.
Con muchísima anticipación de su disco debut desde que se anunció la banda, no nos decepcionaron ya que The Record es asombroso, y Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus exhibieron todo el talento musical y también la química que tienen en su composición.
La mayoría de las canciones en The Record de Boygenius son muy destacables, catárticas y liberadoras para el trío, quizás únicamente algunas acústicas calman demasiado los momentos climáticos, y aún así son introspectivas y muy bien trabajadas. Preparen los pañuelos para llorar.
HAIM: un enfoque fresco al power trio
Las hermanas Haim le dan un toque multiinstrumental a la configuración clásica de un power trio. Alana (guitarra y teclados), Danielle (guitarra y batería) y Este (bajo) Haim conforman un power trio en el que las tres le entran a las voces, aunque Danielle suele ser la vocalista principal.
Partiendo del rock hacia una mezcla con pop elegante y algunos elementos del funk y rhythm and blues, las HAIM han sido de las bandas más importantes de la última década.
Sus presentaciones en vivo son una muestra de la energía inagotable que tienen sobre el escenario, algo que presenciamos desde que las vimos en el Corona Capital 2016. Su excelente Women in Music Pt. III tiene ya 5 años de haber salido, por lo que estamos ansiosos de escuchar un nuevo material de estudio de HAIM.
The Warning: rock puro y duro en una configuración clásica
Este es un power trio clásico, que honra el formato tradicional con un virtuosismo asombroso. Alejandra (bajo), Daniela (guitarra y voz) y Paulina (batería) han captado la atención internacional y ya se han presentado en algunos de los festivales más importantes del mundo como Wacken Open Air o Pol’and’Rock.
Les hemos contado bastante sobre el fenómeno que han sido las Warning en una carrera que aún podemos considerar corta. El camino a agotar tres fechas en el Auditorio nacional ha estado lleno de constancia, con grandes lanzamientos y presentaciones potentísimas.
Su disco más reciente, Keep Me Fed, es hasta ahora su mejor trabajo de estudio, ya que incorporó lo mejor de su sonido, sin temor a probar con algo electrónica y cambiar de inglés a español. Para dimensionar la magnitud de este power trio, ya lograron vender tres fechas en el recinto más icónico de la CDMX, el Auditorio Nacional.
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