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«Existe la idea de que una mujer dura es una mujer poderosa»: Angelina Jolie

Angelina Jolie sabe cómo defenderse. La actriz y cineasta no es ajena a la imagen de la mujer «badass«, no solo por su aura de figura inquebrantable en Hollywood, sino porque también se ha metido en la piel de divas que patean traseros en las pantallas, ya sea como agente secreta, espía, asesina a sueldo o arqueóloga aventurera. Quizá sea por eso que, al estrenarse el trailer de Aquellos que desean mi muerte, la nueva película de Taylor Sheridan (Hell or High Water), los textos que acompañaron la noticia hablaban sobre todo del regreso de la actriz a las glorias del género de acción; es decir, al mundo de los stunts, el espectáculo y las actitudes de acero. En ella, Angelina interpreta a Hannah, una atormentada bombera paracaidista (un grupo selecto conocido como los smokejumpers), quien debe proteger al pequeño Connor (Finn Little) en una odisea que involucra un bosque ardiendo mientras dos asesinos persiguen sus pasos. La vemos correr bajo una tormenta eléctrica, abrir un paracaídas mientras viaja en la parte trasera de una camioneta, enfrentar a enemigos en peleas con armas punzocortantes.
Sin embargo, un personaje que podría ser descrito con el cada vez más borroso calificativo de «fuerte», para Angelina no es sino una representación de una mujer quebrantada, a quien no le queda de otra más que ser suficiente. Basada en el libro homónimo, Aquellos que desean mi muerte es un thriller que retoma para su protagonista el atractivo arco del héroe taciturno que encuentra redención en compañía de un inocente; sin embargo, en Hannah hay más vulnerabilidad que temple de guerrera. Lo mismo sucede con Allison, encarnada por la actriz Medina Senghore, una instructora de supervivencia y esposa del sheriff, quien debe enfrentarse a los mercenarios homicidas con siete meses de embarazo. En ambas es mayor la pulsión de sobrevivencia y de protección que los aires de conquista: una imagen que se encuentra más en armonía con las reflexiones que Angelina nos comparte sobre la fortaleza y el poder. Para la actriz, quien recientemente cumplió 20 años trabajando con la agencia de la ONU para los refugiados, la verdadera fuerza tiene mucho que ver con proteger a otras personas desde la vulnerabilidad.
Platicamos con ambas sobre la película, su relación con el concepto de la «mujer fuerte» y las dificultades de filmar en medio del fuego.


Angelina Jolie y el verdadero poder
Es imposible ver el trailer de este thriller, con esas secuencias de fuegos en el bosque, sin pensar en los fuegos sin control que han azotado varias regiones recientemente y las personas que trabajan para darles la batalla. En vista de esta realidad en la que está ambientada, ¿qué fue lo distinto para ti de trabajar en esta película de acción y suspenso?
Bueno, es justo como tú has dicho. Es más un thriller que una película de acción y está ambientada en el mundo real. Elevado de cierta forma para la película, pero con personas del mundo real y con problemas cercanos. Claro que los fuegos a los que nos enfrentamos le recordarán a muchas personas aquello que ya sabemos: los peligros de esas situaciones, las personas que están ahí y lo que nos enfrentamos a nivel mundial todos.
El director construyó un set de bosque especial para incendiarlo, ¿cómo fue filmar entre las llamas, en un mundo de Taylor Sheridan y acompañada por Finn Little?
Bueno, pues es muy interesante porque definitivamente te da una idea de lo que es para las personas que trabajan en estas situaciones y usan estos trajes y equipo. Por ejemplo, estábamos en un ambiente controlado, pero por mucho que trates de controlarlo… el fuego salta y no puedes hacer mucho. Tú planeas, bueno, vamos a incendiar esta parte del bosque, pero de pronto el fuego salta a un árbol o a otro lugar inesperado. Teníamos estas reglas, si algo pasaba, si se ponía demasiado caliente, o si debíamos cubrirnos de emergencia y caminar hacia otro lugar sin mirar atrás. Todos nos cuidábamos unos a otros. Pero el poder del fuego… es el poder de la madre naturaleza, algo que te hace sentir tan pequeña e incapacitada.
Me imagino…
Además, durante la mayoría del filme estuve acompañada de un niño, entonces eso me ayudó a concentrarme, tan solo por el hecho de que quería asegurarme de que mis ojos estuvieran puestos en él, cuidándolo.

Hablando de poder, Hannah es descrita como «un personaje femenino fuerte», como otros que has interpretado en el pasado, pero, al mismo tiempo, ese término se ha convertido en una suerte de lugar común, un concepto un tanto borroso. Varias mujeres del ámbito fílmico en México se encuentran cuestionando qué es lo que entendemos por «mujer fuerte» o «mujer poderosa», y cómo se vería eso. En ese sentido, ¿cómo te relacionas tú con ese concepto de mujer «fuerte»?
Bueno, creo que es una discusión que es muy importante que tengamos porque creo que, desde hace mucho tiempo, existe la idea de ver a una mujer que es dura y que está peleando contra algo como “poderosa”.
Y me gustaría que las mujeres llegaran a un punto en donde no tuvieran que estar defendiéndose todo el tiempo, que su poder se engrosara y se sustentara en su feminidad y, sobre todo, en estar seguras. El poder de la maternidad, el poder de su mente, el poder de todo lo que ellas son. Pero mucho de lo que es presentado y detonado en las mujeres en el mundo tiene que ver con defenderse de un abuso u otro.
Y para una mujer que observa estas historias, estos personajes ficticios… entiendo que ves una película y crees que esta es una mujer fuerte y poderosa, pero ella [Hannah] de hecho es una mujer dañada y endeble. Y tristemente, también creo que mucho de lo que las personas perciben como “fuerte” lo usan para excusarse… creo que las personas dicen: mira, esa mujer es tan fuerte, no necesita de nuestro apoyo ni de nuestra protección. ¡Ella es tan fuerte!, está bien si la vida o nosotros somos duros con ella.
Creo que en muchas ocasiones eso de la mujer fuerte se usa como excusa. También somos personas que cuidan, tiernas y suaves. Somos poderosísimas, desde el hecho de que damos a luz, pero también queremos tener derecho a ser suaves.
¿Asociarías el verdadero poder con proteger a las personas vulnerables? Pensando un poco en que tu personaje encuentra esa fuerza al proteger a Connor.
Cien por ciento. ¡Cien por ciento! Creo que eso es lo que saca lo mejor de nosotros como seres humanos, cuando eres fuerte en servicio de alguien más. Cuando estamos conectados y cuando estamos luchando en defensa ya sea de la Tierra, de las infancias, o tratando de sostener a quienes han sido lastimados.

¿Alguna vez te has sentido, por el contrario, protegida o rescatada?
(Ríe) Es una buena pregunta que hacer a una mujer, si se ha sentido realmente rescatada. Es decir, no he sentido mucha protección en mi vida y creo que esa es la razón por la que salí al mundo viéndome tan aparentemente “fuerte”, porque nunca sentí, nunca sentí que iba a haber otra persona que iba a defenderme. Especialmente cuando perdí a mi mamá. Tuve a otra mujer en mi vida que de cierta forma sí era… una protectora. Pero cuando se fue, ya no la había. Curiosamente, mis hijos ahorita se han vuelto bastante protectores y eso ha sido muy disfrutable.
Es… es bastante emocional para mí darme cuenta de eso. Voltear y ver que tus hijos se han convertido en las personas que están ahí para protegerte. Es algo que aún trato de comprender. Ha pasado ya un tiempo desde que perdí a mi madre.
Ambos, Connor y Hannah, impactan muchísimo en la vida del otro, y al verlos juntos en las escenas es difícil no recordar el trabajo real que has hecho con jóvenes alrededor del mundo, tu trabajo con la ONU, el libro que estás haciendo con Amnistía Internacional sobre los derechos de niños y niñas, ¿cómo dirías que han impactado a su vez las infancias y las personas jóvenes en tu crecimiento como creadora?
Bueno, creo que… hay una pureza en la juventud, una inocencia. Una apertura total a lo que está bien y lo que está mal. No solo hablo de su vulnerabilidad. Pero he visto eso en las personas que están llegando al mundo para entender quiénes son y lo que ha sucedido. Son confrontados por tantas cosas para las que nosotros los adultos encontramos tantas excusas. Así que me siento muy atraída hacia esa capacidad de ver con claridad cuándo algo está bien o está mal. Y sí, al ser madre, me siento muy protectora de las personas jóvenes, pero también, y en gran parte, porque veo quiénes son, las personas que son.

Medina Senghore, la maternidad en acción
Nacida en Massachusetts, Medina Senghore tiene un título de ingeniería química, estudió leyes en Harvard, trabajó como abogada en Manhattan y también obtuvo una maestría en bellas artes en Julliard. Aun así, ha dicho que su impresionante currículum no debería intimidar a nadie, puesto que cree que todas las personas tienen algo único que ofrecer. Después de graduarse se incorporó a la serie Happy!, al lado de Christopher Meloni. En Aquellos que desean mi muerte, su personaje es una figura atípica en un thriller: una mujer embarazada de siete meses que no se queda al margen de la acción, sino que es parte central de ella.
¿Cuáles fueron las preguntas que te permitieron conectar con la experiencia de Allison?
Lo primero que resonó conmigo cuando obtuve la audición fue el hecho de que está embarazada y yo tengo dos niños pequeños, así que desde el inicio entendí inmediatamente esa energía de mamá osa y esa fiereza e impulso de protección que me viene naturalmente. Y eso fue muy excitante para mí, poder entrar a esa parte de la historia.
No vemos ese aspecto de la maternidad y el embarazo. Solemos ver mucho más al embarazo representado en su dimensión chusca, o cómica. Aquí hay una mezcla especial de vulnerabilidad y fuerza, que es la que se combina precisamente cuando una mujer se embaraza, y el tener la oportunidad de explorar eso creo que fue increíble.

¿Qué tan complicadas fueron las escenas de acción en la piel de una mujer embarazada?
Algo que definitivamente cautivaba mi imaginación es que, otro de los maravillosos matices de mi personaje, fue que tanto ella como su esposo, interpretado por Jon Bernthal, son instructores de la escuela de supervivencia. Se trata de una mujer que es muy capaz, y eso significa retos físicos tan solo por el ámbito en el que ella se dedica. La conocemos cuando está muy embarazada y cuando eso sucede, lo sé por experiencia, llega un punto en el embarazo en que tu cuerpo ya no puede hacer lo que solía hacer. Justo la conocemos en ese punto de su vida. Y están por otro lado los retos que la misma historia le presenta. Entonces los retos operaban en distintos niveles.
¿Cómo te relacionas con el concepto de «la mujer fuerte» y qué representaciones de poder en los medios audiovisuales se te hacen inspiradores como espectadora?
En esta película en particular, tanto para mi personaje como para el de Angelina Jolie, vemos a mujeres que son físicamente muy fuertes, pero emocionalmente o situacionalmente muy vulnerables. Y esas representaciones, no solo como una espectadora sino como una mujer que consume contenido en los medios de comunicación, eso es algo que disfruto bastante. Porque así es como sucede en la vida. Tienes un obstáculo o reto en tu vida personal, pero sabes que tienes que presentarte a tu trabajo. Sabiendo que no necesitas ser invencible. Y también es importante mostrar que ser poderosa no significa no necesitar ayuda o apoyo. Y creo que mostrar esos matices a un nivel mediático de cierta forma les muestra a las mujeres que ellas pueden operar de esa forma en sus vidas.
¿Qué aprendiste de ti misma como actriz durante la filmación de esta película?
Una de las cosas que aprendí sobre mí misma fue estar preparada para lo que sea (ríe). Hubo momentos en que lo que íbamos a filmar cambiaba de pronto, y esperaba que las cosas se fueran por un lado y terminaban yéndose por otro completamente distinto. La primera vez que me pasó eso me agarró en curva, así que llegué a mi casa ese día me dije a mí misma, ya no va a pasar eso. Y regresé sabiendo que debía estar preparada para todo. Que debía ser flexible y poder ir en cualquier dirección.
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Cinemex reabre su complejo Reforma 222 renovado, con nueva propuesta gastronómica y tecnología láser
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Cinemex reabrió las puertas de su complejo ubicado en Reforma 222, en la Ciudad de México, tras una renovación que actualizó tanto su infraestructura tecnológica como su oferta de alimentos y el diseño de sus instalaciones.
El complejo se integra ahora al formato «Market» de la cadena, un modelo que combina la proyección de películas con una zona de restaurantes y snacks de distintas marcas. Con esta incorporación, Cinemex suma nueve complejos bajo ese esquema en todo el país.
En materia gastronómica, el lugar alberga opciones como Mini Moshi, La Crepe Parisienne, Cielito Querido Café, Red Kitchen, Lucky Bones y Burk’s. Uno de los espacios que más destaca es el PopCorn Lab, una barra de palomitas con más de diez sabores que van desde opciones clásicas como mantequilla y caramelo hasta variantes como Oreo, chile limón y tamarindo.
En cuanto a tecnología, las salas incorporan proyección láser en formatos 2K y 4K, que permite mayor brillo y definición de imagen, acompañada de sistemas de sonido envolvente. El diseño interior fue reformado con butacas ergonómicas, mayor distancia entre filas e iluminación contemporánea.
La reapertura de Reforma 222 forma parte de un plan de modernización más amplio que la empresa inició en 2025. En el transcurso de este año, la compañía también prevé renovar los complejos de Patriotismo, Lindavista, Lomas Verdes, Fashion Drive y Paseo San Pedro, estos últimos en Monterrey.
Cinemex emplea actualmente a más de 7 mil personas de forma directa en el país.
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Poncho Pineda: quiero que mis obras sean personales
Poncho Pineda, mexicano en nacionalidad y esencia, es el director de cine y televisión más visto en la historia de ViX. Sus proyectos (Es por su bien (2024), Profe infiltrado (2024), entre otras), han recibido buena apreciación en aquella plataforma. Desde su primer largometraje Amor, dolor y viceversa(2008) ha ido abriéndose camino a nivel internacional. Un hombre de cuarenta y siete años que remonta su trayectoria a los once, cuando se descubrió inventando historias que le permitían comprender las situaciones que iba atravesando. Sin embargo, no fue hasta que la afición se enfrentó con la técnica cuando Poncho encontró su pasión: uno de esos azares del destino que conducen a uno al resto de su vida. En su caso, una electiva de fotografía; la asignatura escolar que resultó determinante para la carrera del cineasta, que le brindó las herramientas para (re)presentar sus vivencias y su entorno.
“Terminé enamorado de la imagen, de lo que se podía hacer con una (imagen), de lo que representaba emocional o simbólicamente”.
La fotografía como elemento narrativo, que sugiere, que se arriesga y que intriga fue lo que despertó en Poncho una fascinación que le sirvió como motor para emprender el camino de la cinematografía y, que eventualmente, influyó en su propia manera de ver y de dirigir. Para él, el amor por esta profesión y la inspiración no surgieron en la academia, pues a pesar de haber realizado estudios en literatura, cine, dirección, guionismo y producción, su pasión tiene origen en su infancia: en el amor que sus padres tenían por el cine en blanco y negro y por las películas de Alfred Hitchcock.

Con el tiempo, este cariño lo hizo propio y Poncho terminó por encontrar a sus propios ídolos: grandes cineastas de distintas partes del mundo que lo inspiraron durante todo el proceso de creación de su primera cinta. “Yo realmente estuve muy inspirado por Quentin Tarantino, Paul Fitzgerald, David Fincher, Michael Haneke. Luego, cuando fui creciendo, Amores Perros (Iñárritu, 2000) me encantaba, la foto y lo visceral. Me encantaba lo que lograban comunicar con la cámara”. Fue todo el misterio que suscita la fotografía de esta icónica cinta mexicana en el espectador lo que, comparte Poncho, impulsó su primera película.
No obstante, es bien sabido que tras las inspiraciones llega uno mismo, que después de observar e intentar, uno encuentra su versión más auténtica, con su propio lenguaje y su propia esencia. Hoy, no cabe duda de que Poncho se encuentra en este lugar, en el punto de su carrera en el que sus seguidores son capaces de reconocer sus obras, de identificar las marcas personales del cineasta; por ejemplo, el constante retorno a las dinámicas familiares. Este director es consciente de que, como mexicanos, la familia es nuestro núcleo más importante a nivel social– algo que él mismo comparte– por lo que decide jugar con este elemento y presentar escenas y narrativas que toquen fibras en más de una persona.
No es casualidad de que, sin importar el género con el que Poncho esté trabajando, la dirección de sus películas esté enfocada en resaltar dichas nociones y conductas (familiares), pues él se mantiene firme en la idea de que la familia puede ser constructora, pero también limitante para el futuro y el avenir de cada individuo; un algo que trasciende lo comprensible: “dicen que antes de nacer hacemos un trato para ver a qué clan nos unimos”.
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Soltar. Entender. Resignificar.
Poncho sabe que su profesión abarca más allá de los límites del entretenimiento. Tiene presente que detrás de cada cortometraje o largometraje hay una anécdota, una profundidad y un contexto, que hay un alguien; una persona que fue protagonista de la misma historia que pretende ser contada. Ecos que vuelven de cada cinta una obra cargada de sentido y significado. Por eso, bajo esta perspectiva el cineasta mexicano no sólo tiene como objetivo ser consumido, sino ser escuchado y, en el proceso, entenderse a sí mismo.
En su estreno más reciente, Familia a la deriva (2026), Poncho hace esto mismo: a través de risas y buen humor, pretende provocar en la audiencia empatía hacia aquellas figuras que, aunque no son ausentes, tampoco desempeñan el papel que uno espera. Con esto, él comparte un poco de su historia a un público y una sociedad que sabe que no es ajena a este sentimiento, volviendo su profesión en un elemento transformador. “Logro resignificar esto, de decir “entiendo, pero yo no quiero esto”. Digo, es a nivel muy personal”.
El cine, su trabajo y su pasión se vuelven catárticos. Trascienden lo profesional para convertirse en duelo, para dar sentido a circunstancias que atraviesa y, que incluso a determinada edad, siguen causando incertidumbre. Poncho encuentra en la dirección una manera de jugar con fantasmas del pasado; del mismo modo que, experimentando con distintos géneros, una forma de interactuar con los fantasmas del presente. Este director nos comparte que su transición del thriller a la comedia surge de una situación familiar que azotó inesperadamente y que terminó por redirigirlo a un nuevo género en su trabajo, que le permitiera no sólo dar forma al dolor, sino a reconectar y externar.
“Todas esas cosas que uno empieza a vivir, de repente dices pues no soy el único que las está viviendo. Estoy en un lugar privilegiado para poder contar la historia y que uno diga, no pues yo estoy pasando por lo mismo”.

El avenir
Aunque este malabarismo entre thriller y comedia no es fácil de explicar al público, Poncho decide que no está dispuesto a sacrificar ningún género. Encontró en ellos pasión, significado, retos y emoción; nuevos proyectos que llegan a su mesa y ya están en la mira de ejecución. Sin embargo, a pesar de que la comedia es algo que quiere seguir llevando de la mano, nos comparte que para el futuro cercano se están contemplando principalmente dos o tres thrillers y horrores.
Finalmente, Poncho responde a la pregunta sobre cómo definiría su trayectoria actual como director:
“Sé el camino y voy con un paso lento para poder llegar, sabiendo que voy a llegar y poder contar lo que me inquieta el alma”.
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Yrsa Roca Fannberg, sobre su documental La tierra bajo nuestros pies
Tras su paso por la gira de documentales Ambulante en la Ciudad de México, nos sentamos a platicar con la directora Yrsa Roca Fannberg sobre La tierra bajo nuestros pies, un íntimo retrato documental que nos invita a reflexionar sobre el final de la vida, el cuidado en las residencias de adultos mayores y el valor de acompañar con empatía los últimos días.
Cine PREMIERE: En tu película planteas un acercamiento a la muerte muy particular. ¿Qué significa para ti el final de la vida y cómo quisiste abordarlo?
Yrsa Roca Fannberg: Algún día nos vamos. Para mí, es muy importante poder compartir el momento, dar valor al tiempo que tenemos juntos y a la existencia del otro. Es algo muy bonito en la vida, especialmente cuando ya no queda mucho tiempo, porque luego se van y ya no los podemos retomar. La muerte es un momento muy final. A veces me gusta que los personajes queden callados, que sus frases queden inacabadas, porque en el silencio hay una enseñanza; si nos paramos a escuchar y a compartir su vida, no solamente dándoles los buenos días, se vuelve un acto de sentir y ver. El documental se trata mucho de escuchar, de la quietud.
CP: Al respecto, grabaste en formato analógico de 16 milímetros. En una época donde lo digital domina, ¿cómo fue este proceso y qué le aportó a tu obra?
YRF: Creo que filmar en celuloide es el momento de elegir. Si tuviera una cámara digital, tal vez me perdería grabando cosas innecesarias; pero con el 16 mm la focalización de encontrar momentos se vuelve algo casi mágico. Ahora estamos aquí filmando y es un proceso cotidiano, casi celebratorio. Cuando intentamos capturarlo todo, perdemos muchas cosas. Este formato me dio la belleza de esperar y de dar importancia a la filmación, sabiendo que ya no sabes de dónde viene el momento exacto que vas a registrar.

CP: Uno pensaría que el rol de dirección es solo dirigir, pero se nota que aquí fuiste muy partícipe. ¿Cómo lograste ese vínculo desde adentro con las y los residentes?
YRF: La primera escena de la que participé era para mostrar que somos un equipo que viene de adentro y no de fuera. Para mí, en esta residencia de 160 personas, fue importante tener una relación real. Había un trabajo previo de confianza y respeto con las personas. Yo no hago películas tanto para los espectadores como para quienes están ahí. Queríamos mostrar este vínculo real y no limitarnos a observar; el diseñador de sonido incluso puso un micrófono en el estetoscopio para escuchar el corazón, involucrándonos en algo muy íntimo. Conocer a las personas —yo sabía cómo le gusta hacer la cama a una de ellas— nos permitió compartir sin dirigir, sino creando circunstancias donde ellas pudieran ser.
CP: ¿Cómo surgió tu interés por retratar este ambiente y documentarlo en tu película?
YRF: Al principio quería hacer un documental sobre mi abuela en otra residencia, pero no se dio. Escribí esta película en un momento de maduración, de entender que la vida se va disminuyendo poco a poco. Empecé haciendo retratos fotográficos y conversando con la gente. Era importante mostrar esta etapa de la vida en una película que me parecía que debía ser un proceso lento para revelar que son obras de arte vivas.
CP: La película también evidencia el contraste entre la soledad de la vejez y la juventud del personal médico y de cuidados. ¿Cómo integraste este contraste?
YRF: Era esencial quitarle el peso a las rutinas del personal y observar cómo estas personas mayores han construido su propia convivencia y amistad, donde a veces se tiene a un amigo de 95 años. Hay mucha gente joven trabajando ahí y el contraste es muy marcado. Depende de todo el personal que este no sea solo un lugar de asistencia, sino un hogar. Hay personas a las que no les importa nada, pero muchos traen muebles de sus casas, se llevan sus cosas y mantienen su individualidad. Es crucial ser escuchado, incluso si solo es por una persona. A veces, me pregunto por qué la gente se emociona tanto y creo que es porque esta experiencia nos toca de manera muy personal, desde la identificación y no desde la lástima.
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