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Jerry Cantrell regresa al grunge con intensidad

Published

4 horas ago

octubre 18, 2024

Lo que necesitas saber:

Jerry Cantrell, miembro de Alice In Chains, lanza hoy su mejor disco de estudio, una maravilla de grunge y hard rock que tienes que escuchar.

Jerry Cantrell, el maestro de los riffs melancólicos y la voz rasposa de apoyo de Alice in Chains, está de vuelta con I Want Blood, su primer disco en solitario desde Brighten (2021). Este es un viaje sonoro a lo más obscuro del grunge, con una sensación noventera ineludible que se siente potente y tiene bases de rock clásico y hasta stoner rock.

Olvidémonos del rollo más bluegrass que experimentó en Brighten, ya que Cantrell vuelve a sus raíces grungeras en este nuevo disco. Imagina una mezcla entre el sonido pesado directo y pesado de Boggy Depot (1998) y las atmósferas pesadas de Degradation Trip (2002), con riffs densos, melodías que se te clavan en el cerebro y la inconfundible voz de Jerry. Este es el disco de Jerry Cantrell que mejor engloba su carrera solista.

En producción está nada más y nada menos que el genio Joe Barresi, quien ha producido a Tool, Queens of the Stone Age, Slipknot y por supuesto que Alice In Chains. A pesar de que conviven varios instrumentos, el disco suena impecable y balanceado, con una atención especial en los riffs y la voz de Jerry en varias capas.

El maestro de los riffs lanza un disco imperdible

El disco abre con la intensa “Vilified”, un temazo que te golpea directo al estómago con su energía cruda y un coro estrictamente grungero. A pesar de ser algo bastante metalero, Jerry lo hace bastante digerible para que le entre cualquier amante del hard rock y grunge. Las voces tétricas tienen similitud con algo de System Of A Down en los precoros, algo genial:

“Off the Rails” y “Let It Lie” siguen por la misma línea, con riffs que te recordarán a los mejores momentos de Alice in Chains como en “Them Bones” y “Angry Chair“. Cantrell no le baja a la intensidad durante el disco, aunque cubre diversas emociones y tiene lados más introspectivos. La guitarra icónica de Jerry Cantrell, una G&L Rampage, luce a lo largo del disco con efectos maravillosos y bien cuidados como distorsiones, wahs y flangers.

No todo es oscuridad y distorsión. Cantrell también nos regala momentos más reflexivos, como en “Afterglow” y “Echoes of Laughter”, una balada acústica que muestra su sensibilidad al hablar del bien y el mal, frente al paso del tiempo. El hard rock brilla en rolas como “Throw Me a Line”, una rola en la que eleva su voz y muestra la potencia del género, con efectos de wah que van a la perfección.

El rock no está muerto con íconos como Jerry Cantrell

Este es un gran disco de Jerry Cantrell que complace seguramente a los fans de Alice In Chains, Soundgarden o Pearl Jam, pero también a los hard rockeros y metalheads que buscan similitudes con bandas como Gotthard, o SOAD. Cantrell demuestra que sigue en plena forma a sus 58 años, componiendo temazos que te atrapan desde la primera escucha con un enfoque en la guitarra distorsionada.

Las letras que Cantrell escribió dan mensajes claros y consistentes sobre relaciones, la vida y sentirse empoderado con el rock de fondo. Este disco es excelente para manejar en carretera, o simplemente para llenarte de energía a base de guitarrazos y una voz rasposa clásica del grunge.

El paso de tiempo también es un tema esencial en la música de Cantrell, y lo vemos en la letra de la canción que da nombre al disco, y que confronta el paso del tiempo a la perseverancia de Cantrell: “Time, and so it goes, time, all the races run, time, I’m in control”.

Para conmemorar la salida de este álbum, Jerry Cantrell kanzó varias ediciones físicas del álbum, que pueden conseguir por acá. Cantrell tiene varios planes, entre los que se especula que lance un disco con Duff McKagan, y tan solo podemos esperar a que se concrete pronto.

Actualmente tiene una gira en Estados Unidos y esperemos que venga a nuestro país pronto para presentar este discazo.

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Esta es la mejor canción de Miguel Aceves Mejía, según la Inteligencia Artificial

Published

2 horas ago

octubre 18, 2024

Luis Ontiveros

Miguel Aceves Mejía fue un cantante y actor mexicano de la época dorada del cine nacional, conocido por su voz potente y emotiva.

Su versatilidad en la música le permitió no solo interpretar canciones de todos los géneros folclóricos mexicanos, también escribió canciones como “Mi chorro de voz” y “Corrido de Pancho Villa”.

También conocido como “El rey del falsete”, nació en 13 de noviembre de 1915. Debido a la ausencia de su padre, quien murió cuando tenía tan solo cuatro años de edad, y a dificultades económicas, Miguel se vio en la necesidad de trabajar desde pequeño. Sus primeros trabajos incluyen bolero, vendedor de periódico y ayudante mecánico.

En esta última ocupación, el mexicano conoció su gusto por el canto, donde se destacó a pesar de su tartamudez. Sus amigos y compañeros lo animaron a construir una carrera en la música, impulsándolo a participar en un concurso organizado por Ford Motor Company.

Durante su trayectoria artística participó en 64 películas. Su legado ha perdurado a lo largo de los años, impactando la cultura mexicana.

Miguel Aceves Mejía murió el 6 de noviembre del 2006 de una neumonía, a la edad de 90 años. Su cuerpo fue homenajeado en el Palacio de Bellas Artes.

¿Cuál es la mejor canción de Miguel Aceves Mejía según la Inteligencia Artificial?

La Inteligencia Artificial señaló que “es difícil elegir solo una canción como la ‘mejor’, ya que depende del gusto personal y las preferencias musicales”. Sin embargo, en su respuesta calificó a “La Malagueña” como una de las mejores, argumentando lo siguiente:

Es una de sus interpretaciones más reconocidas.
Es un ejemplo perfecto de su estilo vocal.
Es una canción que ha trascendido generaciones y sigue siendo popular.

Por otro lado, también destacó las siguientes melodías:

“El Pastor”: Una balada emotiva que muestra su habilidad para transmitir sentimientos profundos.
“La Cucaracha”: Una versión icónica de esta canción mexicana.
“El Mariachi”: Una oda al mariachi, la música y la cultura mexicana.
“La Valentina”: Una canción tradicional mexicana que él interpretó con pasión y energía.

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ESTE miembro de BTS terminó el servicio militar

Published

6 horas ago

octubre 18, 2024

Luis Ontiveros

De a poco, los integrantes de BTS concluyen su servicio militar obligatorio. El segundo miembro en acabar este proceso, tras 18 meses, es J-Hope, quien se une a Jin como los únicos dos que han acabado el trámite.

J-Hope fue recibido por la prensa y el propio Jin, quien le entregó un ramo de flores, frente a la puerta principal del campo de entrenamiento de la 36.ª División de Infantería del Ejército en Wonju, a unos 90 kilómetros al sureste de Seúl.

“Durante mis 18 meses de servicio militar, cumplí funciones de instructor y marché mucho, por lo que vi a muchos ciudadanos de Wonju. Quiero agradecer a los ciudadanos que saludaron y vitorearon a los soldados. Fue muy conmovedor”, dijo J-Hope en declaraciones recogidas hoy por la agencia surcoreana Yonhap.

Jin, quien cumplió el servicio en junio, fue el único miembro del grupo que pudo acudir a su encuentro ya que Suga, RM, Jimin, V y Jungkook están todavía realizando dicho servicio, antes de que la banda pueda volver a reunirse en 2025.

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Portando uniforme y gorra militar, J-Hope hizo un saludo a los periodistas allí congregados, mientras que la agencia de representación del grupo, BigHit Music, pidió a sus seguidores que no visitaran la zona para evitar aglomeraciones.

J-Hope, cuyo verdadero nombre es Jung Ho-seok, fue el segundo miembro del grupo en cumplir con la prestación militar -obligatoria en Corea del Sur para todos los varones- después de Jin, el integrante de más edad de BTS que se uniera a filas en diciembre de 2022.

Se espera que tanto Jin como J-Hope se centren en sus carreras individuales hasta el regreso oficial del grupo.

BTS anunció en 2022 que se tomaría un descanso al menos hasta 2025, un periodo que sus siete miembros vienen aprovechando para centrarse en proyectos personales y realizar dicho servicio.

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Japandroids finaliza una discografía sólida con un grito nostálgico

Published

10 horas ago

octubre 18, 2024

Luis Ontiveros

Lo que necesitas saber:

Con su cuarto disco de estudio en 15 años, Japandroids llega a su fin. Las 10 canciones que cierran su carrera nos dejan con ganas de más. Analizamos Fate & Alcohol.

Este 2024 nos ha quitado proyectos como black midi, NOFX y Rage Against the Machine (una vez más) y ahora, los canadienses de Japandroids se despiden con Fate and Alcohol, su último disco de estudio. El dúo compuesto por Brian King (guitarra, voz) y Dave Prowse (batería, voz) comenzó en 2009 una discografía breve pero sólida, con un sonido garage crudo y distorsionado que pronto captó la atención global.

Hoy, con su cuarto disco de estudio en 15 años, los Japandroids llegan a su fin. Las 10 canciones que ponen el punto final a este proyecto nos dejan con ganas de más, porque el dúo lo hizo muy bien, siguen tocando los temas que nos hicieron seguirles, y suenan apegados a sus acordes distorsionados y la voz de Brian con melodías clásicas de la banda.

La banda refirió en un comunicado de prensa que para este disco, buscaron ampliar la definición de una canción de Japandroids, dejando los demos bastante abiertos y maleables. Apegados a su sonido, hubo espacio para mejorar sobre su sonido, y la producción es directa y cruda, algo que les va muy bien.

Japandroids deja una excelente despedida con bastante innovación que amplía su sonido

Sonido crudo y explosivo con más sofisticación y momentos fascinantes

Han tenido rolas aceleradas y crudas (“Heart Sweats”, “Evil’s Sway”), y algunas más tranquilas (“I Quit Girls”, “Younger Us”), pero hay un balance en Fate & Alcohol, que se mantiene en una intensidad media y tiene mucho enfoque en letras nostálgicas y los coros pegajosos de Brian.

Quizás su disco indispensable al momento es Celebration Rock (2012), pero Fate and Alcohol parece ser ese que engloba todo lo que Japandroids llegó a ser, con un sentido agridulce, porque se van en la cima. Tal vez les alcanzaba para un disco más.

El dúo toca con más madurez temas recurrentes en su discografía

Fate & Alcohol es un regalo de despedida a los fans, quienes los siguieron a lo largo de 15 años llenos de explosivos shows que incluyeron el Vive Latino y el Corona Capital. Los Japandroids tenían como tema recurrente desde el inicio de su discografía la noche, beber y descontrolarse. Esto, relatando cómo es que por las noches los sentimientos se exageran y extrañan a alguien o se arrepienten del final de una relación.

Si vemos su discografía antes de hoy (3 LPs y un álbum en vivo), encontraremos canciones que parece hubieran sido escritas para este momento, para un eventual final. Y esto sucede en Fate & Alcohol también, en rolas como “Upon Sobre Reflection” y “All Bets Are Off”.

En este disco no cabe duda que los Japandroids no son las mismas personas que hace 15 años, y Brian saca algunas de sus mejores letras desde la madurez y no tanto del reclamo juvenil. En sus mejores momentos, el disco tiene letras fuertes pero sinceras, como en “Upon Sober Reflection”, en dónde escuchamos un mantra directo y repetido: “Don’t wanna know if you love me if you ain’t gonna do something about it”.

Fate & Alcohol se siente en igual medida como una celebración de la aventura, pero también, en el fondo, como un disco sobre la fugacidad de todo. Japandroids se despide con estos 10 tracks, viscerales y apasionados, en la cima de su sonido.

El paso del tiempo frente a un anticipado pero inevitable final

Moviéndose entre el rock clásico y el punk, Japandroids nos cautivó con coros poderosos, riffs distorsionados y la batería intensa y precisa de Dave, con rolas icónicas como “The House That Heaven Built” y “Younger Us”. La dosis queda intacta en Fate & Alcohol, matizada con el final de la banda, lo que admite una doble lectura de sus letras, que además de hablar del amor, puede leerse como un adiós entre ellos mismos.

Este álbum da una sensación mucho más fatalista, hablando del final y la consecuencia de las acciones que tomamos. Brian canta: “Years go by, tears go by, too much to explain”, en “Positively 34th St.”, una rola que habla de una relación amorosa pero que también resume el final de Japandroids.

Fate & Alcohol es sumamente agridulce, ya que los Japandroids suenan impecable, tiene la energía de su primer disco intacta y muchas historias que contarnos, pero es el punto final de su carrera. “One Without The Other” resume esta sensación, y seguramente será una de las rolas más coreadas en su gira de despedida, con Brian y Dave cantando que estarán el uno sin el otro en el futuro.

El momento más innovador del disco llega al final, con la excelente progresión de “All Bets Are Off”, la canción cerradora de la carrera de Japandroids, en la que hablan sobre el cierre inesperado de una situación. Esto les aplica, ya que no empiezas una banda pensando en terminarla, pero están en este momento.

Todavía no sabemos si Japandroids tendrá una gira de despedida, ya que no hay noticias en su sitio oficial. Fate and Alcohol cuenta con algunas versiones físicas, y para completar su colección de Japandroids, pueden comprarlas por acá.