Musica
Arctic Monkeys se aventó un show bastante fino y poderoso en el Corona Capital 2022
Después de un arranque donde el mood emo fue el protagonista, llegamos al segundo día del Corona Capital 2022 con un montón de actos/artistas/bandas que moríamos por ver. Pero sin duda, la razón por la que muchos se lanzaron a la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez fue el regreso a la CDMX de una de las bandas más importantes de los últimos tiempos, ni más ni menos que los Arctic Monkeys.
Luego de checar las grandes presentaciones de Liam Gallagher y Paramore, todo el público corrió para buscar un buen lugar en el escenario principal y tras unos cuantos minutos de espera, Alex Turner, Jamie Cook, Matt Helders y Nick O’Malley aparecieron para regalarnos una noche llena de guitarrazos donde fuimos testigos del pasado y el que quizá sea el futuro de la agrupación. Pero no nos adelantemos.
Los Arctic Monkeys arrancaron su show subiendo y bajando nuestras emociones
Sin mucho tiempo qué perder, los Arctic Monkeys arrancaron con “Sculptures of Anything Goes”, rola de su más reciente material discográfico, The Car y a partir de ahí, su show en el Corona Capital 2022 fue un subir y bajar de emociones. Sin mucho tiempo qué perder, comenzaron a sonar los acordes de “Brianstorm” que por supuesto, hizo que los fans de la vieja escuela de la banda cantaran y brincaran con esos riffs distorsionados y veloces de este verdadero hitazo.
Sin embargo, las cosas se calmaron un poco cuando llegó “Snap Out Of It”, donde Alex Turner empezó a sacar ese lado seductor que tiene y que en los últimos años lo ha caracerizado. Pero eso duró solamente esa canción, ya que la vibra pesada continuó con un combo poderoso en donde juntaron “Crying Lightning” y “Don’t Sit Down Cause I’ve Moved You’re Chair” donde vimos a uno que otro saltando y hasta haciendo headbanging con las pocas energías que les quedaban del día.
Alex Turner nos sorprendió con su actitud y la vibra que traía
Y es que si algo podemos aplaudirle a los Arctic Monkeys es que se aventaron un recorrido bastante fino por toda su discografía, pues hubo algo para prácticamente todos los gustos, para los fans que los siguen desde sus inicios hasta los que se engancharon con ellos hace poco. Para que chequen el dato y dejar muy claro esta parte, hubo un punto en el que sonaron “Why’d You Only Call Me When You’re High?”, “For Out Of Five” y “Arabella”, que le dieron un respiro a todos aquellos que seguramente ya no aguantaban los pies.
A pesar de que no es conocido por ser un frontman vistoso –ya saben, que se avienten al público o animen demasiado a la masa–, pero Alex Turner se veía bastante contento por tocar en la Ciudad de México, y lo dijo en un par de ocasiones, lo cual le dio otra vibra a su show e hizo que conectara con la marea de personas que se juntaron para ver a la banda de Sheffield.
Una banda que en vivo suena brutal
Ya hemos hablado de Alex, pero tampco podemos dejar de lado a los demás integrantes de los Arctic Monkeys: Matt Helders, Jamie Cook y Nick O’Malley, quienes también se lucieron y nos demostraron que son piezas clave para el sonido de la banda. El ejemplo perfecto de esto es “Potion Approaching”, pues sin el trabajo en la batería de Matt, la línea potente de bajo de Nick y los riffs sombríos de Jamie, la cosa sería muuuuy distinta.
Sin duda, el instante en que tocaron “Cornerstone” fue uno de los momentos de lagrimita durante su show en el Corona Capital 2022, porque el público cantó a todo pulmón esta canción (incluso por donde andábamos habían varias parejitas dedicándose este rolón). Pero nada se compara con la vibra e intensidad que se sintió cuando sonó “Do I Wanna Know?”, la canción que muchos estaban esperando y que se les hizo corear como si no hubiera un mañana.
Hubo rolas para fans old school y los más nuevos
Y es que para aquellos que siguen a los Arctic Monkeys desde sus inicios, también sonó algo. Prueba de ello fue el espectacular combo de “Teddy Picker” y “I Bet You Look Good on the Dancefloor”, el cual nos hizo viajar hasta el pasado para recordar esa época donde eran unos jóvenes sumamente prometedores. Pero lo que no sabíamos que nos íbamos a detener otro rato en ese tiempo, porque terminaron –al menos la primera parte de su set– con “Do Me A Favour” y un himno que muchos morían de ganas por escuchar en vivo y a todo color: “505”, la cual se escuchó brutal (hablando de la interpretación de la banda y los coros del público) y tocaron con un nuevo arreglo sutil que al menos de este lado, consideramos que elevó a otro nivel este clásico.
Por supuesto que esto solamente era el encore, ya que minutos después, la banda regresaría al escenario para echarse una versión bastante cool de “Better Be A Mirrorball”. Sin embargo, “R U Mine?” ahogó un poco la calma para regalarnos los últimos guitarrazos ponchados cortesía de Alex y Jamie. Pero todo se terminó con “Body Paint”, con la que la banda se despidió de su público en la CDMX –aunque eso sí, prometieron que muy pronto volverían a nuestro país y eso por supuesto que emocionó a todos–.
Arctic Monkeys cerró de manera espectacular el segundo día del CC
En conclusión, los Arctic Monkeys cerraron con broche de oro el segundo día del Corona Capital 2022, con una presentación que dejó a todos con un gran sabor de boca por el setlist, actitud y buena vibra que mostraron los de Sheffield. Quizá la única “queja” sería que la interacción con el público fue muy poca –a pesar de que sí le intentaron echar ganas en ese aspecto–. Aunque en general, cumplieron con las expectativas que la gran mayoría tenía y vimos muchos rostros cansados pero contentos por lo que acaban de presenciar.
Por ahí entre el público escuchamos a algunos que esperaban más canciones (sobre todo de sus primeros discos), pero si algo nos ha quedado muy claro en los últimos con este show es que a pesar de que no niegan su pasado, la banda está en otra etapa de su carrera mucho más madura, donde les interesa más demostrar su talento como músicos y crecer artísticamente. Y claro que eso se nota con sus presentaciones, las cuales así como ellos y sus fans, han evolucionado y madurado con el paso del tiempo.
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Setlist
- Sculptures of Anything Goes
- Brianstorm
- Snap Out Of It
- Crying Lightning
- Don’t Sit Down Cause I’ve Moved You’re Chair
- Why’d You Only Call Me When You’re High?
- For Out Of Five
- Arabella
- Potion Approaching
- The Car
- Cornerstone
- Do I Wanna Know?
- Tranquility Base Hotel & Casino
- Teddy Picker
- I Bet You Look Good on the Dancefloor
- Pretty Visitors
- Do Me A Favour
- 505
- There’d Better Be A Mirrorball
- R U Mine?
- Body Paint
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El 26 de mayo se cumplen cien años del nacimiento de Miles Dewey Davis III, el trompetista estadounidense que transformó el jazz y que redefinió la manera en que la música moderna entiende la innovación. A un siglo de su llegada al mundo, su figura permanece como una de las más influyentes del siglo XX: un artista incapaz de repetirse, obsesionado con anticipar el futuro sonoro incluso cuando eso significaba incomodar a su propio público.
Trompetista, compositor y líder de banda, Davis convirtió cada etapa de su carrera en un punto de inflexión para el jazz. Desde el bebop hasta la fusión eléctrica, su trayectoria -que abarcó cinco décadas- puede leerse como una historia paralela del desarrollo del género durante la segunda mitad del siglo pasado.
Un oído formado entre tradición y cambio
Miles Davis nació en Alton, Illinois, el 26 de mayo de 1926, aunque creció en East St. Louis dentro de una familia afroamericana de clase media acomodada.
Su entorno familiar estuvo marcado por la música desde temprana edad: su madre tocaba el violín y su hermana interpretaba piezas clásicas al piano, mientras que el gospel, el blues y el jazz entraban en su vida a través de la radio, la iglesia y los viajes familiares.
A los diez años recibió su primera trompeta, regalo que definiría su destino. Bajo la guía del trompetista Elwood Buchanan, comenzó a desarrollar un estilo poco convencional, alejado del virtuosismo explosivo dominante en la época. Buchanan insistía en evitar el vibrato excesivo, una enseñanza que terminaría moldeando el sonido íntimo y contenido que caracterizaría a Davis durante toda su carrera.
El propio músico recordaría años después la influencia decisiva de su mentor Clark Terry. “La influencia principal que recibí debe haber sido Clark Terry… íbamos a una jam y el lugar se llenaba en diez minutos. Venía a mi casa, pedía permiso a mi padre y me llevaba a tocar desde las seis de la tarde hasta las seis de la mañana”.
Aquellas sesiones marcaron su formación práctica mucho más que cualquier aula.
Nueva York y el nacimiento del jazz moderno
En 1944, con apenas 18 años, Davis se mudó a Nueva York para estudiar en la Juilliard School. Sin embargo, su verdadera educación ocurrió fuera de las clases, en los clubes nocturnos de la Calle 52, donde el bebop estaba revolucionando el lenguaje musical.
Allí conoció a figuras clave como Charlie Parker y Dizzy Gillespie, quienes lo integraron a la nueva corriente musical. Davis describió aquel encuentro decisivo con humor y asombro. “Ni siquiera reconocí a Dizzy cuando me preguntó si tenía carnet del sindicato. Yo solo quería escucharlo tocar, pero terminé subiendo al escenario”.
La experiencia confirmó que su aprendizaje debía darse dentro del movimiento creativo que estaba transformando el jazz.
De “Birth of the Cool” al cambio constante.
A finales de los años cuarenta, Davis reunió un noneto con una instrumentación inusual que incluía trompa y tuba. Aunque las grabaciones iniciales pasaron desapercibidas, posteriormente serían publicadas como “Birth of the Cool” (1957), obra fundamental que dio nombre al cool jazz y abrió una nueva sensibilidad sonora menos frenética que el bebop.
Davis continuó cambiando de rumbo. Tras el cool jazz llegó el hard bop, donde recuperó la energía del rhythm and blues; después, el jazz modal, basado en escalas más que en progresiones armónicas tradicionales. Este periodo produjo obras esenciales como “Milestones” (1958) y el legendario “Kind of Blue” (1959), considerado uno de los discos más influyentes de la historia.
Piezas como “So What”, “All Blues”, “Blue in Green”, “Solar” y “Four” muestran la amplitud estética de su obra y explican por qué su música sigue siendo objeto de estudio.
El riesgo eléctrico y la incomprensión
A finales de los años sesenta, fascinado por el rock, el funk y el soul, Davis volvió a romper expectativas al incorporar instrumentos eléctricos y ritmos más agresivos. Álbumes como “In a Silent Way” (1969) y “Bitches Brew” (1970) marcaron el nacimiento del jazz fusión.
La decisión provocó rechazo entre sectores puristas del jazz, que consideraron su electrificación una traición. Sin embargo, el tiempo consolidó esas grabaciones como una expansión definitiva del género.
Su capacidad para adelantarse a las tendencias fue constante: mientras muchos músicos perdían impulso creativo con los años, Davis seguía reinventándose.
Retiro, regreso y apertura al hip-hop
En 1975 se retiró temporalmente debido a problemas de salud y adicciones. Durante cinco años permaneció alejado de la vida pública, hasta regresar en 1980 con una nueva etapa creativa marcada por la exploración tecnológica y sonora.
Incluso en sus últimos años se mantuvo atento a nuevas corrientes musicales. Su álbum final, “Doo-Bop” (1991), incorporó elementos del hip-hop, anticipando el diálogo entre jazz y cultura urbana que se volvería común décadas después.
No es casual que artistas como The Roots, Mobb Deep, Notorious B.I.G., Outkast o Queen Latifah hayan sampleado su música, confirmando su influencia más allá del jazz.
El legado de una mente adelantada
Miles Davis falleció el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica, California, a los 65 años, tras complicaciones derivadas de enfermedades respiratorias, un accidente cerebrovascular y neumonía. Su último disco fue publicado de manera póstuma, cerrando una carrera marcada por la búsqueda constante.
Dueño de un sonido irrepetible
El sonido de la trompeta de Davis -frecuentemente interpretada con sordina Harmon- se distinguía por su lirismo, frases breves y una intensidad introspectiva que contrastaba con el virtuosismo dominante. Su estilo demostraba que la emoción podía surgir tanto del silencio como de la nota.
A lo largo de su trayectoria, convivió creativamente con gigantes del género, entre ellos Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane, formando parte del reducido grupo de artistas que redefinieron el rumbo del jazz y lo dotaron de una expresividad que rompió moldes.
El líder que construía sonidos colectivos
Parte del mito de Miles Davis reside en su habilidad para reunir músicos excepcionales y convertirlos en catalizadores de nuevas ideas. Aunque la autoría de algunas composiciones ha sido discutida -como el caso de “Blue in Green”, frecuentemente asociado al pianista Bill Evans- el resultado final siempre llevaba su sello artístico.
Más que imponer, Davis dirigía mediante la escucha y la intuición, nutriéndose de la creatividad colectiva para construir un sonido propio.
Cinco discos para entender su carrera
“Birth of the Cool” (1957)
El álbum que dio nombre al cool jazz. Davis rompió con la velocidad frenética del bebop y apostó por arreglos más sofisticados, atmósferas contenidas y un sonido elegante que cambiaría el rumbo del jazz moderno.
“Milestones” (1958)
Disco puente hacia el jazz modal. Aquí comenzó a abandonar las progresiones armónicas complejas para explorar estructuras más abiertas basadas en escalas, anticipando su obra maestra del año siguiente.
“Kind of Blue” (1959)
Considerado el disco de jazz más influyente de todos los tiempos. Con John Coltrane, Bill Evans y Cannonball Adderley, Davis creó una obra accesible, introspectiva y revolucionaria. Incluye clásicos como “So What” y “All Blues”.
“Sketches of Spain” (1960)
Su etapa más experimental y orquestal junto al arreglista Gil Evans. Fusionó jazz, música clásica y sonidos españoles en una obra atmosférica y cinematográfica encabezada por una reinterpretación del “Concierto de Aranjuez”.
“Bitches Brew” (1970)
El disco que detonó el jazz fusión. Davis incorporó instrumentos eléctricos, rock, funk y largas improvisaciones colectivas. Fue polémico en su momento, pero redefinió el jazz contemporáneo e influyó en generaciones posteriores.
CT
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Zapopan convierte sus plazas en escenario musical para celebrar la quinta Fiesta de la Música
La música tomó las calles de Zapopan y convirtió el centro del municipio en una celebración colectiva. Desde temprana hora del sábado, miles de personas comenzaron a reunirse entre la Plaza de las Américas, el Andador 20 de Noviembre y las inmediaciones de la estación Zapopan Centro de la Línea 3, donde se realizó la quinta edición de la Fiesta de la Música Zapopan 2026.
La jornada que se extendió desde las 17:00 horas hasta la medianoche. Familias, jóvenes, parejas y grupos de amigos caminaron entre escenarios, puestos de arte y zonas de convivencia mientras el sonido de guitarras, metales y percusiones se mezclaba con el bullicio de la noche.
La edición 2026 contó con cuatro escenarios principales: Máxima Red Cola, Cultura Fest, Cultura UDG y Juventudes Zapopan, además de dos espacios complementarios donde hubo música tradicional, banda pop y karaoke. La propuesta reunió tanto a artistas emergentes como a agrupaciones con trayectoria, consolidando un cartel diverso que apostó por distintos géneros y públicos.
Entre las bandas y proyectos que formaron parte del festival destacaron Mexican Balkan Orkestar, Circo Kandela, Cruda Mata, The Tropikal Yeah! y Sr. Fillips, además de presentaciones de artistas como Paulina Jiménez, Montenegro, Silent Noir y Navit. El programa también incluyó a Apolinar, Dínamo, Habitantes, Metal Miura, Fonemics y Gargamel, entre otros proyectos locales y nacionales.
A lo largo de la tarde y la noche, el ambiente cambió constantemente de ritmo. En un escenario predominaban las fusiones balcánicas y tropicales; metros adelante aparecían propuestas de rock, rap o metal. Mientras algunos asistentes bailaban frente a las tarimas, otros recorrían el bazar de emprendedores, observaban piezas de arte urbano o participaban en dinámicas culturales instaladas en distintos puntos del centro zapopano.
La Fiesta de la Música, iniciativa que se celebra en más de 120 países, busca democratizar el acceso a la cultura y recuperar el espacio público a través del arte sonoro. En Zapopan, el festival también integró actividades complementarias como expoventa de arte, brigadas culturales y talleres impulsados por el Instituto de las Juventudes.
Uno de los aspectos que marcó esta edición fue el enfoque en accesibilidad universal. El evento contó con intérpretes de Lengua de Señas Mexicana y adecuaciones para personas usuarias de silla de ruedas, con el objetivo de ampliar el acceso a las actividades y reforzar el carácter incluyente del encuentro.
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La banda colombiana Monsieur Periné anunció este miércoles su gira internacional ‘Instrucciones para ser feliz tour’, con la que ofrecerá 35 conciertos en nueve países de América y Europa para presentar en vivo su más reciente álbum.
La agrupación iniciará el tour el 27 de mayo en Buenos Aires y pasará por ciudades como Madrid, París, San Francisco, Nueva York, Ciudad de México y Caracas, en una serie de conciertos para promocionar el álbum ‘Instrucciones para ser feliz’.
El grupo, liderado por Catalina García y Santiago Prieto, aseguró que esta nueva gira representa una etapa “más íntima, luminosa y reflexiva”, en la que mantiene su mezcla característica de pop, jazz y ritmos latinoamericanos, según informó su equipo de prensa en un comunicado.
La etapa española de la gira comenzará el 1 de julio en A Coruña y continuará por Burgos, Madrid, Granada y O Grove, antes de pasar por París y regresar a España para conciertos en Cartagena y Huesca, donde cerrará su recorrido europeo.
Entre las fechas más destacadas del recorrido aparecen cuatro noches consecutivas en el auditorio SFJAZZ de San Francisco y un concierto en el Teatro Metropólitan de Ciudad de México, donde se han presentado artistas como Ricky Martin, Fito Páez y Ana Torroja.
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La gira culminará con un concierto en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá el 24 de octubre y otro en el Caracas Music Hall el 7 de noviembre.
Esta nueva gira llega después de ‘Bolero Apocalíptico Tour’, con el que Monsieur Periné recorrió entre 2023 y 2024 gran parte de Latinoamérica y Estados Unidos, con conciertos en países como México, Chile, Perú y Ecuador, además de varias ciudades colombianas.
Con más de una década de trayectoria, Monsieur Periné ha alcanzado proyección internacional con temas como ‘Nuestra Canción’ y discos como ‘Bolero Apocalíptico’, ganador del Latin Grammy a Mejor Álbum Alternativo.
Además, la agrupación se ha presentado en escenarios y festivales como Carnegie Hall de Nueva York (EE.UU.), el festival Lollapalooza (Chile) y el Rock in Rio (Brasil), y recientemente se convirtió en el primer grupo latinoamericano en grabar una sesión en vivo en el Museo de Historia Natural de Londres, donde interpretó una versión de ‘Jardín del Paraíso’.
Mira: Así cotiza el peso frente al dólar la mañana de este miércoles
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