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10 discos que cumplen 10 años en 2025
Lo que necesitas saber:
En este 2025, hay varios discos icónicos que cumplen 10 años. Aquí uno de nuestros especiales de aniversarios de álbumes.
Sí, lo sabemos… Los recuerdos del 2015 se sienten tan frescos que parece irreal que haya pasado ya una década. Y cuando se trata de música, no podemos creer que algunos discos icónicos ya estén cumpliendo 10 años en este 2025.
Sobre todo, porque son álbumes que a día de hoy aún se sienten nuevos, recientes. Son materiales que marcaron una tendencia ya por su producción o que marcaron época gracias a una, dos o más canciones.
10 discos que cumplen 10 años en el 2025
¿Ustedes recuerdan cuál fue el álbum que más escucharon en el 2015? Y además, ¿lo siguen escuchando después de una década? Acá les traemos un trancazo de nostalgia con 10 discos que cumplen 10 años en el 2025.
‘Currents’ de Tame Impala
Este disco significó un parteaguas para el proyecto liderado por Kevin Parker. Con su tercer disco, Tame Impala se convirtió en un fenómeno masivo de reconocimiento mundial.
No es como que Innerspeaker y Lonerism no tuvieran impacto internacional, pero es justo decir que ese par de álbumes, en su momento, se escuchaban en nichos específicos porque estaban más inclinados hacia la textura más rockera del compositor australiano.
Currents no abandonó esa línea del todo, pero amplificó las influencias de Parker mostrándonos su capacidad para componer canciones de corte más pop, todo en un disco que hablaba sobre dejar que la vida –en todos sus aspectos– siga su curso, sea para bien o para mal.
“Let It Happen” era el sencillo que ejemplificaba mejor que nada ese concepto, con todo y su video musical. “Eventually” también mostraba esta idea desde el punto de vista de una relación amorosa que ya no da más, diciéndonos que así como el amor, la tristeza es pasajera.
Y claro, el gran impacto de este disco de Tame Impala no se puede medir sin tomar en cuenta “The Less I Know The Better”, que se convirtió en un clásico absoluto de la década del 2010 ofreciéndonos también uno de los videos musicales más icónicos de la última época.
Además, Currents fue el disco que le abrió las puertas a Kevin Parker para ser considerado como un compositor/productor de alto perfil para figuras como Kanye West, Rihanna, Mark Ronson, Lady Gaga o Travis Scott, que no dudaron en recurrir a él para colaborar en sus discos posteriores al 2015.
‘To Pimp a Butterfly’ de Kendrick Lamar
En este punto, ya con el beneficio de la perspectiva, es justo decir que Kendrick Lamar es uno de esos artistas que no tiene un solo disco malo. Por algo es considerado el mejor rapero de su generación y con seguridad, entra ya en la conversación de los mejores de todos los tiempos.
Si nos remontamos 10 años atrás, muchos tal vez se habrán preguntado cómo Kendrick podría, cuando menos, igualar el éxito y el impacto que obtuvo con Good Kid MAAD City del 2012, que lo convirtió en una figura de altísimo perfil dentro del hip-hop… Con To Pimp a Butterfly se reafirmó como tal.
Mientras Good Kid era un ejercicio inspirado en la vida de Lamar en Compton y cómo eso lo moldeó, Butterfly se amplió en concepto con la idea de celebrar la identidad afroestadounidense a través del ‘rap consciencia’ y los diferentes estilos musicales que han marcado a esa misma comunidad.
Como señala UDiscoverMusic, Kendrick Lamar entregó un disco conceptual sobre un rapero que ha alcanzado la fama, pero que empieza a lidiar con la tentación y la presión de su nueva e influyente posición, algo que lo empieza a hacer sentir desorientado y fuera de sí.
Es así que este personaje realiza una exploración sobre la historia afroestadounidense para conectar de nuevo con sus raíces y mantenerse humilde, real y cercano a la comunidad a la que perteneció alguna vez, esto antes de la riqueza. Para no perder el piso, pues.
To Pimp a Butterfly es un disco con muchas lecturas sociales en ese sentido, celebrando la riqueza cultural afrodescendiente y recordando también las heridas que esta comunidad ha atravesado a lo largo del tiempo.
Esto no solo lo pone de manifiesto en las letras, sino en la música como tal. No por nada, las bases de hip-hop se complementan con elementos del funk o el jazz, estilos de origen afroamericano, esto con la participación de grandes músicos contemporáneos como Thundercat, Pharrell Williams y Kamasi Washington, entre otros
‘Carrie & Lowell’ de Sufjan Stevens
Si uno busca rankings de los mejores discos de Sufjan Stevens, encontrará de inmediato Carrie & Lowell en el puesto 1 o 2 de esos listados. En gran medida, esto se debe a lo minimalista, melancólico, catártico y honesto que es el disco. Y si lo ponemos sobre la mesa, este debe ser el que mejor proyecta todos esos calificativos.
Como sabrán los más fans, Sufjan escribió este material tras la muerte de su madre, Carrie, en el 2012. La relación con su madre no fue ni de cerca sencilla; era una mujer que experimentó el abuso de sustancias, que padeció de depresión y esquizofrenia, y que incluso abandonó repetidamente al artista en su juventud.
Por otro lado, el disco también nos habla sobre Lowell, el padrastro de Sufjan, quien fue una figura importante en la infancia del artista y que incluso lo apoyó como cofundador de Asthmatic Kitty, el sello discográfico que Stevens estableció en 1999.
En términos generales, Carrie & Lowell fue un disco que ayudó a Sufjan Stevens a sobrellevar la pérdida de su madre; a reflexionar sobre la complicada relación entre ellos y cerrar un capítulo de la vida de ambos. Como haciendo las paces de alguna manera, todo en un viaje musical duro y triste hasta los huesos que justamente inicia con la canción “Death with Dignity”.
Pero Sufjan también muestra momentos de brillo y habla de una ‘temporada de esperanza’, esto como referencia a los cinco años que Lowell estuvo casado con Carrie. Un momento que lo marcó y que convirtió a su padrastro en una figura de apoyo que hacia falta en su vida.
Tremendo discazo, por donde se le escuche.
‘Hasta la raíz’ de Natalia Lafourcade
Natalia Lafourcade siempre fue una artista reconocida en México, ya fuese como solista o con La Forquetina. Pero si hacemos un recorrido por su carrera, podemos decir que el 2015 fue el año que marcó un antes y un después para la artista, esto gracias al disco Hasta la raíz.
Dicho material significó su transición completa hacia el folk pop, además de estilos musicales tradicionales y folclóricos de Latinoamérica que han marcado la dirección musical de sus lanzamientos a partir de ese año… Y es ahí donde encontramos uno de los aspectos más geniales en el desarrollo de este material que entra a la lista de discos que cumplen 10 años en 2025.
Como ella misma contó al Chicago Tribune, todo comenzó cuando preparaba Mujer divina, el disco tributo a Agustín Lara que lanzó en el 2012. Trabajar con las canciones del llamado ‘Flaco de Oro’, la hizo sentir nuevamente una cercanía hacia la música tradicional mexicana.
“La música de Agustín Lara fue mi referencia más cercana e inmediata; quería escribir canciones tan bonitas como las suyas. Lara era mi referencia y una bastante exigente”, dijo al medio antes citado.
Después, en el 2014, viajó por diferentes partes de México, así como de Colombia, Cuba y otros países latinoamericanos como parte de un proceso personal de sanación, según cuenta. En estos lugares, encontró más fuentes de inspiración escuchando a compositores icónicos de la música folclórica latinoamericana.
Y gracias a todo ello, encontró una sensibilidad especial, casi poética, para escribir nuevas canciones. Todo eso se puede percibir en Hasta la raíz, dentro del cuál encontramos la canción homónima que, sin duda, fue un hit masivo que pasó a volverse un clásico de la música hispanoamericana de la década del 2010.
La repercusión de esa canción fue tanta que incluso se le dedicó un episodio en el popular programa estadounidense Song Exploder (la adaptación de Netflix del reconocido podcast conducido por Hrishikesh Hirway). Y a partir de ese disco, Natalia Lafourcade encontró su lugar como una de las artistas mexicanas más importantes de la última década.
‘The Magic Whip’ de Blur
No hay nada como la emoción de saber que tu banda favorita está de regreso luego de un largo rato de ausencia. En el caso de Blur, esa ausencia fue de 12 años (sin contar las reuniones esporádicas y un par de sencillos independientes entre 2010 y 2012) para lanzar The Magic Whip y marcar una de las vueltas triunfales definitivas del 2015.
Hay muchos detalles que hacen espectacular este disco. Por un lado, la banda volvería a trabajar en el estudio con Stephen Street, el productor que los acompañó en su etapa más brillante a lo largo de los 90. Y por otro lado, también significaba el regreso de Graham Coxon en la guitarra luego de que este último se había separado de la banda en el 2003.
Pero The Magic Whip tiene un componente ‘mágico’ (valga la redundancia) que lo hace muy especial: fue un disco que ni siquiera estaba en el radar de la banda y que empezaron a realizar de la manera más inesperada posible.
Blur, en una de sus esporádicas reuniones, hizo un viaje a mediados del 2013 para tocar en un festival en Japón que se canceló de la nada. Entonces, a la banda le quedaron algunos días libres en su agenda y decidieron establecerse en Hong Kong para armar algunas sesiones de estudio improvisadas.
Los tracks que trabajaron eran maquetas de canciones en las que estaba trabajando Damon Albarn. Las cosas salieron bien con la banda en el estudio, pero no lograron terminar las canciones en ese momento por el limitado tiempo de agenda que tenían. Damon dijo alguna vez que The Magic Whip pudo ser un disco de esos que se quedan en la bóveda para nunca ver la luz.
Sin embargo, Graham Coxon, que tenía la espina de clavada de no haber contribuido en el disco Think Tank del 2003, se involucró completamente en este nuevo álbum. De hecho, él fue quien se aferró a seguir produciendo el disco para luego mostrar las canciones a Damon, quien escuchó los demos terminados y se dedicó de lleno a escribir las letras y otros arreglos.
‘What Went Down’ de Foals
Foals es una de esas bandas que ha moldeado su sonido con el paso de los años. Y si en sus inicios tenían una carga importante de math-rock e indie rock de corte dance, fue a partir del 2013 con Holy Fire que su estilo se hizo más diverso, experimentando con la música disco o incluso progresiones musicales más pesadas.
Dos años después, la banda lanzó What Went Down, que en palabras de los integrantes fue una especie de seguimiento de lo que venían haciendo desde el álbum pasado. Es decir, un equilibrio ideal entre temas suaves y otros mucho más agresivos, donde encontramos algunos de los más pesados de su discografía.
Así, pasamos de las relajantes y nostálgicas secuencias de “Birch Tree” o “Mountain At My Gates”, a la parte más experimental y psicodélica con “A Knife in the Ocean”… Y después, hay una descarga de adrenalina con temas potentes como la propia “What Went Down” o “Snake Oil”, que tienen toques de stoner rock y garage rock.
En su momento, el disco fue precisamente señalado por presentarnos esta característica más pesada de Foals. Y en una entrevista con Coup de Main Magazine, Yannis Philippakis dijo que esta influencia más áspera y enérgicas la quisieron recrear en este disco ya que les encantó la energía en vivo que provocaban canciones como “Inhaler” (una de las rolas ‘pesadas’ del Holy Fire).
‘Caracal’ de Disclosure
Settle fue una muy buena carta de presentación para Disclosure, que en su momento provocó algo similar a Daft Punk (guardando distancias por supuesto): encontrar un punto para gustarle tanto a los clavados de la música electrónica, así como a los oyentes pop radiales casuales y al público más ‘alternativo’.
Ese primer disco también ayudó a establecer las carreras de los artistas invitados como Sam Smith (“Latch) o AlunaGeorge (“White Noise”) que también apenas estaban empezando a hacer ruido… Y bueno, la cosa cambió enormemente en el 2015 cuando los hermanos Lawrence lanzaron Caracal.
A diferencia de su primer disco que tenía algunas canciones puramente dance y más rápidas, Disclosure apostó en Caracal por la incorporación de más estilos como el R&B, el soul, por ahí hay algo de house de rollito disco, un poquito de synth-pop… Vaya, es un álbum muy diverso en ese sentido.
Además, si algo tiene este material, es que mostró a los hermanos Lawrence como potenciales productores de éxitos pop masivos con canciones como “Nocturnal”, “Omen”, y “Magnets”, las cuales lanzaron en colaboración con estrellas que estaban en pleno ascenso para hacerse en figuras pop mundiales como The Weeknd, el ya mencionado Sam Smith o Lorde.
Este es un infaltable en los discos que cumplen 10 años en 2025 ya que marcó tendencia, como dijimos, con esta capacidad de hacer canciones que le pueden gustar al oyente más casual o al melómano clavado.
Y por supuesto, no podemos olvidar la trilogía de videos que nos mostraban una historia de ciencia ficción a través de las canciones “Holding On”, “Omen” (clips grabados en la Ciudad de México) y “Jaded”.
‘English Graffiti’ de The Vaccines
Hay discos que significan un cambio importante para las bandas que los hacen. Y en ese sentido, English Graffiti es el parteaguas con el que The Vaccines diversificaron lo que habían hecho en sus primeros dos discos.
What Did You Expect from the Vaccines? y Come of Age nos habían mostrado el lado enérgico de Justin Young y compañía, esto en una combinación de lo que sería el hijo divertido pero crudo de los Ramones y The Strokes.
Pero con su tercer álbum, la banda inglesa tomó por sorpresa a todos. No abandonaron del todo las canciones frenéticas, pero ya no eran el ADN del disco. Si acaso, dos canciones por ahí rescataban lo mejor de las primeras dos producciones.
Solo que ahora, la banda también hizo canciones más elaboradas, con más arreglos de teclados y sintetizadores, y de tempos más lentos como “Dream Lover” o “Minimal Affection”.
También hay baladas indie pop al estilo “Want You So Bad” o “Maybe I Could You”. E incluso, coqueteándole con la esencia pop de los 80, había rolitas de coros pegajosos como “Give Me a Sign”.
En términos generales, con English Graffiti, The Vaccines se cansó de estas reglas autoimpuestas del indie-rock más crudo sobre sonar ‘descuidado’ o ‘poco producido’. Y por el contrario, por primera vez en su carrera, decidieron meterse en la composición de arreglos para ser más ambiciosos… Y les quedó genial.
Seguro que a muchos fans no les habrá gustado del todo este cambio radical, pero ahora con una década… ¿Qué les parece el disco?
‘Depression Cherry’ de Beach House
A veces, quienes escribimos de música, abusamos de los términos ‘etéreo’ y ‘onírico’ para hablar de un disco repleto de capaz de sonido envolventes, llenas de eco, delay y reverberación, voces tenues, entre otras cosas. Realmente, pocos álbumes pueden llevarse esos calificativos… y Depression Cherry de Beach House es uno de ellos.
Para muchos, fue un gran regreso de Victoria Legrand y Alex Scally a las bases del dream pop que se les conocían antes de Bloom del 2012, un disco que tal vez no los dejó del todo satisfechos después de la gira de promoción correspondiente.
La banda ha dicho que la gira de Bloom no les agradó tanto en su momento porque se incorporó una batería en vivo. Esto supuso un contraste muy marcado con el sonido atmosférico de las canciones ya que la batería opacaba muchos momentos instrumentales de la ejecución en vivo. Algo no encajaba.
Entonces, para Depression Cherry, regresaron a las composiciones más simples utilizando cajas de ritmos que no le quitaran protagonismo a los sintetizadores ni a esas guitarras ‘etéreas’ y ‘oníricas’ que son el sello de la casa.
Al final este disco que cumple 10 años en 2025 le dio a Beach House no solo la certeza de qué es lo que realmente les gusta tocar y cómo… También les dio su mayor éxito con la inolvidable “Space Song”, un clásico total de la música alternativa de los 2010.
‘I Love You, Honeybear’ de Father John Misty
Para muchos, este es el mejor disco que Josh Tillman, alias Father John Misty, ha hecho en su carrera como solista. Y es curioso cómo funciona I Love You, Honeybear… porque sí, es un disco innegablemente cursi, pero no de una manera sumamente empalagosa y convencional.
Misty hizo de este un álbum conceptual, en parte inspirado por su matrimonio con su esposa Emma. La canción que da el nombre al disco, “When You Are Smiling and Astride Me”, “The Ideal Husband” y “Chateau Lobby #4” son las que hablan más explícitamente de su encantadora relación.
Pero este viaje de amor para ser el ‘esposo ideal’, Tillman también habla tanto de sus desventuras pasadas antes de enamorarse perdidamente, como también de los males del mundo, sobre todo de la cultura estadounidense.
Y lo hace con mucho cinismo, humor y sátira, presentándose como un tipo quejumbroso e insoportable que parece odiar y burlarse de todo lo que le rodea. Pero como dice la canción que da el nombre al disco, este sujeto solo quiere estar con su amada mientras ven el barco hundirse, mientras ven las calles llenarse de muerte…
Este disco que cumple 10 años en 2025, es la prueba de que también los misántropos tienen buenos sentimientos, jeje.
Menciones honoríficas de discos que cumplen 10 años en el 2025
In Colour de Jamie xx
Vulnicura de Björk
Anthems for Doomed Youth de The Libertines
Blurryface de Twenty One Pilots
Wiped Out! de The Neighbourhood
Music Complete de New Order
Every Open Eye de CHVRCHES
Art Angels de Grimes
Sound and Color de Alabama Shakes
Beauty Behind the Madness de The Weeknd
GO:OD AM de Mac Miller
How Big, How Blue, How Beautiful de Florence + The Machine
Froot de Marina
Product de Sophie
Another One de Mac DeMarco
Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit de Courntey Barnett
Marks To Prove It de The Maccabees
Teens Of Style de Car Seat Headrest
Bahía Santiago de Technicolor Fabrics
Amor supremo de Carla Morrison
The Future Sugar de Rey Pila
The Desire Effect de Brandon Flowers
Vol. 1 de Mon Laferte
Beneath The Skin de Of Monster and Men
Uptown Special de Mark Ronson
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Katy Perry volverá a México para reencontrarse con sus fans con un concierto gratuito en la Feria Nacional Potosina 2026, uno de los eventos más importantes de San Luis Potosí.
La intérprete confirmó que se presentará el próximo 25 de agosto en el Foro de las Estrellas de la Fenapo y aseguró que prepara un espectáculo distinto especialmente pensado para el público mexicano.
“Estoy muy emocionada por este anuncio, yo les dije que iba a regresar, y ahora es así”, expresó la cantante en un video compartido en redes sociales.
Perry aprovechó para mandar un mensaje cariñoso a sus seguidores mexicanos, a quienes llamó “Katygatos”.
“Van a amar el concierto, es un nuevo show, muy divertido y realmente está hecho para ustedes, los fans, porque yo soy su mayor fan. Saben que los amo, siempre cumplo mis promesas”, afirmó.
El anuncio ya había sido adelantado por el gobernador de San Luis Potosí, Ricardo Gallardo Cardona, durante la presentación oficial de la Feria Nacional Potosina 2026.
La Fenapo se realizará del 7 al 30 de agosto y además de Katy Perry, el cartel incluye a Bizarrap, Los Tigres del Norte, Grupo Firme, Kenia Os, Santa Fe Klan, Yandel y Mötley Crüe.
CT
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Con más de cuatro décadas de experiencia sobre los escenarios, Fher Olvera asegura que la participación de Maná en la inauguración del Mundial de Futbol 2026 representa un “momento inédito” en la trayectoria del grupo y espera que este encuentro, seguido por miles de millones de personas, sirva para “promover la paz” frente a las guerras y los conflictos internacionales.
“Se va a hacer una puesta en escena muy mexicana, muy prehispánica (…) con coreografías y cosas brutales. Creo que jamás se ha hecho un evento así en México, de esta forma y de esta magnitud dentro de la cancha. Será una delicia para los mexicanos y el mundo entero”, relata Olvera en una entrevista sobre este encuentro deportivo que será transmitido a más de 200 países.
México será una de las sedes del Mundial 2026 junto con Estados Unidos y Canadá, y albergará el partido inaugural el próximo 11 de junio en el Estadio Ciudad de México, donde Maná interpretará una canción inédita de dos minutos como parte del espectáculo organizado por la FIFA.
“Los ‘manás’ tenemos tanta ilusión por un evento de este tamaño en nuestro país que es como un sueño. Nos sentimos como si estuviéramos volando”, confiesa el artista, quien es parte del elenco invitado por la FIFA, así como Alejandro Fernández, J Balvin, Los Ángeles Azules y Belinda.
Un mensaje de paz
Como aficionado al futbol y a la Selección Mexicana, esta no es la primera vez que Olvera dedica su música a la pasión por el balompié, pues en 2018 compuso “El gladiador mexicano”, un himno de apoyo para México durante el Mundial celebrado en Rusia.
Casi diez años después, el cantante considera que el Mundial 2026, que tendrá como sedes a México, Estados Unidos y Canadá, representa una oportunidad para “promover la paz a través del deporte”, porque “últimamente han venido muchas guerras”, como en Palestina o el maltrato al pueblo ucraniano.
“No está bien todo eso, entonces el futbol reivindica todas estas causas. Aquí hay unión para una misma idea, una misma ideología de divertirse y sanar el corazón y el espíritu”, subraya.
A su juicio, el arte y el deporte son “lo más bonito que existe en la cultura planetaria”, ya que integran a la humanidad más allá de las nacionalidades y permiten a la sociedad alejarse de la idea de que solo estamos en este mundo “para darnos en la m…”.
Defender el español
En un contexto marcado por la polarización, el guitarrista celebra que la música sea ese puente para “reivindicar cada vez más la cultura latina en Estados Unidos y en el mundo”, como lo hizo el cantante puertorriqueño Bad Bunny en su pasada actuación en el Super Bowl LX, ya que “eso es lo que necesitamos todos al final del día”.
Aunque reconoce que esa lucha por defender las raíces latinas y el español viene de mucho antes, por ello, agrupaciones como Maná nunca aceptaron hacer canciones en inglés o “fusiones en ‘spanglish’”.
“Nunca tuvimos necesidad de abarcar ese mercado. Nosotros siempre hemos estado contentos de transmitir las historias de Latinoamérica y de Hispanoamérica a través de nuestras canciones”, sostiene Olvera, quien recientemente colaboró con Dua Lipa para interpretar una versión completamente en español de “Oye Mi Amor” (1992), un clásico de la banda e incluida en el álbum “Dua Lipa: Live from Mexico”.
Fher Olvera cuenta los días para el partido inaugural del Mundial entre México y Sudáfrica, en el que horas antes también se presentarán Lila Downs, Danny Ocean y Tyla.
“Ya no falta nada”, dice, aunque admite que su corazón, a 15 días del encuentro, late tan fuerte como si estuviera detrás de las bambalinas, a punto de ofrecer el concierto de su vida.
EFE
El poder latino
México será la primera sede en inaugurar la histórica trilogía de ceremonias de apertura del Mundial 2026, que continuará en Canadá y Estados Unidos. Producidas en colaboración con Balich Wonder Studio, las tres puestas en escena compartirán un mismo eje creativo: reinterpretar el Trofeo de la Copa Mundial de la FIFA desde la identidad cultural de cada país anfitrión.
En este contexto, la relación entre el futbol y la música alcanzará una de sus apuestas más ambiciosas, con la participación de uno de los nombres más emblemáticos de la música latina: Maná.
Con más de 50 millones de discos vendidos en el mundo, la agrupación mexicana ha conquistado escenarios en más de 30 países y roto marcas históricas, incluida la mayor cantidad de presentaciones en arenas de Los Ángeles. Su trayectoria ha sido distinguida con cuatro premios Grammy, nueve Latin Grammy, una histórica nominación al Rock & Roll Hall of Fame y una estrella en el Hollywood Walk of Fame.
Más allá de los escenarios, Maná ha consolidado un legado ligado a causas ambientales, sociales y de derechos humanos, posicionándose como un referente cultural cuya influencia trasciende generaciones, idiomas y fronteras.
Su participación en la Copa Mundial de la FIFA 2026 también representa un reconocimiento al alcance internacional del rock latino y al impacto de una generación de artistas mexicanos que convirtió la música en español en un fenómeno global.
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Los amantes de los conciertos agradecerán la llegada del cuarto y último miércoles 2×1 en Superboletos del mes, el día de hoy 27 de mayo. Como cada semana, esta boletera te ofrece dos boletos al precio de uno para hasta 21 conciertos y eventos, entre los que se encuentran fechas en Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara, Puebla, Tijuana y San Luis Potosí. En el caso de la capital de Jalisco, se tienen cinco conciertos al 2×1 todos ellos agendados en la Arena Guadalajara.
En este listado verás TODOS los conciertos que se encuentran al 2×1 en Guadalajara a través de Superboletos. Para poder procesar tu compra dentro del miércoles 2×1 en Superboletos va a ser necesario que cuentes con un perfil en el portal, un correo electrónico disponible y una tarjeta bancaria de cualquier tipo para poder realizar el pago de los boletos. ¡Alista todo y anímate a comprar tus boletos!
Se recomienda proceder de la siguiente manera:
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Lista COMPLETA de conciertos al 2×1 en Guadalajara en Superboletos
| Fecha | Artista | Recinto |
| 29 de mayo | Jesse & Joy | Arena Guadalajara |
| 31 de mayo | El Divo: Homenaje sinfónico a Juan Gabriel | Arena Guadalajara |
| 5 de junio | La Dinastía Elizalde Continúa | Arena Guadalajara |
| 12 de junio | Gloria Trevi | Arena Guadalajara |
| 13 de junio | Napoleón y Mocedades | Arena Guadalajara |
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Todos los conciertos enlistados se pueden comprar en modalidad 2×1 o 4×3 según deseen las personas interesadas.
También se informó de la cancelación del concierto de Jorge Celedón agendado para el 24 de junio en la Arena Guadalajara. En caso de haber comprado boletos, habrá que acercarse al personal de la empresa a través de sus medios oficiales para conocer el procedimiento correspondiente.
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