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La canción con la que David Bowie se despidió de este plano
Lo que necesitas saber:
Antes de morir, David Bowie nos dio “Lazarus”, una canción desgarradora y emotiva con la que le dijo adiós a este mundo.
La música es tan poderosa que tiene la capacidad de generarnos toda clase de emociones al escucharlas. Para los artistas, también sirve como un espacio en el que pueden compartir con el mundo sus pensamientos y sentimientos. Sin embargo, hay quienes llevan esto al siguiente nivel, como el caso de David Bowie, quien utilizó esta herramienta para despedirse del mundo con “Lazarus”.
El 2016 inició de la ‘patada’, pues durante los primeros días de aquel año nos enteramos de la muerte de este legendario artista, quien sin lugar a dudas, marcó un antes y después en la historia de la música, el arte y la moda. Su fallecimiento tomó a la industria y a sus fans por sorpresa, pues nadie se imaginaba que lo perderíamos a los 69 años.
Aunque para todo el mundo esto fue algo inesperado, el propio David Bowie sí sabía que tenía los días contados y se acercaba su final. Es por eso que antes de partir de este plano y para aumentar su legado, nos entregó un último material discográfico en el que podemos encontrar una de sus canciones más desgarradoras, emotivas y reales: “Lazarus”.
Así surgió la idea de “Lazarus” de David Bowie
A finales de 2015 y luego de presentar “Blackstar” (su primera canción inédita en dos años que se convertiría en el primer sencillo de su vigésimo quinto álbum de estudio del mismo nombre), David Bowie lanzó “Lazarus”. Esta rola a diferencia de la anterior, estaba pensada dentro de un proyecto mucho más ambicioso que un disco, pero ambos temas compartían algo: un mensaje que parecía de despedida.
Durante las sesiones de grabación del que se convertiría en su último material discográfico, Bowie estaba desarrollando un musical llamado Lazarus, que serviría como secuela de su película clásica de culto, The Man Who Fell to Earth, donde interpretó al protagonista Thomas Jerome Newton. Los números estuvieron formados por algunas rolas clásicas de David, pero también compuso canciones nuevas, entre ellas la que le da nombre a esta puesta en escena.
Finalmente, el musical se estrenó en noviembre de 2015 y contó con Michael C. Hall como el protagonista, la cual se presentó en Nueva York y Londres (de hecho, la función de apertura fue la última aparición pública de David Bowie). Sin embargo, parece que el músico tenía la necesidad de incluir a “Lazarus” en su siguiente disco, es por eso que a finales de ese año la lanzó como sencillo y tiene mucho sentido que insistiera tanto en esto.
18 meses antes de que estrenara esta canción, Bowie fue diagnosticado con cáncer de hígado y aparentemente sabía que su vida estaba llegando a su fin. Sin embargo, en lugar de dejar que la enfermedad se lo llevara y esperar su inevitable final, David decidió hacer lo que más le gustaba y le daba fuerzas: crear música auténtica y de paso, dejarnos una última muestra de su enorme genialidad con Blackstar.
Bowie quería despedirse con esta canción y ‘Blackstar’
Según el mismísimo Tony Visconti (legendario productor que colaboró en un montón de discos junto al músico británico), la letra de “Lazarus” y otras canciones del álbum se supervisaron para que se convirtieran en una especie de auto-epitafio de David Bowie, un comentario sobre la propia muerte inminente de este multifacético artista. Y vaya que eso queda claro si analizamos la letra.
La canción abre con la frase “Look up here, I’m in heaven. I’ve got scars that can’t be seen” (“Mira aquí arriba, estoy en el cielo. Tengo cicatrices que no se pueden ver“), que sería una referencia precisamente al cáncer que estaba consumiendo a Bowie. Sin embargo, para la última parte de la rola, el propio David parece estar aceptando su final, cuando canta “This way or no way, you know I’ll be free. Just like that bluebird now, ain’t that just like me?” (“De esta manera o de ninguna manera, sabes, seré libre. Como ese pájaro azul, ahora, ¿no es eso propio de mí?)”.
Aunque no está confirmado, existe la teoría de que “Lazarus” estuviera influenciada de alguna manera en Lázaro, personaje del Evangelio de Juan que fue resucitado a los cuatro días después de su muerte por Jesucristo. No está claro por qué David Bowie haría referencia al nombre bíblico en el título de la canción, pero podría ser una metáfora de la resurrección del personaje de Thomas Jerome Newton o quizá, el músico estaba reflexionando y prediciendo el posible resurgimiento de su propia carrera y fama tras su muerte.
El impactante video de “Lazarus” y su evidente mensaje
De cualquier manera, si no había sido lo suficientemente claro con lo que quería transmitir con esta rola, Bowie le abrió los ojos a quien faltaba cuando estrenó el video oficial de la canción, el cual contó con la dirección de Johan Renck (cantautor que ha estado detrás de clips para artistas como Madonna, Kylie Minogue, The Libertines, Suede, New Order, Lana Del Rey, Chris Cornell, Robbie Williams y más).
En el visual, David Bowie canta desesperadamente en una cama de hospital caracterizado como el personaje Button-Eyes (el mismo que apareció en el video de “Blackstar”), con un vendaje que le cubre parte del rostro y botones cosidos sobre sus ojos. En un momento, el artista se levanta de lo que parece ser su lecho de muerte y podemos ver que lleva puesto el mismo atuendo que usó en la contraportada de su disco Station to Station.
El videoclip video termina con Bowie entrando en un ropero oscuro y cerrando la puerta: esa fue su escena final. Resulta que durante la filmación, los médicos le informaron al músico británico que el cáncer era terminal y que ya no había nada más qué hacer. Aunque Johan Renck mencionó que se enteró de la situación de David después de contarle su idea, lo que crearon para este visual refuerza esa despedida que una leyenda como él se merecía.
El 7 de enero de 2016, apareció el video oficial de “Lazarus” y un día después (en el que fue el cumpleaños 69 de David Bowie) vio la luz Blackstar, el cual contó con una portada minimalista a cargo de Jonathan Barnbrook (con quien trabajó en The Next Day) que muestra una estrella de color negro sobre un fondo blanco, pero en la parte superior se puede ver la descomposición de la estrella en cinco partes distintas, que al checarlas detalladamente forman la palabra “Bowie”.
Bowie no dejó de hacer arte hasta sus últimos días
Lamentablemente, el 10 de enero de 2016 y tras un par de días luego de lanzar este material discográfico, Bowie murió, dejando un enorme hueco y legado tanto en la industria musical como en las personas que marcó con su trabajo a lo largo de más de cinco décadas de carrera. Con este emotivo, críptico, estructurado y espontáneo disco, David se despidió como debía del mundo que lo vio brillar y en el que desarrolló su talento.
Aunque la muerte de David Bowie representó la pérdida de uno de los artistas más importantes de todos los tiempos, y a pesar de que sabía que no le quedaba mucho tiempo de vida, se mantuvo fiel a lo que siempre fue hasta sus últimos días, pues en Blackstar se negó a cumplir con las expectativas que habían sobre él. Y claro, “Lazarus” es la prueba de ello, un adiós lúgubre pero ideal para una figura de su tamaño donde nos recuerda que por fin será libre.
La mejor definición de esta canción y del último material discográfico lanzado por David Bowie la podemos ver en las palabras que Tony Visconti publicó en un comunicado en sus redes sociales, tras la muerte de quien fuera su amigo y compañero musical por muchos años.
“Siempre hizo lo que quiso hacer. Y quiso hacerlo a su manera y de la mejor manera. Su muerte no fue diferente a su vida: una obra de arte. Hizo Blackstar para nosotros, su regalo de despedida (…) Era un hombre extraordinario, lleno de amor y vida. Siempre estará con nosotros”.
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Rosalía se ha erigido como la gran triunfadora de la tercera edición de los Premios de la Academia de la Música de España, que ha concedido estos 45 galardones en una gala celebrada este martes en el Palacio Municipal de IFEMA de Madrid.
La celebración de estos premios se enmarca en una era dorada para la música hispanohablante a nivel mundial. Este fenómeno ha sido impulsado casi en su totalidad por el streaming, que hoy representa más del 87% de los ingresos en estos mercados.
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La capacidad de artistas como Rosalía, Guitarrica de la fuente o Lia Kali para fusionar géneros tradicionales con sonidos urbanos y electrónicos ha sido clave para exportar la cultura musical española a una audiencia global cada vez más receptiva.
La masiva participación de los más de 800 miembros con derecho a voto en esta edición de 2026 reafirma la legitimidad y el prestigio que la institución ha logrado construir en un tiempo récord.
Lista Completa de los ganadores del evento:
- ARTISTA DEL AÑO: Rosalía
- ÁLBUM DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
- CANCIÓN DEL AÑO: ‘La Perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
- MEJOR NUEVO ARTISTA: Sanguijuelas del Guadiana
- PRODUCTOR/A DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
- MEJOR INGENIERÍA DE GRABACIÓN PARA UN ÁLBUM O CANCIÓN: Carles Campi Campón, por ‘El cuerpo después de todo’ de Valeria Castro
- MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ALTERNATIVA: ‘Spanish Leather’, de Guitarricadelafuente
- MEJOR CANCIÓN ALTERNATIVA: ‘Babieca’, de Guitarricadelafuente
- COMPOSITOR DEL AÑO: ‘La Perla’, de Rosalía
- MEJOR VÍDEO MUSICAL VERSIÓN LARGA: ‘Flores para Antonio’, de Elena Molina e Isaki Lacuesta
- MEJOR VIDEOCLIP MUSICAL: ‘Berghain’, de Rosalía
- MEJOR GIRA: ‘Tour Gigante’, de Leiva
- MEJOR EVENTO DEL AÑO (FESTIVAL, CICLO, GALA, CONCIERTO SOLIDARIO ETC): Inverfest 2025
- MEJOR ÁLBUM POP: ‘Lux’, de Rosalía
- MEJOR ÁLBUM POP TRADICIONAL: ‘Me lo voy a permitir’, de Luz Casal
- MEJOR ÁLBUM POP/ROCK: ‘Dolce Vita’, de Amaral
- MEJOR CANCIÓN DE POP_ROCK: ‘Caía libre’, de Leiva & Robe
- MEJOR ÁLBUM DE ROCK: ‘El monte de los aullidos’, de Fito & Fitipaldis
- MEJOR CANCIÓN DE ROCK: ‘Esa ansiedad’, de Ilegales
- MEJOR CANCIÓN POP: ‘La perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
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- MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘Déjate caer’, de Delaporte
- MEJOR CANCIÓN DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘PAEQB (Ale Acosta Remix)’, de Baiuca y Ale Acosta
- MEJOR CANCIÓN DE RAP/HIP HOP: ‘En la cuerda floja’, de Lia Kali & Toni Anzis
- MEJOR ÁLBUM DE FLAMENCO: ‘Manifiesto’, de María Terremoto
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- MEJOR FUSIÓN/INTERPRETACIÓN URBANA: ‘Mala de verdad’, de La Plazuela
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- MEJOR ÁLBUM CANTAUTOR/A: ‘Sílvia & Salvador’, de Sílvia Pérez Cruz y Salvador Sobral
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- MEJOR ÁLBUM BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘BSO Furia’, de Aitor Etxebarria
- MEJOR CANCIÓN/TEMA BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘Hasta que me quede sin voz’, de Leiva
- MEJOR OBRA/COMPOSICIÓN CLÁSICA CONTEMPORÁNEA: ‘Trío Celebration’, de Albert Guinovart
- MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA CLÁSICA: ‘Paganini: 24 Caprices’, de María Dueñas
- MEJOR ÁLBUM INSTRUMENTAL: ‘Suite flamenca’, de Diego Amador
- MEJOR ÁLBUM DE JAZZ: ‘Leo & Leo’, de Leonor Watling & Leo Sidran
- MEJOR GRABACIÓN DE MÚSICA INFANTIL: ‘Me resbala’, de Pez Al Revés
- MEJOR CANCIÓN EN CATALÁ/VALENCIÀ/ MALLORQUÍ: ‘Ben poca cosa tens’, de Salvador Sobral y Sílvia Pérez Cruz
- MEJOR CANCIÓN EN EUSKERA: ‘Xorieri’, de Baiuca & Izaro
- MEJOR CANCIÓN EN GALEGO/ASTURIANU: ‘As que nunca cantaron’, de Tanxugueiras
- MEJOR DISEÑO DE ÁLBUM: ‘Gigante’, de Leiva, por el trabajo de Boa Mistura
- MEJOR ARREGLO: ‘Suite Flamenca’, de Diego Amador
- MEJOR SALA DE CONCIERTOS: Café Central de Madrid
- PREMIO DE HONOR: Joan Manuel Serrat.
Los “Grammys españoles”
La tercera edición de los Premios de la Academia de la Música de España marca la consolidación definitiva de unos galardones que nacieron en 2024 con la ambición de convertirse en los “Grammys españoles”. Creados por la Academia de la Música de España (ACAMUS) para llenar el vacío dejado por los extintos Premios Amigo y Premios de la Música, estos reconocimientos destacan por abarcar más de 40 categorías que premian no solo a los intérpretes, sino a todos los eslabones de la industria, desde ingenieros de sonido hasta diseñadores de empaque.
LEE | Miles Davis: cien años del nacimiento del músico que redefinió el jazz; EU lo festeja a lo grande
Un aspecto fundamental que refleja el palmarés de este año es la creciente sinergia cultural entre España y América Latina. El premio a Canción del Año para ‘La Perla’, una colaboración entre Rosalía y la agrupación de música regional mexicana Yahritza y su Esencia, ilustra cómo las fronteras de los géneros tradicionales se están desdibujando.
Esta tendencia de colaboraciones transatlánticas no solo enriquece el panorama sonoro al mezclar el pop y el flamenco con los corridos o el sierreño, sino que también responde a una estrategia de mercado que une a las bases de fans de ambos continentes.
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Miles Davis: cien años del nacimiento del músico que redefinió el jazz; EU lo festeja a lo grande
Estados Unidos conmemora desde este martes el centenario del nacimiento de Miles Davis (1926-1991) con conciertos y retrospectivas en Nueva York, Los Ángeles o Chicago para recordar al trompetista que revolucionó el jazz y expandió sus límites a lo largo de cuatro décadas de carrera.
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La programación musical se extenderá durante semanas
En la Gran Manzana, el arquitecto del jazz moderno protagoniza una programación especial que se extenderá durante varias semanas, con ciclos dedicados a su figura en salas históricas como el Blue Note, el Village Vanguard, el Teatro Apollo o el Lincoln Center.
Más allá del mero homenaje retrospectivo, los programas combinan interpretaciones de sus piezas más emblemáticas con composiciones inspiradas en su universo sonoro, así como sesiones educativas, películas y encuentros con artistas que conectarán su obra con la evolución del jazz en el siglo XXI.
El Lincoln Center ha organizado mesas redondas con músicos, productores e historiadores que analizarán el impacto de álbumes como ‘Kind of Blue’ (1959), considerado uno de los discos más influyentes del siglo XX, o ‘Bitches Brew’ (1970), que marcó un giro hacia la fusión del jazz con el rock y la música experimental.
Mientras, el espacio The Apollo Stages at The Victoria, vinculado al icónico teatro, acogerá el día 29 una proyección especial y un coloquio moderado por el saxofonista Antonio Hart, con la participación del baterista Vince Wilburn Jr., sobrino del músico, y la académica Monica L. Miller para abordar su influencia en el desarrollo del género y su impacto en el hip hop y el soul.
De Chicago al bebop neoyorquino
Y en Chicago, uno de los primeros grandes epicentros del jazz fuera de Nueva Orleans y ciudad clave en la formación de Davis, que se crió en el estado de Illinois, ha organizado conciertos en Millennium Park para este verano, así como actividades educativas en el Chicago Jazz Institute. La ciudad evocará el paso de Davis por la escena local, donde entró en contacto con músicos del Medio Oeste que moldearon su estilo antes de mudarse a Nueva York en 1944 para sumarse a la efervescente escena del bebop.
Allí, Davis entró en contacto con figuras clave como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Max Roach, con quienes dio forma a esa nueva gramática del jazz que impulsaría su proyección internacional.
Los Ángeles acogerá la muestra ‘Miles Davis: A Century of Cool’
En la costa oeste, la Musichead Gallery de Los Ángeles acogerá la muestra ‘Miles Davis: ‘A Century of Cool’, con instantáneas inéditas de grandes fotógrafos del jazz, mientras que el Grammy Museum presentará otra exposición con trompetas, partituras originales y material de sesiones de grabación junto a músicos como John Coltrane o Herbie Hancock, colaboradores clave durante su carrera.
Reediciones y lanzamientos inéditos
Reediciones y lanzamientos inéditos del trompetista
En la efeméride de su nacimiento no podían faltar reediciones y lanzamientos inéditos como los que ofrecerá el sello Columbia Records, que ha confirmado ya la publicación de grabaciones en directo nunca antes editadas de sus giras de los años 60 y 70. Las principales plataformas de ‘streaming’ también han puesto el foco en su catálogo, con ediciones remasterizadas de algunos de sus discos más emblemáticos -‘Kind of Blue’ continúa siendo uno de los álbumes más escuchados de jazz en Spotify- y la recuperación de grabaciones que abarcan desde su etapa en los sellos Prestige y Columbia hasta sus últimos trabajos.
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Muchas de estas reediciones vienen de la mano de Legacy Recordings, que ha restaurado directos para publicar cajas completas que incluyen cuadernos de notas, fotografías y otros documentos de época, con la idea de que el oyente reconstruya el proceso creativo de las sesiones.
Criticado por los más puristas del jazz, pero venerado por crítica y público, su actitud desafiante, sus reinvenciones, su estética inconfundible —gafas oscuras, trajes impecables y presencia minimalista— y su sonido introspectivo, alejado del virtuosismo de la época, lo convirtieron en un referente del género.
Davis, que creció en un entorno marcado por la segregación racial, trascendió además el ámbito musical para convertirse en un símbolo de la cultura afroamericana y una figura admirada por desafiar las normas sociales de su tiempo.
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