Connect with us

Musica

Más allá de The Smiths: 5 proyectos donde Johnny Marr ha participado

Published

on

Nacido en Manchester un 31 de octubre de 1963 John Martin Maher, o mejor conocido por su nombre artístico Johnny Marr, es un extraordinario compositor, guitarrista, tecladista y cantante británico que hoy celebra su cumpleañosTodos lo conocimos alcanzando la fama en la década de los 80 como guitarrista de la histórica banda inglesa The Smiths, donde trabajó de forma sumamente productiva en la composición de canciones junto con el vocalista de la agrupación, Morrissey.

Pero por otro lado, la carrera artística de Johnny ha sido muy prolífica al también formar parte de diferentes bandas como de The The, Electronic, Modest Mouse, The Cribs, Johnny Marr and the Healers y 7 Worlds Collide. Para que chequen el dato, en 2003 la revista estadounidense Rolling Stone incluyó a Marr en la posición 51 de su lista de los cien mejores guitarristas de todos los tiempos (y con justa razón).

Mira a Johnny Marr tocar por primera vez en vivo “This Charming Man”

Foto: Getty

Sus primeros años y su probable carrera como futbolista

Los padres de Johnny eran originarios de Athy en el Condado de Kildare al suroeste de Dublín en Irlanda, emigrando al Reino Unido alrededor de los años 50.​ Durante su niñez asistió a la escuela católica St Augustine ‘s Grammar School,​ misma que en 1977 se fusionó con otras escuelas para formar una escuela única llamada St John Plessington High School. 

Marr antes de convertirse en artista aspiraba a ser jugador de fútbol profesional, de hecho, el Nottingham Forest Football Club, ganador de la UEFA Champions League en dos ocasiones, le hizo una propuesta formal a Johnny Marr para que formara parte del plantel del equipo. Posteriormente fue a realizar varias pruebas con el Manchester City Football Club, equipo del cual es seguidor, pero sin obtener el éxito esperado.​

Johnny Marr en un partido del Manchester City en 2018/Foto: Getty

En una entrevista para la revista de fútbol inglés FourFourTwo, Marr dijo: “Era suficientemente bueno para el City, pero no me tomaron en cuenta porque probablemente era el único jugador que usaba delineador”. Estuvimos cerca de perdernos de un gran artista, finalmente el fútbol no le sonrió pero la música sí.

The Smiths y los inicios de su carrera artística

A principios de 1982 formó la banda The Smiths junto a Steven Patrick Morrissey, un escritor desempleado y residente en Manchester. Una amistad que logró kkevar a la banda a los grandes reflectores de la escena alternativa, Marr siendo siempre la mano derecha de Morrisey gracias a sus peculiares sonidos y estilos sonoros emitidos por sus guitarras Rickenbacker y Fender Telecaster. Detalle que se convertiría en gran parte de su esencia siendo uno de los principales sinónimos al pensar en The Smiths. 

Para completar a la banda, Marr y Morrisey reclutaron a Mike Joyce en la batería, Dale Hibbert en el bajo eléctrico y a Paul Lind en el triángulo. Posteriormente después de que The Smiths debutó en vivo en el The Ritz, en Mánchester, Hibbert fue reemplazado por el amigo de Marr, Andy Rourke. Con la creación de la banda, John Maher decidió adoptar su nombre artístico Johnny Marr, para evitar confusiones con el baterista John Maher del grupo punk Buzzcocks.

Ver en YouTube

Tras el éxito comercial y de la crítica de The Smiths con álbumes como The Queen Is Dead, la banda pronto ganó fama en el Reino Unido e Irlanda, sin embargo, no tuvieron el mismo éxito en otros países. De hecho la fama mundial vino después de que la banda se disolviera. Marr se bajó del barco por ciertas frustraciones con Morrissey y por la dirección que estaba tomando la música de The Smiths.

Finalmente, Marr y Morrissey coescribieron cuatro álbumes, así como numerosos Lados-B y otras canciones nunca lanzadas que finalmente aparecieron en compilaciones. La relación entre Morrissey y Marr ha sido alabada por los críticos de música y debido a sus composiciones se les considera uno de los dúos más influyentes de su época.

Johnny Marr y Morrissey en 1983/Foto: Getty

The The, Electronic y Johnny Marr and The Healers

Después de la desintegración de The Smiths en 1987, Johnny Marr tocó la guitarra y la armónica para The The en un periodo de 1988 a 1994. Por otro lado también trabajó de forma simultánea con Bernard Sumner de Joy Division/New Order para formar la superbanda Electronic. La agrupación estuvo activa durante 10 años desde 1989 a 1999 quienes durante en ese andar contaron además con colaboraciones de Neil Tennant y Chris Lowe de Pet Shop Boys y Karl Bartos de Kraftwerk.

En una vida artística intensa también se hizo productor y escritor saliendo de gira y grabando con Bryan Ferry de Roxy Music, quien ha trabajado con toda clase de artistas como The Pretenders, Simple Minds, –el mismo Karl Bartos de Kraftwerk–, Talking Heads, Billy Bragg, Pet Shop Boys, Beck y Oasis, entre otros.

Ver en YouTube

Posteriormente formaría a la banda Johnny Marr and The Healers la cual surgió en el año 2000, conformada por Zak Starkey, baterista e hijo del ex-Beatle Ringo Starr, Lee Spencer y Alonza Bevan, bajista de la banda de rock Kula Shaker.​ Pero el grupo tardó dos años en formarse porque Marr quería que los miembros tuvieran química entre ellos.

En 2003 salió al mercado su primer álbum Boomslang en el cual Marr escribió las letras de las canciones y también participó como vocalista principal. Para el 2005, se esperaba que publicaran su segundo disco y que realizaran una pequeña gira, sin embargo, Marr declaró que la banda estaba aparcada. De hecho, Starkey comenzó a trabajar con la banda The Who y Alonza Bevan volvió a agruparse con Kula Shaker

Johnny Marr And The Healers/Foto: Getty

Modest Mouse y The Cribs

En 2006, Johnny Marr se convirtió de manera oficial en miembro de la banda estadounidense Modest Mouse, para la cual escribió algunas canciones con el vocalista de la agrupación Isaac Brock, para el que sería su nuevo álbum We Were Dead Before the Ship Even Sank,que lanzaron el 20 de marzo del 2007, que terminó siendo el quinto trabajo de estudio de la banda donde Marr tocó la guitarra.

Dicho álbum alcanzó la posición número uno en la lista de popularidad estadounidense Billboard a finales de marzo del 2007.​ Para Marr, esta era la primera vez que había tenido un disco en el primer lugar en los Estados Unidos. La posición más alta que había alcanzado fue con Electronic, en el Top 40 de la lista de popularidad de sencillos con “Getting Away with It”.

Johnny Marr junto a Modest Mouse/ Foto: Getty

Johnny Marr también formó parte de The Cribs junto a los gemelos Gary y Ryan Jarman y su hermano menor Ross Jarman. Formando parte del cuarto álbum de la banda Ignore The Ignorant lanzado en el 2009, posteriormente Marr decidió dejarlos en enero del 2011 y desde entonces se enfocó en su carrera como solista. 

De futbolista a músico, del campo verde a los grandes escenarios, un camino que indudablemente ya estaba escrito en la vida de Marr, vaya artista nos hubiéramos perdido pero ¿qué tal le hubiera ido  persiguiendo un balón? No lo sabemos, lo que sí tenemos en mente es la gran herencia musical que nos ha dejado a lo largo de su intensa carrera que va más allá de ser el guitarrista estrella de The Smiths. 

Por: Salvador Medina

La entrada Más allá de The Smiths: 5 proyectos donde Johnny Marr ha participado se publicó primero en Sopitas.com.

ues de anuncios individuales.

Musica

Estos son 10 de los discos más caros que se han grabado (hasta la fecha)

Published

on


Lo que necesitas saber:

Muchas bandas y artistas han gastado una lanota para crear sus álbumes. Y aquí les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado.

En la actualidad, gracias a la tecnología, cualquier artista o banda puede grabar música en una computadora, sin la necesidad como tal de entrar a un estudio de grabación profesional y cubrir los gastos que eso implica. Sin embargo, a lo largo de la historia aparecieron discos que fueron tan caros que con eso se pudieron comprar varios supers.

Hace muchos años, era normal que un cantante o un grupo tuviera a su disposición una buena cantidad de dinero para producir y grabar sus proyectos. Aunque desde entonces, ya habían materiales discográficos cuyos presupuestos rayaban en la locura, pues nadie podía creer que gastaran tanto en crear un álbum de estudio.

¿Quiénes son las personas que aparecen en las portadas de algunos discos famosos?¿Quiénes son las personas que aparecen en las portadas de algunos discos famosos?
Imagen ilustrativa/Foto: Getty Images

Y para que chequen que hay artistas y bandas que eran capaces de poner una verdadera millonada con tal de crear las canciones y conceptos que tenían en la mente, a continuación les contamos de 10 de los discos más caros que se han grabado en la historia de la música (con todo y cifras actualizadas con el precio del dólar en 2024).

Estos son 10 de los discos más caros de grabar de la historia

Fleetwood Mac – ‘Tusk

Arrancamos esta lista con una banda que tiene una historia complicada. Así es, nos referimos a Fleetwood Mac, que aparece en el conteo de los discos más caros de todos los tiempos con Tusk, su doceavo álbum de estudio cuya grabación salió en la asombrosa cantidad de casi 6 millones de dólares de la actualidad.

Luego del éxito del icónico Rumours, la banda –a petición de Lindsey Buckingham– empezó a trabajar en un álbum más experimental y conceptual, donde jugaron con sonidos del punk rock y del new wave. El resultado fue un disco que tuvo una alta producción en las canciones en las que incluso contaron con la participación del exguitarrista del grupo, Peter Green.

A pesar de lo arriesgado que era buscar salirse de su zona de control para explorar otros géneros, Tusk se consideró como un fracaso comercial por su sello discográfico, vendiendo cuatro millones de copias en todo el mundo. De cualquier manera, se ganó buenas críticas y sobre todo, el gusto de su público, que lo convirtió en un clásico de culto.

Pero hablando de números, se estimó que los costos de producción del álbum inicialmente estaban en alrededor de 1 millón de dólares de la época, pero muchos años después se reveló que eran de aproximadamente 1.4 millones (equivalente a $ 5.88 millones de 2024), lo que lo convierte en uno de los discos de rock más caros de grabar hasta la fecha.

Billy Idol – ‘Charmed Life

Billy Idol es toda una leyenda de la música y por supuesto que se puede dar el lujo de desembolsar una lanita para grabar sus discos. Sin embargo, llevó todo al límite con Charmed Life, su cuarto material discográfico, pues para pagar todo este proyecto se gastó la nada despreciable cantidad de 3 millones y medio de dólares.

A finales de los 80, Billy andaba buscando nuevos aires. Es por eso que decidió que en esta ocasión no trabajaría con el guitarrista Steve Stevens (como en sus tres discos anteriores) para colaborar con Mark Younger-Smith, quien en palabras de Idol le “dio un eje, alguien con quien podía trabajar para formar un sonido y una idea para este álbum”.

Billy Idol terminó las sesiones para el álbum el 5 de febrero de 1990 y después de recoger las mezclas finales de Charmed Life resultó gravemente herido en un accidente de motocicleta. El 30 de abril de 1990 vio la luz este material discográfico y no le fue nada mal, pues recibió certificación platino por sus ventas.

Este disco incluye temazos, como “Cradle of Love” y el cover a “L.A. Woman” de The Doors. Pero si esto no fuera suficiente, los videoclips de los primeros dos sencillos del álbum contaron con la dirección del mismísimo David Fincher. Así que probablemente en eso se fue gran parte del presupuesto para este proyecto.

Aerosmith – ‘Rock in a Hard Place

Se sabe que en los 70 y 80, Aerosmith era una de las bandas más importantes del planeta y gastaban dinero a lo loco en excesos. Sin embargo, esa lana también la ponían para sus discos, tal es el caso de Rock in a Hard Place, su séptimo álbum de estudio, el cual les salió en poco más de 4 millones de dólares de estos tiempos.

Durante esa época, la banda estaba pasando por un momento complicado, tras la salida de Joe Perry y Brad Whitford. De cualquier manera, Steven Tyler (quien andaba lidiando con el abuso de drogas) y compañía buscaron reemplazos para grabar este material discográfico. Es por eso que durante dos años trabajaron en el disco sin conseguir el sonido y concepto que andaban buscando.

El 27 de agosto de 1982, Aerosmith lanzó Rock in a Hard Place y definitivamente, no tuvo el recibimiento que ellos esperaban. La crítica lo destrozó, pues a pesar de señalar que se atrevieron a experimentar con riffs más pesados, perdieron por completo la esencia que tenían con ese sonido blusero que tanto los caracterizaba.

Tras este descalabro en su carrera, las cosas cambieron dentro de la agrupación. Perry regresó y retomaron el camino musical por el que se hicieron famosos. Pero de todos modos, no podemos dejar de lado el hecho de que Steven Styler y los demás miembros probablemente se pudieron ahorrar unos dólares si no grababan este disco.

Wu-Tang Clan – ‘Once Upon a Time in Shaolin

La historia del Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan es fascinante por sí sola. No lo decimos únicamente porque grabarlo costó más de 3 millones de dólares de estos tiempos, también lo mencionamos porque solo existe una única copia de este álbum y no está disponible para descargar ni mucho menos para escucha en plataformas de streaming.

El colectivo de rap trabajó en secreto en este disco durante seis años, desde 2007 hasta 2013, del cual como ya lo mencionamos, solo hicieron una copia de dos CD’s en 2014 y estuvo guardado en una bóveda segura. Un año después, a través de una casa de subastas, el álbum se vendió a un comprador llamado Martin Shkreli, el director ejecutivo de Turing Pharmaceuticals, que pagó unos 2 millones de dólares por él y firmó un acuerdo legal donde se comprometía a no explotarlo comercialmente hasta 2103.

En marzo de 2018, Shkreli fue condenado por fraude de valores. Es por eso que un tribunal federal confiscó los activos que le pertenecían, incluido Once Upon a Time in Shaolin de Wu-Tang Clan. En julio de 2021, el Departamento de Justicia de Estados Unidos lo vendió a un grupo de coleccionistas de NFT’s por 4 millones de dólares para cubrir las deudas de Martin.

Aunque no se puede publicar el disco con fines comerciales, el acuerdo que firmó Martin Shkreli le daba chance de ponerlo en fiestas de escucha. Es por eso que en 2024 se reprodujo el álbum por primera vez en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Hobart, Tasmania. Por si esto no fuera suficiente, los dueños del material comenzaron a vender fragmentos como NFT. No cabe duda que este disco tiene una historia loquísima.

Kanye West – ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy

Otro caso de un rapero que despilfarró una marmaja jugosa para crear un disco. Así es, nos referimos a ni más ni menos que Kanye West, quien para grabar y producir su exitoso quinto material discográfico, My Beautiful Dark Twisted Fantasy, se gastó la enorme cantidad de 4 millones de dólares. Aunque quizá, ese gasto se puede justificar.

Después de una interrupción en su carrera, West trabajó en el álbum entre el 2009 y 2010. En este disco, siguió la idea de trabajar con muchos letristas, músicos y productores, entre ellos Jay-Z, Kid Cudi, John Legend, Pusha T, Bon Iver, Q-Tip, RZA, Pete Rock, Mike Dean, No I.D. y Jeff Bhasker. El resultado fue una colección de canciones que posicionó a Kanye como una de las mentes creativas más importantes de su generación.

El 22 de noviembre de 2010 salió a la venta My Beautiful Dark Twisted Fantasy y fue un golazo en la trayectoria de Kanye West, pues este disco incluyó temazos como “Power”, “Runaway”, “Monster” y “All of the Lights” que le valieron elogios tanto de la crítica especializada como de sus fans de hueso colorado.

No por nada, es considerado uno de los mejores álbumes de rap de la historia, así como uno de los mejores discos del siglo XXI e incluso de todos los tiempos. Es por eso que decimos que se puede justificar la lanota que Kanye invirtió en grabar y producir este impresionante material discográfico.

Korn – ‘Untouchables’

Aunque no lo crean, Korn se pasó con el presupuesto y ocupó una buena lana para la producción de Untouchables, su quinto material discográfico. Para que chequen el dato, se dice que gastaron poco más de 6 millones de dólares de la actualidad. Y en palabras de la agrupación, se debió al mantenimiento de su equipo de 15 personas durante los casi dos años que necesitaron para terminarlo.

A principios de 2001 comenzaron a crecer las tensiones entre los miembros de la banda, sobre todo por el abuso de drogas del bajista Reginald ‘Fieldy’ Arvizu. Finalmente, lograron escribir el álbum y lo grabaron, pero tardaron un buen rato en publicarlo, lo cual provocó que no existiera mucho interés tanto de la crítica como de los fans.

El 11 de junio de 2002, Korn lanzó oficialmente Untouchables y, a pesar de las buenas críticas y los intentos de su sello discográfico por armar ​estrategias de ventas (ya saben, sacando una edición limitada con bonus tracks, ilustraciones, DVD y toda la cosa), este disco tan costoso fue un fracaso comercial para la banda.

El grupo culpó a la piratería por la caída de sus ventas en comparación con sus discos anteriores, pues una versión del álbum sin terminar se filtró en internet tres meses antes de su lanzamiento oficial. De cualquier manera, este material discográfico es considerado como uno de los mejores trabajos de Jonathan Davis y compañía.

Garth Brooks – ‘Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines’

En la lista tenemos que mencionar a un artista que quizá no hubieran imaginado que verían dentro de los discos más costosos de todos los tiempos. Se trata de Garth Brooks, quien en 1999 lanzó Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, un álbum que en precios actuales, costó unos 9 millones de dólares… no es broma.

En esa época, el artista de country estaba pasando por un momento importante de popularidad, así que se le ocurrió una gran idea para su siguiente álbum: hacer un disco conceptual en el que Brooks toma la personalidad y el alter ego de Chris Gaines, un cantante de rock australiano. Sin embargo, sus planes eran más ambiciosos.

Resulta que la música de este disco originalmente estaba planeado que fuera la banda sonora de una película llamada The Lamb, en la que Garth Brooks interpretaría Chris Gaines y recorrería los diferentes períodos de su vida. El álbum se lanzó un año antes de la fecha de estreno programada para la cinta para despertar el interés en que el cantante formaría parte del proyecto.

Pero debido al fracaso comercial de Garth Brooks in…the Life of Chris Gaines, problemas financiero y que nadie entendió lo que estaba haciendo, la película nunca se filmó. Así que definitivamente, no valió la pena los millones de dólares que se invirtieron para la grabación de este material discográfico.

Def Leppard – ‘Hysteria’

Entrando a los puestos de honor, tenemos uno de los discos más importantes en la carrera de Def Leppard y de la década de los 80. Así es, hablamos de Hysteria, el cuarto material discográfico de la banda británica que, ajustado a los precios de la actualidad y aunque no lo crean, salió en unos 12 y 13 millones de dólares.

Durante el proceso de grabación, la agrupación de hard rock pasó por momentos complicados y una serie de inconvenientes que atrasaron más de lo debido la producción de este álbum, por alrededor de casi cuatro años. Entre ellos el accidente donde Rick Allen perdió el brazo izquierdo, así como una serie de cambios de productor.

Después de mucha espera, el 3 de agosto de 1987 salió oficialmente Hysteria y fue todo un trancazo, pues es el disco más exitoso de la banda hasta la fecha con alrededor de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Eso sin contar que incluyó rolones como la canción homónima, “Women”, “Animal”, “Pour Some Sugar on Me”, “Love Bites”, “Armaggedon It” y “Rocket”.

Al parecer, el gasto que se hizo en la grabación de este álbum fue justificado, pues más allá de las certificaciones y las ventas, se convirtió en uno de los materiales más influyentes no solo del hard rock, sino de toda la década de los 80. Tanto así que Rolling Stone y Q lo incluyeron en sus listas de los mejores álbumes de todos los tiempos.

Guns N’ Roses – ‘Chinese Democracy’

Por supuesto que en esta lista no podía faltar uno de los discos más controversiales y costos de la historia: el famoso Chinese Democracy de Guns N’ Roses, un álbum que actualmente podemos decir que representó un gasto de cerca de 20 millones de dólares y que tardó más de una década en ver la luz.

A mediados de la década de 1990, tras el éxito que tuvieron con proyectos como Use Your Illusion y The Spaghetti Incident?, la banda empezó a tener diferencias creativas y personales. En este lapso, Slash, Gilby Clarke, Duff McKagan y Matt Sorum renunciaron o fueron despedidos. Solo quedaron Axl Rose y el tecladista Dizzy Reed, y con un nuevo equipo de músicos comenzaron a trabajar en su siguiente álbum.

Se dice que la disquera de Guns N’ Roses le ofreció un millón de dólares de la época a Axl si terminaba el disco en 1999 y agregaría otro millón si el álbum estaba listo para antes del 1 de marzo de ese mismo año. Sin embargo, eso nunca pasó, pues Rose pasó por problemas legales, personales y encima, no estaba contento con lo que había grabado.

Fue hasta el 23 de noviembre de 2008 cuando Chinese Democracy llegó a las tiendas y para muchos, fue una enorme decepción, pues no estuvo a la altura de lo que esperaban los fans. Al menos, pudieron recuperar una lana de lo que invirtieron para la grabación, pues lograron vender más de 8 millones de copias en todo el mundo (un verdadero logro ya que poca gente seguía comprando discos físicos en esa época y encima, tenían el problema de la piratería).

Michael Jackson – ‘Invincible’

Fácilmente en los primeros puestos entrarían varios discos de Michael Jackson, como HIStory: Past, Present and Future, Book I y Dangerous (que costaron entre 20 y 22 millones de dólares respectivamente). Pero en el lugar de honor tenemos a Invicible, el décimo y último álbum del ‘Rey del Pop’ que ajustado a la actualidad, salió en unos 50 y 60 millones de dólares… así como lo leen.

En 1997, Michael inició las grabaciones del álbum. Sin embargo, se dice que tardó tanto en terminar estas canciones porque se tomó el tiempo de acomodar tanto los instrumentos como los ritmos, mezclas e incluso frecuencias hasta que estuviera satisfecho con el trabajo final. De hecho, el propio cantante declaró que le puso tanto empeño al proyecto porque no estaba seguro si iba a continuar haciendo más discos.

Finalmente, el 30 de octubre de 2001 salió a la venta Invincible donde incluso hubo apariciones de Carlos Santana, Slash y el difunto The Notorious B.I.G. Y aunque no tuvo hits memorables, le fue muy bien en cuanto a críticas y ventas e incluso consiguió la certificación de doble platino, así que no estuvo nada mal para Michael Jackson.

Sin embargo, tras varias discusiones con su discográfica (porque Michael se negó a hacer una gira para promover el álbum y el sello detuvo la promoción de este material), Jackson no volvió a publicar música nueva en vida. De cualquier manera y aunque han pasado los años, sigue teniendo el récord por grabar el disco más costoso de todos los tiempos.

Todo lo que no sabías que necesitas saber lo encuentras en Sopitas.com



ues de anuncios individuales.

Source link

Continue Reading

Musica

Día del Músico 2024: ¿Por qué Santa Cecilia es considerada la patrona de los músicos?

Published

on



El Día del Músico es una festividad que se celebra cada 22 de noviembre como una manera de reconocer el impacto y la relevancia de los músicos en nuestra sociedad.

Además, la fecha también se presenta como un espacio de reflexión para repensar los desafíos contemporáneos que enfrentan quienes ejercen esta profesión artística hoy en día.

En este sentido, la efeméride resalta lo importante que es la música como un medio para expresar, comunicar y sentir. Es imprescindible valorar el trabajo de quienes logran transmitir emociones y conectar a las personas a través de su talento y los sonidos.

A lo largo de la historia, la música ha jugado un papel significativo en diversas civilizaciones. En el antiguo Egipto, la música estaba asociada a prácticas religiosas, siendo utilizada en rituales sagrados y reservada para los sacerdotes. En la antigua Grecia, tenía un lugar central en su mitología, donde se le atribuía un poder divino.

Asimismo, durante la Edad Media, la música estuvo estrechamente vinculada a la Iglesia, convirtiéndose en una herramienta de culto y devoción. Con el Renacimiento, la música floreció, particularmente con el auge de la polifonía, que dio lugar a nuevas formas musicales y técnicas compositivas.

Te recomendamos: Ellas fueron las mujeres que participaron en la Revolución Mexicana

En 1997, la UNESCO proclamó el Día Internacional del Músico, como un medio para reconocer la influencia de la música y su papel esencial en las culturas de todo el mundo.

Esta fecha también invita a reflexionar sobre los desafíos contemporáneos que enfrentan los músicos. A pesar de los avances tecnológicos que han transformado la industria musical, los artistas siguen enfrentando dificultades económicas, la competencia por la visibilidad en un mercado saturado y la constante necesidad de adaptarse a las nuevas plataformas digitales de distribución.

Un aspecto relevante de esta celebración es la relación entre el Día del Músico y Santa Cecilia, considerada la patrona de los músicos.

Según las tradiciones, Santa Cecilia fue una mujer de profunda fe cristiana que, mientras celebraba su matrimonio, escuchaba melodías instrumentales, pero en su interior cantaba a Dios en silencio. Este detalle la asoció con la música, considerando su canto una manifestación de devoción espiritual.

A pesar de ser perseguida por su fe, Santa Cecilia permaneció firme en sus creencias hasta su martirio, lo que le permitió convertirse en un símbolo de resistencia y fe.

En 1584, la Iglesia Católica la nombró oficialmente patrona de los músicos, y desde entonces, su figura ha estado ligada a la celebración del Día Internacional del Músico.

Te recomendamos: Asiste a la obra “Lo grabado en una superficie” en el MAZ

CM 
 

Temas

Lee También

ues de anuncios individuales.

Source link

Continue Reading

Musica

Cartel, boletos y todo lo que debes saber sobre el Coca-Cola Flow Fest 2024

Published

on


Lo que necesitas saber:

Después de mucha espera y rumores, por fin tenemos el cartel del Coca-Cola Flow Fest 2024. Y por acá les contamos todos los detalles.

El cierre de este año ha estado leno de música y festivales, y todavía no termina, pues entre ellos tenemos el Coca-Cola Flow Fest 2024. Por acá les contamos todo lo que deben saber al respecto, como el cartel, boletos y más.

Como recordarán, fue en 2017 cuando nació este festival, con la intención de festejar la cultura urbana, promoviendo su música a través del rap, reggaetón, trap y hip-hop, con artistas nacionales e internacionales. Y vaya que a lo largo de este tiempo, han sacado lineups rifados para los fans de estos géneros, con los que se han armado verdaderas fiestotas (acá les contamos cómo se puso la edición 2023).

flow fest 2023flow fest 2023
Imagen ilustrativa del Coca-ColaFlow Fest/Foto: Cortesía

Este es el cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest 2024

Sin embargo, después de mucha espera, a finales de mayo, el Coca-Cola Flow Fest dio señales de vida a través de sus redes sociales, anunciando con bombo y platillo que iniciarían la venta early bird para su edición 2024. Y como era de esperarse, muchos aprovecharon la oportunidad para armar sus boletos antes de la revelación del cartel, sin saber quiénes se van a presentar.

En este entonces también confirmaron que el festival es ya este 23 y 24 de noviembre de 2024 en el lugar que ha sido su casa desde hace varios años, el Autódromo Hermanos Rodríguez.

Cartel, boletos y todos lo que debes saber sobre el Coca-Cola Flow Fest 2024Cartel, boletos y todos lo que debes saber sobre el Coca-Cola Flow Fest 2024
Estas son las fechas para el Coca-Cola Flow Fest 2024/Foto vía Facebook: Coca-Cola Flow

Pero bueno, volviendo al cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest 2024, la cosa se pondrá buena este año. Para que se den una idea, entre los actos principales tenemos nombres como Rauw Alejandro, Becky G, Rels B, Arcángel, Sebastián Yatra, Chencho Corlone, Tiny

Aunque en “las letras chiquitas” también aparecen artistas mexicanos que vienen sonando durísimo, entre ellos El Bogueto, Snow Tha Product, El Malilla, Yoss Bones y muchos más. A continuación les dejamos el lineup completo para que le echen un ojo.

Cartel, boletos y todos lo que debes saber sobre el Coca-Cola Flow Fest 2024Cartel, boletos y todos lo que debes saber sobre el Coca-Cola Flow Fest 2024
Este es el cartel completo para el Coca-Cola Flow Fest 2024/Foto: OCESA

Boletos para el Coca-Cola Flow Fest 2024

Ok, después de checar el cartel oficial del Coca-Cola Flow Fest, estamos seguros de que quienes no tiene boletos, querrán tenerlos aunque sea de último momento. Bueno, la venta general inició el 12 de junio, pero todavía hay boletos. Sí, es a través de Ticketmaster y de este lado les dejamos el link de compra.

Habrá streaming oficial para seguir en vivo el Flow Fest 2024

Ahora que si ya de plano sientes que es tarde para conseguir boletos, descuida, podrás seguir completamente en vivo el Flow Fest 2024. Habrá streaming oficial a través de Twitch, así que échale un ojo los dos días.

¿Qué tal? ¿Están listos para darle macizo contra el piso en el el Coca-Cola Flow Fest 2024? De plano, nos esperan dos días de fiestota intensa en el Autódromo Hermanos Rodríguez. Mientras, y si ustedes jamás han ido al festival pero quieren ver cómo se pone, a continuación les dejamos el aftermovie oficial del 2023.

Todo lo que no sabías que necesitas saber lo encuentras en Sopitas.com



ues de anuncios individuales.

Source link

Continue Reading

Trending