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“La música es el camino más poderoso para conectar al mundo”: Una entrevista con Matt Berninger
Estos tiempos de cuarentena nos han servido para muchas cosas, para echar a volar la imaginación y ocupar todo el tiempo que tenemos encerrados en casa para hacer algo creativo. Esto también aplica para los músicos, quienes están aprovechando estos meses sin giras ni conciertos para concretar proyectos que llevaban años planeando, como en el caso de Matt Berninger, que nos dejó con el ojo cuadrado gracias a una enorme sorpresa.
En este extraño 2020, el cantante regresa pero no con The National, sino con su primer disco solista llamado Serpentine Prison. Es por eso que tuvimos la oportunidad de platicar con él sobre la inspiración de este material discográfico, trabajar con un montón de músicos de toda clase de géneros, la situación social y política en los Estados Unidos y hasta nos contó sobre un cover muy especial que le hizo a The Cure.
Foto: Chantal Anderson
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Matt termina un proyecto en medio de una pandemia
Como ya lo mencionábamos antes, este tiempo encerrados en un solo lugar ha resultado inspirador y hasta relajante. Y aunque estamos acostumbrados a ver a Matt tocando con The National por todos lados, es un tipo que prefiere quedarse en casa y disfrutar del momento, aunque gracias a todo lo que está pasando en el mundo también pudo concretar este primer esfuerzo como solista, Serpentine Prison, un disco que inicialmente sería muy distinto.
“Ha sido un buen encierro, ¿sabes? Estoy bien con la cuarentena de hecho, he pasado mucho tiempo en casa y con mi familia, así que eso es bueno. Aunque muchas veces estoy de gira y parece que me gusta andar por todo el mundo, en realidad no, me encanta quedarme en un solo lugar”.
“La verdad es que no lo pensé mucho, creo que empecé a tomar en serio esto hace un año, cuando estaba con The National en el estudio. Comencé a considerar la opción de hacer un disco de covers con todas mis canciones favoritas, que curiosamente es algo que no hago muy seguido. Así que en el camino me encontré con Benjamin Booker y empezamos a tocar canciones de otras personas, pero cuando lo conocí a él fue cuando realmente me di cuenta de que iba en serio”.
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Una experiencia única a la hora de grabar este disco
Más allá de ser su primera aventura como solista, en este álbum Matt Berninger experimentó de todo un poco. Trabajó con el legendario Benjamin Booker y no solo eso, sino que trabajo como muchos artistas como Matt Barrick, Andrew Bird, Mike Brewer, Hayden Desser, Scott Devendorf, Gail Ann Dorsey, Brent Knopf y más. Sin embargo, el proceso de colaborar con todos ellos no fue como pensaba.
“No fue como tal un disco colaborativo, porque escribí todas las canciones por mi cuenta, cada una de ellas se empezó a cocinar en un e-mail o por llamada mientras yo estaba sentado en un cuarto, pero no siempre tuve gente cerca. Por ejemplo, ‘Serpentine Prison’ la compuse una tarde con Harrison Whitford y Seaon O’Brien grabaron conmigo, pero solo ellos, en un espacio muy íntimo compuse estas canciones literal solo”.
“Y a la hora de entrar al estudio, Booker tuvo la grandiosa idea de invitar a más músicos y grabarlo en un mismo lugar, todos en una sola sala, era la primera vez que lo hacía y la verdad es que fue mágico. Tampoco es como que tenía el dinero o el presupuesto para apartar un estudio por mucho tiempo, así que lo grabamos rápido y siento que eso fue precisamente lo que me gustó, no que estuviéramos corriendo para conseguir la toma perfecta, sino que fue divertido estar todos juntos tocando estas melodías”.
Foto: Getty
El reto a la hora de escribir las letras
Como compositor, sabemos que Matt Berninger nunca falla y su trabajo –casi siempre junto a su esposa Carin Besser– lo respalda, pero como él mismo lo dejó muy claro, esta fue una experiencia que vivió por su propia cuenta. Así que a la hora de escribir las letras de este disco no escatimó en nada, a pesar de que el proceso creativo fue un tanto complicado y lo llevó a explotar todo su potencial para crear frases con las cuales pudiera conectar.
“No es que sea difícil componer una letra, quizá lo más complicado es realmente pensar bien lo que quieres capturar y de ahí lo demás llega como por arte de magia, ¿sabes? No es difícil escribir, lo más pesado siempre es darle un significado y creo que eso es lo que muchas personas buscan con mis canciones, intento hacerlo casi siempre y de la mejor manera”.
“Aunque tampoco es como que profundizo tanto en mis sentimientos, no lo necesito, muchos artistas canalizan a través de su arte todo lo que están sintiendo, como si fuera una terapia pero para mí no es una experiencia tortuosa. No es algo sencillo, pero creo acá lo importante es describir tal cual lo que sientes, si estás feliz, triste, reflexivo, lo que sea que tú quieras sin hacerlo tan complicado y creo que en este disco lo logré”.
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La sensación de escuchar tu trabajo final
Terminar algo que planeaste por años y ver el resultado final puede causarnos nervios, esto por supuesto que también aplica para los músicos. Y en el caso específico de Matt Berninger, después de grabar casi en tiempo récord, de que su voz y esas melodías sonaran una y otra vez a la hora de mezclarlo, escuchar Serpentine Prison completo le trajo mucha alegría y no es para menos, porque se siente que dejó el alma y el corazón en cada una de las canciones.
“Me sentí muy feliz, cuando empezaron a mandar las pruebas de prensa de repente escuché un par de canciones y sentía nervios. Pero antes de eso las escuché miles de veces, en el proceso de masterización las escuchas una infinidad de ocasiones, a veces solo son fragmentos de 10 segundos.
Es casi como si hicieras una canción y la repitieras en un loop infinito, pero una vez que todo está terminado es como si te reconciliaras con tu novia o algo así, dejas de lado lo malo y te enfocas en las cosas que te gustan. Cuando me enviaron la prueba del vinilo y lo tuve en mis manos me dio emoción, me dije a mí mismo ‘está pasando’, pero para resumir todo esto me llenó de felicidad escuchar el disco completo”.
Foto: Getty
Volver a los recuerdos de infancia para componer una canción
Una de las canciones más emotivas de este disco es “All For Nothing”, la cual a su manera suena épica y enorme, pues esa voz profunda que tiene es acompañada por una espectacular sección de cuerdas y vientos. Así que fue inevitable no preguntarle a Matt sobre la inspiración de esta canción, para la cual según el mismo, recurrió a aquellos recuerdos melancólicos de una época que ya no existe, cuando era joven, pero que siguen teniendo impacto en la persona que es hoy en día.
“Siempre estoy escribiendo cosas, buscando tener frases contundentes aunque a veces no siempre me inspiro para componerlas. Así que un día Brent (Knopf) vino y me ayudó a organizar mis ideas, hay referencias a muchas cosas, pero siento que mucho tiene que ver con mi infancia, con los recuerdos que tengo de mi juventud, desde ver pasar a un tren hasta apreciar como cae el agua y nada en ella, grandes memorias pero también quería que parecieran como si fueran pesadillas. El título es un tanto engañoso, no es una canción nihilista, sino todo lo contrario, creo”.
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El mensaje de Matt con este disco
Es muy común que los artistas busquen dejar un mensaje dentro de un disco, aunque no siempre lo dejen claro. En el caso de Matt Berninger, para este material optó por no dejar uno como tal, para no predisponer a sus fans con pensamientos programados, pero reflexionando el vocalista se dio cuenta de que sí hay algo que quiere decir con su debut en solitario, algo muy importante para estos tiempos de pandemia: no estás solo.
“Creo que no hay un mensaje como tal, sé que casi la gran mayoría los tiene y nosotros (en The National) lo hemos hecho, pero para mí definir algo claro es como decirle a la gente qué pensar y eso no me encanta. Pero te puedo decir que a mí me hizo sentir feliz y optimista, pero quizá otra persona más piense lo contrario, creo que ese es el punto de dejar un mensaje claro. Es como si tuvieras en frente una pintura de Jackson Pollock y a un lado apareciera una ficha técnica sobre lo que debes sentir al verla”.
“Si conectas con el público a un nivel emocional casi caótico, y tú te reconoces como tal, alguien que tiene miedos y sueños, creo que ese podría ser el mensaje, que a todos nos une algo y que nadie está solo, no eres el único, estoy contigo, te siento a través de un placer que todos tenemos y podemos disfrutar a diferentes niveles, la música. Es eso, una conexión involucrando sentimientos y placeres”.
Matt Berninger en un show con The National en Berlín/ Foto: Getty
Covereando a The Cure
Hace algunas semanas, Matt Berninger covereó una de las rolas clásicas en la discografía de The Cure, “In Bewtween Days” para una buena causa. Su versión apareció dentro de un compilado en apoyo a la organización Fair Fight, la cual incentiva el voto, donde además aparecieron músicos como R.E.M., Hayley Williams, My Morning Jacket, Jeff Tweedy y más, así que nos contó por qué eligió este temazo y qué es lo que significa para él.
“De hecho este cover lo grabé durante las sesiones de ‘Serpentine Prison’ y en ese momento sentí que no le hacía justicia del todo a la canción de The Cure como para ponerla en un disco, ‘In Between Days’ es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos y creía eso, que quizá podía hacerlo mejor. Pero la volví a escuchar y lo reconsideré, solamente cambiamos un par de cosas, en sí ya estaba terminada cuando se presentó la oportunidad de incluirla en esta iniciativa”.
“No lo hice tanto por las elecciones que vienen, sino por el hecho de que creo que esta canción es muy buena y podría reflejar el ánimo o la situación de muchas personas al respecto sobre este tema del que creo que muchos estamos cansados. Siento que es muy política, ¿sabes? En el sentido de que puede ser la voz para quien lo necesite, una canción que conecta y que nos puede ayudar a comunicarnos entre nosotros.
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Estados Unidos y los tiempos tan difíciles que están enfrentando
Por supuesto que como una persona del mundo y habitante de Estados Unidos, a Matt Berninger le preocupa lo que está pasando en su país. Es por eso que él mismo nos cuenta cuál es su visión sobre la situación actual de este enorme territorio, con una elección presidencial muy controversial en puerta y aunque muchos lo vean como un sueño, para el cantante la música es esencial para superar adversidades y una herramienta para motivar el cambio.
Creo que todos lo hemos visto en las noticias o la televisión y no llegan nada, ¿en realidad están dialogando? (hablando de los candidatos a la presidencia) Es ridícula la información y todo lo que está pasando alrededor, así que siento que la música en este momento es importante, es el único y más poderoso camino para conectar personas, con el lenguaje no lo puedes hacer tan bien.
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“Pero a la vez son tiempos extraños donde nadie se comunica con nadie del todo, y parece que lo que une a la gente es el miedo, el miedo está por todos Estados Unidos y aunque muchos han intentado a lo largo de los años hacernos cambiar de opinión casi de manera religiosa, la realidad es que no, el miedo está esparcido por cada lugar.
“Las organizaciones de nuestro país están llenas de terror porque hay muchas ideas radicales que nos hacen sentir como si viviéramos en la época de Cristobal Colón, donde todos están divididos por sexos, razas, supremacía blanca, pura mierda que nos hace sentir miedo, casi como si se tratara de una película de terror. Estados Unidos, como región no puede hacer nada para salvarse, pero sí los ciudadanos, así que es importante que todos voten para cambiar esto.
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¿Qué es lo que opina Matt Berninger del rock actual?
Por supuesto que a Matt lo reconocemos por su trabajo con The National, con quienes lleva años dentro de la industria musical. Le ha tocado ver cómo han evolucionado géneros y tendencias, es por eso que su opinión sobre el rock en la actualidad va calada y garantizada. Y para sorpresa de aquellos que piensan que este género está muerto… el cantante siente que sigue más fuerte que nunca, gracias a los músicos de la vieja guardia.
“Crecí con el rock and roll y es parte de mi ADN, y tengo que decir que está más vivo que nunca aunque muchos no lo crean. En todos los géneros hay grandes artistas haciendo música increíble en estos momentos, el músico real es aquel que es capaz de reaccionar a lo que está pasando a su alrededor a través del arte, plasmándolo ahí. Por ejemplo, Public Enemy publicó un disco y aunque han pasado años en silencio, vuelven con un material donde muestran su perspectiva de lo que ellos ven en estos tiempos, o Nick Cave también recientemente grabó un álbum en vivo y es parte de eso, personas que son leyendas pero a pesar de quizá no tener la atención mediática están ahí, justo cuando más los necesitamos y eso creo que pasa con esta música (el rock)”.
Matt Berninger tocando con The National/ Foto: Getty
Un disco reconfortante y optimista con el futuro
Ya para terminar pero no menos importante, le pedimos a Matt que describiera con una sola palabra Serpentine Prison, y para nuestra sorpresa fue muy atinado con lo que dijo porque escuchar las 1o canciones de este disco nos reconfortaron y eso es lo que el cantante quiere que todos los que lleguen a este material discográfico sientan, algo que por supuesto necesitamos en estos momentos tan caóticos que enfrentamos.
“Describiría este disco como confortable, creo que eso es lo que quiero y espero que sientan todas las personas a la hora de escucharlo, que les traiga un poco de paz todas estas canciones. Siento que lo mejor está por venir y se terminará el drama que hay alrededor del mundo, pero mientras eso sucede es mejor matar el tiempo con música, ¿no?
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Cuando las noches sin dormir pasan factura a los padres, la solución definitiva podría estar escondida en una simple lista de reproducción. Una melodía clásica se ha vuelto viral porque, sorprendentemente, logra que los bebés caigan rendidos en minutos, cambiando por completo las rutinas de miles de familias.
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El nuevo rey de las cunas: Antonio Vivaldi
Durante décadas, las familias de todo el mundo han confiado ciegamente en las composiciones de Wolfgang Amadeus Mozart para calmar a sus recién nacidos. El famoso efecto asociado a su nombre prometía desde una mayor estimulación cerebral hasta un descanso profundo, convirtiéndolo en el aliado indiscutible de las madrugadas más difíciles y agotadoras.
Sin embargo, las redes sociales han coronado recientemente a un nuevo y sorprendente protagonista en el delicado arte de las canciones de cuna. Miles de padres y madres están compartiendo asombrados cómo el segundo movimiento de El Invierno, una de las obras maestras indiscutibles de Antonio Vivaldi, logra lo que a menudo parecía una misión imposible.
Los testimonios que circulan en internet coinciden en un detalle verdaderamente fascinante: la asombrosa rapidez con la que actúa esta pieza musical en los niños. Las familias aseguran con alegría que, al reproducir esta melodía específica, los pequeños logran conciliar el sueño en menos de quince minutos, una tendencia que ha trascendido las pantallas para convertirse en el tema de conversación principal en parques y escuelas infantiles.
¿Por qué funciona esta melodía mágica?
El éxito arrollador de esta composición no es fruto de la casualidad ni de la magia, sino que responde a características musicales muy concretas que benefician el sistema nervioso. Se trata de una pieza sumamente lenta, repetitiva y suave, diseñada magistralmente sin sobresaltos ni cambios bruscos de volumen que puedan alterar al oyente durante su proceso de relajación.
Este ritmo constante resulta casi hipnótico para los bebés, transmitiendo una profunda sensación de calma y seguridad desde los primeros acordes de los violines. Al escucharla, los pequeños logran regular su propia respiración de manera natural y disminuir su estado de activación, dos pasos fundamentales para entregarse al descanso sin resistencia.
La sincronización de la respiración del bebé con el compás pausado de la música crea un ambiente de serenidad que imita la tranquilidad del vientre materno. Es una forma de relajación profunda a través de la música clásica que, según cuentan los que la han probado con éxito, funciona de maravilla incluso en los momentos de mayor crisis o llanto inconsolable.
Incluso los profesionales de la salud están notando los efectos sumamente positivos de esta tendencia musical en sus consultas diarias con las familias. El reconocido matrón Emilio Bastida ha confirmado la eficacia de este método, señalando con entusiasmo que los bebés “se quedan rapidísimo durmiendo” cuando se exponen a estas notas, respaldando así la experiencia empírica de miles de hogares.
Consejos para dormir a bebés
Para que esta estrategia funcione de manera óptima, es de vital importancia integrarla adecuadamente en la rutina de sueño diaria del pequeño. No basta simplemente con presionar el botón de reproducción en el teléfono; el entorno físico debe acompañar la experiencia auditiva para maximizar los beneficios de la música y crear un verdadero santuario de descanso.
- Preparar el ambiente con mimo: Atenuar las luces de la habitación principal, cerrar las persianas para evitar distracciones visuales y asegurar que la temperatura sea agradable antes de que suene la música.
- Ajustar el volumen adecuado: Reproducir la melodía a un nivel muy bajo, simulando un susurro de fondo que acompañe el ambiente, pero que no abrume los sensibles oídos del bebé en pleno desarrollo.
- Mantener una constancia férrea: Utilizar la misma pieza de Antonio Vivaldi todos los días exactamente a la misma hora para que el cerebro del niño la asocie de inmediato con el momento de dormir.
- Evitar las pantallas luminosas: Si se usa un dispositivo móvil o tableta para poner la música, es fundamental mantener la pantalla apagada o completamente fuera del campo visual del pequeño para no sobreestimular su sistema nervioso.
- Acompañar con presencia amorosa: Permanecer cerca de la cuna durante los primeros minutos, ofreciendo caricias suaves o un balanceo rítmico que complemente a la perfección la cadencia de la melodía clásica.
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Al repetir este proceso noche tras noche, la melodía se convierte en una señal inconfundible que le indica al cuerpo del bebé que ha llegado el momento de desconectar, devolviendo la paz y la tranquilidad a toda la familia.
Esta nota fue redactada con ayuda de inteligencia artificial y revisada por un editor.
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Ponerse los audífonos para sobrellevar la jornada laboral es un hábito común en México, pero una duda frecuente asalta a los empleados: ¿es legal que las empresas lo prohíban? Conocer estos lineamientos evita conflictos innecesarios y ayuda a mejorar la productividad sin romper las reglas. La Ley Federal del Trabajo (LFT) es el marco que regula las relaciones laborales en el país.
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¿La LFT prohíbe la música en el trabajo?
Sin embargo, cuando se trata de amenizar el día con música, la legislación no emite una prohibición directa ni un permiso explícito para los trabajadores.
Esta laguna legal significa que la Secretaría del Trabajo y Previsión Social no sancionará a una empresa simplemente por permitir esta práctica. La decisión final recae en las normativas internas de cada compañía y en la naturaleza de las actividades desempeñadas.
El poder del Reglamento Interior de Trabajo
El secreto legal se esconde en el artículo 423 de la normativa laboral. Esta sección establece que los centros de empleo pueden dictar las normas necesarias para garantizar la mayor seguridad y regularidad en el desarrollo de las funciones diarias.
Por lo tanto, el Reglamento Interior de Trabajo es el documento definitivo que dicta las reglas del juego. Si un empleador estipula en este manual que el uso de auriculares está restringido, la prohibición es completamente legal y de carácter obligatorio.
Los departamentos de Recursos Humanos suelen justificar estas restricciones basándose en la prevención de riesgos. En fábricas, construcciones o puestos de atención al cliente, el aislamiento auditivo representa un peligro inminente o una barrera para la calidad del servicio.
Beneficios de la música en el trabajo
A pesar de las posibles restricciones, diversos estudios demuestran que escuchar melodías instrumentales reduce el estrés. Además, esta práctica aumenta significativamente la concentración y la atención enfocada en tareas administrativas o creativas.
Para los corporativos que sí permiten esta flexibilidad, la clave radica en el sentido común y el respeto por el entorno. Mantener un ambiente laboral armónico exige que los gustos personales no interfieran con la dinámica del equipo ni con la comunicación interna.
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Consejos para evitar conflictos laborales
Si la empresa no tiene una prohibición explícita, los expertos recomiendan seguir ciertas pautas básicas para mantener un perfil profesional. A continuación, se presentan algunas recomendaciones clave para disfrutar de las playlists sin problemas:
- Usar audífonos: Evitar el uso de bocinas que alteren el espacio compartido.
- Regular el volumen: El trabajador debe ser capaz de escuchar si un colega le habla o si suena una alarma.
- Revisar las políticas: Consultar siempre con los superiores antes de asumir que está permitido.
Aunque ninguna ley federal prohíbe directamente disfrutar de los artistas favoritos durante la jornada, la empresa tiene la última palabra. Revisar el contrato y el reglamento interno es fundamental para asegurar que estos hábitos no pongan en riesgo el empleo.
Esta nota fue redactada con ayuda de inteligencia artificial y revisada por un editor.
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Guadalajara volverá a convertirse en uno de los principales puntos de encuentro para la música en vivo durante julio. A lo largo del mes, la ciudad ofrecerá una programación amplia y diversa que atraviesa géneros, generaciones y públicos: del metalcore contemporáneo al rock alternativo mexicano; de la electrónica de culto al hip-hop latinoamericano; del regional mexicano al pop romántico, sin dejar de lado la música clásica, que también tendrá un espacio destacado dentro de la agenda cultural de la ciudad.
Foros independientes y grandes recintos compartirán una cartelera que confirma la riqueza y diversidad musical que caracteriza a la capital jalisciense.
El 7 de julio llegará una de las propuestas internacionales más llamativas del mes con la presentación de Hanabie en el Teatro Estudio Cavaret – Ave. Parres Arias y Periférico Núcleo Calle 2-, a las 21:00 horas. El cuarteto originario de Tokio ha conseguido una rápida proyección mundial gracias a un sonido que fusiona el metalcore contemporáneo con una estética inspirada en el colorido y la identidad visual del barrio de Harajuku. Esa combinación, bautizada por las propias integrantes como “Harajuku-core”, se distingue por alternar voces melódicas y guturales, riffs contundentes y constantes cambios de intensidad. Su visita forma parte de la gira internacional con la que promocionan el EP Hot Topic, consolidando el crecimiento que han experimentado en la escena global del metal durante los últimos años.
La electrónica tomará el relevo el 9 de julio con la llegada de Modeselektor a Bar Américas, a las 22:00 horas. El dúo alemán integrado por Gernot Bronsert y Sebastian Szary se ha consolidado como uno de los proyectos más innovadores de la música electrónica europea gracias a una propuesta que rompe las fronteras entre el techno, el bass music y los sonidos experimentales. Su trayectoria también incluye el reconocido proyecto Moderat, además de producciones como Monkeytown, trabajos que los han convertido en referentes para varias generaciones de productores y DJs. Su presentación en Guadalajara representa una oportunidad para escuchar en un formato íntimo a una de las propuestas más influyentes de la electrónica contemporánea.
La actividad continuará el 10 de julio, a las 20:00 horas, en el Foro Independencia con Electrify, una de las bandas jóvenes que más expectativa ha generado dentro del rock y el metal mexicano. Originarias de Querétaro, las cuatro integrantes han llamado la atención por la energía de sus presentaciones en vivo y por un sonido que combina hard rock, metal moderno y melodías contemporáneas. Su crecimiento se aceleró luego de ser elegidas para abrir el concierto masivo de Avenged Sevenfold en el Estadio GNP, una experiencia que las colocó frente a miles de personas y confirmó el potencial de una agrupación que comienza a abrirse paso dentro de la escena nacional.
En el mes de julio, la música clásica encuentra su espacio en la Temporada 2026 con el Programa 7 de la Orquesta de Cámara Higinio Ruvalcaba. Bajo la dirección artística de Sergio Ramírez Cárdenas, el ensamble propone un recorrido sonoro por dos momentos esenciales de la historia musical: el barroco tardío y el clasicismo.
El programa abre con la Obertura de Sansón de Georg Friedrich Händel, una pieza de carácter solemne y teatral que anticipa la fuerza dramática del oratorio. Continúa con el luminoso Concierto para piano núm. 19 en Fa mayor, K. 459 de Wolfgang Amadeus Mozart, obra que destaca por su equilibrio, claridad y vitalidad, donde el piano dialoga con la orquesta en un juego de elegancia y precisión.
El recorrido culmina con la Sinfonía núm. 91 en Mi bemol mayor de Franz Joseph Haydn, un ejemplo refinado del ingenio del compositor, donde la estructura clásica se combina con una riqueza expresiva que revela la madurez del género sinfónico.
El piano estará a cargo de Alexander Vivero, quien dará voz a uno de los conciertos más brillantes del repertorio mozartiano. El concierto será el 11 de julio a las 19:30 horas, en la Sala 2 del Conjunto Santander de Artes Escénicas.
El regional mexicano asumirá el protagonismo el 17 de julio con la presentación de La Arrolladora Banda El Limón en el Auditorio Telmex, a las 21:00 horas. La agrupación sinaloense llegará con un repertorio que reúne algunos de los temas que la han mantenido durante décadas entre las bandas más populares del género. Entre baladas, canciones de desamor y éxitos bailables, el grupo hará un recorrido por distintas etapas de su carrera sin dejar de lado las composiciones más recientes, en un concierto pensado para un público que ha acompañado su trayectoria durante varias generaciones.
La recta final del mes mantendrá la presencia del regional mexicano con las dos presentaciones que ofrecerá Banda Cuisillos los días 24 y 25 de julio, también en el Auditorio Telmex, a las 21:00 horas. Con más de tres décadas de trayectoria, la agrupación se ha distinguido no solo por su característico vestuario inspirado en la cultura indígena, sino también por un repertorio que ha sabido alternar baladas románticas, canciones de amor y temas festivos que continúan formando parte de la memoria colectiva de sus seguidores. La doble fecha refleja la vigencia de una banda que ha logrado mantenerse como una de las favoritas del público.
El 25 de julio el protagonismo cambiará de registro con la llegada de Lil Supa al C3 Stage, a las 19:00 horas. El rapero venezolano es considerado una de las voces más respetadas del hip-hop latinoamericano gracias a una propuesta que privilegia la profundidad de las letras sobre las fórmulas comerciales. Su estilo, caracterizado por una lírica introspectiva, referencias filosóficas y un flow pausado, le ha permitido construir una identidad propia dentro de la escena independiente. La presentación reunirá a una comunidad de seguidores que ha crecido de manera constante en México y otros países de la región.
El calendario concluirá el 30 de julio con el regreso de Ricardo Montaner al Auditorio Telmex, a las 21:00 horas. El cantautor volverá a encontrarse con el público jalisciense con un espectáculo que recorre las distintas etapas de una carrera de varias décadas, marcada por algunas de las baladas más populares de la música en español. El concierto forma parte de una gira concebida como un homenaje a su historia artística y al vínculo construido con su audiencia, reuniendo canciones que han acompañado distintas generaciones y que mantienen vigente su presencia en los escenarios.
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