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Phil Lord y Chris Miller lamentan que los Óscar menosprecien la animación

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La conversación subsecuente al Óscar 2022 no trata únicamente de cachetadas y polémicos ganadores. Ocurrió también que la presentación de un premio devino controversial para varios trabajadores de la industria fílmica. Tres intérpretes de princesas Disney subieron al escenario y hablaron de las películas animadas como si su único público fueran los niños. Incluso bromearon con que los padres sencillamente deben tolerarlas. Y al final del día, semejante postura propició reacciones negativas, por ejemplo, de parte de los galardonados productores Phil Lord y Chris Miller.

Spider-Man: Un nuevo universo (2018)

Al momento de presentar la categoría de Mejor película animada, Lily James (Cenicienta), Halle Bailey (La sirenita) y Naomi Scott (Aladdín) pronunciaron un discurso donde primeramente describieron la animación como una gran experiencia formativa para el público infantil. «Muchísimos niños vieron estas películas una y otra, y otra, y otra, y otra vez», recalcaron. Y Scott remató diciendo: «Veo a muchos padres que saben exactamente de lo que estamos hablando».

«Súper genial que posicionen la animación como algo que los niños ven y los adultos deben soportar», escribió Phil Lord a través de Twitter.

Por otro lado, transcurrida semana y media desde aquella 94° entrega de los Premios de la Academia, el mismo Lord y su inseparable colaborar Chris Miller —productores de aclamadas cintas animadas como Spider-Man: Un nuevo universo y La familia Mitchell vs las máquinas— profundizaron en el asunto. Mediante una columna de Variety, firmada por ambas personalidades, argumentaron sobre la equivocada noción que existe en torno a la animación, al considerarla un mero género infantil.

Recordemos que Flee —un devastador documental animado sobre la gente desplazada por el conflicto bélico en Afganistán— era uno de las filmes que este año aspiraba al Óscar.

«Encasillar a las cinco nominadas [a Mejor película animada] como un producto corporativo para niños que los padres deben soportar a regañadientes podría descartarse como un simple descuido», se lee al inicio del artículo. «Pero para los que hemos dedicado nuestra vida a hacer películas de animación, ese descuido se ha convertido en rutina«.

Phil Lord y Chris Miller cuentan que, en alguna ocasión, el jefe de un importante estudio de animación declaró ante una asamblea de animadores que «si jugábamos bien nuestras cartas, nos graduaremos para hacer live-action«. Es decir que el ejecutivo percibía este tipo de películas en un peldaño superior. Pero habría formas más graves de menospreciar la animación. En materia de salarios, por ejemplo.

«Actualmente estamos negociando con Alliance of Motion Picture and Television Producers para lograr que los estudios paguen a los trabajadores de animación de manera justa. Especialmente cuando la animación es una parte tan grande e importante de sus resultados», prosigue el texto. «Durante la pandemia, cuando se cerró gran parte de la producción física, los animadores comenzaron inmediatamente a trabajar desde casa. Estas películas mantuvieron nuestro negocio a flote«.

Flee (2021)

Líneas más adelante, Lord y Miller exaltan la excelencia de innumerables cintas animadas. Ovacionan sus logros en fotografía, sonido, diseño y actuación de voz. Asimismo precisan que el 25% de las cincuenta películas más taquilleras de la historia pertenecen al ámbito de la animación. Y mencionan títulos como Vals con Bashir, Persépolis y Perdí mi cuerpo como exponentes animados de temas serios y no necesariamente aptos para el público infantil.

«Lo que nos lleva a una simple petición. El próximo año, inviten a un cineasta respetado para que presente el premio [el Óscar a Mejor película animada] y enmarque la animación como cine«, manifiestan los productores. «Guillermo del Toro, quien produce, dirige y aprecia profundamente la animación, podría recordarle a la audiencia que la animación es anterior al cine, que sin el zoótropo, no hay American Zoetrope».

Como presentador, también propusieron al cineasta Bong Joon-ho, quien enlistó Flee y La familia Mitchell dentro de sus películas favoritas de 2021. Incluso sugirieron al legendario Hayao Miyazaki, cuyo reverenciado filme animado El viaje de Chihiro viene de cumplir su veinte aniversario.

Phil Lord y Chris Miller obtuvieron el Óscar en 2019 por Spider-Man: Un nuevo universo. Una secuela de este largometraje verá la luz a finales de este año, nuevamente con ellos como productores.

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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