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Recordando ‘Re’ de Café Tacvba con Rubén Albarrán
Lo que necesitas saber:
Café Tacvba cumple 35 años como banda y también se cumplen 30 años de su icónico disco, ‘Re’.
Se nos va el 2024, que en diversos sentidos, ha significado algo más para Café Tacvba. Hubo nueva música de por medio, sí, pero también se celebran dos aniversarios que reafirman su legado: sus 35 años como banda y los 30 años de Re, disco que los convirtió en uno de los grupos de rock más importantes de Latinoamérica.
Hablar de más de tres décadas de historia parece increíble, ¿no creen? De alguna forma, se siente hasta irreal, pero a Rubén Albarrán se le ve contento, relajado mientras nos encontramos hace unos días en el backstage del Teatro Metropólitan, esto antes de que suba al escenario como invitado del chileno Gepe.
Y este es el momento ideal para recordar, tanto con nostalgia y alegría, aquellos días en que la banda arrancaba ese recorrido que los convertiría en iconos de la música en nuestro país hace más de 30 años.
“Bueno, era una época en la que las personas tal vez estaban como más divididas en cuanto a los gustos musicales. Entonces, pues lo más clásico que a nosotros nos tocó vivir era que nosotros éramos rockeros y era un poco mal visto que a un rockero le gustara la cumbia o la salsa“, nos dice Rubén Albarrán recordando los 90.
Café Tacvba apareció en medio de una época donde el rock en México (y Latinoamérica claro) empezaba a tomar fuerza, esto tras varios años de haber permanecido casi en las sombras.
Y ellos, quizá sin pretenderlo o sin saber hasta dónde llegarían, entregaban canciones donde exponían la multiculturalidad mexicana, desde los estilos folclóricos hasta los diferentes sonidos que se apreciaban en el día a día de la capital. El disco Re es todo eso y más… y aquí, recordamos con Rubén ese extraordinario material, uno de los más emblemáticos del rock mexicano.
El disco ‘Re’ de Café Tacvba: La historia contada por Rubén Albarrán
Sopitas.com: En alguna semblanza, decías algo muy importante sobre México como un país multicultural. Y me parece que Re es el disco que definitivamente lleva esa característica a la música. ¿Recuerdas cómo fue el proceso de decidir el sonido de ‘Re’?
Rubén Albarrán: “Cuando entré a la universidad, nos conocimos Joselo (Rangel) y yo, empezamos a estudiar carreras relacionadas al Diseño y teníamos un tronco común. Nos enseñaron algo que se llamaba marco teórico, que aplicamos a la música, y tenía que ver con el hecho de que los maestros nos decían: ‘bueno, ustedes van a diseñar para un público y tienen que conocer a ese público deben tener una cultura vasta acerca de la cultura para la cual están diseñando’…
“Estábamos conceptualizando la música. Joselo y yo pasamos un año entrando muy poco a clases y solo escuchando música y descubriendo las discotecas de nuestros padres, sus colecciones de discos. Ahí nos dimos cuenta de que pues tenían todo tipo de música… Entonces de esa forma las colecciones de los discos de nuestros padres pues tenían igualmente son jarocho y tenían música norteña y tenían música tropical, pero igual tenían bossa-nova y tal vez tenían algún disco de los Beatles o de los Rolling Stones.
Rubén Albarrán: “También vimos un poco la sociedad en la que nos movíamos y decíamos claro eso sucede todos los días. O sea te subes al camión y el camionero tal vez está escuchando cumbia, o te bajas y en un puesto de periódicos tal vez el que lo vende está escuchando heavy metal… Y entonces pues era ese universo sonoro en el que estábamos viviendo.
“Antes de Café Tacuba, tuvimos mejor dicho otro grupo que se llamaba Alicia Ya No Vive Aquí. En ese grupo queríamos tocar como The Cure y como Love and Rockets; queríamos tener un sonido más prototípico digamos, más estandarizado y pues obviamente inglés o norteamericano. Hicimos ese grupo pero pues no sonaba bien, porque los recursos que teníamos no nos alcanzaban para ese sonido…
“Entonces dijimos: ‘hagamos lo que tenemos que hacer con los recursos que tenemos a la mano’. Y lo que tenemos a la mano eran una guitarra acústica, un contrabajo, una melódica que es el instrumento que se enseñaba en las secundarias oficiales… y con eso podemos experimentar mucho y podemos jugar con las diferentes influencias de las músicas tradicionales, músicas como tal vez que no requerían de tantos recursos técnicos”.
En el siguiente video, te contamos la historia más a fondo del significado de la palabra ‘Re’, la cual la banda vinculaba al hecho de que era su segundo disco, es la segunda nota de la escala musical y más…
La curiosa historia detrás de “El borrego” y un Lollapalooza muy curioso
Sopitas.com: Dentro de ‘Re’, hay canciones con temáticas diferentes y una de la que creemos que no se habla mucho es la de “El borrego”, que incluso tiene influencias del punk y le heavy metal… ¿Cuál es la historia detrás de esa canción?
Rubén Albarrán: “En cuanto al sonido, yo quería recordar cuando participamos en el primer festival de Lollapalooza, por ahí de 1991 o 1992. Fue muy gracioso porque literalmente nosotros abrimos el festival y nos dijeron: ‘ustedes comienzan a las 12’. Entonces, pues al 10 para las 12 nosotros ya estábamos sobre el escenario, esperando que nos dieran el banderazo, pero de igual forma a las 12 abrieron las puertas al festival para que entrara la gente.
“Era un predio gigante, y de las puertas a donde estaban los escenarios, pues eran como 15 minutos caminando. Entonces, no nos vio absolutamente nadie más que nuestro manager, un par de amigos y algunos mexicanos que eran de limpieza y de mantenimiento, no nos vio nadie. Pero en ese festival Lollapalooza participaron, por ejemplo, los Red Hot Chili Peppers, Soundgarden y participó Ministry, que tuvo una presentación maravillosa porque salieron a tocar como con siete o nueve guitarristas… Era un sonido así que a todos los que estábamos ahí así el cabello literal se nos iba para atrás. En cuanto a sonido, para ‘El borrego’, nos dejó marcados escuchar a Ministry en vivo.
Rubén Albarrán: “[Sobre la temática de la canción] hubo una ocasión en que un muchacho se le acercó a Meme y le dijo algo muy similar a lo que dice la canción. Era un chavo que decía: ‘no, yo soy neonazi, soy punk y soy ecologista…’ y, o sea, era todo ese chico. Entonces, un poco haciendo referencia a esa situación, Meme compuso esa canción. Y pues sí, es muy gracioso que también era otra cara de esa multiculturalidad malentendida, que proviene como desde la ignorancia tal vez, pero bueno”.
El trabajo con Gustavo Santaolalla
Sopitas.com: Además, Re de Café Tacvba tiene como productor a Gustavo Santaolalla, que es igual un icono totalmente de la música latinoamericana. Él estuvo en el primer disco también… ¿Qué se le aprendió a Gustavo Santaolalla en ese proceso entre un disco y otro?
Rubén Albarrán: “Nosotros veíamos lejano grabar un disco. Entonces, sí le aprendimos todo a Gustavo y ha sido un gran maestro. Nos enseñó de todo, desde el estudio, de las herramientas, desde lo más profundo de la música, de la estructura de las canciones, de los sonidos, de los instrumentos. Fue algo muy afortunado trabajar con Gustavo, porque él en aquella época producía discos, pero también trabajaba haciendo jingles en Estados Unidos.
“Él, aún siendo argentino, ya había tenido contacto con muchos otros tipos de música. Claro, él en su juventud, tuvo a su grupo Arcoíris y llegando a Estados Unidos, también desarrolló proyectos musicales, pero ese detalle de ser ecléctico creo que proviene de ese, de ese otro lado en el que él se desarrolló”.
La nostalgia de los primeros días
Sopitas.com: ¿Qué extrañas de los primeros días de cuando empezaba Café Tacvba? ¿O de esos días del primer disco, de Re y los 90 en general?
Rubén Albarrán: “Tal vez las personas que vivimos aquella época somos muy nostálgicos y podríamos estar como muy apegados a lo que vivimos, a lo que experimentamos. Claro que ahora hay cosas muy valiosas e interesantes, pero en esa época vivíamos cosas muy hermosas. Una de ellas es el misterio. Había mucho misterio alrededor de la música.
“En aquella época tal vez renegábamos de ello, pero ahora lo valoro mucho. ¿Qué es el misterio? Venían reportajes en revistas y te hablaba, no sé, de los Sex Pistols, veías una foto de ellos y decías: ‘no mames, wey, guau, ¿qué tocan, wey? ¿Cómo tocan?’.
“De igual forma, comprar un disco, pues había que ahorrar. Llegaba el disco un año después, ahorrabas, te comprabas otro disco y lo abrías y olías… era delicioso. Era un olor que, entonces, lo valorabas mucho. Y ese disco te tenía que durar tal vez tres meses en lo que volvías a juntar para comprar otro disco. Y bueno, los discos se los prestabas a un amigo y lo grababas con una grabadora.
“Era un misterio alrededor de la música que era muy hermoso. Me encantan los misterios de esa época y experimentar ese misterio”.
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En medio de su estudio de ensayo, buscando desesperadamente una señal estable de internet, Paco Huidobro aparece en Zoom con un sombrero de palma y el username “La Cucaracha”. “Acá en el solazo, quema este sillón”, bromea entre risas antes de comenzar a hablar con EL INFORMADOR sobre el presente de Fobia y su presentación del 21 de mayo en el Auditorio Telmex. Celebran 40 años de carrera.
Lejos de la nostalgia fácil, Huidobro asegura que la banda atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. “Este show lo llevamos preparando desde septiembre. Imagínate cuánto tiempo le he invertido a sacar esto adelante. Está sonando mejor que nunca”, afirma.
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La agrupación tiene montadas alrededor de 35 canciones para esta nueva etapa, apoyándose en tecnología que antes parecía imposible para el grupo. “Ahora sí puedo hacer las cosas tal y como me las imaginaba. Tener las consolas automatizadas, los efectos sincronizados, todo conectado. Cada movimiento en una canción requiere que una computadora mande cambios al sintetizador, a la batería, a la consola. Es muy laborioso, pero me apasiona muchísimo”.
Fobia celebra 40 años de trayectoria y una de sus etapas musicales más sólidas
El músico compara esa complejidad actual con los años iniciales de la banda tocando en Rockotitlán (legendario foro de rock mexicano fundado originalmente en 1985) con equipo mínimo.
“Veo cuando empezábamos a tocar con seis canales y unas bocinitas chiquitas y luego escucho lo que estamos grabando ahorita en los ensayos… sí está mejor que nunca”.
Antes del concierto, Paco también piensa en Guadalajara como un espacio afectivo. Muchas amistades y rituales personales lo mantienen unido en la ciudad. “Siempre me gusta ir a comer, visitar amigos, ir a ver a Jis y a Trino. Tengo cita con ellos para ir a comer. Me encanta Guadalajara”.
La conversación inevitablemente lleva a la dinámica interna de Fobia, una banda históricamente marcada por pausas, diferencias y reconciliaciones. Paco no evade el tema y define al grupo como una “familia disfuncional”. “Todos venimos de familias disfuncionales e hicimos una familia más disfuncional que es un grupo de rock”.
Sin embargo, también reconoce que el paso del tiempo ha ayudado a entender los roles dentro de la banda.
“Es como todas las relaciones humanas. Uno lleva el timón, otro iza las velas, otro suelta el ancla. El problema es cuando unos quieren el lugar de los otros. Ya con los años vas entendiendo quién hace mejor cada cosa”.
Parte importante de esta nueva etapa es la incorporación del baterista Elohim Corona, a quien Paco no duda en calificar como el mejor músico con el que ha trabajado. “Estoy disfrutando muchísimo tocar con el mejor baterista que he visto en mi vida”. Huidobro destaca el entendimiento musical y humano que encontró con él. “Hay músicos que tocan increíble y le pegan a todo lo que se encuentran. Elohim no. Él está al servicio de la canción. Tiene una filosofía parecida a la mía”.
La admiración se extiende a detalles específicos de ejecución y sonido. “La afinación es brutal. La batería ya no tiene un solo sonido uniforme. Cada parte tiene personalidad. El resultado es brutal”. También explica que la convivencia durante los ensayos ha sido determinante para mantener el entusiasmo. “Los ensayos son muy amenos. Yo aprendo mucho de él y él aprende mucho de mí. Siempre que hay algo nuevo hay entusiasmo”.
Paco Huidobro explica por qué Jay de la Cueva no forma parte de la nueva etapa de Fobia
Uno de los temas inevitables alrededor de esta nueva alineación es la ausencia de Jay de la Cueva. Paco responde sin rodeos cuando se le pregunta por qué no forma parte de esta etapa. “Porque no me convenía, la verdad”. Tras una pausa, desarrolla la idea. “Yo ya no me puedo ajustar a los tiempos de alguien más. Si quiero hacer esto es ahora y de esta manera. Lo respeto mucho y viví cosas padrísimas con él, pero en este momento no podía adecuarme a sus tiempos”.
Aunque Fobia volvió a los escenarios, la posibilidad de grabar música nueva sigue siendo incierta. Paco reconoce que tiene canciones, pero admite que la lógica tradicional de la industria ya no le interesa. “Siempre tengo muchas canciones, pero entrar otra vez al ritmo de la industria… hagan un álbum, hagan promoción… híjoles, no”.
Para él, la experiencia de las disqueras terminó convirtiendo a los músicos en vendedores. “Uno empieza queriendo ser músico y la disquera te trata como vendedor de Avón”.
Recuerda con ironía las entrevistas promocionales de los primeros años. “Íbamos a hacer promoción y las preguntas eran: ‘¿Quién tiene más novias?’ Pura pregunta pendeja”. Huidobro asegura que hoy disfruta otros aspectos de la música. “A mí lo que me gusta es mi estudio, las máquinas y tocar. Cuando empezamos a improvisar algo en el ensayo, esos son los momentos que me prenden”. Y remata con una crítica frontal a los formatos promocionales tradicionales. “No quiero ir al programa de la mañana, luego al concurso donde cambian pañales y después toca el grupo. Qué horror”.
Paco Huidobro recuerda el disco “Leche” y reflexiona sobre la creatividad, el arte y la fama
La charla también deriva hacia “Leche”, tercer disco de la banda publicado en 1993 y que Paco considera uno de los momentos creativos más importantes de la banda, aunque reconoce que fue poco comprendido en su momento. “Con el tiempo te das cuenta de que no estabas adelantado a tu época, sino en el lugar atrasado”, exclama entre una risa burlona.
El álbum fue grabado en Nueva York, en el estudio Magic Shop, rodeados de una escena artística que terminó impregnando el sonido del disco. “Absorbimos muchísima cultura. Veíamos música brasileña, DJs, arte, cine, exposiciones. Todo eso se volvió parte del disco”.
Recuerda especialmente las experiencias fuera del estudio: festivales, galerías y encuentros con figuras del arte contemporáneo. “Me acuerdo mucho de ayudar a Antony Gormley a montar una exposición. Llegó un camión con 10 mil piezas de cerámica y ahí estaba él diciendo dónde poner cada cosa. Son momentos que se te quedan grabados”.
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También habla de cómo Nueva York transformó su forma de entender la música y el arte. “No ves al artista como alguien inalcanzable, sino como alguien trabajando contigo”.
Aunque “Leche” no alcanzó la recepción masiva de otros discos de Fobia, Paco parece reconciliado con ello. “Obviamente no iba a ser un disco muy comprendido”.
Y fiel a su estilo, termina dejando una frase que resume buena parte de su visión artística y personal.
“Yo no estoy hecho para que me comprendan, sino para que me amen”.
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Lady Gaga avisó al inicio de su nueva era musical que la categoría era “bailar o morir” y después de elegir tantas veces la primera, era el momento de presenciar lo segundo para despedir su disco ‘MAYHEM’ a través de un concierto documental en el que simula un descenso a los infiernos.
La estrella estadounidense presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem’, una reinterpretación de su séptimo disco de estudio en solitario, cuyo adelanto ofreció de manera exclusiva en un encuentro íntimo el pasado 14 de enero en la sala Wiltern de Los Ángeles.
Si bien ‘MAYHEM’ supuso como el renacer de su etapa pop-dance más popular, en el que volvía a abrazar sus pensamientos intrusivos, esta reinvención pretende rendir un homenaje a esta era y prepararse para su acto final.
Bajo un tono sombrío, con parte del decorado de la gira que todavía sigue realizando por todo el mundo, la artista evocó un universo parecido al ‘Upside Down’ (El Mundo del Revés) de Stranger Things.
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El rito mortuorio en cada disco de Gaga
Vestida de luto y ocultando su rostro bajo un velo frente a un escenario de columnas destruidas, Gaga apareció en escena como la suma sacerdotisa para ofrecer un espectáculo inédito en forma de rito funerario.
Sin dejar atrás sus atuendos estrafalarios, pero alejada de sus coreografías frenéticas, Gaga versionó las canciones que componen ‘MAYHEM’ al son de ritmos experimentales que recordaban a grupos como Daft Punk.
Este nuevo ADN bebió de influencias del metal industrial, alejando el show de cualquier estructura convencional de concierto que acostumbra a seguir Gaga, con solo cinco músicos acompañándola sobre el escenario entre sintetizadores y un órgano de iglesia.
Gaga alternó instrumentos clásicos con efectos electrónicos para convertir el espacio en un templo dedicado a la introspección más profunda del dolor en temas como ‘Desease’ el aclamado ‘Abracadabra’.
A diferencia de sus giras mundiales, la puesta en escena que ofreció fue más estática, simulando una ópera profanada en la que solo los juegos de luces daban dinamismo a una Gaga que se movía en el espacio para tocar instrumentos, cantar y acompañar a los músicos.
En el tramo final de este íntimo concierto, el luto se transformó en un casco metálico futurista con la mezcla de la balada ‘Die With a Smile’ con un sonido de electrónica nocturna.
Con este nuevo proyecto, la estrella del pop-dance parece dar carpetazo a una guerra interna personal con la que ha estado viajando en el último año; un rito en el que sobrevivió a su propio desorden para poder navegar hacia otro horizonte.
Tras una reverencia final, Gaga desapareció entre las sombras del teatro bajo un mensaje de despedida: descanse en paz.
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Llega el fin de semana y a partir de este viernes 15 de mayo habrá diferentes eventos para el entretenimiento de los tapatíos, desde conciertos, obras de teatro hasta espectáculos circenses. Conoce cuáles son los eventos que se realizarán en los recintos más importantes de la ciudad en la selección de Buena Vida Life & Style y elige el mejor para tu diversión y el de tu familia.
J. Balvin
El cantante colombiano regresa a los escenarios para cantar en vivo y en su gira por México visita Guadalajara para dar un concierto, en el que se escucharán sus recientes canciones así como sus temas más famosos. Disfruta de una noche de gran energía, éxitos y reguetón puro.
Arena VFG.
17 de mayo, 20:00 hrs.
De $ a $2,084.
Fobia
Una de las bandas más representativa del rock alternativo mexicano regresa a la escena musical para ofrecer un concierto en las principales ciudades del país. Celebra la hermandad musical que ha definido generaciones y disfruta de una noche de éxitos, que revivirán una época.
Auditorio Telmex.
21 de mayo, 21:00 hrs.
De $450 a $1,800.
Álex Ubago
El cantautor español celebra 25 años de trayectoria con su gira ¿Qué pides tú? Y visita la Perla Tapatía para dar un concierto y consentir a sus fans con las canciones más famosas de su carrera así como los temas más recientes. Disfruta de una noche de pop romántico en una velada íntima, acompañada de nostalgia y emoción.
Teatro Diana.
16 de mayo, 21:00 hrs.
De $600 a $2,200.
Edith Márquez
La cantante pisa por primera vez el escenario de la Arena Guadalajara para ofrecer el concierto, en el que celebra a las mamás con su inigualable voz. Dentro de su gira Eterna e inolvidable, promociona su reciente producción homónima que hace un homenaje a Rocío Dúrcal, además de interpretar sus emblemáticos éxitos, acompañada por mariachi y orquesta.
Arena Guadalajara.
15 de mayo, 21:00 hrs.
De $440 a $3,514.
Titizé, a venetian dream
La compañía Finzi Pasca presenta este espectáculo de circo, danza y teatro, bajo la dirección de Daniele Finzi Pasca. Inspirado en el lenguaje de los sueños, propone un universo poético y surreal. A través del clown, la acrobacia, el movimiento y máquinas escénicas, se construye un montaje que mezcla tradición e innovación. Goza de un viaje sensorial lleno de asombro y emoción.
Conjunto Santander de Artes Escénicas.
21 y 22 de mayo, 20:30 hrs. 23 de mayo, 13:00 y 19:30 hrs. 24 de mayo, 12:30 y 17:00 hrs.
De $650 a $1,300.
Grupo Frontera
Dentro de su gira internacional Triste pero bien c*brón tour, la agrupación de música mexicana regional se presentará en la ciudad para brindar un concierto, en el que promociona su tercer álbum de estudio “Lo que me falta por llorar” conformado por 12 temas. Disfruta de una noche de sonido norteño-cumbia de una de las agrupaciones más influyentes del género.
Arena Guadalajara.
21 de mayo, 21:00 hrs.
De $753 a $4,685.
Remmy Valenzuela
En el marco de su gira Desde el rancho Tour 2026, el cantante sinaloense brindará una noche de concierto, llena de música de acordeón, sentimiento y corazón norteño. Goza de una velada de música en vivo, donde la esencia de historias de amor, desamor, orgullo y vida ranchera revestirán la atmósfera del recinto.
Auditorio Telmex.
15 de mayo, 21:00 hrs.
De $400 a $2,650. $3,800 VIP.
Leyendas del Mariachi
Es una gala musical que rinde homenaje a la grandeza del mariachi y la riqueza cultural nacional, en la que participarán agrupaciones como el Mariachi Estrella de México, Mariachi Femenil Estrella de México y Leyendas del Mariachi. Disfruta de una noche llena de tradición con la música mexicana que enaltece las raíces y el orgullo de ser mexicano.
Palcco.
15 de mayo, 20:30 hrs.
De $800 a $1,600.
Borrachas, pero buenas muchachas
“La dama de la comedia” Cessy Casanova y “La Chupitos” Liliana Arriaga ofrecerán este espectáculo, en el que te harán reír con su incomparable humor, cada una con un estilo diferente, pero la misma intención de hacer reír con este increíble show. Diviértete con una noche repleta de risas y buen humor.
Teatro Galerías.
16 de mayo, 21:00 hrs.
$450, $550, $650 y $750.
Otros Eventos
Esquizofrenia
Teatro Galerías. 15 de mayo, 20:30 hrs. $400, $550 y $650.
Chesdana
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 15 de mayo, 21:00 hrs. $350.
Dos pianos y un alma
Palcco. 16 de mayo, 17:00 hrs. $350.
Johnn Williams Sinfónico
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 16 de mayo, 20:00 hrs. De $400 a $1,000.
OHIR Programa 5: Ciclo de piano-tripe concierto de Beethoven
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 16 de mayo, 19:30 hrs. De $150 a $230.
Un cardumen en el cielo y una parvada en el mar
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 17, 24 y 31 de mayo, 11:00 hrs. $350 bebé + acompañante. $200 acompañante extra.
31 Minutos-Tributo Oficial
Teatro Galerías. 17 de mayo, 13:30 y 16:30 hrs. $300, $350, $400 y $450.
Marc Martel: One Vision of Queen
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 17 de mayo, 18:00 hrs. De $700 a $2,000.
Leyendas Gruperas: Los Yonic’s, Los Freddys y Los Muecas
Auditorio Telmex. 17 de mayo, 19:00 hrs. De $400 a $1,600. $2,400 VIP.
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