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Entrevista con Ela Minus sobre ‘DÍA’ y su presentación en CDMX
Lo que necesitas saber:
Platicamos con la genial Ela Minus sobre su nuevo disco, titulado ‘DÍA’, que grabó en México y presentará en vivo en el Foro Puebla de la CDMX.
Ela Minus lanzó su segundo disco de estudio, titulado DÍA, a inicios de este año, como una colección de canciones intensas que resultan de la mezcla diversa del contexto sonoro de esta artista colombiana. Sus letras, crípticas, desoladoras y con un matiz esperanzador por momentos, nos recuerdan la importancia del género, con influencias de artistas como Nine Inch Nails o The Knife.
En DÍA, trabajado en gran parte en México, Ela combina la electrónica análoga, algo de rock y hasta punk para crear su identidad sonora, con una obsesión en la producción y el uso de instrumentos análogos, algo que añade texturas palpables en su sonido. Tuvimos la oportunidad de platicar con ella sobre DÍA y su proceso creativo, previo a su próximo concierto en la CDMX.
Una plática con Ela Minus sobre su proceso creativo detrás de ‘DÍA’, y la importancia de la electrónica
sopitas.com: Hola Ela, muchas gracias por tomarte el tiempo de platicar con nosotros. Quiero abrir hablando sobre ‘DÍA’ ¿Cómo se generó? ¿Cuáles son sentimientos son algunos de los sentimientos persistentes que sí o sí querías reflejar a lo largo del álbum?
Ela Minus: -“Creo que más que quisiera, que hubiera querido o no, los que creo que salieron, como que surgieron naturalmente, fueron pues mucho cuestionamiento, muchas preguntas, y resiliencia, creo que esas tres o cuatro son las que más están presentes.”-
sopitas.com: Sí, resonó mucho en mí “QQQQ”, esta idea que traes del inminente fin de los tiempos. ¿Qué sucesos crees que indican esto? Es una canción súper apocalíptica, pero ¿qué ves tú en tu mundo o en el mundo que crees que indican esto?
Ela Minus: -“Bueno, pues es una canción apocalíptica, pero al mismo tiempo no, porque específicamente de lo que hablo en la canción es más de esta como aceptación comunal en la que estamos un poco, todos más bien, de que es el fin del mundo, ¿sabes? Como que justo lo que acabas de decir, como que todos, en conversaciones sociales, incluso como si fuera la cosa más ligera, todos estamos como, bueno, sí, esto ya, todo está muy mal, y lo que digo un poco, el espíritu de esa canción en verdad es como, o sea, esto está, lo que está mal es que estemos aceptando que está mal y ya.”-
-“Lo que yo, si va a ser así, o sea, si solo vamos a aceptar que este ya es el fin, pues de verdad que sea el fin, porque en el momento en que dejamos de tener fe y de querer cambiar activamente, de querer o de creer que tenemos la opción de cambiar el pues el destino pues yo creo que eso es rendirse y tanto para el mundo como para un individuo eso es morirse cuando cuando cuando dejas de cambiar es la muerte entonces es más eso es como más un supongo invitación a cuestionar esa como sensación de derrota en la que estamos y volver a tener un poquito de fe en que todas las cosas se pueden cambiar.”-
sopitas.com: ¿No crees que es algo que generación tras generación se ha repetido y que sólo se va poniendo peor?
Ela Minus: -“Pero sí, como lo ves. Tienes razón, claro que es algo, pues yo creo que igual es una de esas como preguntas universales o pues como temas universales, está presente siempre. Tienes toda la razón. Ahora yo sí creo que hay, como dices tú, se va poniendo peor simplemente por el hecho de que ha pasado un tiempo y pues las cosas han estado más, han estado mal por más tiempo, sabes?”-
-“Entonces no, pero total tienes, tienes razón en eso.”-
Ela Minus es una artista enfocada en darle una sensación orgánica a la electrónica
Desde su primer LP, titulado actos of rebellion (2020), Ela destacó como una artista con decenas de instrumentos involucrados en una electrónica de autora, con sellos particulares y la convivencia entre sintetizadores y percusiones como parte de su identidad.
En sus shows en vivo, Ela mantiene esa idea persistente, con racks de sintetizadores siendo programados en vivo, importancia que han mostrado recientemente artistas como James Blake, que han tomado la decisión de alejarse de la programación automática.
sopitas.com: Es fascinante de tu proyecto la importancia que le das al instrumento análogo. ¿Cuándo tomaste definitivamente esa decisión? ¿Recuerdas cuándo hubo un momento en el que dijiste “no hay vuelta atrás”?
Ela Minus: -“Claro, pues no creo que haya sido como un momento, así como un momento específico, fueron una acumulación de cosas. Yo en realidad crecí tocando batería y estudié música como baterista y pues incluso todavía me considero baterista, o sea, como que ese es mi instrumento principal. Y me empezó a interesar producir. Primero en realidad simplemente la música electrónica y los synths, pero fue siempre por medio de los synths, como que, digamos, me empecé a dar cuenta, obviamente en la adolescencia, que muchas de mis bandas favoritas tenían synths, como Radiohead, como Yeah Yeah Yeahs, como que cosas que yo creía que eran guitarras.”-
-“Empecé a darme cuenta que eran synths y entonces me empezó a interesar mucho ese instrumento y creo que también muy rápido cuando empecé a producir sola me di cuenta que los compus o sea muy honestamente no me gustaba la música que yo hago cuando o en ese momento que hacía cuando trabajaba solo con con cosas digitales. Como que no me inspiraba o sea lo hacía canciones y era como, no, esto está malo, o sea, no me gusta.”-
-“Y después empecé a arreglar synths, porque pues no tenía plata para comprar synths análogos, así me interesaran, pero me di cuenta que sí aprendía a arreglarlos, los podía comprar muy baratos, dañados, y los arreglaba yo y ya podía tenerlos. Entonces empecé a hacer eso y por eso empecé a tener synths. Y pues obviamente una cosa llevó a la otra y de repente fue como, ah, puedo hacer esto y está mucho mejor. Y yo, o sea, a mí me, sabes, es un instrumento, como que el hardware se siente mucho más un instrumento real que las cosas digitales.”-
-“Entonces yo creo que viene más de ese old school, viene más del hecho de que soy baterista, entonces necesito como algo físico que tocar para sentir que es un instrumento. Claro, y qué bueno que lo mencionas porque me pasó, a mí me encanta la música que no está, no es definible, no, no puedes decir ay, suena esto o es esto y me parece como muy categórico.”-
sopitas.com: Me pasó con tu canción “Onwards” que a ver, creo que es punk sintetizado. ¿Cómo influye en tu composición tu instrucción como baterista y vaya como punk?
Ela Minus: -“Pues sí, yo creo que de una manera muy intuitiva, ¿sabes? Como que digamos yo como baterista estaba muy, bueno sigo supongo, siempre he sido muy obsesionada como simplemente servir la música, como que no se trate del baterista, o sea no hago feels como lo más minimal posible, se trate solo de la canción y uno como baterista como puede servir la canción.
-“Eso por un lado, por otro lado los grooves lineares, como que nada suena, no tocar ninguna parte de la batería al mismo tiempo, que todo tenga su propio espacio y hacer grooves así, siento que eso es una gran, como de lo que yo más veo, como produzco que viene de la batería, es eso, como que siento que tengo mucha la capacidad de no hacer que ningún elemento de la canción esté peleando con otro.”-
-“Y la sensación de que no tienes que tener, la sensación no, la idea supongo, de que no tienes que tener 50 secciones en una canción, o tres, o cuatro, puede ser una sola sección. Y empezamos y nos vamos y nos quedamos ahí cinco minutos, y lo único que cambia es la melodía de la voz, ¿sabes? O como detalles, que yo creo que eso es algo muy punk, es como y a mí me parece increíble, es como una sola idea y es como más un mundo, como que empieza la canción y entras a un mundo y no nos vamos de ahí hasta que se acaba, y no hay como bridges como que no hay tanto esta idea de la canción de pop, de que hay que, ¿sabes? Tener muchas secciones, creo que eso es muy del punk yo creo que viene de ahí.
sopitas.com: “¿Qué le dirías tú a la gente que categóricamente no escucha electrónica porque escuchar electrónica digamos más orgánica como la tuya no sé soul wax estas bandas que tienen todos los elementos en vivo que les dirías
Ela Minus: -“Pues dos cosas: uno, no hay absolutamente nadie en el mundo que no escucha electrónica ahorita porque todo está hecho exactamente igual, o sea literalmente los discos de Taylor Swift yo los oigo y es electro pop o sea los nuevos. Entonces yo les diría primero que todo hace un par de años que ya todo el mundo todo el tiempo está escuchando electrónica, lo sepa o no, entonces ya les gusta la electrónica si no se hayan dado cuenta, primero.”-
-“Y segundo, es solo una palabra, o sea, por ejemplo, yo siento que a mí me categorizan en el género electrónica porque hablo de que produzco con synths y porque hablo de los synths y porque la gente sabe que trabajo con synths, pero en realidad si oyes mis canciones sin tener eso en mente como dices tú podrías creer que es punk podrías creer que “COMBAT”, que el ambient hoy es “BROKEN” y pues es pop de radio, siento entonces yo diría solo que se olviden de la palabra los entiendo los prejuicios la verdad en general se olvidan del nombre y se lo escuchan.”-
sopitas.com: Tengo entendido que creaste gran parte de DÍA en México ¿Cuál es en primer lugar parte de la experiencia o de la particularidad de haber creado en México? Segundo, suena muy poético, pero, ¿Cómo es regresar al lugar de origen de estas ideas? ¿Qué sientes de la presentación de ‘DÍA’ en CDMX?
Ela Minus: -“Totalmente, siento que es muy poético, tienes razón. Creo que he estado intentando no pensar tanto en eso porque como que me conmueve, como que me conmueve mucho y siento que sí, como que no sé muy bien qué hacer con estas emociones hasta que esté ahí. Pero sí, quería muchísimo tocar en México en este momento, como en la primera ronda de los primeros conciertos de ‘DÍA’, precisamente porque mucho nació ahí, mucho lo escribí ahí, y la experiencia de hacerlo ahí pues fue muy especial.”-
-“México es un poco surreal, aparte de todas las razones por las cuales mucha gente dice que es un lugar surreal. Creo que para mí, no sé si para todos los colombianos, es una surrealidad distinta porque es muy parecido a Colombia en muchas cosas. Entonces uno se siente como en casa, pero al mismo tiempo es extremadamente distinto. Entonces es como un sueño, es como cuando sueñas que estás en tu casa, pero en el sueño no es tu casa, sabes, pero sientes que es tu casa, pero estéticamente no es. Se siente así un poco. Entonces sí, es un lugar especial, la verdad, y más para DÍA, muy parte de DÍA.”-
sopitas.com: Claro, pues eso sería todo, Ela, muchísimas gracias por el tiempo y te vemos en el concierto, mucho éxito.
Ela Minus: -“Gracias a ti, nos vemos la otra semana. Ojalá te guste el concierto.”-
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Sony Music no será excluida de la disputa legal que, desde 2022, sostienen Universal Music y Christian Nodal, esto luego de que un juez le negara a la disquera la petición que hizo hace unas semanas de quedar fuera de toda investigación.
El conflicto Universal-Nodal inició en febrero de ese mismo año, cuando el cantante presentó supuestos contratos con los que se haría dueño de canciones propiedad de la empresa y fue acusado de falsificación de documentos por parte de la empresa. En paralelo, el esposo de Ángela Aguilar firmó con Sony.
En su momento, la empresa pidió que se le apartara del proceso de investigación, pero esta semana un juez determinó que la solicitud la no procedía.
Agustín Liñán Salinas, uno de los asesores jurídicos de Universal Music, indicó que ahora corresponderá a las autoridades resolver si hubo o no participación de Sony.
“Sony pide que la excluyan de una investigación donde se hace una investigación de 32 contratos que presenta la familia Nodal y que son falsos, y el juez dijo que era improcedente su solicitud”, comenta.
“Dentro el proceso se abre una línea contra Sony porque se tenía que investigar si también se coludió para quedarse con ese repertorio. Derivado de eso, Sony señala que no lo involucren y pide al juez que la excluyan de la investigación, pero se lleva a cabo, comparecemos todos, se hace el debate en la audiencia y el juez resuelve que es improcedente la petición de Sony de ser excluida”, detalla.
Liñán Salinas subraya que su cliente tiene todos los registros de las canciones en INDAUTOR, pero Nodal pretende quedarse con ellas. “Él pretende apropiarse de los títulos, como si él hubiera actuado solo, sin una disquera”, destaca.
La investigación, refiere, está por culminar y eso daría paso a una audiencia, en la que el Ministerio Público se acercaría al juez del caso para determinar imputaciones. El abogado confía en que esta pueda concretarse el mes próximo.
“Podemos decir que dentro de esa carpeta (de investigación) hay dictámenes que hacen referencia a que las certificaciones de los contratos son falsos”, destaca.
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Hoy y el domingo 30 de marzo, la Orquesta Filarmónica de Jalisco (OFJ) concluirá su octava temporada artística en el Teatro Degollado. Bajo la dirección del maestro José Luis Castillo y con la participación del chelista Giovanni Gnocchi como solista, la agrupación interpretará obras de Clemente Aguirre, Dmitri Shostakóvich y Serguéi Prokófiev.
En entrevista con EL INFORMADOR, José Luis Castillo compartió detalles sobre este concierto de clausura y el impacto que ha tenido la temporada.
“Es el último concierto de la temporada; fue una temporada realmente exitosa e importante”, destacó el maestro Castillo.
“Con este programa, habremos realizado 16 conciertos en total. Además, hemos complementado la experiencia con siete charlas de apreciación musical—casi una por concierto—y diversas actividades formativas, llegando a 30 escuelas. También hemos presentado estrenos nacionales, como la versión orquestal de los valses de Clemente Aguirre. Y, por supuesto, los números son significativos: cinco de estos conciertos lograron el sold out, con boletos completamente vendidos”.
El programa de clausura se caracteriza por su riqueza musical y su diversidad estilística. “Es un concierto fascinante, un cierre de temporada que destaca por tres aspectos fundamentales”, explicó Castillo.
El primero de ellos es el rescate del legado del compositor jalisciense Clemente Aguirre, cuya obra ha sido objeto de un meticuloso trabajo de investigación y recuperación. “Gracias a la labor del Dr. Gabriel Pareyón y la orquestación de Abraham Calva—colaborador cercano de la Filarmónica—estrenaremos la versión orquestal de dos de sus valses: ‘El iris’ y ‘Las flores de Puebla’. Es un esfuerzo por mantener viva la música de un compositor emblemático de la Guadalajara de su época”.
El segundo punto clave del programa es la interpretación del Concierto para chelo No. 1 de Dmitri Shostakóvich. “Este año conmemoramos un aniversario de Shostakóvich, y en la Filarmónica creemos que es importante apostar por la memoria musical. Si la semana pasada interpretamos su Sinfonía No. 1, esta semana presentamos el Concierto para chelo No. 1, y en la inauguración de la segunda temporada tocaremos la Sinfonía No. 11. Buscamos generar un espacio para escuchar, reflexionar y profundizar en la obra de este gran creador soviético”, explicó el director.
El tercer elemento clave del programa es la participación del chelista italiano Giovanni Gnocchi, quien regresa a Guadalajara tras una colaboración previa con la OFJ. “Es un solista extraordinario, y nos alegra renovar esta colaboración con él”, subrayó Castillo.
Finalmente, el concierto culminará con “Romeo y Julieta” de Serguéi Prokófiev, una obra fundamental en el repertorio orquestal. “Cada cierre de temporada es significativo, y cerrar con ‘Romeo y Julieta’ es una gran elección. Ha sido una temporada excepcional, los músicos están satisfechos y el público lo ha valorado. No sólo cerramos una serie de conciertos, sino también un ciclo de actividades que incluyó formación, charlas de apreciación musical y presentaciones extraordinarias”, concluyó el maestro Castillo.
Riqueza musical
Hoy, a las 20:30 horas, y el domingo 30 de marzo, a las 12:30 horas, la Orquesta Filarmónica de Jalisco concluirá su octava temporada artística en el Teatro Degollado.
CT
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Lo que necesitas saber:
Te contamos todo sobre el maravilloso primer concierto de Michael Kiwanuka en México.
Desde octubre del año pasado nos estábamos saboreando la primera presentación de Michael Kiwanuka en México, y finalmente fue la gira de su excelente cuarto disco de estudio Small Changes (2024) la que lo trajo a nuestro país.
Este concierto se agotó por completo, y el Teatro Metropolitan lucía repleto desde temprano, cuando presenciamos a Lulú Bulos como abridora de Michael, quien se lució con un set corto pero muy lindo, siendo la primera vez que tocó su nuevo disco tras su estreno.
Alas 9 y media en punto, Kiwanuka arrancó durísimo, con “One More Night”,, y siguió con puro rolón en la primera parte del show, saldando una ausencia de 13 años después del lanzamiento de su disco debut. Antes de esta fecha, llegamos a creer que nunca vendría.
El setlist de Michael Kiwanuka recorrió todos sus discos, sacrificando rolas de su nuevo LP
Llegó el momento, y sobre el escenario, Michael lució al centro junto a una banda de 5 músicos. -“Mexico, so nice to finally see you for the first time””- dijo Kiwanuka con una sonrisa inmensa, antes de comenzar “Rule the World”.
Las raíces de Kiwanuka, con sólidas bases en el folk, soul, blues y Rhytm & Blues estuvieron presentes en todo el show, con mucho groove en momentos de improvisación y tiene una bandota de apoyo con la que se entiende a la perfección con mirada y señales elegantes.
Es un lujo escuchar la voz potente, rasposa y cautivadora de Michael Kiwanuka en vivo, y con solo algunas melodías, nos puso la piel chinita en la esperanzadora “Light” o la maravillosa y fuerte “Solid Ground”, para la que se sentó a tocar el piano, derrochando talento en cualquier instrumento.
Kiwanuka dominó el show en vivo y se lució con improvisaciones y versiones especiales, por ejemplo para “You Ain’t the Problem”, la que extendió y modificó los coros, entre gritos de verdadera euforia de un público incrédulo.
Para esto, repartió todo el mérito a una banda que tiene 4 voces de apoyo, dos coristas con voces indescriptibles. La potencia de ambas y la coordinación con Michael fueron de primer nivel, como lo que sucedió en “Hero”, que también tuvo introducción especial y momentos vocales preciosos, en los que ellas se llevaron el protagonismo.
Una noche íntima que mostró la habilidad de Michael Kiwanuka para conducir su presentación en vivo
Michael Kiwanuka ha mostrado un sensible equilibrio al componer canciones que narran parte de su historia, pero también que conectan con historias más grandes y sentimientos comunes que hemos experimentado.
La noche fue liderada por un frontman sobrio y elegante, que con su poderosa voz y las composiciones brutales que tiene nos puso a cantar durante el recorrido de rolas conmovedoras que se aventó sobre el escenario del Teatro Metropolitan.
Tenía guardadas varias sorpresas, como el momento acústico con “Rest” y “Home Again”, una canción que según él jamás pensó lo iba a traer a tocar hasta México. Vimos lágrimas en el público y escuchamos a alguien decir: -“Ay, yo ya no quería llorar otra vez”-, en un momento en el que se quedó solo él y su guitarra sobre el escenario del Teatro Metropolitan. Espectacular lo que provocó el inglés.
Uno de los mejores conciertos del año que nos dejaron con ganas de más de este compositor que pinta para leyenda
Durante años, Kiwanuka ha estado en la mira de fans y los medios, y presenciarlo en vivo corroboró la magnitud de este artista. Desde 2012, la BBC lo nombró como el sonido del año, y en 2020, finalmente le llegó el Mercury Prize en su tercera nominación. Todo tiene sentido cuando se presencia a Michael Kiwanuka sobre el escenario.
El único detalle es que optó por un setlist que igual y no trajo todo lo de su nuevo disco, pero sí recuperó el tiempo perdido y nos trajo mucho equilibrio de su discografía.
Wl combo de “Cold Little Heart” y “Love & Hate” fue una locura absoluta que hizo a la gente pararse de sus asientos y nos dejó asombrados ante lo que estábamos presenciando. Regresando al escenario cerró con la rareza de “I’m Getting Ready”, de su primer disco, y que no había tocado en toda esta gira.
Concentrado todo el tiempo, ya sea con una guitarra colgada, sentado en el piano pero siempre en la voz principal, es tan conmovedor que conectó muchísimo con la audiencia en su primera presentación en México.
Los coros fueron inmensos, y las más de 3,000 personas que le caben a Metropolitan también conmovieron a Michael en su primera presentación en México, con gritos como: -“¡Te amo Michael!”- y -“Thanks!”-, a los que Michael respondía que no sabía mucho español, pero pensaba era algo positivo, y exclamó: -“Thank you Mexico!”-.
Este concierto fue una noche memorable de un cantautor que va para quedar en la historia de estos géneros, al nivel de Al Green, Aretha Franklin o James Brown. Es un showman inmenso con un lado sensible, y que transmitió en verdad estar asombrado de lo que su música ha logrado.
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