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Papa Roach nos cuenta sobre su regreso a México y la vez que conocieron a Simple Plan

Published

3 años ago

marzo 30, 2022

Si pensamos en las bandas cuyas canciones fueron el soundtrack de los primeros años de los 2000, seguramente tendríamos que incluir a Papa Roach. Gracias a su sonido crudo, directo y rolas con las que cualquier joven en la adolescencia se podía identificar, la rompieron a inicios de la década. Sin embargo, como sucedió con muchas otras agrupaciones de su generación, conforme pasaron los años era necesario madurar y evolucionar su sonido o de plano esperar a que las nuevas tendencias en la industria hicieran que desaparecieran por completo.

Afortunadamente para los miles de fans que tienen Jacoby Shaddix, Jerry Horton y Tobin Esperance, tomaron la primera opción y desde entonces, nos han presentado un montón de discos en donde demuestran que si bien ya no son los mismos chavitos que tocaban “Last Resort”, “She Loves Me Not” y más temas que escuchábamos en plena pubertad, no dejan de divertirse a la hora de entrar al estudio y sobre todo, no han perdido esa curiosidad musical y ganas de reinventarse con cada uno de sus proyectos.

Papa Roach nos cuenta sobre su regreso a México y la vez que conocieron a Simple Plan

Foto: Getty Images

Papa Roach regresará a México con un nuevo disco

El ejemplo perfecto de esto es Ego Trip, el decimoprimer material discográfico de Papa Roach que estará disponible en todos lados el próximo 8 de abril y del cual ya hemos escuchado varios sencillos. Con este álbum, la banda no solo regresa después de casi tres años sin publicar música recién salido del horno, también será el pretexto perfecto para estrenarlo en vivo y a todo color en una serie de conciertos y presentaciones en festivales a lo largo del 2022. Porque eso sí, los shows como los conocíamos regresaron.

Es por eso que aprovechando el lanzamiento de este disco y que gracias a él volverán a nuestro país, tuvimos chance de platicar con todos los integrantes de esta bandota. Entre otras cosas, nos contaron cómo fue el encierro para ellos, el proceso creativo de su nuevo álbum, el camino musical que han decidido tomar en este punto de sus carreras, su visión sobre la industria en la actualidad e incluso se rifaron platicándonos de la vez que conocieron a Simple Plan. Sin duda, una charla que tuvo de todo.

Foto: Eleven Seven

“La música te puede sacar de lugares muy oscuros”

Para todos, el coronavirus y la pandemia que trajo consigo no fue nada sencillo. Durante meses tuvimos que estar encerrados en casa y sin temor a equivocarnos, estamos seguros que en ocasiones no les daban ganas de hacer absolutamente nada. Papa Roach pasó por un proceso similar, pues cada quien se encontraba en cuarentena y la idea de grabar un nuevo material discográfico se veía muy lejana. Pero gracias a que las cosas se calmaron un poco, encontraron el momento ideal para regresar al estudio.

“Creo que al igual que todo el mundo, pasamos por la misma situación. Los primeros meses estuvieron llenos de incertidumbre, era muy extraño y preocupante lo que sucedía en el planeta y para ser honestos, no teníamos idea de qué iba a pasar con nosotros. Sin embargo, las cosas poco a poco fueron cambiando y permitieron que se hiciera un concierto, luego otro y otro, y eso nos motivó a seguir adelante. La música fue muy importante en ese tiempo, pienso que en ocasiones eso nos sacó de lugares muy oscuros y escuchar lo que hacen otros artistas que nos encantan hizo que nos dieran ganas de volver a componer. Después de lo que hemos vivido, recordamos por qué nos encanta este trabajo y no planeamos parar por un buen rato”.

Foto: Getty Images

Volver al estudio para crear un nuevo disco

Como ya lo comentábamos antes, este 2022 y tras casi tres años sin presentar algo nuevo mas que la segunda parte de su álbum de grandes hits (que por cierto, dicen que todavía no saben cómo escribir un éxito), Papa Roach nos sorprende con Ego Trip, un álbum que es el reflejo de toda las cosas que tanto los integrantes de la banda han pasado en los últimos años como todos nosotros. Y sin duda, los primeros sencillos confirman que el sonido con el que conquistaron a una generación sigue ahí, pero también demuestra que buscan reinventarse incorporando otros ritmos.

“El proceso creativo detrás de este disco fue un tanto sencillo, ¿sabes? Luego de todo el caos con el COVID tuvimos pláticas sobre qué haríamos cuando las cosas volvieran a la normalidad. Al final, llegamos a la conclusión era regresar al estudio y componer un nuevo disco. La verdad es que nos sentimos muy cómodos y contentos de reunirnos físicamente, porque tenía mucho tiempo que no lo hacíamos. Los primeros días simplemente nos pusimos de acuerdo y lentamente empezaron a surgir las ideas para las canciones, que creo que hablan mucho de lo que pasamos en la cuarentena y demás.

Estamos muy contentos con el resultado final y no podemos esperar a que llegue el día para que lo escuchen completo. El sonido del álbum fue algo que no planeamos, simplemente fue tomando forma conforme avanzaban las canciones, nos dejamos llevar y creemos que fue lo mejor, dejar que todo fluyera entre nosotros”.

Un mensaje importante para estos tiempos

A lo largo de los últimos casi dos años, muchas bandas y artistas han estrenado discos que grabaron antes de la situación caótica en el mundo y otros que tomaron como inspiración lo que sucedió alrededor del COVID. Si bien Papa Roach no grabó un material discográfico “pandémico”, en su caso buscan que sus fans y todos los que escuchen sus nuevas rolas se sientan liberados, comprendidos y recuerden que no están solos, sobre todo en medio de todo lo que hemos pasado en todo este tiempo extraño.

“No sé si este sea como tal el mensaje que queremos dar con este disco, pero nos gustaría que nuestros fans o quien sea que escuche ‘Ego Trip’ simplemente disfrute de la música y se desconecte un rato de todo lo que sucede en todo el mundo. Sabemos que es complicado, porque lamentablemente todos sufrimos al menos una pérdida en este tiempo, pero queremos transmitir un poco de esperanza y libertad con el álbum. Creo que esa es la meta, hacer que con el álbum y también en los conciertos en vivo, quien escuche nuestras canciones deje de lado todas las penas que llevan encima y entren a nuestro moshpit. Estamos seguros de que todos la pasarán muy bien con esta nueva etapa de Papa Roach y les prometemos que que no los defraudaremos”.

Su regreso a México para tocar en versión acústica y todo su poderío

Cuando se anunció el cartel de Tecate Pa’l Norte 2022, nos quedamos con el ojo cuadrado. No solo porque armaron un lineup espectacular, nos sorprendieron anunciando no solo que Papa Roach tocará en este festival, también porque se presentarán ambos días en distintos formatos: el primero en acústico y el segundo con todo el power eléctrico. Y por supuesto que a la banda le encanta tocar en un ambiente íntimo, pero prefieren la energía de su show “normal”.

“Por supuesto que nos encanta tocar acústicos, hemos hecho shows en ese formato que sin duda están entre nuestros favoritos. Pero sin pensarlo, nos gusta más tocar tradicionalmente, sentir la energía del público cuando tocamos un riff distorsionado acompañado del poder de la batería. De verdad, no hay un sentimiento con ese y lo extrañamos como no tienes idea, y afortunadamente en unas cuantas semanas podremos revivirlo con todos nuestros fans mexicanos. Tenemos planeado un set muy especial y estamos seguros que tanto ellos como nosotros disfrutaremos reencontrarnos en Monterrey y la CDMX”.

Horarios, mapa y más: ¡Ya está aquí la Sopiguía del Tecate Pa'l Norte 2022!

Foto: Tecate Pa’l Norte.

La curiosa historia de cuando Papa Roach conoció a Simple Plan

Además de este par de shows en Tecate Pa’l Norte 2022, Papa Roach no se podía olvidar de sus fans chilangos. Es por eso que abrieron una fecha muy especial en el Pepsi Center WTC en la que compartirán escenario con Simple Plan (que por cierto, también estarán en el festival de la tierra de la carnita asada). Y no podíamos dejar pasar la oportunidad con la banda para preguntarles sobre la primera vez que supieron de los canadienses o el primer encuentro que tuvieron con ellos. Ahí les va:

“No recuerdo muy bien el país, pero estábamos haciendo una gira europea junto a otras bandas y sabíamos que ellos (Simple Plan) estaban incluidos en el cartel. Hasta ese momento no nos habíamos topado, pero una vez comimos en un restaurante de comida thai y entraron Pierre Bouvier, Chuck Comeau y los demás chicos. Llegaron, nos saludaron y recuerdo que fueron muy amables, incluso los invitamos a sentarse con nosotros en la mesa y además de una gran comida, disfrutamos de una buena charla junto a ellos. No teníamos idea que más tarde se convertirían en una banda tan grande y estamos contentos de compartir este concierto en México con ellos después de tantos años”.

Foto: OCESA

Reinventarse dentro de la industria musical

Desde hace ya un buen rato, existe el debate si el rock y el metal están muriendo. Hay quienes consideran que estos géneros solamente están dormidos y están esperando a que las nuevas tendencias en la industria musical cambien para retomar el lugar que desde los 60 ha tenido, pero otros piensan que es momento de dejarlo donde se encuentra y pensar en otros géneros. Sin embargo, Papa Roach está en un punto medio, pues consideran que como todo en esta vida, los guitarrazos simplemente se transforman.

Foto: Getty Images

“Creo que ni el metal ni el rock morirán como tal, porque son géneros que significan mucho para millones de personas y que incluso han formado parte de movimientos sociales importantes en todo el mundo. La cosa es que en estos momentos, los jóvenes ven en otros géneros el sentimiento que el rock nos transmitía a nosotros a su edad y eso está bien, no podemos obligarlos a que se cuelguen una guitarra y con eso se expresen.

Simplemente las cosas se transforman y eso nosotros lo entendemos, seguimos haciendo rock pero integramos sonidos como el dubstep o algunos ritmos más modernos no para intentar conectar con la juventud, sino para reinventarnos y seguir evolucionando como músicos. Es increíble que ahora los artistas nuevos puedan compartir su música y ganar miles de fans subiendo sus canciones a TikTok u otras plataformas, de donde han surgido artistas increíbles. Los tiempos están cambiando y nos toca a nosotros, los de la vieja escuela, entender que las cosas ya no son ni siquiera como hace 10 años, hay que crecer, madurar y dar el siguiente paso”.

Estos son 10 de los discos más caros que se han grabado (hasta la fecha)

Published

13 min ago

noviembre 23, 2024

Luis Ontiveros

Lo que necesitas saber:

Muchas bandas y artistas han gastado una lanota para crear sus álbumes. Y aquí les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado.

En la actualidad, gracias a la tecnología, cualquier artista o banda puede grabar música en una computadora, sin la necesidad como tal de entrar a un estudio de grabación profesional y cubrir los gastos que eso implica. Sin embargo, a lo largo de la historia aparecieron discos que fueron tan caros que con eso se pudieron comprar varios supers.

Hace muchos años, era normal que un cantante o un grupo tuviera a su disposición una buena cantidad de dinero para producir y grabar sus proyectos. Aunque desde entonces, ya habían materiales discográficos cuyos presupuestos rayaban en la locura, pues nadie podía creer que gastaran tanto en crear un álbum de estudio.

¿Quiénes son las personas que aparecen en las portadas de algunos discos famosos? — Imagen ilustrativa/Foto: Getty Images

Y para que chequen que hay artistas y bandas que eran capaces de poner una verdadera millonada con tal de crear las canciones y conceptos que tenían en la mente, a continuación les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado en la historia de la música (con todo y cifras actualizadas con el precio del dólar en 2024).

Estos son 10 de los discos más caros de grabar de la historia

Fleetwood Mac – ‘Tusk‘

Arrancamos esta lista con una banda que tiene una historia complicada. Así es, nos referimos a Fleetwood Mac, que aparece en el conteo de los discos más caros de todos los tiempos con Tusk, su doceavo álbum de estudio cuya grabación salió en la asombrosa cantidad de casi 6 millones de dólares de la actualidad.

Luego del éxito del icónico Rumours, la banda –a petición de Lindsey Buckingham– empezó a trabajar en un álbum más experimental y conceptual, donde jugaron con sonidos del punk rock y del new wave. El resultado fue un disco que tuvo una alta producción en las canciones en las que incluso contaron con la participación del exguitarrista del grupo, Peter Green.

A pesar de lo arriesgado que era buscar salirse de su zona de control para explorar otros géneros, Tusk se consideró como un fracaso comercial por su sello discográfico, vendiendo cuatro millones de copias en todo el mundo. De cualquier manera, se ganó buenas críticas y sobre todo, el gusto de su público, que lo convirtió en un clásico de culto.

Pero hablando de números, se estimó que los costos de producción del álbum inicialmente estaban en alrededor de 1 millón de dólares de la época, pero muchos años después se reveló que eran de aproximadamente 1.4 millones (equivalente a $ 5.88 millones de 2024), lo que lo convierte en uno de los discos de rock más caros de grabar hasta la fecha.

Billy Idol – ‘Charmed Life‘

Billy Idol es toda una leyenda de la música y por supuesto que se puede dar el lujo de desembolsar una lanita para grabar sus discos. Sin embargo, llevó todo al límite con Charmed Life, su cuarto material discográfico, pues para pagar todo este proyecto se gastó la nada despreciable cantidad de 3 millones y medio de dólares.

A finales de los 80, Billy andaba buscando nuevos aires. Es por eso que decidió que en esta ocasión no trabajaría con el guitarrista Steve Stevens (como en sus tres discos anteriores) para colaborar con Mark Younger-Smith, quien en palabras de Idol le “dio un eje, alguien con quien podía trabajar para formar un sonido y una idea para este álbum”.

Billy Idol terminó las sesiones para el álbum el 5 de febrero de 1990 y después de recoger las mezclas finales de Charmed Life resultó gravemente herido en un accidente de motocicleta. El 30 de abril de 1990 vio la luz este material discográfico y no le fue nada mal, pues recibió certificación platino por sus ventas.

Este disco incluye temazos, como “Cradle of Love” y el cover a “L.A. Woman” de The Doors. Pero si esto no fuera suficiente, los videoclips de los primeros dos sencillos del álbum contaron con la dirección del mismísimo David Fincher. Así que probablemente en eso se fue gran parte del presupuesto para este proyecto.

Aerosmith – ‘Rock in a Hard Place‘

Se sabe que en los 70 y 80, Aerosmith era una de las bandas más importantes del planeta y gastaban dinero a lo loco en excesos. Sin embargo, esa lana también la ponían para sus discos, tal es el caso de Rock in a Hard Place, su séptimo álbum de estudio, el cual les salió en poco más de 4 millones de dólares de estos tiempos.

Durante esa época, la banda estaba pasando por un momento complicado, tras la salida de Joe Perry y Brad Whitford. De cualquier manera, Steven Tyler (quien andaba lidiando con el abuso de drogas) y compañía buscaron reemplazos para grabar este material discográfico. Es por eso que durante dos años trabajaron en el disco sin conseguir el sonido y concepto que andaban buscando.

El 27 de agosto de 1982, Aerosmith lanzó Rock in a Hard Place y definitivamente, no tuvo el recibimiento que ellos esperaban. La crítica lo destrozó, pues a pesar de señalar que se atrevieron a experimentar con riffs más pesados, perdieron por completo la esencia que tenían con ese sonido blusero que tanto los caracterizaba.

Tras este descalabro en su carrera, las cosas cambieron dentro de la agrupación. Perry regresó y retomaron el camino musical por el que se hicieron famosos. Pero de todos modos, no podemos dejar de lado el hecho de que Steven Styler y los demás miembros probablemente se pudieron ahorrar unos dólares si no grababan este disco.

Wu-Tang Clan – ‘Once Upon a Time in Shaolin‘

La historia del Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan es fascinante por sí sola. No lo decimos únicamente porque grabarlo costó más de 3 millones de dólares de estos tiempos, también lo mencionamos porque solo existe una única copia de este álbum y no está disponible para descargar ni mucho menos para escucha en plataformas de streaming.

El colectivo de rap trabajó en secreto en este disco durante seis años, desde 2007 hasta 2013, del cual como ya lo mencionamos, solo hicieron una copia de dos CD’s en 2014 y estuvo guardado en una bóveda segura. Un año después, a través de una casa de subastas, el álbum se vendió a un comprador llamado Martin Shkreli, el director ejecutivo de Turing Pharmaceuticals, que pagó unos 2 millones de dólares por él y firmó un acuerdo legal donde se comprometía a no explotarlo comercialmente hasta 2103.

En marzo de 2018, Shkreli fue condenado por fraude de valores. Es por eso que un tribunal federal confiscó los activos que le pertenecían, incluido Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan. En julio de 2021, el Departamento de Justicia de Estados Unidos lo vendió a un grupo de coleccionistas de NFT’s por 4 millones de dólares para cubrir las deudas de Martin.

Aunque no se puede publicar el disco con fines comerciales, el acuerdo que firmó Martin Shkreli le daba chance de ponerlo en fiestas de escucha. Es por eso que en 2024 se reprodujo el álbum por primera vez en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Hobart, Tasmania. Por si esto no fuera suficiente, los dueños del material comenzaron a vender fragmentos como NFT. No cabe duda que este disco tiene una historia loquísima.

Kanye West – ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy‘

Otro caso de un rapero que despilfarró una marmaja jugosa para crear un disco. Así es, nos referimos a ni más ni menos que Kanye West, quien para grabar y producir su exitoso quinto material discográfico, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, se gastó la enorme cantidad de 4 millones de dólares. Aunque quizá, ese gasto se puede justificar.

Después de una interrupción en su carrera, West trabajó en el álbum entre el 2009 y 2010. En este disco, siguió la idea de trabajar con muchos letristas, músicos y productores, entre ellos Jay-Z, Kid Cudi, John Legend, Pusha T, Bon Iver, Q-Tip, RZA, Pete Rock, Mike Dean, No I.D. y Jeff Bhasker. El resultado fue una colección de canciones que posicionó a Kanye como una de las mentes creativas más importantes de su generación.

El 22 de noviembre de 2010 salió a la venta My Beautiful Dark Twisted Fantasy y fue un golazo en la trayectoria de Kanye West, pues este disco incluyó temazos como “Power”, “Runaway”, “Monster” y “All of the Lights” que le valieron elogios tanto de la crítica especializada como de sus fans de hueso colorado.

No por nada, es considerado uno de los mejores álbumes de rap de la historia, así como uno de los mejores discos del siglo XXI e incluso de todos los tiempos. Es por eso que decimos que se puede justificar la lanota que Kanye invirtió en grabar y producir este impresionante material discográfico.

Korn – ‘Untouchables’

Aunque no lo crean, Korn se pasó con el presupuesto y ocupó una buena lana para la producción de Untouchables, su quinto material discográfico. Para que chequen el dato, se dice que gastaron poco más de 6 millones de dólares de la actualidad. Y en palabras de la agrupación, se debió al mantenimiento de su equipo de 15 personas durante los casi dos años que necesitaron para terminarlo.

A principios de 2001 comenzaron a crecer las tensiones entre los miembros de la banda, sobre todo por el abuso de drogas del bajista Reginald ‘Fieldy’ Arvizu. Finalmente, lograron escribir el álbum y lo grabaron, pero tardaron un buen rato en publicarlo, lo cual provocó que no existiera mucho interés tanto de la crítica como de los fans.

El 11 de junio de 2002, Korn lanzó oficialmente Untouchables y, a pesar de las buenas críticas y los intentos de su sello discográfico por armar estrategias de ventas (ya saben, sacando una edición limitada con bonus tracks, ilustraciones, DVD y toda la cosa), este disco tan costoso fue un fracaso comercial para la banda.

El grupo culpó a la piratería por la caída de sus ventas en comparación con sus discos anteriores, pues una versión del álbum sin terminar se filtró en internet tres meses antes de su lanzamiento oficial. De cualquier manera, este material discográfico es considerado como uno de los mejores trabajos de Jonathan Davis y compañía.

Garth Brooks – ‘Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines’

En la lista tenemos que mencionar a un artista que quizá no hubieran imaginado que verían dentro de los discos más costosos de todos los tiempos. Se trata de Garth Brooks, quien en 1999 lanzó Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, un álbum que en precios actuales, costó unos 9 millones de dólares… no es broma.

En esa época, el artista de country estaba pasando por un momento importante de popularidad, así que se le ocurrió una gran idea para su siguiente álbum: hacer un disco conceptual en el que Brooks toma la personalidad y el alter ego de Chris Gaines, un cantante de rock australiano. Sin embargo, sus planes eran más ambiciosos.

Resulta que la música de este disco originalmente estaba planeado que fuera la banda sonora de una película llamada The Lamb, en la que Garth Brooks interpretaría Chris Gaines y recorrería los diferentes períodos de su vida. El álbum se lanzó un año antes de la fecha de estreno programada para la cinta para despertar el interés en que el cantante formaría parte del proyecto.

Pero debido al fracaso comercial de Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, problemas financiero y que nadie entendió lo que estaba haciendo, la película nunca se filmó. Así que definitivamente, no valió la pena los millones de dólares que se invirtieron para la grabación de este material discográfico.

Def Leppard – ‘Hysteria’

Entrando a los puestos de honor, tenemos uno de los discos más importantes en la carrera de Def Leppard y de la década de los 80. Así es, hablamos de Hysteria, el cuarto material discográfico de la banda británica que, ajustado a los precios de la actualidad y aunque no lo crean, salió en unos 12 y 13 millones de dólares.

Durante el proceso de grabación, la agrupación de hard rock pasó por momentos complicados y una serie de inconvenientes que atrasaron más de lo debido la producción de este álbum, por alrededor de casi cuatro años. Entre ellos el accidente donde Rick Allen perdió el brazo izquierdo, así como una serie de cambios de productor.

Después de mucha espera, el 3 de agosto de 1987 salió oficialmente Hysteria y fue todo un trancazo, pues es el disco más exitoso de la banda hasta la fecha con alrededor de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Eso sin contar que incluyó rolones como la canción homónima, “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar on Me”, “Love Bites”, “Armaggedon It” y “Rocket”.

Al parecer, el gasto que se hizo en la grabación de este álbum fue justificado, pues más allá de las certificaciones y las ventas, se convirtió en uno de los materiales más influyentes no solo del hard rock, sino de toda la década de los 80. Tanto así que Rolling Stone y Q lo incluyeron en sus listas de los mejores álbumes de todos los tiempos.

Guns N’ Roses – ‘Chinese Democracy’

Por supuesto que en esta lista no podía faltar uno de los discos más controversiales y costos de la historia: el famoso Chinese Democracy de Guns N’ Roses, un álbum que actualmente podemos decir que representó un gasto de cerca de 20 millones de dólares y que tardó más de una década en ver la luz.

A mediados de la década de 1990, tras el éxito que tuvieron con proyectos como Use Your Illusion y The Spaghetti Incident?, la banda empezó a tener diferencias creativas y personales. En este lapso, Slash, Gilby Clarke, Duff McKagan y Matt Sorum renunciaron o fueron despedidos. Solo quedaron Axl Rose y el tecladista Dizzy Reed, y con un nuevo equipo de músicos comenzaron a trabajar en su siguiente álbum.

Se dice que la disquera de Guns N’ Roses le ofreció un millón de dólares de la época a Axl si terminaba el disco en 1999 y agregaría otro millón si el álbum estaba listo para antes del 1 de marzo de ese mismo año. Sin embargo, eso nunca pasó, pues Rose pasó por problemas legales, personales y encima, no estaba contento con lo que había grabado.

Fue hasta el 23 de noviembre de 2008 cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas y para muchos, fue una enorme decepción, pues no estuvo a la altura de lo que esperaban los fans. Al menos, pudieron recuperar una lana de lo que invirtieron para la grabación, pues lograron vender más de 8 millones de copias en todo el mundo (un verdadero logro ya que poca gente seguía comprando discos físicos en esa época y encima, tenían el problema de la piratería).

Michael Jackson – ‘Invincible’

Fácilmente en los primeros puestos entrarían varios discos de Michael Jackson, como HIStory: Past, Present and Future, Book I y Dangerous (que costaron entre 20 y 22 millones de dólares respectivamente). Pero en el lugar de honor tenemos a Invicible, el décimo y último álbum del ‘Rey del Pop’ que ajustado a la actualidad, salió en unos 50 y 60 millones de dólares… así como lo leen.

En 1997, Michael inició las grabaciones del álbum. Sin embargo, se dice que tardó tanto en terminar estas canciones porque se tomó el tiempo de acomodar tanto los instrumentos como los ritmos, mezclas e incluso frecuencias hasta que estuviera satisfecho con el trabajo final. De hecho, el propio cantante declaró que le puso tanto empeño al proyecto porque no estaba seguro si iba a continuar haciendo más discos.

Finalmente, el 30 de octubre de 2001 salió a la venta Invincible donde incluso hubo apariciones de Carlos Santana, Slash y el difunto The Notorious B.I.G. Y aunque no tuvo hits memorables, le fue muy bien en cuanto a críticas y ventas e incluso consiguió la certificación de doble platino, así que no estuvo nada mal para Michael Jackson.

Sin embargo, tras varias discusiones con su discográfica (porque Michael se negó a hacer una gira para promover el álbum y el sello detuvo la promoción de este material), Jackson no volvió a publicar música nueva en vida. De cualquier manera y aunque han pasado los años, sigue teniendo el récord por grabar el disco más costoso de todos los tiempos.

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Día del Músico 2024: ¿Por qué Santa Cecilia es considerada la patrona de los músicos?

Published

2 horas ago

noviembre 22, 2024

Luis Ontiveros

El Día del Músico es una festividad que se celebra cada 22 de noviembre como una manera de reconocer el impacto y la relevancia de los músicos en nuestra sociedad.

Además, la fecha también se presenta como un espacio de reflexión para repensar los desafíos contemporáneos que enfrentan quienes ejercen esta profesión artística hoy en día.

En este sentido, la efeméride resalta lo importante que es la música como un medio para expresar, comunicar y sentir. Es imprescindible valorar el trabajo de quienes logran transmitir emociones y conectar a las personas a través de su talento y los sonidos.

A lo largo de la historia, la música ha jugado un papel significativo en diversas civilizaciones. En el antiguo Egipto, la música estaba asociada a prácticas religiosas, siendo utilizada en rituales sagrados y reservada para los sacerdotes. En la antigua Grecia, tenía un lugar central en su mitología, donde se le atribuía un poder divino.

Asimismo, durante la Edad Media, la música estuvo estrechamente vinculada a la Iglesia, convirtiéndose en una herramienta de culto y devoción. Con el Renacimiento, la música floreció, particularmente con el auge de la polifonía, que dio lugar a nuevas formas musicales y técnicas compositivas.

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En 1997, la UNESCO proclamó el Día Internacional del Músico, como un medio para reconocer la influencia de la música y su papel esencial en las culturas de todo el mundo.

Esta fecha también invita a reflexionar sobre los desafíos contemporáneos que enfrentan los músicos. A pesar de los avances tecnológicos que han transformado la industria musical, los artistas siguen enfrentando dificultades económicas, la competencia por la visibilidad en un mercado saturado y la constante necesidad de adaptarse a las nuevas plataformas digitales de distribución.

Un aspecto relevante de esta celebración es la relación entre el Día del Músico y Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos.

Según las tradiciones, Santa Cecilia fue una mujer de profunda fe cristiana que, mientras celebraba su matrimonio, escuchaba melodías instrumentales, pero en su interior cantaba a Dios en silencio. Este detalle la asoció con la música, considerando su canto una manifestación de devoción espiritual.

A pesar de ser perseguida por su fe, Santa Cecilia permaneció firme en sus creencias hasta su martirio, lo que le permitió convertirse en un símbolo de resistencia y fe.

En 1584, la Iglesia Católica la nombró oficialmente patrona de los músicos, y desde entonces, su figura ha estado ligada a la celebración del Día Internacional del Músico.

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Cartel, boletos y todo lo que debes saber sobre el Coca-Cola Flow Fest 2024

Published

4 horas ago

noviembre 22, 2024

Luis Ontiveros

Lo que necesitas saber:

Después de mucha espera y rumores, por fin tenemos el cartel del Coca-Cola Flow Fest 2024. Y por acá les contamos todos los detalles.

El cierre de este año ha estado leno de música y festivales, y todavía no termina, pues entre ellos tenemos el Coca-Cola Flow Fest 2024. Por acá les contamos todo lo que deben saber al respecto, como el cartel, boletos y más.

Como recordarán, fue en 2017 cuando nació este festival, con la intención de festejar la cultura urbana, promoviendo su música a través del rap, reggaetón, trap y hip-hop, con artistas nacionales e internacionales. Y vaya que a lo largo de este tiempo, han sacado lineups rifados para los fans de estos géneros, con los que se han armado verdaderas fiestotas (acá les contamos cómo se puso la edición 2023).

flow fest 2023 — Imagen ilustrativa del Coca-ColaFlow Fest/Foto: Cortesía

Este es el cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest 2024

Sin embargo, después de mucha espera, a finales de mayo, el Coca-Cola Flow Fest dio señales de vida a través de sus redes sociales, anunciando con bombo y platillo que iniciarían la venta early bird para su edición 2024. Y como era de esperarse, muchos aprovecharon la oportunidad para armar sus boletos antes de la revelación del cartel, sin saber quiénes se van a presentar.

En este entonces también confirmaron que el festival es ya este 23 y 24 de noviembre de 2024 en el lugar que ha sido su casa desde hace varios años, el Autódromo Hermanos Rodríguez.

Cartel, boletos y todos lo que debes saber sobre el Coca-Cola Flow Fest 2024 — Estas son las fechas para el Coca-Cola Flow Fest 2024/Foto vía Facebook: Coca-Cola Flow

Pero bueno, volviendo al cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest 2024, la cosa se pondrá buena este año. Para que se den una idea, entre los actos principales tenemos nombres como Rauw Alejandro, Becky G, Rels B, Arcángel, Sebastián Yatra, Chencho Corlone, Tiny

Aunque en “las letras chiquitas” también aparecen artistas mexicanos que vienen sonando durísimo, entre ellos El Bogueto, Snow Tha Product, El Malilla, Yoss Bones y muchos más. A continuación les dejamos el lineup completo para que le echen un ojo.

Boletos para el Coca-Cola Flow Fest 2024

Ok, después de checar el cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest, estamos seguros de que quienes no tiene boletos, querrán tenerlos aunque sea de último momento. Bueno, la venta general inició el 12 de junio, pero todavía hay boletos. Sí, es a través de Ticketmaster y de este lado les dejamos el link de compra.

Habrá streaming oficial para seguir en vivo el Flow Fest 2024

Ahora que si ya de plano sientes que es tarde para conseguir boletos, descuida, podrás seguir completamente en vivo el Flow Fest 2024. Habrá streaming oficial a través de Twitch, así que échale un ojo los dos días.

¿Qué tal? ¿Están listos para darle macizo contra el piso en el el Coca-Cola Flow Fest 2024? De plano, nos esperan dos días de fiestota intensa en el Autódromo Hermanos Rodríguez. Mientras, y si ustedes jamás han ido al festival pero quieren ver cómo se pone, a continuación les dejamos el aftermovie oficial del 2023.