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Los Bunkers nos cuentan cuáles son sus MTV Unplugged favoritos
Lo que necesitas saber:
Los Bunkers son una de las bandas más grandes del rock latino, y por fin grabaron un MTV Unplugged. Chequen cuáles son sus shows favoritos.
Si son de la vieja escuela, seguramente recuerdan con cariño los MTV Unplugged, el espacio en el que grandes nombres de la industria musical se han presentado para tocar en acústico. A pesar de que el canal de televisión ha cambiado mucho desde entonces, no se han olvidado de estos shows, es por eso que tras varias sesiones icónicas, por fin llegó el turno de Los Bunkers de entrarle al quite.
Desde que este formato llegó a Latinoamérica, muchas bandas y artistas de nuestro continente se terminaron de consolidar o de plano, se convirtieron en verdaderas leyendas gracias a sus presentaciones ‘desenchufadas’. Y definitivamente, ya era justo y necesario que la banda chilena tuviera la oportunidad de grabar un show de ese tamaño e importancia.
Los Bunkers por fin grabarán su primer MTV Unplugged
Se sabe que Los Bunkers son muy grandes en Chile, México y muchos países más. De plano, su trayectoria los avala, basta recordar el concierto que se aventaron en el Palacio de los Deportes de la CDMX para cerrar con broche de oro su regreso triunfal (por acá les dejamos la reseña de esa presentación) para reafirmar que son una de las bandas más relevantes del rock en español.
Por supuesto que la noticia de que la agrupación originaria de Concepción por fin grabará un MTV Unplugged –la cual soltaron en sus redes sociales en agosto de 2024– nos emocionó muchísimo, pues se suman a la lista de bandas importantes de su país que reciben una invitación a hacer un acústico de esa magnitud, como Los Tres y La Ley. Y no solo eso, este anuncio también porque es el primer concierto de este tipo que se filmará por completo en tierra chilena.
Sobre lo que representa para Los Bunkers grabar su primer Unplugged, Álvaro López declaró que gracias a esta sesión acústica, podrían reconectar con sus orígenes. Ya saben, cuando eran jóvenes e iniciaron su camino en la música tocando sus guitarras de madera.
“(Esta oportunidad es) algo súper importante, por supuesto, porque tenemos la muy bonita oportunidad de ser parte de ya un formato que tiene que ver con la cultura de la música, con la cultura popular del rock and roll, por así decirlo. Así que por ese lado es muy bonito. Y a esta altura de nuestra carrera, por supuesto, es también una oportunidad de de hacer un muy bonito trabajo de taller, de crear bonitos arreglos y poderlo compartir a través de un formato que se acerca mucho a nuestras raíces, digamos. Estamos acostumbrados a entretejernos y nos conocimos conversando a través de las guitarras acústicas”.
Por otro lado, Mauricio Durán mencionó que este show también es relevante porque a través del formato acústico, tienen la posibilidad de llevar sus canciones a nuevos oídos en los países en los que quizá no tengan tanta presencia.
“Sí, también ojalá nos permita a lo mejor hacer llegar nuestras canciones y nuestro repertorio a otros países en Latinoamérica que a lo mejor no hemos tenido la oportunidad como de desarrollar tanto. Bueno, por haber parado por tanto tiempo, por estar recién retomando, pero tanto el formato como el hecho de llevar, digamos, las canciones a este mundo acústico. Yo creo que podría ser una bonita oportunidad para poder realizar ese trabajo que de alguna manera tenemos pendiente en algunos países del continente”.
Pablo Larraín y Meme del Real participan en este show junto a la banda chilena
Es por eso que que los integrantes estaban ansiosos por entrarle a este reto y oportunidad tan grande que les llegó. A través de una mesa redonda virtual desde Chile, Los Bunkers nos revelaron algunos detalles de lo que sería su ‘desenchufado’ y la verdad es que prometía muchísimo. De entrada, porque confirmaron que el encargado de la dirección de la grabación del show sería ni más ni menos que Pablo Larraín.
Para quien no lo conozca, Larraín es uno de los cineastas latinoamericanos más destacados de los últimos tiempos, originario de Chile –al igual que la banda, claro– que ha sido nominado a los premios Oscar, y ha ganado en festivales como Cannes y Venecia con grandes películas como No, El Club, Neruda, Jackie, Ema, Spencer y El Conde. Así que como verán, harán una gran apuesta visual para este MTV Unplugged.
Pero no solo eso, Los Bunkers contaron con la participación del mismísimo Meme del Real, integrante de Café Tacvba, con quien ya han trabajado previamente, se encargará de la dirección y producción musical del concierto. Además, nos contaron que el setlist de este ‘desenchufado’ sería un repaso por toda su carrera, donde vendrán rolas de sus primeros años, hits y claro, canciones de su más reciente disco, Noviembre. Y así fue.
“Algo que va a estar presente de México y que es muy importante para nosotros es el hecho de que Meme del Real va a ser el productor musical del Unplugged. Para nosotros es importante contar con su visión porque es uno de los artistas que más admiramos en el panorama latinoamericano. Así que ahí va a haber una cuota de México que es importante para nosotros”.
Declaró Mauricio Durán sobre la inclusión de Meme en este proyecto.
Estos son los MTV Unplugged favoritos de Los Bunkers
Aprovechando que hablamos sobre su MTV Unplugged, fue inevitable no preguntarle a Los Bunkers sobre sus ‘desenchufados’ favoritos. Mauricio Durán mencionó que lo marcaron las sesiones de Eric Clapton, Nirvana y Los Tres. Álvaro López lo apoyó con su selección, mientras que Cancamusa citó a una leyenda de la música argentina.
“Yo creo que el primero que más escuchamos fue el de Clapton. En Chile recién estaba apareciendo el formato CD y recuerdo que uno de los primeros CD’s que tuvimos en la casa. Por otro lado, bueno el de Nirvana obviamente y el de Los Tres por nombrar como algo más cercano y chileno”.
“Estamos todos de acuerdo. Sí, es que nosotros nos criamos muy de cerca con la música. Nosotros, Gonzalo y yo, nos criamos muy de cerca con la música que escuchaban los chiquillos y con los discos que ellos tenían en casa, así que estamos muy de acuerdo con lo que dice Francis”.
“Creo que mi favorito es el de Charly García, ese disco lo escuchaba todo el tiempo”.
Por fin podemos escuchar el esperado MTV Unplugged de Los Bunkers
Luego de su estreno en cines, oficialmente a partir del 20 de diciembre podremos escuchar y checar el MTV Unplugged de Los Bunkers. Y definitivamente, es un show que vale por completo la pena ver, pues a través de 19 canciones, la banda chilena reinterpreta las canciones que han marcado su carrera (tanto rolas propias como covers de otros artistas).
Por supuesto que al tratarse de un Unplugged, hubo invitados especiales, pues además de contar con la dirección y producción de Meme del Real, también colaboró con ellos en “Si estás pensando mal de mí”. Y si eso no fuera suficiente, la mismísima Mon Laferte se subió al escenario a cantar una versión de “Quiero dormir cansado”, temazo que popularizaría Emmanuel.
¿Están listos para escuchar la sesión completa Los Bunkers en MTV Unplugged? Prepárense, porque les apostamos lo que quieran a que nos darán una de las presentaciones más rifadas dentro de este formato en los últimos años. A continuación les dejamos una probadita de lo que nos espera.
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El 26 de mayo se cumplen cien años del nacimiento de Miles Dewey Davis III, el trompetista estadounidense que transformó el jazz y que redefinió la manera en que la música moderna entiende la innovación. A un siglo de su llegada al mundo, su figura permanece como una de las más influyentes del siglo XX: un artista incapaz de repetirse, obsesionado con anticipar el futuro sonoro incluso cuando eso significaba incomodar a su propio público.
Trompetista, compositor y líder de banda, Davis convirtió cada etapa de su carrera en un punto de inflexión para el jazz. Desde el bebop hasta la fusión eléctrica, su trayectoria -que abarcó cinco décadas- puede leerse como una historia paralela del desarrollo del género durante la segunda mitad del siglo pasado.
Un oído formado entre tradición y cambio
Miles Davis nació en Alton, Illinois, el 26 de mayo de 1926, aunque creció en East St. Louis dentro de una familia afroamericana de clase media acomodada.
Su entorno familiar estuvo marcado por la música desde temprana edad: su madre tocaba el violín y su hermana interpretaba piezas clásicas al piano, mientras que el gospel, el blues y el jazz entraban en su vida a través de la radio, la iglesia y los viajes familiares.
A los diez años recibió su primera trompeta, regalo que definiría su destino. Bajo la guía del trompetista Elwood Buchanan, comenzó a desarrollar un estilo poco convencional, alejado del virtuosismo explosivo dominante en la época. Buchanan insistía en evitar el vibrato excesivo, una enseñanza que terminaría moldeando el sonido íntimo y contenido que caracterizaría a Davis durante toda su carrera.
El propio músico recordaría años después la influencia decisiva de su mentor Clark Terry. “La influencia principal que recibí debe haber sido Clark Terry… íbamos a una jam y el lugar se llenaba en diez minutos. Venía a mi casa, pedía permiso a mi padre y me llevaba a tocar desde las seis de la tarde hasta las seis de la mañana”.
Aquellas sesiones marcaron su formación práctica mucho más que cualquier aula.
Nueva York y el nacimiento del jazz moderno
En 1944, con apenas 18 años, Davis se mudó a Nueva York para estudiar en la Juilliard School. Sin embargo, su verdadera educación ocurrió fuera de las clases, en los clubes nocturnos de la Calle 52, donde el bebop estaba revolucionando el lenguaje musical.
Allí conoció a figuras clave como Charlie Parker y Dizzy Gillespie, quienes lo integraron a la nueva corriente musical. Davis describió aquel encuentro decisivo con humor y asombro. “Ni siquiera reconocí a Dizzy cuando me preguntó si tenía carnet del sindicato. Yo solo quería escucharlo tocar, pero terminé subiendo al escenario”.
La experiencia confirmó que su aprendizaje debía darse dentro del movimiento creativo que estaba transformando el jazz.
De “Birth of the Cool” al cambio constante.
A finales de los años cuarenta, Davis reunió un noneto con una instrumentación inusual que incluía trompa y tuba. Aunque las grabaciones iniciales pasaron desapercibidas, posteriormente serían publicadas como “Birth of the Cool” (1957), obra fundamental que dio nombre al cool jazz y abrió una nueva sensibilidad sonora menos frenética que el bebop.
Davis continuó cambiando de rumbo. Tras el cool jazz llegó el hard bop, donde recuperó la energía del rhythm and blues; después, el jazz modal, basado en escalas más que en progresiones armónicas tradicionales. Este periodo produjo obras esenciales como “Milestones” (1958) y el legendario “Kind of Blue” (1959), considerado uno de los discos más influyentes de la historia.
Piezas como “So What”, “All Blues”, “Blue in Green”, “Solar” y “Four” muestran la amplitud estética de su obra y explican por qué su música sigue siendo objeto de estudio.
El riesgo eléctrico y la incomprensión
A finales de los años sesenta, fascinado por el rock, el funk y el soul, Davis volvió a romper expectativas al incorporar instrumentos eléctricos y ritmos más agresivos. Álbumes como “In a Silent Way” (1969) y “Bitches Brew” (1970) marcaron el nacimiento del jazz fusión.
La decisión provocó rechazo entre sectores puristas del jazz, que consideraron su electrificación una traición. Sin embargo, el tiempo consolidó esas grabaciones como una expansión definitiva del género.
Su capacidad para adelantarse a las tendencias fue constante: mientras muchos músicos perdían impulso creativo con los años, Davis seguía reinventándose.
Retiro, regreso y apertura al hip-hop
En 1975 se retiró temporalmente debido a problemas de salud y adicciones. Durante cinco años permaneció alejado de la vida pública, hasta regresar en 1980 con una nueva etapa creativa marcada por la exploración tecnológica y sonora.
Incluso en sus últimos años se mantuvo atento a nuevas corrientes musicales. Su álbum final, “Doo-Bop” (1991), incorporó elementos del hip-hop, anticipando el diálogo entre jazz y cultura urbana que se volvería común décadas después.
No es casual que artistas como The Roots, Mobb Deep, Notorious B.I.G., Outkast o Queen Latifah hayan sampleado su música, confirmando su influencia más allá del jazz.
El legado de una mente adelantada
Miles Davis falleció el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica, California, a los 65 años, tras complicaciones derivadas de enfermedades respiratorias, un accidente cerebrovascular y neumonía. Su último disco fue publicado de manera póstuma, cerrando una carrera marcada por la búsqueda constante.
Dueño de un sonido irrepetible
El sonido de la trompeta de Davis -frecuentemente interpretada con sordina Harmon- se distinguía por su lirismo, frases breves y una intensidad introspectiva que contrastaba con el virtuosismo dominante. Su estilo demostraba que la emoción podía surgir tanto del silencio como de la nota.
A lo largo de su trayectoria, convivió creativamente con gigantes del género, entre ellos Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane, formando parte del reducido grupo de artistas que redefinieron el rumbo del jazz y lo dotaron de una expresividad que rompió moldes.
El líder que construía sonidos colectivos
Parte del mito de Miles Davis reside en su habilidad para reunir músicos excepcionales y convertirlos en catalizadores de nuevas ideas. Aunque la autoría de algunas composiciones ha sido discutida -como el caso de “Blue in Green”, frecuentemente asociado al pianista Bill Evans- el resultado final siempre llevaba su sello artístico.
Más que imponer, Davis dirigía mediante la escucha y la intuición, nutriéndose de la creatividad colectiva para construir un sonido propio.
Cinco discos para entender su carrera
“Birth of the Cool” (1957)
El álbum que dio nombre al cool jazz. Davis rompió con la velocidad frenética del bebop y apostó por arreglos más sofisticados, atmósferas contenidas y un sonido elegante que cambiaría el rumbo del jazz moderno.
“Milestones” (1958)
Disco puente hacia el jazz modal. Aquí comenzó a abandonar las progresiones armónicas complejas para explorar estructuras más abiertas basadas en escalas, anticipando su obra maestra del año siguiente.
“Kind of Blue” (1959)
Considerado el disco de jazz más influyente de todos los tiempos. Con John Coltrane, Bill Evans y Cannonball Adderley, Davis creó una obra accesible, introspectiva y revolucionaria. Incluye clásicos como “So What” y “All Blues”.
“Sketches of Spain” (1960)
Su etapa más experimental y orquestal junto al arreglista Gil Evans. Fusionó jazz, música clásica y sonidos españoles en una obra atmosférica y cinematográfica encabezada por una reinterpretación del “Concierto de Aranjuez”.
“Bitches Brew” (1970)
El disco que detonó el jazz fusión. Davis incorporó instrumentos eléctricos, rock, funk y largas improvisaciones colectivas. Fue polémico en su momento, pero redefinió el jazz contemporáneo e influyó en generaciones posteriores.
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Zapopan convierte sus plazas en escenario musical para celebrar la quinta Fiesta de la Música
La música tomó las calles de Zapopan y convirtió el centro del municipio en una celebración colectiva. Desde temprana hora del sábado, miles de personas comenzaron a reunirse entre la Plaza de las Américas, el Andador 20 de Noviembre y las inmediaciones de la estación Zapopan Centro de la Línea 3, donde se realizó la quinta edición de la Fiesta de la Música Zapopan 2026.
La jornada que se extendió desde las 17:00 horas hasta la medianoche. Familias, jóvenes, parejas y grupos de amigos caminaron entre escenarios, puestos de arte y zonas de convivencia mientras el sonido de guitarras, metales y percusiones se mezclaba con el bullicio de la noche.
La edición 2026 contó con cuatro escenarios principales: Máxima Red Cola, Cultura Fest, Cultura UDG y Juventudes Zapopan, además de dos espacios complementarios donde hubo música tradicional, banda pop y karaoke. La propuesta reunió tanto a artistas emergentes como a agrupaciones con trayectoria, consolidando un cartel diverso que apostó por distintos géneros y públicos.
Entre las bandas y proyectos que formaron parte del festival destacaron Mexican Balkan Orkestar, Circo Kandela, Cruda Mata, The Tropikal Yeah! y Sr. Fillips, además de presentaciones de artistas como Paulina Jiménez, Montenegro, Silent Noir y Navit. El programa también incluyó a Apolinar, Dínamo, Habitantes, Metal Miura, Fonemics y Gargamel, entre otros proyectos locales y nacionales.
A lo largo de la tarde y la noche, el ambiente cambió constantemente de ritmo. En un escenario predominaban las fusiones balcánicas y tropicales; metros adelante aparecían propuestas de rock, rap o metal. Mientras algunos asistentes bailaban frente a las tarimas, otros recorrían el bazar de emprendedores, observaban piezas de arte urbano o participaban en dinámicas culturales instaladas en distintos puntos del centro zapopano.
La Fiesta de la Música, iniciativa que se celebra en más de 120 países, busca democratizar el acceso a la cultura y recuperar el espacio público a través del arte sonoro. En Zapopan, el festival también integró actividades complementarias como expoventa de arte, brigadas culturales y talleres impulsados por el Instituto de las Juventudes.
Uno de los aspectos que marcó esta edición fue el enfoque en accesibilidad universal. El evento contó con intérpretes de Lengua de Señas Mexicana y adecuaciones para personas usuarias de silla de ruedas, con el objetivo de ampliar el acceso a las actividades y reforzar el carácter incluyente del encuentro.
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La banda colombiana Monsieur Periné anunció este miércoles su gira internacional ‘Instrucciones para ser feliz tour’, con la que ofrecerá 35 conciertos en nueve países de América y Europa para presentar en vivo su más reciente álbum.
La agrupación iniciará el tour el 27 de mayo en Buenos Aires y pasará por ciudades como Madrid, París, San Francisco, Nueva York, Ciudad de México y Caracas, en una serie de conciertos para promocionar el álbum ‘Instrucciones para ser feliz’.
El grupo, liderado por Catalina García y Santiago Prieto, aseguró que esta nueva gira representa una etapa “más íntima, luminosa y reflexiva”, en la que mantiene su mezcla característica de pop, jazz y ritmos latinoamericanos, según informó su equipo de prensa en un comunicado.
La etapa española de la gira comenzará el 1 de julio en A Coruña y continuará por Burgos, Madrid, Granada y O Grove, antes de pasar por París y regresar a España para conciertos en Cartagena y Huesca, donde cerrará su recorrido europeo.
Entre las fechas más destacadas del recorrido aparecen cuatro noches consecutivas en el auditorio SFJAZZ de San Francisco y un concierto en el Teatro Metropólitan de Ciudad de México, donde se han presentado artistas como Ricky Martin, Fito Páez y Ana Torroja.
Lee: INAPAM 2026: Requisitos exactos para recibir el pago triple en mayo
La gira culminará con un concierto en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá el 24 de octubre y otro en el Caracas Music Hall el 7 de noviembre.
Esta nueva gira llega después de ‘Bolero Apocalíptico Tour’, con el que Monsieur Periné recorrió entre 2023 y 2024 gran parte de Latinoamérica y Estados Unidos, con conciertos en países como México, Chile, Perú y Ecuador, además de varias ciudades colombianas.
Con más de una década de trayectoria, Monsieur Periné ha alcanzado proyección internacional con temas como ‘Nuestra Canción’ y discos como ‘Bolero Apocalíptico’, ganador del Latin Grammy a Mejor Álbum Alternativo.
Además, la agrupación se ha presentado en escenarios y festivales como Carnegie Hall de Nueva York (EE.UU.), el festival Lollapalooza (Chile) y el Rock in Rio (Brasil), y recientemente se convirtió en el primer grupo latinoamericano en grabar una sesión en vivo en el Museo de Historia Natural de Londres, donde interpretó una versión de ‘Jardín del Paraíso’.
Mira: Así cotiza el peso frente al dólar la mañana de este miércoles
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