Musica
Elliot Moss: El neoyorquino que te seducirá con su blues, soul e indie de corte electrónico
Cuando un nuevo artista comienza a hacer ruido, no faltan aquellos que inmediatamente se desviven en comparaciones. Que si se parece a este o a aquel, que si se debe encasillar en un género musical… vaya, la cosa se pone medio tensa y bueno, entendemos que quizá esos es parte del ser un artista emergente, pero de lo que no hay duda es que cada cierto tiempo, algunos como Elliot Moss llegan para hacerse de un sello propio más allá de lo que digan los demás.
Este fabuloso compositor, productor y cantautor lleva unos años y tiene ya algunos materiales discográficos de gran calidad en su espalda. Y es que detrás de su aspecto tímido y reservado, en realidad se esconde un talentoso neoyorquino que ha ido cimentando una carrera interesante desde que tenía 20 años, valiéndole comparaciones con gente de la talla de Thom Yorke, Chet Faker o James Blake… pero él, desde luego, ha labrado su propio camino.
Para la ocasión, hablaremos un poco de él, de su trayectoria y por ahí, les mostraremos algunas canciones para que agregen a sus listas de reproducción.
Elliot Moss. Foto: Getty
¿Quién es Elliot Moss?
La historia musical de Nueva York tiene a leyendas de todo tipo: desde The Velvet Underground, pasando por los Beastie Boys hasta el nuevo milenio, con The Strokes. Ahí, en medio de la imponente y majestuosa escena neoyorquina, Elliot Moss ha intentado hacerse un espacio como un compositor sobresaliente.
Él nació un 4 de noviembre de 1993 en la región de Upstate y pronto, supo que su vocación eran las artes, especialmente la música. Y no desistió de hacer lo que le gustaba, pues además en su familia también había músicos desde hace algunas generaciones. Sin embargo, este chico sería eventualmente un poco menos tradicional en cuanto lo que consideraba como su ADN musical.
Mucho de ello, lo encontró en un periodo donde sus compañeros de clase estaban listos para partir a la universidad, por allá durante los primeros años de la década del 2010. Con 19 años, él ya comenzaba a componer y a grabar sus primeras canciones, esto en una prueba de sus habilidades como productor, compositor y más. La gran sorpresa vendría pronto.
Elliot Moss. Foto: Getty.
Comenzando fuerte: ‘Highspeeds’
El gran paso en las aspiraciones artísticas de Elliot Moss llegó en 2014 con el lanzamiento de Highspeeds. Por supuesto, al tratarse de un artista independiente, la recepción a nivel internacional no fue lo que uno llamaría demoledora, pero en el sentido estricto del análisis, debemos decir que su disco debut cuajó bien donde sonó.
Con el apoyo de la disquera Bad Future como sus respaldo para distribuir, Moss se encargó de producir y componer su propio material, el cual contiene 12 temazos. Y sí: todo esto lo hizo apenas con 21 años edad. De este disco, la crítica inmediatamente alabó “Big Bad Wolf”, “I Can’t Swim”, “Faraday Cage” y “Best Light”, que eran un torbellino que te mantenía en sintonía con lo mejor del trip-hop, el rock alternativo, el soul, el blues y la música electrónica sin desentonar.
Elliot Moss. Foto: Getty.
Sin embargo, el tema que abrió las puertas para él en mayor medida fue “Slip” una sensual y siniestra melodía donde hace gala de cada una de sus facetas musicales. Pero como dijimos, un artista emergente no se escapa de las referencias ni las comparaciones. Con dicho lanzamiento, diversos medios inmediatamente le compararon Chet Faker, con Justin Vernon de Bon Iver, con el también productor James Blake y sobre todo, con Thom Yorke de Radiohead.
Siendo honestos, recibir esas comparaciones no es para nada una mala referencia de lo que significa tu trabajo y en diversas entrevistas, Elliot Moss ha abrazado bien las comparaciones tomándolas como halagos. “‘Highspeeds’ es sombrío y serio, pero se trata de esperanza. Creo que tener los dos uno al lado del otro hace que el brillo se vea más brillante y el oscuro se vea más oscuro. Quiero que la gente experimente las mismas emociones y resoluciones que inspiraron las canciones”, dijo en una entrevista con el sitio StageBuddy tras el lanzamiento del disco.
2015-2018: De gira con bandas importantes, un nuevo EP y su primer show en México
Tras la salida de Highspeeds, Elliot comenzó a tourear formalmente y en grande cuando llegó el 2015. En muchas ocasiones, sirvió de apoyo para bandas con más recorrido y del renombre de Cold War Kids, Digitalism e incluso Nada Surf (otro proyecto histórico del underground neoyorquino). En ese sentido y para demostrar que no se achicaba ante los escenarios grandes, el joven de Upstate New York llegó en 2015 al legendario festival South By Southwest, mejor conocido SXSW.
Y así rodó con algunas fechas por Estados Unidos, pero el hambre del artista despierta de la nada y cuando menos se lo imagina uno. Entonces, Elliot regresó al estudio para componer algunos temas y lanzarlos como parte del extended play (EP) titulado Boomerang, donde nuevamente pondría de manifiesto su calidad como productor. Si quieren echarle una probadita a este material, empiecen escuchando “99” y la magnífica “Closedloop”.
Para Elliot Moss, ya era momento de dar el salto a otros países lejos de la comodidad anglosajona. Así que el siguiente reto era llegar a la Ciudad de México, donde ya establecía una base de seguidores importante. Su primera presentación se iba a realizar en octubre de 2017 en el Foro Indie Rocks, pero desafortunadamente se canceló el concierto ya que por esos días, la ciudad tenía poco de haber sufrido el terremoto del 19 de septiembre.
Como sea, Moss no dejó al público mexicano con las ganas e inmediatamente reagendó la fecha para febrero de 2018. Los que estuvimos ahí, pudimos presenciar el poder sonoro y la virtuosidad de un chico que, a pesar de lucir introvertido, en el escenario se transforma por completo.
El segundo álbum de estudio y su música llegando a otros medios
Más giras, más conciertos y de nuevo, Elliot Moss entró al estudio. Como mencionamos, se trata de un sujeto que es introvertido a todas luces y que prefiere trabajar en silencio que andar constantemente haciendo anuncios. Bajita la mano y con mucha concentración, el neoyorquino, dejando la estela de promesa para convertirse en una realidad de la industria, lanzó en enero de 2020 el disco A Change In Diet.
Desafortunadamente, la gira que planeaba -que volvería a pasar por México en marzo de ese año- debió frenarse por el tema de la pandemia, pero eso no lo detuvo de hace algunos remixes de su reciente disco, como aquel que realizó de su canción “Bodyintoshapes” (sí, así todo junto) en compañía de la colombiana Elsa y Elmar.
Pronto, su música encontró cabida para musicalizar algunas series como Power Book II: Ghost de Starz con la rola “99” y recientemente, “Slip” -su track más reconocido- se pudo escuchar en Elite de Netflix. Ahora, con los festivales regresando poco a poco alrededor del mundo, lo veremos arribar a México para tomar el escenario de Corona Capital en noviembre de 2021.
¿Qué hace especial a Elliot Moss?
Como mencionamos al principio, Elliot Moss ha sido distinguido por la crítica debido a su producción pulida, su excelente uso de elementos electrónicos y las diferentes influencias que lo llevan desde el rock alternativo hasta el blues, el soul, el trip-hop y la música dance. Aunado a ello, su música tiene una vibra melancólica muy abrazadora, muy atmosférica que nos hace entender esa comparación con artistas como James Blake o el mismo Thom Yorke.
Más allá de la influencia, debe quedar claro que Elliot Moss se ha encaminado para bien imponiendo un estilo, tanto en la producción como en la composición y en su grave voz a la que sabe sacarle provecho, de manera inteligente, en el estudio. Esa es la importancia de ser un ‘hombre orquesta‘. Sin duda, merece más proyección a futuro.
View this post on Instagram
La entrada Elliot Moss: El neoyorquino que te seducirá con su blues, soul e indie de corte electrónico se publicó primero en Sopitas.com.
ues de anuncios individuales.
En medio de su estudio de ensayo, buscando desesperadamente una señal estable de internet, Paco Huidobro aparece en Zoom con un sombrero de palma y el username “La Cucaracha”. “Acá en el solazo, quema este sillón”, bromea entre risas antes de comenzar a hablar con EL INFORMADOR sobre el presente de Fobia y su presentación del 21 de mayo en el Auditorio Telmex. Celebran 40 años de carrera.
Lejos de la nostalgia fácil, Huidobro asegura que la banda atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. “Este show lo llevamos preparando desde septiembre. Imagínate cuánto tiempo le he invertido a sacar esto adelante. Está sonando mejor que nunca”, afirma.
Te puede interesar: Nieto de Chente aclara que no participó en disco homenaje a su abuelo
La agrupación tiene montadas alrededor de 35 canciones para esta nueva etapa, apoyándose en tecnología que antes parecía imposible para el grupo. “Ahora sí puedo hacer las cosas tal y como me las imaginaba. Tener las consolas automatizadas, los efectos sincronizados, todo conectado. Cada movimiento en una canción requiere que una computadora mande cambios al sintetizador, a la batería, a la consola. Es muy laborioso, pero me apasiona muchísimo”.
Fobia celebra 40 años de trayectoria y una de sus etapas musicales más sólidas
El músico compara esa complejidad actual con los años iniciales de la banda tocando en Rockotitlán (legendario foro de rock mexicano fundado originalmente en 1985) con equipo mínimo.
“Veo cuando empezábamos a tocar con seis canales y unas bocinitas chiquitas y luego escucho lo que estamos grabando ahorita en los ensayos… sí está mejor que nunca”.
Antes del concierto, Paco también piensa en Guadalajara como un espacio afectivo. Muchas amistades y rituales personales lo mantienen unido en la ciudad. “Siempre me gusta ir a comer, visitar amigos, ir a ver a Jis y a Trino. Tengo cita con ellos para ir a comer. Me encanta Guadalajara”.
La conversación inevitablemente lleva a la dinámica interna de Fobia, una banda históricamente marcada por pausas, diferencias y reconciliaciones. Paco no evade el tema y define al grupo como una “familia disfuncional”. “Todos venimos de familias disfuncionales e hicimos una familia más disfuncional que es un grupo de rock”.
Sin embargo, también reconoce que el paso del tiempo ha ayudado a entender los roles dentro de la banda.
“Es como todas las relaciones humanas. Uno lleva el timón, otro iza las velas, otro suelta el ancla. El problema es cuando unos quieren el lugar de los otros. Ya con los años vas entendiendo quién hace mejor cada cosa”.
Parte importante de esta nueva etapa es la incorporación del baterista Elohim Corona, a quien Paco no duda en calificar como el mejor músico con el que ha trabajado. “Estoy disfrutando muchísimo tocar con el mejor baterista que he visto en mi vida”. Huidobro destaca el entendimiento musical y humano que encontró con él. “Hay músicos que tocan increíble y le pegan a todo lo que se encuentran. Elohim no. Él está al servicio de la canción. Tiene una filosofía parecida a la mía”.
La admiración se extiende a detalles específicos de ejecución y sonido. “La afinación es brutal. La batería ya no tiene un solo sonido uniforme. Cada parte tiene personalidad. El resultado es brutal”. También explica que la convivencia durante los ensayos ha sido determinante para mantener el entusiasmo. “Los ensayos son muy amenos. Yo aprendo mucho de él y él aprende mucho de mí. Siempre que hay algo nuevo hay entusiasmo”.
Paco Huidobro explica por qué Jay de la Cueva no forma parte de la nueva etapa de Fobia
Uno de los temas inevitables alrededor de esta nueva alineación es la ausencia de Jay de la Cueva. Paco responde sin rodeos cuando se le pregunta por qué no forma parte de esta etapa. “Porque no me convenía, la verdad”. Tras una pausa, desarrolla la idea. “Yo ya no me puedo ajustar a los tiempos de alguien más. Si quiero hacer esto es ahora y de esta manera. Lo respeto mucho y viví cosas padrísimas con él, pero en este momento no podía adecuarme a sus tiempos”.
Aunque Fobia volvió a los escenarios, la posibilidad de grabar música nueva sigue siendo incierta. Paco reconoce que tiene canciones, pero admite que la lógica tradicional de la industria ya no le interesa. “Siempre tengo muchas canciones, pero entrar otra vez al ritmo de la industria… hagan un álbum, hagan promoción… híjoles, no”.
Para él, la experiencia de las disqueras terminó convirtiendo a los músicos en vendedores. “Uno empieza queriendo ser músico y la disquera te trata como vendedor de Avón”.
Recuerda con ironía las entrevistas promocionales de los primeros años. “Íbamos a hacer promoción y las preguntas eran: ‘¿Quién tiene más novias?’ Pura pregunta pendeja”. Huidobro asegura que hoy disfruta otros aspectos de la música. “A mí lo que me gusta es mi estudio, las máquinas y tocar. Cuando empezamos a improvisar algo en el ensayo, esos son los momentos que me prenden”. Y remata con una crítica frontal a los formatos promocionales tradicionales. “No quiero ir al programa de la mañana, luego al concurso donde cambian pañales y después toca el grupo. Qué horror”.
Paco Huidobro recuerda el disco “Leche” y reflexiona sobre la creatividad, el arte y la fama
La charla también deriva hacia “Leche”, tercer disco de la banda publicado en 1993 y que Paco considera uno de los momentos creativos más importantes de la banda, aunque reconoce que fue poco comprendido en su momento. “Con el tiempo te das cuenta de que no estabas adelantado a tu época, sino en el lugar atrasado”, exclama entre una risa burlona.
El álbum fue grabado en Nueva York, en el estudio Magic Shop, rodeados de una escena artística que terminó impregnando el sonido del disco. “Absorbimos muchísima cultura. Veíamos música brasileña, DJs, arte, cine, exposiciones. Todo eso se volvió parte del disco”.
Recuerda especialmente las experiencias fuera del estudio: festivales, galerías y encuentros con figuras del arte contemporáneo. “Me acuerdo mucho de ayudar a Antony Gormley a montar una exposición. Llegó un camión con 10 mil piezas de cerámica y ahí estaba él diciendo dónde poner cada cosa. Son momentos que se te quedan grabados”.
También puedes leer: Louis Tomlinson en México: Fecha, preventa y todo sobre su concierto en CDMX
También habla de cómo Nueva York transformó su forma de entender la música y el arte. “No ves al artista como alguien inalcanzable, sino como alguien trabajando contigo”.
Aunque “Leche” no alcanzó la recepción masiva de otros discos de Fobia, Paco parece reconciliado con ello. “Obviamente no iba a ser un disco muy comprendido”.
Y fiel a su estilo, termina dejando una frase que resume buena parte de su visión artística y personal.
“Yo no estoy hecho para que me comprendan, sino para que me amen”.
* * * Mantente al día con las noticias, únete a nuestro canal de WhatsApp * * *
XP
ues de anuncios individuales.
Source link
Lady Gaga avisó al inicio de su nueva era musical que la categoría era “bailar o morir” y después de elegir tantas veces la primera, era el momento de presenciar lo segundo para despedir su disco ‘MAYHEM’ a través de un concierto documental en el que simula un descenso a los infiernos.
La estrella estadounidense presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem’, una reinterpretación de su séptimo disco de estudio en solitario, cuyo adelanto ofreció de manera exclusiva en un encuentro íntimo el pasado 14 de enero en la sala Wiltern de Los Ángeles.
Si bien ‘MAYHEM’ supuso como el renacer de su etapa pop-dance más popular, en el que volvía a abrazar sus pensamientos intrusivos, esta reinvención pretende rendir un homenaje a esta era y prepararse para su acto final.
Bajo un tono sombrío, con parte del decorado de la gira que todavía sigue realizando por todo el mundo, la artista evocó un universo parecido al ‘Upside Down’ (El Mundo del Revés) de Stranger Things.
Revisa: Confirmado por la IA: este es el pueblo más bonito de Jalisco que todos envidian
El rito mortuorio en cada disco de Gaga
Vestida de luto y ocultando su rostro bajo un velo frente a un escenario de columnas destruidas, Gaga apareció en escena como la suma sacerdotisa para ofrecer un espectáculo inédito en forma de rito funerario.
Sin dejar atrás sus atuendos estrafalarios, pero alejada de sus coreografías frenéticas, Gaga versionó las canciones que componen ‘MAYHEM’ al son de ritmos experimentales que recordaban a grupos como Daft Punk.
Este nuevo ADN bebió de influencias del metal industrial, alejando el show de cualquier estructura convencional de concierto que acostumbra a seguir Gaga, con solo cinco músicos acompañándola sobre el escenario entre sintetizadores y un órgano de iglesia.
Gaga alternó instrumentos clásicos con efectos electrónicos para convertir el espacio en un templo dedicado a la introspección más profunda del dolor en temas como ‘Desease’ el aclamado ‘Abracadabra’.
A diferencia de sus giras mundiales, la puesta en escena que ofreció fue más estática, simulando una ópera profanada en la que solo los juegos de luces daban dinamismo a una Gaga que se movía en el espacio para tocar instrumentos, cantar y acompañar a los músicos.
En el tramo final de este íntimo concierto, el luto se transformó en un casco metálico futurista con la mezcla de la balada ‘Die With a Smile’ con un sonido de electrónica nocturna.
Con este nuevo proyecto, la estrella del pop-dance parece dar carpetazo a una guerra interna personal con la que ha estado viajando en el último año; un rito en el que sobrevivió a su propio desorden para poder navegar hacia otro horizonte.
Tras una reverencia final, Gaga desapareció entre las sombras del teatro bajo un mensaje de despedida: descanse en paz.
*Mantente al día con las noticias, únete a nuestro canal de WhatsApp.
AO
ues de anuncios individuales.
Source link
Llega el fin de semana y a partir de este viernes 15 de mayo habrá diferentes eventos para el entretenimiento de los tapatíos, desde conciertos, obras de teatro hasta espectáculos circenses. Conoce cuáles son los eventos que se realizarán en los recintos más importantes de la ciudad en la selección de Buena Vida Life & Style y elige el mejor para tu diversión y el de tu familia.
J. Balvin
El cantante colombiano regresa a los escenarios para cantar en vivo y en su gira por México visita Guadalajara para dar un concierto, en el que se escucharán sus recientes canciones así como sus temas más famosos. Disfruta de una noche de gran energía, éxitos y reguetón puro.
Arena VFG.
17 de mayo, 20:00 hrs.
De $ a $2,084.
Fobia
Una de las bandas más representativa del rock alternativo mexicano regresa a la escena musical para ofrecer un concierto en las principales ciudades del país. Celebra la hermandad musical que ha definido generaciones y disfruta de una noche de éxitos, que revivirán una época.
Auditorio Telmex.
21 de mayo, 21:00 hrs.
De $450 a $1,800.
Álex Ubago
El cantautor español celebra 25 años de trayectoria con su gira ¿Qué pides tú? Y visita la Perla Tapatía para dar un concierto y consentir a sus fans con las canciones más famosas de su carrera así como los temas más recientes. Disfruta de una noche de pop romántico en una velada íntima, acompañada de nostalgia y emoción.
Teatro Diana.
16 de mayo, 21:00 hrs.
De $600 a $2,200.
Edith Márquez
La cantante pisa por primera vez el escenario de la Arena Guadalajara para ofrecer el concierto, en el que celebra a las mamás con su inigualable voz. Dentro de su gira Eterna e inolvidable, promociona su reciente producción homónima que hace un homenaje a Rocío Dúrcal, además de interpretar sus emblemáticos éxitos, acompañada por mariachi y orquesta.
Arena Guadalajara.
15 de mayo, 21:00 hrs.
De $440 a $3,514.
Titizé, a venetian dream
La compañía Finzi Pasca presenta este espectáculo de circo, danza y teatro, bajo la dirección de Daniele Finzi Pasca. Inspirado en el lenguaje de los sueños, propone un universo poético y surreal. A través del clown, la acrobacia, el movimiento y máquinas escénicas, se construye un montaje que mezcla tradición e innovación. Goza de un viaje sensorial lleno de asombro y emoción.
Conjunto Santander de Artes Escénicas.
21 y 22 de mayo, 20:30 hrs. 23 de mayo, 13:00 y 19:30 hrs. 24 de mayo, 12:30 y 17:00 hrs.
De $650 a $1,300.
Grupo Frontera
Dentro de su gira internacional Triste pero bien c*brón tour, la agrupación de música mexicana regional se presentará en la ciudad para brindar un concierto, en el que promociona su tercer álbum de estudio “Lo que me falta por llorar” conformado por 12 temas. Disfruta de una noche de sonido norteño-cumbia de una de las agrupaciones más influyentes del género.
Arena Guadalajara.
21 de mayo, 21:00 hrs.
De $753 a $4,685.
Remmy Valenzuela
En el marco de su gira Desde el rancho Tour 2026, el cantante sinaloense brindará una noche de concierto, llena de música de acordeón, sentimiento y corazón norteño. Goza de una velada de música en vivo, donde la esencia de historias de amor, desamor, orgullo y vida ranchera revestirán la atmósfera del recinto.
Auditorio Telmex.
15 de mayo, 21:00 hrs.
De $400 a $2,650. $3,800 VIP.
Leyendas del Mariachi
Es una gala musical que rinde homenaje a la grandeza del mariachi y la riqueza cultural nacional, en la que participarán agrupaciones como el Mariachi Estrella de México, Mariachi Femenil Estrella de México y Leyendas del Mariachi. Disfruta de una noche llena de tradición con la música mexicana que enaltece las raíces y el orgullo de ser mexicano.
Palcco.
15 de mayo, 20:30 hrs.
De $800 a $1,600.
Borrachas, pero buenas muchachas
“La dama de la comedia” Cessy Casanova y “La Chupitos” Liliana Arriaga ofrecerán este espectáculo, en el que te harán reír con su incomparable humor, cada una con un estilo diferente, pero la misma intención de hacer reír con este increíble show. Diviértete con una noche repleta de risas y buen humor.
Teatro Galerías.
16 de mayo, 21:00 hrs.
$450, $550, $650 y $750.
Otros Eventos
Esquizofrenia
Teatro Galerías. 15 de mayo, 20:30 hrs. $400, $550 y $650.
Chesdana
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 15 de mayo, 21:00 hrs. $350.
Dos pianos y un alma
Palcco. 16 de mayo, 17:00 hrs. $350.
Johnn Williams Sinfónico
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 16 de mayo, 20:00 hrs. De $400 a $1,000.
OHIR Programa 5: Ciclo de piano-tripe concierto de Beethoven
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 16 de mayo, 19:30 hrs. De $150 a $230.
Un cardumen en el cielo y una parvada en el mar
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 17, 24 y 31 de mayo, 11:00 hrs. $350 bebé + acompañante. $200 acompañante extra.
31 Minutos-Tributo Oficial
Teatro Galerías. 17 de mayo, 13:30 y 16:30 hrs. $300, $350, $400 y $450.
Marc Martel: One Vision of Queen
Conjunto Santander de Artes Escénicas. 17 de mayo, 18:00 hrs. De $700 a $2,000.
Leyendas Gruperas: Los Yonic’s, Los Freddys y Los Muecas
Auditorio Telmex. 17 de mayo, 19:00 hrs. De $400 a $1,600. $2,400 VIP.
XM
ues de anuncios individuales.
Source link
-
Musica2 días agoConciertos: ¡Aguante Megadeth!”: Guadalajara vive una despedida histórica del thrash metal
-
Tecnologia1 día agoLanzamiento masivo de satélites llena de hollín la atmósfera superior
-
Tecnologia2 días agoCambio climático dispara el riesgo por calor y humedad en el Mundial 2026
-
Actualidad2 días ago“¡Nos están disparando!”: Rihanna detalla en documentos judiciales el momento del tiroteo contra su casa
-
Musica2 días agoMúsica: “KPop Demon Hunters” tendrán gira mundial en 2027
-
Actualidad1 día agoHay gente muy enfadada por las inexactitudes de ‘La Odisea’ de Nolan. Pero no por los uniformes: por la diversidad
-
Deportes2 días agoMuere Jason Collins, primer jugador de la NBA que se declaró homosexual
-
Musica2 días agoGuadalajara: Sábado de música y fiesta en la Americana