Cine y Tv
Desde el set: Feeling Randy, una cinta independiente con 30 años de historia
5:18PM – 24 Mar 22 @MarkDuplass tweet
“El mayor programa de televisión del año vino de fuera de los EE.UU. Una pequeña película independiente, la actual favorita a Mejor Película. Una película japonesa de 3 horas sobre los sentimientos está nominada a múltiples premios Oscar. No hay “grandes nombres” en ninguno de ellos. Nadie sabe nada más. Está abierto. Vayan a hacer sus cosas.”
(CODA ganó Mejor Película; Drive My Car ganó Mejor Película Internacional.
Tomando en cuenta lo difícil que es hacer cualquier película, este año, los Premios de la Academia – no importa si te haya gustado el programa o no- fueron un símbolo de esperanza para todos los que aspiramos a ser cineastas independientes. En estos días más que nunca, en el negocio del cine – porque es un negocio antes que todo- , lograr hacer una película sin presupuesto y estrellas es un milagro. Así que estaba particularmente emocionada de que mi amigo Dean Lent finalmente hubiera recaudado los fondos para hacer su debut cinematográfico como director con una película muy personal y de muy bajo presupuesto: una comedia coming of age sobre su propia experiencia.
Ya escribía esta historia cuando nos conocimos hace 25 años, Dean nos la contó sentados alrededor de una hoguera, bebiendo cervezas, después de que un sábado por la noche terminamos de filmar nuestra propia película, The Dogwalker. Yo era la productora, mi entonces novio, ahora esposo, Paul Duran, era el escritor y director, y habíamos contratado a Dean como nuestro director de fotografía – debido a sus créditos visualmente estilizados, como el clásico de culto punk de 1987, Border Radio (que también codirigió), y la icónica indie de 1992, Gas Food Lodging.
Desde entonces, le había insistido por años para que siguiera trabajando en su historia, así que cuando, para los fines de esta historia, le pregunté cómo surgió este proyecto, ya sabía la respuesta. Él sonrió y tranquilamente respondió:
“Me tomó 30 años escribir. Filmar Gas Food me inspiró. Vi nacer ante mí un éxito que yo había ayudado a crear. Entonces me dije: ¿Qué podría hacer? Bueno, ya sé, creo que debería escribir mi versión de Gas Food Lodging para chicos. Escribiré sobre cuando fui a Mustang Ranch a los 17 años y perdí mi virginidad heterosexual”.
Wow, esa es una línea bastante larga. (Para su información, el notorio Mustang Ranch se convirtió en el primer burdel- prostíbulo -con licencia de Nevada, en 1971.]
El set de Feeling Randy al que estoy invitada es una casa destartalada en expansión dentro del Valle de San Fernando, el epítome de la basura de remolque que encaja en la historia, al igual que la bochornosa temperatura de 88 grados Farenheit. Es una producción con un presupuesto tan bajo, que se quedó sin hielo para las bebidas del elenco y el equipo, así que tuvieron que correr por más. Pero nadie se queja, todos están emocionados por hacer esta película y la camaradería es palpable. Los “chicos” están aquí, Reid Miller (de Joe Bell), también Tyler Lawrence Gray, O. Hibbs Wyman y Shane Almagor. El cast también incluye a Jonathan Silverman (Good Girls), Chris Mulkey (Twin Peaks) y Marguerite Moreau (Wet Hot American Summer).
Sé la respuesta, pero de todos modos pregunto: “Después de tantos años y de filmar tantas películas de otras personas, ¿qué fue lo que realmente te mantuvo en pie para llegar a donde estás ahora?”. Se ríe a carcajadas.
“Porque tú y Paul me dijeron que siguiera adelante, siguieron creyendo en mí. Hacer despegar tu propio proyecto es muy complicado. Antes de la pandemia estaba a punto de rendirme y simplemente volver a subir la montaña para hacer mi fotografía. Fue un camino largo y loco y no sabía qué diablos estaba haciendo respecto al financiamiento y todo eso. No sabía cómo lograrlo. Sí, fui director de fotografía durante veinte, treinta años, pero eso era completamente diferente. Vas a una entrevista, consigues un empleo y luego trabajas en la visión de otra persona”.
Pero Dean había estado en sets de cine casi toda su vida adulta. Entonces, incluso cuando no estudiaba técnicamente cine en UCLA (Universidad de California, Los Ángeles), él estudiaba películas, cineastas y cinematografía. Aprendía de primera mano cómo iluminar, filmar y tratar con los actores. No se daba cuenta qué tan listo estaba. Y luego consiguió un increíble productor independiente que comparte su pasión por el proyecto.
“Rodé Fast Sofa, de Salome Breziner, en 2001, luego perdimos contacto durante 8 o 9 años cuando me mudé a Nueva York y Chicago para filmar reality shows para Tyra Banks y Nate Burkus. Luego, cuando publiqué en Facebook que estaba reescribiendo el guion y dando un último empujón, ella comentó: “Oh, Dios mío, tengo que leer esto, dame algo tan pronto como lo tengas”. Pero cuando lo leyó, dijo: “Solo estaba tratando de ser una buena amiga, no esperaba nada. Pero ahora que he leído veinte páginas, ¡quiero hacer esto contigo!”.
Entonces, cuando las cosas empezaron a calmarse con la pandemia, ella se fue encima y todas las piezas comenzaron a encajar. Me sorprendo todos los días, ¿Cómo sé cómo hacer esto? Digo, en Border Radio, Kurt (Voss) y Allison (Anders) trataron más con la gente del punk rock y, como yo tenía miedo y era tímido, me encargué de lo visual y me mantuve apartado”.
Claro, no fue tan simple como “y así, él consigue hacer su película”. La realidad es que Dean tomó la drástica decisión de vender su cabaña en las montañas donde estaba viviendo, para alcanzar su minúsculo presupuesto, asegurándose de hacer su película a su manera. Y mientras tanto, Salome logrando milagro mágico tras milagro mágico. Es así que, cuando haces una película pequeña, el impulso sigue creciendo como una bola de nieve rodando colina abajo. Finalmente, cuando le entregó el guion a Reid Miller, el joven actor que le robó todas las críticas a Mark Wahlberg en Joe Bell, y este lo aceptó, fue la pieza del rompecabezas que hizo que el resto de las piezas se alinearan.
Entonces, mientras Dean estaba sentado en mi cama con nosotros para ver los Óscar de este año, como lo hemos hecho durante muchos años, no pude evitar preguntarme dónde estaremos el próximo año (suponiendo que alguna de las entregas de premios sobreviva, pero esa es otra historia). ¿Feeling Randy será el brindis de Sundance? Como dice Mark Duplass en ese tweet, todo es posible. El tiempo es ahora. Así que vayan a hacer sus cosas.
Feeling Randy – Remember the name of this little movie
5:18PM – 24 Mar 22 @MarkDuplass tweets
“Biggest TV show of the year came from outside the US. A tiny indie film the current Best Picture frontrunner. A 3-hour Japanese film about feelings is up for multiple Oscars. No “big names” in any of them. Nobody knows anything anymore. It’s wide open. Go make your stuff.”
(CODA did win Best Picture; Drive My Car won Best International Feature.)
Considering how hard it is to get any movie made, this year’s Academy Awards – whether you liked the show or hated it – were a beacon of hope for all of us aspiring indie filmmakers. Because these days more than ever, in the movie business – and it IS a business first and foremost – managing to make a film with no budget and no stars is a miracle. So I was particularly excited that my friend Dean Lent had finally raised the funding to make his very personal, very low budget, directorial debut movie – a coming-of-age comedy about his own experience.
Already writing this story when we first met 25 years earlier, Dean had told us about it sitting around the fire pit drinking beers after we wrapped shooting one Saturday night on our own film, The Dogwalker. I was the producer and my then boyfriend, now husband Paul Duran was the writer-director, and we had hired Dean as our cinematographer – because of his visually stylized credits like the 1987 punk cult classic Border Radio (which he also co-directed) and the iconic 1992 indie Gas Food Lodging.
Ever since then, I’d been nagging him for years to keep working on his story, so I already knew the answer, when for the purposes of this story I asked him how this project came about. But he smiled and quietly answered, “It took me 30 years to write. I got inspired after shooting Gas Food Lodging. I saw a success born right in front of me that I had helped create. And so I said to myself, What could I do, well I know, I think I should write my version of Gas Food Lodging for boys. I’ll write about when I went to Mustang Ranch as a 17-year-old and lost my heterosexual virginity.” Wow, right there, that’s quite a log line. [FYI the notorious Mustang Ranch became Nevada’s first licensed brothel – house of prostitution – in 1971.]
The Feeling Randy set I’m invited to visit is a sprawling ramshackle house in the San Fernando Valley, the epitome of trailer trash which suits the story, as does the muggy 88 degrees Fahrenheit temperature. It’s such a low budget production they’ve run out of ice for the craft service beverages and someone has to make a run to get more. But no one’s complaining, the cast and crew are excited to be making this movie and the camaraderie is palpable. The “boys” are all here, Reid Miller (from Joe Bell), plus Tyler Lawrence Gray, O. Hibbs Wyman and Shane Almagor. (Other cast includes Jonathan Silverman (Good Girls), Chris Mulkey from Twin Peaks and Marguerite Moreau from Wet Hot American Summer.)
I know the answer but I ask it anyway, “After so many years and shooting so many other people’s movies, what actually kept you going, to get to where you are now?”
He laughs out loud. “Because you and Paul told me to keep going, kept believing in me. Getting your own project off the ground is a really hard thing to do. Just before the pandemic I was about to give up and just go back up the mountain to do my photography. It was a long and insane road and I didn’t know what the hell I was doing, as far as getting it funded and all that stuff. I didn’t know how to get it made. Yes I was a cinematographer for twenty, thirty years but that’s a whole different ball game. You go in for an interview and you get a job and then work on somebody else’s vision.”
But Dean had been on film sets almost his entire adult life. So even when he wasn’t technically studying film at UCLA, he was studying films and filmmakers and filmmaking, learning first hand how to light and shoot and deal with actors. He just didn’t realize how ready he was. And then he landed an amazing indie producer who shares his passion for the project.
“I shot Salome Breziner’s film Fast Sofa in 2001 then we kind of lost touch for 8 or 9 years when I moved to New York and Chicago to shoot reality shows for Tyra Banks and Nate Burkus. Then when I posted on Facebook that I was rewriting the script and making one last push, she commented “OMG I have to read this, give it to me as soon as you have something.” But then when she read it, she said, “I was just trying to be a nice friend, I was not expecting anything.
But now I’ve read twenty pages and I want to make this with you!” So as things started to ease up with the pandemic she jumped on it and all the pieces just started falling into place. I’m shocked every day, like How do I know how to do this? I mean on Border Radio, Kurt (Voss) and Alison (Anders) dealt more with the punk rock people and because I was shy and afraid of them, I handled the visuals and kept to myself.”
Of course it wasn’t as simple as “and just like that he gets to make his movie.” The truth is Dean made a drastic decision to sell his cabin in the mountains where he’s been living, in order to reach his minimum, miniscule budget, assuring he gets to make his film his way. And meanwhile Salome keeps coming up with one magic miracle after the other. Its like that when you make a small movie, the momentum keeps growing, like a snowball rolling down a hill. Finally when she got the script to Reid Miller, the young actor who stole all the reviews from Mark Wahlberg in Joe Bell, and Reid flipped for it, it was the piece of the puzzle that started the rest of the pieces falling in line.
So as Dean sat on my bed with us watching this year’s Oscars, like we’ve done for many years by now, I couldn’t help but wonder where we’ll all be next year (assuming any of the awards shows survive but that’s another story.) And will Feeling Randy be the toast of Sundance? Like Mark Duplass says in that tweet, anything’s possible. The time is now. So go make your stuff.
La entrada Desde el set: Feeling Randy, una cinta independiente con 30 años de historia se publicó primero en Cine PREMIERE.
ues de anuncios individuales.
El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
googletag.cmd.push(function() { googletag.display(“div-gpt-ad-1699315392713-0”); });
Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
googletag.cmd.push(function() { googletag.display(“div-gpt-ad-1699299356064-0”); });
Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
La entrada Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato se publicó primero en Cine PREMIERE.
ues de anuncios individuales.
Source link
En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
googletag.cmd.push(function() { googletag.display(“div-gpt-ad-1699315392713-0”); });
Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
La entrada Conoce los nuevos incentivos para la industria de cine en México se publicó primero en Cine PREMIERE.
ues de anuncios individuales.
Source link
Después de haber recibido el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y reconocimientos y alabanzas que fueron coronadas con múltiples candidaturas al Premio de la Academia, la película Valor sentimental se coloca como favorita en al menos dos categorías: Mejor película internacional y Mejor actor de reparto para Stellan Skarsgård, quien interpreta al frío y distante cineasta Gustav Borg.
Durante la pasada edición del Festival de Cine de Cannes, Cine PREMIERE tuvo la oportunidad de entrevistar al actor sueco sobre su relación con su personaje, los cineastas como maniáticos peculiares y hasta el estado del cine contemporáneo.
Cine Premiere: Sabemos que tuviste un derrame cerebral alrededor de la época en la que estabas haciendo la segunda temporada de Andor y de lo difícil que fue volver a la actuación. ¿Qué tanto batallaste para hallarte a ti mismo delante de la cámara para Valor sentimental?
Stellan Skarsgård: No me gusta la idea de enfatizar que sobreviví o que estoy luchando con las secuelas de un derrame… En aquella época también estaba haciendo Duna 2 y en ocasiones tenía problemas para recordar mis líneas y para ello usaba apoyos visuales, como el prompter o un apoyo auditivo. También lo hice en ésta película. Quizá por ello me volví mejor actor, porque ¡los tres proyectos que hice después de ese ataque se convirtieron en grandes éxitos! (risas) Pero realmente no creo que eso me haya hecho mejor, no me gusta el efecto que tuvo en mí.
CP: Has trabajado con varios cineastas a lo largo de tu carrera, me preguntaba si basaste tu interpretación o tomaste algún gesto de alguno de ellos para tu papel en Valor sentimental…
googletag.cmd.push(function() { googletag.display(“div-gpt-ad-1699315392713-0”); });
SS: No para ésta película. El problema es que si quieres hacer algo “basado” en alguien más, se tiende más bien a hacer una parodia de la persona y no quería hacer eso. Quería que mi personaje se sintiera como un ser humano auténtico. Lo interpreté como si fuese un panadero, plomero o cualquier otra profesión u oficio. Pero lo específico de su labor tiene que ver con la relación que tiene con sus hijas, porque está obsesionado como cualquier otro director.
No hay directores “normales”… Todos son maniáticos de alguna manera, pero yo soy actor y me encanta estar en el set con otras personas. Esa pasión, esa adicción es muy difícil de vivir cuando tienes una familia. Yo tengo 8 hijos y solo trabajo 4 meses al año y Gustav (mi personaje) no tiene los problemas que yo tengo, yo soy más moderno que él. Gustav está peleando con roles tradicionales masculinos. Tiene esa creencia arraigada de que el padre es mejor, que sabe más, pero realmente eso no es necesariamente cierto.
CP: Uno de los detalles más llamativos de tu personaje es su incapacidad para lidiar con aspectos de la vida cotidiana muy simples. Como aquella escena con la toalla de la cocina o cuando no sabe dónde colgar la ropa…
SS: Sí, esos detalles estaban en el guión. Joachim no deja escapar nada…
CP: Decías anteriormente que los cineastas son “maniáticos”, en ese sentido, ¿qué tipo de maniático es Joachim Trier?
SS: Es el maniático más dulce y encantador. Es muy rígido en algunos aspectos de su película pero no permite que eso destruya su relación con las personas. El otro Trier (Lars Von Trier) es un tipo de maniático diferente, pero ambos son personas sumamente gentiles en el set. Es maravilloso trabajar con ellos porque la atmósfera incita a la creatividad y hay confianza suficiente para poder proponer cosas. En el set de Joachim no hay por ejemplo jerarquías por que somos un equipo relativamente pequeño…algo muy escandinavo (risas)…¡que se jodan las jerarquías!
googletag.cmd.push(function() { googletag.display(“div-gpt-ad-1699299356064-0”); });
CP: ¿Qué tan fácil fue para ti establecer un buen rapport con Elle Fanning o Renate Reisnve, considerando que son mucho más jóvenes y cercanas en edad a tus hijos?
SS: Diría que fue tan simple como lo es con cualquier actor, realmente. Se construye una relación cercana en solo segundos. Desde luego que tienes que confiar en ellos y viceversa, ¡pero yo confío en todos! (risas) Y esas chicas me conocen bien, no me tienen miedo (risas)
CP: En la película se hace burla de los junkets, de Netflix, incluso del cine mismo. ¿Cuál es tu postura personal sobre el estado del cine actual?
SS: La industria siempre ha dependido del dinero, dado que es muy caro hacer películas. Ahora las decisiones están basadas en ganancias, pero no hay una conexión real entre lo que haces y el mundo financiero y eso es atemorizante. Aquello que no encaja en moldes preconcebidos desaparece y cuando se trata de arte, se vuelve peligroso…
CP: Uno de los chistes más celebrados del festival fue cuando le regalas en la película a un niño DVDs de La maestra de piano de Michael Haneke e Irreversible de Gaspar Noé. ¿Tú hubieras metido alguna película en la que hayas trabajado?
SS: ¡Desde luego! Y aunque es un gran chiste, creo que revela algo importante sobre mi personaje. No sigue las reglas de la sociedad, no las reconoce. Pero yo pienso igual, puedo enseñarle a mis hijos una película pornográfica sin problema. Las convenciones sociales dirían que estoy loco. Hace un par de años en Nueva York me tocó presenciar un debate en el que se discutía a qué edad se debería decir a los niños ¡que las hamburguesas están hechas de vacas! Totalmente demencial…
La entrada Stellan Skarsgård: «Aquello que no encaja en moldes preconcebidos desaparece». se publicó primero en Cine PREMIERE.
ues de anuncios individuales.
Source link
-
Tecnologia2 días agoLa NASA y Blue Origin iniciarán este año la construcción de una base en la Luna
-
Tecnologia2 días ago¡Que no te estafen en este Hot Sale 2026! SSPC emite guía para compras seguras
-
Musica2 días agoLista completa de ganadores de los III Premios de la Academia de la Música de España
-
Musica2 días ago
Miles Davis: cien años del nacimiento del músico que redefinió el jazz; EU lo festeja a lo grande
-
Actualidad2 días agoLa forma de las manos es uno de los últimos misterios evolutivos del ser humano. Y estamos un paso más cerca de resolverlo
-
Actualidad2 días agoHay diferentes maneras de conseguir que Movistar te ponga su nuevo router WiFi 7 en casa, aunque no todas son gratis
-
Actualidad2 días agoel nuevo material de la NASA que permitiría fabricar recursos directamente allí
-
Deportes2 días agoGiro de Italia 2026: Vingegaard refuerza su liderato general en la decimosexta etapa | Video
