El Estadio Panamericano encendió sus luces para la música en vivo y lo hizo con una convocatoria multitudinaria. Miles de personas llegaron desde tempranas horas para presenciar el regreso de Ricky Martin a Guadalajara, en un concierto que no solo reunió generaciones de seguidores, sino que también marcó el retorno de grandes espectáculos musicales al inmueble conocido como la casa de los Charros de Jalisco.

Desde la tarde, las inmediaciones del recinto comenzaron a llenarse de asistentes que arribaron en pareja, familias completas y grupos de amigos. El flujo constante provocó complicaciones viales en las calles aledañas, mientras vecinos de la zona y los llamados “viene viene” aprovecharon la alta demanda ofreciendo espacios de estacionamiento que alcanzaron hasta los 500 pesos.

La expectativa era evidente entre el público. Entre los asistentes destacó el club de fans “365 días”, integrado por alrededor de doce personas que acudieron uniformadas con playeras negras estampadas con el rostro del cantante puertorriqueño. Para ellos, la cita era obligada.

“Amamos a Ricky, está guapísimo, es el mejor cantante. Siempre que vienes a Guadalajara lo vemos. Las canciones que no pueden faltar son ‘Una mordidita’, ‘María’ y ‘Vuelve’”, compartieron emocionados mientras esperaban el inicio del espectáculo.

El concierto también se convirtió en un punto de reunión para amistades. Viridiana Sandoval asistió junto a ocho compañeros de trabajo, unidos por la admiración hacia el artista. “Siempre es un placer ver un concierto de Ricky Martin. Somos amigos del trabajo y nos une el amor por Ricky”, comentó antes de ingresar al estadio.

El alcance del espectáculo quedó reflejado en quienes viajaron desde otras ciudades únicamente para la presentación. Las hermanas Rosales —Sandra, Gabriela y Adriana— llegaron desde León para reencontrarse con el cantante al que siguen desde la infancia.

“Desde chiquitas somos fans de él. Con este han sido cinco veces las que hemos asistido a uno de sus conciertos. Ahora gastamos por las tres entradas alrededor de 20 mil pesos. Llegamos a Guadalajara al concierto y al terminar nos vamos conduciendo a nuestra casa”, relataron.

Entre la multitud también hubo historias más personales. José decidió regalarle la experiencia a su esposa María como sorpresa. “Le regalé el boleto a mi esposa. Ama desde adolescente a Ricky. Yo la verdad no soy tan fan de él. Eso sí, soy “fifas” y me gusta mucho la canción de ‘La Copa de la Vida’”, dijo entre risas.

Ya dentro del recinto, el espectáculo mantuvo una energía constante durante aproximadamente una hora y media. Ricky Martin apareció animado, recorriendo de extremo a extremo el escenario y bailando continuamente junto a su grupo de bailarines. El despliegue visual, acompañado por gráficos y juegos de luces, reforzó la atmósfera festiva, mientras las cámaras captaban a los asistentes para proyectarlos en las pantallas gigantes, provocando reacciones eufóricas entre el público.

El repertorio incluyó varios de sus éxitos mundiales, aunque no todo dejó plenamente satisfechos a los asistentes. Algunas canciones como “Adrenalina”, “A medio vivir”, “La Mordidita” y “Vente Pa’ Ca” fueron interpretadas en versiones más cortas respecto a sus grabaciones originales, lo que generó comentarios encontrados entre los espectadores. A ello se sumó que temas emblemáticos como “Livin’ la Vida Loca” fueron cantados en inglés, decisión que no terminó de convencer a parte del público que esperaba escucharlas en español.

Pese a esos matices, el cierre logró unificar nuevamente la emoción colectiva. “La Copa de la Vida” desató coros multitudinarios entre luces, pirotecnia y el entusiasmo generalizado del estadio. En la recta final, el cantante dedicó palabras de agradecimiento a sus bailarines y al público tapatío.

“Muchas gracias Guadalajara. Te quiero con el alma. Una noche inolvidable. Gracias, gracias, gracias”, expresó antes de despedirse, sellando una velada.

Una mordidita de pasión en tierras tapatías

¡Ricky Martín, cantó y encantó! El intérprete aterrizó en Guadalajara y reunió a más de 15 mil personas en el Estadio Panamericano con su gira “Ricky Martín Live 2026” con la cual repasa toda su carrera. 

Minutos después de las 21:40 horas, y tras un breve intro proyectado en las pantallas laterales, el artista apareció acompañado por sus músicos y un grupo de bailarines. La reacción fue inmediata: gritos, aplausos y celulares al aire marcaron el inicio de una velada que pronto se convirtió en una fiesta colectiva.

Vestido inicialmente con un traje negro y pantalones amplios, Ricky Martin abrió el concierto con “Pégate”, detonando la energía del público desde los primeros compases. El espectáculo avanzó entre coreografías, efectos visuales y ráfagas de pirotecnia que reforzaron el carácter festivo del show.

“¿Qué pasa Guadalajara, están listos para gozar esta noche?”, lanzó el cantante como primer saludo, provocando una respuesta ensordecedora que anticipaba la conexión que mantendría durante toda la presentación.

A lo largo del concierto, el intérprete alternó momentos de intensidad bailable con pausas más emotivas. En una de sus intervenciones más extensas, compartió con el público el entusiasmo que significaba regresar a la ciudad:

“Buenas noches Guadalajara cómo estás. Estoy feliz de estar de vuelta con sus sonrisas adictivas. Hace una semana me dijeron que tenemos que cancelar y dije claro que no. Yo voy a Guadalajara. Hoy celebramos aquí la vida y el amor a través de la música; ustedes me han apoyado. Así que no hay excusa, esta noche cantamos y bailamos. ¿Verdad que se puede cantar en Guadalajara? ¡Te amo Guadalajara! Vámonos”.

El espectáculo también destacó por la constante transformación visual del artista. Ricky Martin realizó al menos seis cambios de vestuario, alternando entre trajes en tonos blancos y negros y atuendos más ligeros que acompañaban las distintas atmósferas musicales del repertorio.

Durante poco más de hora y media, el concierto se sostuvo sobre un setlist de 21 canciones que repasaron algunos de los mayores éxitos de su trayectoria. Temas como “María”, “Vuelve”, “Shake Your Bon Bon”, “La Bomba”, “A medio vivir”, “Livin’ la Vida Loca” y “La Copa de la Vida” desataron los momentos de mayor euforia, coreados prácticamente de principio a fin por el público tapatío.

CT

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OB
 

En el Programa 7 de la Orquesta Filarmónica de Jalisco (OFJ), el director invitado Jorge Mester encara un recorrido que atraviesa el siglo XIX y el XX desde una misma pregunta: qué puede decir hoy la música sobre la vida.

El programa reúne “Los preludios” de Franz Liszt, el “Concierto para piano núm. 4” de Ludwig van Beethoven -con el solista Robert Thies- y la “Sinfonía núm. 6” de Dmitri Shostakóvich. Tres obras que, en distintos momentos históricos, abrieron tensiones formales y expresivas que aún siguen presentes en la escucha contemporánea.

En este contexto, Mester se detiene primero en Liszt y en la invención del poema sinfónico como forma. “Los preludios”, concebidos a partir de ideas literarias, condensan una visión de la existencia donde la música no solo organiza sonidos, sino que propone una lectura de la experiencia humana. “Es un poema sinfónico. Los poemas sinfónicos están basados en temas literarios y esta obra dura unos 17 minutos”, explica el maestro, en entrevista con EL INFORMADOR. “Tiene varias partes: una es primavera y amor, otra es tempestades de la vida -puras cosas románticas-, y otra es consolación de la naturaleza. Así que es muy romántico”.

La vigencia de esa forma, sin embargo, no se presenta como una continuidad lineal. Para Mester, el poema sinfónico pertenece a un momento histórico preciso, aunque sus resonancias puedan extenderse. “Es como la vida. Cada uno nace, crece y después se muere. Así que no conozco muchos poemas sinfónicos ahora, pero sí hay. Yo creo que los compositores modernos tienen programas literarios, estoy seguro. Pero el olor del romanticismo, naturalmente, ya no existe, ¿verdad? Pues así es la vida. No hay ideas barrocas, no hay ideas clásicas. Hay de todo”.

Esa transformación en las formas musicales se vuelve más evidente al pensar en el presente. Frente a un panorama donde la producción sonora puede generarse desde algoritmos o inteligencia artificial, el director insiste en un elemento que no puede sustituirse: el alma, el corazón palpitante, la inspiración humana. “Se necesita, yo creo, un corazón que late para poder alcanzar al público con música”, afirma. La idea no se plantea desde la nostalgia: es una condición de la experiencia musical. Aquello que conecta con el oyente no es solo la estructura, sino la intensidad humana que la atraviesa.

Violento con la orquesta, dulce con el piano

En el caso de Beethoven, el programa se desplaza hacia una relación distinta entre forma y expresión. El “Concierto para piano núm. 4” introduce una ruptura en la tradición del género al iniciar con el solista, sin la exposición orquestal previa. Para Mester, esa decisión responde a una lógica más profunda dentro de la obra. “Es cosa increíble. Y la orquesta entra con otro matiz completamente diferente. El segundo tiempo es una cosa increíble: es violento con la orquesta y tierno con el piano. Así que a mí me encanta esa obra más que cualquier otro concierto de piano”.

La lectura que propone el director se centra en los contrastes internos de la pieza, en la manera en que el conflicto se articula dentro del propio lenguaje musical. El diálogo entre piano y orquesta no se limita a un intercambio de protagonismo; construye una tensión entre fuerzas opuestas -violencia y lirismo, impulso y contención-. La presencia del pianista Robert Thies, con quien Mester ha trabajado en distintos escenarios, refuerza la dimensión interpretativa. La ejecución del concierto, explica, se construye desde la preparación de la orquesta y la capacidad de adaptación en el momento mismo del encuentro. 

La música no aparece nunca como un resultado fijo; es un proceso vivo que se ajusta en tiempo real.

Forma, tensión y ambigüedad

El programa concluye con la “Sinfonía núm. 6 de Shostakóvich”, una obra que desde su estreno generó desconcierto por su estructura inusual. En lugar de una progresión heroica, presenta un amplio movimiento lento seguido por dos movimientos breves y contrastantes. 

Exige del oyente una escucha atenta, capaz de sostener la ambigüedad entre lo solemne y lo irónico, entre lo introspectivo y lo aparentemente ligero. El primer movimiento, de gran extensión, construye un espacio de tensión contenida, mientras que los movimientos finales introducen un tono que puede leerse como desplazamiento o incluso como ruptura.

Para Mester, esta disposición no puede reducirse únicamente a una lectura política, aunque el contexto soviético sea inevitable. “Se ha escrito mucho sobre si es burla o si es música, pero de todos modos sirve por sí sola, sin atribuciones políticas. Es interesante. Shostakóvich hizo algo, un testamento político, pero lo importante es que, de todos modos, es pura música”.

Sin duda, la música atraviesa el programa como pensamiento: reflexión en Liszt, tensión en Beethoven y ambigüedad en Shostakovich. Para Mester, interpretarla depende del cuerpo y la experiencia. Más que repertorio, el concierto propone una escucha viva que conecta pasado y presente.

La batalla interna de la música

La Orquesta Filarmónica de Jalisco se presentará este jueves 19 de marzo a las 20:30 horas y el domingo 22 a las 12:30 horas en el Teatro Degollado, con boletos disponibles desde 100 pesos en taquillas y a través de Boletomóvil.

CT