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Los 2010: las tendencias que caracterizaron la década
Los 2010 han sido una década sumamente compleja e interesante, no sólo en el tipo de historias vistas en cine y televisión, sino en las tendencias dominantes y que han marcado una auténtica revolución en la industria del entretenimiento. Hacemos un recuento de las más importantes:
La década de las series
El ascenso de las series contemporáneas comenzó hacia finales del siglo XX con The Sopranos (1999) y continuó en los primeros años del XXI con toda clase de proyectos que se caracterizaron por su enorme calidad técnica, histriónica, pero sobre todo narrativa. Esto último fue una consecuencia directa del poder concedido al creador, rebautizado como showrunner, por encima del propio director.
La tendencia se disparó en la década de los 2010 con brillantes desenlaces para títulos como House M.D. (2004), Mad Men (2007) Breaking Bad (2008), pero sobre todo con el lanzamiento de algunos de los shows más memorables de todos los tiempos. Black Mirror (2011) heredó las glorias antológicas de The Twilight Zone para abordar toda clase de pesadillas tecnológicas; Veep (2012) exploró los obstáculos del género femenino en la política; Game of Thrones (2011) reflejó la lucha por el poder desde una perspectiva fantástica para finalmente romper las barreras del cine con una producción sumamente ambiciosa que alcanzó su punto más alto en su temporada final con costos de producción de $15 mdd por episodio. Grandes formas de entretenimiento, pero que aprovecharon su potencial para la transmisión de importantes mensajes sociopolíticos. Habría sido una nueva era dorada para la televisión, de no ser porque buena parte de esta historia también se desarrolló en las pantallas de nuestras computadoras y dispositivos móviles con el streaming.
El detonante de esta historia fue Netflix con House of Cards (2013) y Orange is the New Black (2013), que arrancaron casi como un experimento hasta provocar una de las mayores revoluciones del entretenimiento audiovisual: el maratón. Por décadas, la ficción seriada fue distribuida semanalmente en busca de mayores beneficios económicos para las cadenas televisivas, pero los nuevos canales de distribución cambiaron la apuesta con lanzamientos de temporadas completas que propiciaron una auténtica adicción, lo que forzó a una mayor producción y el lanzamiento de más sistemas hasta llegar a lo que hoy conocemos como Streaming Wars.
El éxito del formato ha sido tal que eventualmente se reflejó en el cine con filmes como Mudbound (2017), Roma (2018) y El irlandés (2019) impactando con fuerza en la temporada de premios ante la renuencia de quienes temen un cataclismo de la industria como la conocemos.
Los 2020 serán determinantes para el desarrollo de esta industria, pero de momento, expertos en la narrativa audiovisual creen que la ficción seriada será el arte dominante del siglo XXI gracias al nivel de profundización de estos contenidos y libertad creativa que supera con creces a los vistos en cualquier película.
La década de las franquicias
Las grandes franquicias han tenido una presencia importante desde hace décadas, pero nunca habían tenido el dominio de los últimos años. Hoy en día pocos blockbusters son concebidos como proyectos aislados, pues los estudios prefieren las sagas en potencia al considerar que la repetición de fórmulas reduce los riesgos y aumenta las posibilidades de éxito.
El mayor reflejo de esta tendencia es el Marvel Cinematic Universe con técnicas similares en cada una de sus películas, lo que no ha evitado los riesgos al apostar por héroes de popularidad media, crossovers cada vez más ambiciosos y uno de los acuerdos más complejos del celuloide para integrar a Spider-Man a su mundo fílmico. Estas decisiones le convirtieron en la franquicia más taquillera de la década, así como en el referente de toda una generación. No es la única historia de éxito pues, Rápidos y furiosos, El conjuro y Misión: Imposible han tenido respuestas igual de positivas, al grado que todas incursionarán en los 2020 con buena aceptación entre el público.
Game of Thrones y Worlds of DC, antes conocido como DC Extended Universe, también merecen un lugar en esta selección. La primera batalló en su temporada final, pero el interés del público y el respaldo de HBO serán de gran ayuda para la aceptación de los próximos spinoffs. La segunda tuvo complicaciones para despegar, pero el renovado interés en sus personajes secundarios ha sido clave para su reciente ascenso. Mención aparte para el Kingdom, una falsa franquicia nacida del interés por la obra de Stephen King.
También hemos visto importantes fracasos, siendo el Dark Universe el mejor exponente con apenas una película –y media si consideramos Drácula: La historia jamás contada (2014)– que llevó a la cancelación de un proyecto que pretendía combinar los talentos de Tom Cruise, Johnny Depp, Javier Bardem y tentativamente Angelina Jolie. Otro ejemplo es GI Joe que ni siquiera pudo levantarse con la incorporación de una máquina de popularidad como Dwayne Johnson, lo que rompió el sueño de un crossover con Transformers, otra saga en picada que actualmente intenta distanciarse de la sombra de Michael Bay.
Más trágico aún fue que la sobreexplotación atentó directamente contra el legado de grandes historias. Tal fue el caso de El Hobbit que nunca igualó lo hecho por El Señor de los Anillos, o Animales fantásticos muy alejada de la magia vista en Harry Potter. Incluso la imbatible Star Wars sufrió con su tercera trilogía al generar un rompimiento sin precedentes con el público. Lejos de un merecido descanso, todas estas historias continuarán en los 2020.
Esta tendencia también desembocó en el ascenso del Imperio Disney, el estudio dominante de la década, el cual ha sustentado sus glorias en toda clase de proyectos preexistentes que van de las secuelas animadas a los remakes live-action, sin olvidar su recién confirmado interés en nuevas versiones de las mayores franquicias de Fox. Todo esto ha llevado a la virtual extinción de las cintas de presupuesto medio, lo que ha provocado una brecha insalvable entre las superproducciones y el cine independiente, que hoy se perfila como el último bastión de las historias originales.
La década de los superhéroes
Pocos se atreverían a negar que los superhéroes han sido los personajes más populares del cine en lo que va del siglo XXI. La primera década fue clave para su aceptación con toda clase de historias de origen, muchas de las cuales evolucionaron en exitosas franquicias, mientras que otras terminaron perdiéndose en el camino. La segunda década fue su consolidación con proyectos cada vez más arriesgados que les afianzaron en el gusto del público, pero también como propuestas narrativas cada vez más importantes.
El primer aspecto es el más sencillo de explicar, con los cuatro crossovers de Avengers en el top ten de taquilla de todos los tiempos. Esta misma lista es encabezada por Endgame (2019), quien recientemente destronara a Avatar (2009) como la mejor recaudación de toda la historia.
El segundo es más complejo, pues los personajes pasaron de ser una simple forma de entretenimiento a transmisores de toda clase de mensajes y valores, una evolución que incluso llevó a títulos como Logan (2017), Black Panther (2018) y Spider-Man: Un nuevo universo (2018) a lo más alto de la temporada de premios. La tendencia se mantiene este año con Joker (2019), cinta individual sobre el payaso gótico que resultó en una potente crítica social y que ha colocado a Joaquin Phoenix entre los rivales a vencer para el Oscar a Mejor actor.
Esta saturación ha desatado feroces debates al interior de la industria, pues realizadores como Steven Spielberg, Martin Scorsese y Alejandro González Iñárritu consideran que el subgénero podría dañar la forma de hacer cine. Quizá sea cierto, pero hasta ellos se involucraron con estos héroes y villanos en algún momento de la década, siendo el mexicano el que mejor partido sacó de la alianza tras hacerse con el Oscar a Mejor guion original, director y película por Birdman (2014).
Más allá de cualquier postura en el debate, todo apunta a que estos personajes seguirán inundando la cartelera por varios años y más ahora que DC ha encontrado la clave del éxito en tramas alternativas y que Marvel ha ampliado su baraja de héroes y villanos cinematográficos con la incorporación de X-Men y Fantastic Four.
La década del terror
La calidad del cine de terror está directamente relacionada con las tensiones sociopolíticas del mundo. Bajo esta premisa a nadie sorprende que el siglo XXI haya dado historias tan espeluznantes, consecuencia de los atentados terroristas del 9/11, la Guerra contra el terror y la crisis económica del 2008, que se convirtieron en fuente de inspiración para una nueva generación de creativos. El más influyente fue James Wan, quien aprovechó estos sucesos para recordar al público que los peores horrores son aquellos que acechan en las sombras del propio hogar, lo que puede apreciarse en títulos como Indidious y El conjuro, dos de las franquicias más populares de la década y que han servido como semilleros de talentos como David F. Sandberg, Gary Dauberman y Michael Chavez.
El posterior ascenso de Donald Trump a la presidencia generó nuevas pesadillas que no tardaron en ser capturadas por el género. Tal fue el caso de American Horror Story con Cult (2017) y Apocalypse (2018): la primera usó la noche electoral como punto de partida para una historia que plasmó la ideología del mandatario en un temible líder sectario; la segunda hizo lo propio con un mundo sumido en una crisis nuclear en pleno ascenso del anticristo. No menos destacado fue Un lugar en silencio (2018), con monstruos que se guían por el sonido, una metáfora de la señalización presidencial contra todos aquellos que se atreven a hablar en su contra.
Y finalmente las proezas de Robert Eggers, Ari Aster y Jordan Peele, quienes dotaron sus historias de una potente carga simbólica para capturar una maldad concebida por los padres fundadores de las distintas sociedades y heredadas por generaciones hasta nuestros días. El primero capturó los miedos de los primeros americanos que le llevaron a rendirse al demonio con La bruja (2015); el segundo nos sumió en lo más profundo de los horrores rituales con Hereditary (2018) y Midsommar (2019); el tercero abordó perturbadoras pesadillas sociales con ¡Huye! (2017) y Nosotros (2019). Un terror del que no hay escape y que ha convertido a los cineastas en tres de los mayores referentes del género de todos los tiempos.
Incluso Guillermo del Toro se vio beneficiado con esta tendencia, pues aunque La forma del agua (2017) no pertenece propiamente al género, extrajo sus bases del mismo al inspirarse en El monstruo de la laguna negra (1954) perteneciente a la mítica Universal Monsters. Aunque claro, sus reconocimientos también se vieron influenciados por otros factores al interior de la industria.
La década de la apertura
Las estadísticas señalan que Hollywood es una industria dominada por hombres blancos, quienes ocupan las posiciones de mayor jerarquía, que van de los roles protagónicos a las labores creativas más relevantes como son guion, dirección y producción. Aunque falta mucho para una industria verdaderamente inclusiva, el cine norteamericano ha mostrado cada vez más interés en historias enfocadas en otros segmentos de la población.
Esta tendencia puede apreciarse en el Oscar a Mejor película, que cada vez otorga más reconocimiento a historias protagonizadas por afroamericanos como Selma (2014) y Green Room (2018); latinoamericanos como Roma (2018); y homosexuales como Moonlight (2016) y Llámame por tu nombre (2017).
Más evidente ha sido en la terna de Mejor director, que en los últimos diez años ha sido para un británico (Tom Hooper), un francés (Michel Hazanavicius), un taiwanés (Ang Lee), tres mexicanos (Alejandro González Iñárritu, Alfonso Cuarón y Guillermo del Toro) y, tan solo, un estadounidense (Damien Chazelle).
La transición a los 2020 parece continuar por esta misma ruta con Bong Joon-Ho y Pedro Almodóvar entre los grandes contendientes de la temporada de premios con Parásitos (2019) y Dolor y gloria (2019). Aunque no descartamos las sorpresas de último minuto, todo indica que el único que podría arrebatarles las mayores estatuillas es Martin Scorsese con un El irlandés de gran calidad, pero que ha perdido potencia ante su duración y su distribución vía streaming.
Pero, ¿qué hay del género femenino?
La década de las mujeres
Los 2000 terminaron con una gran victoria cinematográfica para el género femenino cuando Kathryn Bigelow se convirtió en la primera mujer en hacerse con el Oscar a Mejor director con Zona de miedo (2009), superando, además, al mismísmo James Cameron con su Avatar (2009). Se pensaba que esto detonaría un cambio, por lo que muchos se decepcionaron ante la falta de más realizadoras nominadas en la categoría en el transcurso de esta década, siendo Greta Gerwig la única por Lady Bird (2017).Lamentable, pero esto no significa que las mujeres no hayan tenido victorias importantes en los últimos diez años. Las primeras llegaron con personajes netamente populares como Katniss Everdeen (Los juegos del hambre), Elsa (Frozen), Hazel (Bajo la misma estrella) y Tris (Divergente), quienes fueron clave para cambiar el imaginario de las nuevas generaciones. Esta tendencia desembocó en personajes como Capitana Marvel, Rey (Star Wars) y muy especialmente Wonder Woman, considerada por muchos como el mayor símbolo femenino del celuloide, luego de que su directora Patty Jenkins asegurara que el personaje demuestra que “las mujeres pueden y deben ser todo tal y como deben ser los protagonistas masculinos. No existe una buena o mala versión de mujer poderosa”.
Los éxitos femeninos no se quedaron en el área del blockbuster: Talentos ocultos (2016) reivindicó las hazañas de la mujer borradas de la historia por los hombres; La habitación (2015) exploró con enorme crudeza la violencia de género; Joven y bella (2013), La vida de Adéle (2013) y Retrato de una mujer (2019) en llamas aludieron a la libertad sexual; mientras que la nueva Mujercitas (2019) resultó en la adaptación más feminista a la obra de Louisa May Alcott.
Sin embargo, los mayores logros del género han sido fuera de la pantalla, con las mujeres alzando la voz en busca de una industria más igualitaria y segura. La imagen de Natalie Portman nombrando a los nominados “hombres” al Globo de Oro 2018 hizo eco en todo el mundo, mientras que Alyssa Milano y Ashley Judd se han convertido en las principales voceras del movimiento Me Too contra el abuso y el acoso, sirviendo de ejemplo para que muchas otras féminas alcen la voz contra la violencia de género en la industria. Queda mucho por hacer, pero la historia recordará cómo el cambio comenzó en esta década que ha llegado a su fin.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV.
Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
¿Dónde ver? Disponible en DVD en Amazon.
Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Estrreno, trailer y entrevista del coming-of-age con Isaac Cherem y Aksel Gomez| Cine PREMIERE
Déjame estar contigo es una producción mexicana en la que Bruno y Lucía, un par de adolescentes con toda la inexperiencia del mundo y nada de tiempo restante, deciden aventurarse en la mágica experiencia humana que es querer a alguien y dejarse querer por ese alguien.
¿De qué trata Déjame estar contigo?
Bruno es un joven de 18 años que es deportado de Estados Unidos a México sin conocer nada ni a nadie. Lucía es una universitaria de 19 años con una enfermedad incurable. Sus caminos se cruzan cuando Bruno, trabajando en un call-center, llama a Lucía, quien le pide ayuda con una situación urgente.
En esta llamada encontrarán empatía, esperanza y mariposas en el estómago provocadas por alguien a quien todavía no conocen. Cuando lo hacen, tendrán que decidir cómo enfrentar sus sentimientos por el otro.
¿Quiénes están detrás de Déjame estar contigo?
Esta montaña rusa de emociones está escrita por Fernanda Eguiarte (La flor más bella) y dirigida por Isaac Cherem (Leona), quien nos compartió en entrevista para Cine PREMIERE que ella “es una persona muy tierna, entonces siento que ella ve así las relaciones”, además de que la inspiración para tomar este proyecto fue “mi experiencia personal de transición a la adultez, que tengo muy presente, que fue muy importante, que fue muy intensa y que, además, fue mientras me mudaba la Ciudad de México. Entonces era como un poco lo que vive el personaje de Bruno”.
En las sillas de producción tenemos a José Nacif Gobera (La caída), Marco Polo Constandse (Casi el paraíso), Catalina Aguilar Mastretta (Cindy, la regia: la serie) y Mariana Rodríguez Cabarga (Temporada de huracanes) a través de Filmadora; mientras que Fernanda Eguiarte y Ramiro Ruiz (Somos oro) se enmarcan como productores ejecutivos. La cinta está distribuida por Videocine.
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El elenco detrás de Déjame estar contigo
Aksel Gómez hace su debut fílmico en esta cinta, quien también nos contó en entrevista que encontró muchas similitudes con su personaje, a tal punto que sentía que estaba predestinado. Como Bruno, él también ha vivido toda su vida en Estados Unidos, lo que ayuda muy poco en su habla del español, sin embargo, aunque al principio podemos detectar cierto acento que lo delata, para el final su pronunciación tiene una notoria mejoría.
Al respecto, dijo que todo fue cuestión de “práctica, también, hablando con Andrea y con el crew. Y también hice una playlist de canciones de puro español, y las cantaba en la mañana antes de ir al set para que se me aflojara la lengua”. En esta misma conversación, Isaac preguntó cómo se comunicaba con sus papás, a lo que Aksel respondió que utilizaba el inglés, el español y el spanglish: “Como mi papá no es de Estados Unidos, es de México también, con él hablo mucho español; y con mi mamá es mayormente en inglés, pero sí, a veces le hablo en español también”.
A su lado, también protagonizando, se encuentra Andrea Sutton (The Gigantes), uniéndoseles Silvia Navarro (Papá o mamá), Johanna Murillo (La liberación) y Regina Blandón (Firma aquí).
¿Cuándo estrena Déjame estar contigo?
Este coming of age llega a las salas de cine mexicanas a partir del 30 de enero de 2025.
Póster oficial
Trailer oficial de Déjame estar contigo
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Yessica R. Viais Vivo creyendo que no se trata de lo que ves en la pantalla, sino de lo que te hace sentir, y mí me gusta mucho sentir. I’m just a girl… jaja
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Como ha sucedido en los últimos años, la fuerza interpretativa de las mujeres ha dejado espectaculares resultados. Hace unos meses, dos leyendas de la industria (Angelina Jolie y Nicole Kidman) parecían inamovibles entre las nominadas al Óscar 2025 como Mejor actriz, pero las últimas semanas han dado un gran giro a la competencia. Contendientes internacionales, películas exitosas y otros premios han hecho que la categoría sea una de las más difíciles para predecir. Y no nos malentiendan, eso se agradece.
Considerando los resultados de la temporada de premios, la narrativa alrededor de esta, e incluso los discursos, a continuación te presentamos nuestra predicción de la actriz que se alzará con la estatuilla más codiciada de la industria cinematográfica.
Revisa aquí la lista completa de nominaciones y nuestro análisis (con predicciones) por categoría.
Demi Moore – La sustancia (Predicción CP)
Tras años de ausencia, Demi Moore demostró que no sólo tiene el talento para protagonizar una cinta arriesgada, sino también las agallas para retarse a sí misma. Si los momentos más “extraños” en La sustancia funcionan (y vaya que hay muchos) es gracias a ella, que además ya tiene en la bolsa el Globo de Oro. Es díficil imaginar a otra actriz que pudiera interpretar a Elisabeth Sparkle con tanta dignidad y precisión.
A favor: Una poderosa narrativa muy similar a la que se ve en la película. Su discurso de agradecimiento en los Globos de Oro hizo que el mundo volteara a verla. Por otro lado, la Academia ama los regresos como este… y a los actores ocultos tras grandes capas de maquillaje.
En contra: El poco amor que los votantes han dado al terror / thriller, o a películas con una temática e imágenes igual de sangrientas. Mikey Madison también representa una gran amenaza.
Mikey Madison – Anora
La historia de una trabajadora sexual que sucumbe ante el amor hizo que esta joven actriz consiguiera el reconocimiento mundial. Los fans de Scream y Había una vez… en Hollywood ya la conocían, pero ahora fue el turno de la industria para ponerla en la cima. Como en el caso anterior, no habría una Anora tan aclamada de no ser por Madison.
A favor: Una película constante en nominaciones para otros premios. Madison ha conseguido todas las nominaciones de los premios precursores y carga, totalmente, con el peso de la cinta. Para quienes no la conocían, es toda una revelación.
En contra: El contenido sexual de la cinta podría alejar a algunos votantes. Se trata, también, de una actriz que “apenas” tiene 25 años. Muchos podrían considerar que, con su talento y edad, no batallará en conseguir otra nominaciones y galardones en el futuro.
Cynthia Erivo – Wicked
Después de una larga carrera en el teatro y algunos papeles en la pantalla grande (no todos igual de exitosos), la británica consiguió uno de los personajes más aclamados en 2024: Elphaba. La historia no contada de la bruja verde nos recordó su increíble talento vocal, pero también el rango que tiene para ir de la felicidad al coraje en sólo instantes.
A favor: Una película más que complaciente. La gran mayoría de los que ven Wicked resultan fascinados por su historia y mitología. Por otro lado, la cinta cierra con su interpretación de Defying Gravity, donde entrega todo de sí y crea momentos memorables. Tampoco se ha quedado fuera de las nominaciones más importantes.
En contra: Hay una competencia brutal por parte de Madison y Moore, y si hay una actuación de Wicked que será premiada por la Academia, esa pinta para ser la de Ariana Grande como Glinda. No todo está perdido, pues podría competir el próximo año gracias a Wicked: For Good, y a la canción que coescribió para la película.
Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
Más de una década atrás disfrutamos de su talento en Nosotros los Nobles, e incluso hace un par de años participó en un programa de cocina mexicano. Hoy, Karla Sofía Gascón llega a la contienda con un premio de Cannes y múltiples marcas en otras ceremonias, pero sobre todo, con una seguridad impresionante. Hay muchas cosas cuestionables en la película donde participa, pero si alguien cumple con lo que se le pide, es ella.
A favor: Una película adorada por la crítica internacional. Si los votantes extranjeros apoyan una actuación, muy probablemente sea esta. Al ser la primera actriz trans nominada a un Óscar, también arrastra consigo una importante narrativa. Su triunfo, por muchas razones, sería un momento histórico.
En contra: Las dudas sobre su rol en la película. Esta lleva el nombre de su personaje como título, pero muchos la consideran una interpretación secundaria y ven a Zoe Saldaña como la verdadera protagonista y es ella quien ha recibido más elogios.
Fernanda Torres – I’m Still Here
Creció en un entorno marcado por el arte. Su madre, Fernanda Montenegro, es considerada una de las actrices brasileñas más importantes de la historia, y ahora es su turno para continuar con el legado. Las buenas críticas a su trabajo y el apoyo de fans y críticos internacionales parecen coincidir en una cosa: “lo que bien se aprende, nunca se olvida”. Es considerada una gran figura en el arte contemporáneo brasileño.
A favor: Una sorpresiva victoria en los Globos de Oro, donde venció a actrices con mayor renombre. Su película, desde entonces, ha debutado con éxito en otros países y ha generado más conversación a su alrededor. Es una carrera muy abierta, y si los votantes internacionales deciden apoyarla, podría repetir la sorpresa. Además, que su película contienda al premio máximo no se debe ignorar.
En contra: Prácticamente todos los premios precursores han ignorado su trabajo. No estuvo presente en los Critics Choice Awards, SAG o BAFTA, y por ello, se puede considerar que la nominación es su verdadero triunfo.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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