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10 discos para entender el enorme legado de Quincy Jones

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Lo que necesitas saber:

Quincy Jones fue uno de los nombres más importantes en la historia de la música y de plano, estos 10 discos confirman su legado.

Hay nombres sin los cuales, no podríamos entender la música que escuchamos en la actualidad. Y es que más allá de los artistas y bandas que nos gustan, existen personas sin las cuales, probablemente jamás hubieran llegado al estrellato. Tal es el caso de Quincy Jones, una verdadera leyenda de la industria musical y arquitecto del sonido de los últimos 60 años.

Quincy Delight Jones, Jr. –como en realidad se llamaba– inició su carrera como trompetista en los 50 y años después, se mudó a Nueva York para comenzar a trabahar como compositor, arreglista y productor para leyendas del jazz como Thelonious Monk, Charlie Parker, Billie Holiday, Gene Krupa, Miles Davis e incluso su viejo amigo, Ray Charles.

10 discos para entender el legado de Quincy Jones como productor10 discos para entender el legado de Quincy Jones como productor
Quincy Jones es, sin duda, uno de los mejores músicos, arreglistas y productores de todos los tiempos/Foto: Getty Images

Repasemos el legado de Quincy Jones con 10 discos importantes en su carrera

Después de viajar a París a mediados de la década, donde conoció a personalidades como Leonard Bernstein y hasta Pablo Picasso, Quincy Jones regresó a Estados Unidos para convertirse en vicepresidente de Mercury Records, donde grabó y produjo a artistas del tamaño de Tony Bennett, Sarah Vaughan y Peggy Lee.

Fue ahí donde comenzó a forjarse un nombre importante en la producción, aunque al mismo tiempo, a través de sus discos como solista, Quincy siguió demostrando su enorme talento musical. Sin embargo, fue a inicios de los 80 cuando su nombre se hizo mundialmente conocido por su trabajo con el mismísimo Michael Jackson.

Michael Jackson y Quincy Jones tras triunfar en los Grammys de 1984/Foto: Getty Images

Definitivamente, hablar de Quincy Jones es mencionar a una persona clave en la historia de la música y para rendirle tributo a las grandes aportaciones que hizo a este arte, a continuación repasaremos el legado que nos deja como arreglista, compositor y productor a través de 10 discos clave en su carrera.

‘Miles & Quincy Live at Montreux’ (1993)

Ok, arrancamos con un disco que si bien, no aparece en la lista de los mejores hechos por Miles Davis, es un retrato de la enorme y complicada carrera de esta legendaria figura del jazz. Y sí, el principal involucrado para que se hiciera realidad este proyecto tan caótico pero maravilloso fue el gran Quincy Jones.

Grabado durante la presentación que dio Miles en el Festival de Jazz de Montreux 1991 junto a Jones y su orquesta –la cual se dio tres meses antes de que Davis muriera a los 65 años–, este álbum demuestra la genialidad del músico estadounidense, tocando con fragilidad su trompeta sin olvidar el poder que siempre tuvo con este instrumento.

En conclusión, este disco confirma el increíble trabajo de Quincy Jones como productor, pues se encargó de que su amigo y colaborador sonara impecable y, sin saberlo, se luciera en lo que sería uno de sus últimos conciertos. Una verdadera joyita que de plano, es un deleite escucharlo de principio a fin.

‘In the Heat of the Night’ (1967)

Además de su enorme trayectoria en la industria musical como tal, Quincy Jones también fue un gran compositor de scores para el cine y la televisión. Y uno de sus primeros grandes trabajos en este ámbito fue lo que hizo en 1967 para In the Heat of the Night, película protagonizada por Sidney Poitier y Rod Steiger

Por si no fuera suficiente hacerse cargo de la música original para esta cinta (la cual estuvo fuertemente cargada por un sonido sureño único con un toque de funk que en aquel momento sonaba futurista), Quincy también se encargó de componer la canción principal de esta producción, que fue interpretada por el mismísimo Ray Charles.

Todo esto dio como resultado canciones emotivas y conmovedoras a In the Heat of the Night, la cual nos cuenta la historia de policía afrodescendiente del norte de Estados Unidos que se enfrenta al racismo sureño. Y sí, la película no hubiera sido la misma sin las composiciones de Quincy Jones.

Frank Sinatra – ‘Sinatra at the Sands’ (1966)

A lo largo de su carrera, Quincy Jones trabajó varias veces con el icónico Frank Sinatra, como director de orquesta y arreglista. Sin embargo, lo que consiguió en Sinatra at the Sands junto al pianista Count Basie fue probablemente la mejor de sus colaboraciones, pues creó una colección de canciones simplemente geniales.

Para ese entonces, Jones aún era un joven que estaba iniciando su carrera, pero prometía muchísimo y dejó claro que tenía algo especial al combinar el talento de Basie con la privilegiada voz y encanto de Sinatra. A todo esto le agregó un repertorio de canciones que incluyó algunas de las mejores canciones de la trayectoria del cantante estadounidense.

Sinatra at the Sands, con los arreglos y el trabajo de Quincy Jones, ofrece a quien lo escuche la versión definitiva de Frank Sinatra, un artista en la cumbre de su vida que nos regala momentos sentimentales y grandiosos en este disco en vivo, que se siente como si el tiempo se detuviera para escuchar por poco más de una hora a una de las voces más importantes de la historia.

Quincy Jones – ‘Big Band Bossa Nova’ (1962)

Por si no fuera suficiente su carrera como productor, Quincy Jones nos regaló grandes discos como solista. Y un ejemplo de ello fue Big Band Bossa Nova de 1962, el cual es una experiencia espectacular que nos muestra el lado de Jones como líder de una banda de jazz, donde rompió un poco la barrera entre la música orquestada y con el pop y ritmos más ligero.

Quizás conozcan mejor este álbum por “la rola homónimo “Soul Bossa Nova”, famosa por ser el tema principal de la serie de películas de Austin Powers, pero también muestra el fervor autodidacta de Jones por los sonidos complejos que se unen para crear algo increíblemente agradable. 

George Benson – Give Me the Night (1980)

Esta colaboración entre Quincy Jones Jones y el famoso guitarrista , George Benson es una verdadera joyita. En Give Me the Night, estas dos mentes maestras hicieron un disco fuertemente influenciado por el blues, soul, funk, jazz y R&B, que es una muestra de la enorme presencia del músico originario de Pittsburgh en la música.

Este material discográfico no solo logró que Benson volviera a entrar en el número 1 de las listas de popularidad, también le dio un revival importante a su carrera. Prueba de ello fue que ganó tres Grammys: Mejor interpretación vocal masculina de R&B por la canción principal, Mejor interpretación instrumental de R&B y Mejor interpretación vocal de jazz masculina por el blues. Si no están tan familiarizados con el trabajo de George, por aquí pueden entrarle.

Little Richard – ‘The King of the Gospel Singers‘ (1961)

Como podrán notarlo a lo largo de esta lista, Quincy Jones trabajó con un montón de artistas enormes. Uno de ellos fue Little Richard, un pionero del rock and roll quien a inicios de los 60 nos presentó The King of the Gospel Singers, un álbum en el que se aleja un montón del sonido por el que se hizo famoso.

Como su nombre indica, este disco se centra en las influencias gospel de Richard, con las que volvió a sus orígenes. Con decirles que para muchos, este material fue una de las mejores grabaciones de toda la carrera del cantautor estadounidense. Aunque eso sí, no hubiera sido lo mismo sin la mano de Jones y la orquestación que le puso a las 12 canciones.

The King of the Gospel Singers resultó ser un trabajo muy importante para Little Richard, pues indirectamente, dio con la resurrección de la carrera en el rock de este artistazo, ya que después de eso compartió escenario con The Beatles. En palabras del cantante, este álbum que hizo con Quincy Jones fue lo que realmente lo devolvió al negocio, pues lo inspiró a volver a su sonido pasado.

The Brothers Johnson – ‘Right on Time‘ (1977)

Durante muchos años, Quincy Jones tuvo varios colaboradores frecuentes. En esa lista se encuentran The Brothers Johnson, dúo conformado por los hermanos George (“Lightnin’ Licks”) y Louis E. Johnson (“Thunder Thumbs”) que trabajaron con el productor en cuatro ocasiones, aunque quizá la más importante fue Right on Time.

Con este material discográfico, su segundo álbum de estudio, este par recibió ciertas críticas por cómo juntaron el funk, el pop y el disco. Pero fue innegable que la mano de Jones le dio un toque más comercial al sonido y propuesta que querían proyectar en aquel entonces.

A fin de cuentas, Right on Time de The Brothers Johnson fue un éxito, pues el disco recibió certificación de platino y llegó al número 2 en la lista de R&B de Billboard. Por si esto no fuera suficiente, gracias a la canción “Strawberry Letter 23” –la más recordada del álbum– también le valió un Grammy a Quincy Jones.

Aretha Franklin – ‘Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)’ (1973)

A inicios de los 70, Quincy Jones tuvo la oportunidad de entrar al estudio con otra artista icónica: ni más ni menos que la ‘Reina del Soul’, la enorme Aretha Franklin. En esta década, la cantante estaba pasando por una etapa de transición y eso se notó con Hey Now Hey (The Other Side of the Sky), su decimonoveno álbum de estudio.

Este álbum fue planeado originalmente para ser un material discográfico de jazz puro, con canciones como “Moody’s Mood” y “Just Right Tonight”, pero tanto Jones como Franklin (quien también le entró a la coproducción) se desviaron un poco de la idea principal e incluyeron rolas mucho más poperas.

Más allá de que no tuvo el recibimiento que esperaban, Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) resultó ser el disco más experimental de toda la carrera de Aretha Franklin y definitivamente, mostró una de las características de Quincy Jones como productor: tratar de sacar a leyendas de la música de su zona de confort.

Quincy Jones – ‘Back on the Block’ (1989)

En 1989, Quincy Jones lanzó el que para muchos, es el mejor álbum de estudio de toda su carrera en solitario: Back on the Block. Este proyecto fue sumamente ambicioso en todos los sentidos, pues reunió a músicos y cantantes de tres generaciones de la industria musical y fue una verdadera locura en cuanto a combinación de sonidos.

Para que se den una idea de cómo está el asunto, este material discográfico mezcla jazz, R&B y pop con hip-hop– Además, cuenta con invitados especiales del tamaño de Ray Charles, Miles Davis, Chaka Khan, Luther Vandross, Barry White, El DeBarge, Bobby McFerrin y George Duke, así como las últimas grabaciones de estudio de las grandiosas Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan.

Con este disco, Quincy Jones volvió a conquistar los premios Grammy, pues se llevó siete categorías, incluido el Álbum del Año. Fuera de su trabajo como productor y con otros artistas enormes, este fue su mejor momento como solistas y sin lugar a dudas, demuestra el enorme poder e influencia que tenía en la industria para que nombres tan chonchos apoyaran este proyecto.

Michael Jackson – ‘Thriller’ (1982)

Por supuesto que teníamos que cerrar esta lista con Thriller, el disco más vendido de todos los tiempos y uno de los más influyentes de la historia. Aunque Quincy Jones y Michael Jackson trabajaron en álbumes como Off the Wall y Bad (que son geniales), lo que lograron con este material discográfico los llevó a otro nivel.

La producción de Quincy en este discazo es impecable, aunque más allá de su trabajo en los controles, fue de mucha ayuda para aterrizar y hacer realidad las ideas locas que tenía Michael en la cabeza para su sexto álbum de estudio. Y eso se nota en la combinación de géneros, que van desde pop, disco, balada y funk hasta R&B e incluso rock. Además de incluir a colaboradores como Paul McCartney, Eddie Van Halen e integrantes de Toto.

Gracias a Thriller, la carrera de Michael Jackson explotó, y por supuesto que el trabajo que hizo con Jones en este material les valió un montón de reconocimientos, pues impuso un récord en los Grammy de 1984 al llevarse ocho premios. Aunque quizá, el mayor mérito de Quincy fue consolidar a MJ como el indiscutible ‘Rey del Pop’, con temazos como “Billie Jean”, “Beat It”, “PYT (Pretty Young Thing)” y la rola homónima.

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Conciertos: Shakira lleva a los tapatíos una noche de antología en el AKRON

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Una noche plagada de éxitos rotundos. Así resultó el primer concierto de Shakira en el Estadio AKRON de Guadalajara; tras seis años de ausencia en nuestro país, la colombiana visitó la Perla Tapatía como parte de su gira “Las mujeres ya no lloran World Tour”, en un concierto que estremeció a miles de fanáticos que aguardaban con ansias la llegada de la nacida en Barranquilla.

Pese a que salió con más de una hora de retraso al escenario, a la cantante le bastó un instante para conquistar. Apareció regia, vestida con un atuendo plateado. Su sola figura bastó para recibir la primera ovación de la velada.

Su espectáculo inició con los temas “La fuerte”, y “Girl like me”. Sin dar un respiro a la audiencia, las piezas “La intuición” y “Estoy aquí” comenzaron a pintar de colores todos los rincones del Estadio. “¡Buenas noches Guadalajara! Qué bueno es estar de regreso aquí. México es mi casa, gracias Guadalajara por estar conmigo esta noche. No hay mejor encuentro que el de una loba con su manada mexicana”, gritó a la audiencia.

Esas palabras enmarcaron el primero de los dos espectáculos que la cantante ofrecerá en el AKRON, ambos con boletaje agotado. Anoche, cerca de 45 mil personas asistieron al concierto, de las cuales aproximadamente 18 mil provenían de otros sitios del país, precisó la empresa OCESA.

“Estos últimos tres años no han sido un camino de rosas, pero así es la vida. Y si algo he aprendido es que después de una caída viene un vuelo más alto”, compartió con el público, particularmente femenino, a las que llamó a ser fuertes, porque “ya no lloran, facturan”.

Con “Te felicito” y “Hips Don’t Lie”, el Estadio AKRON estalló en un rugido ensordecedor. La colombiana se apoderó de Guadalajara con sus conocidos movimientos de cadera, numerosos cambios de vestuario y los distintos elementos que incorporó en el escenario.

Otro gran instante de la noche se vivió con “Antología”, uno de los himnos de amor clásicos en la carrera de la sudamericana, en la que las voces se unieron en un coro masivo.

Los fanáticos de temas clásicos de Shakira quedaron complacidos con la interpretación de “Ojos así”, “Pies descalzos, sueños blancos”, e “Inevitable”, en una remembranza musical de los éxitos que la volvieron un ícono de los años noventa.

“Acróstico”, su sencillo más reciente, también derivó en un instante emotivo durante el show, cuando las pantallas mostraron imágenes de Milan y Sasha, sus hijos.

Antes de que el concierto finalizara, Shakira llamó a la unión femenina y el empoderamiento con la presentación de “los diez mandamientos de las lobas”, momento que llenó a las tapatías de euforia.

La velada cerró con “Loba” y “BZRP Music Sessions #53”, uno de sus singles más virales, convertido en tendencia tras su polémica ruptura con Gerard Piqué.

Guadalajara aúlla bajo el ritmo de Shakira

No fue una tarde de domingo común. Fue una jornada caótica, calurosa y llena de emociones la que se vivió por el primero de los dos conciertos que Shakira ofrecerá en Guadalajara, un evento masivo que atrajo a miles de fanáticos tapatíos y de todo México al Estadio AKRON.

Ni el Sol, ni los incendios que han azotado a la Zona Metropolitana de Guadalajara y tampoco una protesta que paralizó el tráfico en el Periférico, detuvieron a la avalancha de fanáticos entusiasmados que se apoderó del recinto deportivo para transformarlo en la guarida de “La Loba”.

Como ya es costumbre en este tipo de eventos, Periférico se convirtió en un estacionamiento con hileras de vehículos que avanzaban a vuelta de rueda, tanto por el concierto de la colombiana, como por una protesta de trabajadores que, aunque breve, detuvo la circulación en ambos sentidos. “Hicimos más de dos horas en llegar”, comentó Fabricio, a quien el tráfico lo dejó atascado sobre la carretera a Vallarta, aun habiendo salido de casa con más de tres horas de anticipación. Autobuses y caravanas cargadas de fans contribuyeron al caos vehicular.

Shakira convocó a más de 40 mil personas en el primero de los dos espectáculos que ofrecerá en Jalisco. EL INFORMADOR/ H. Figueroa

Entre pelucas, sonrisas e ilusiones

El concierto convocó a fieles de la colombiana provenientes de todo el país. Romina, por ejemplo, vino desde San Luis Potosí junto con sus amigas, todas usando pelucas moradas como lo hace Shakira en el video de la canción “Las de la intuición”.

De todos los conciertos que ofrecerá la artista en México, Romina únicamente pudo conseguir entradas para su presentación en Guadalajara, tras horas de incertidumbre y filas virtuales. “Shakira es mi cantante favorita, no me la pensé dos veces en venir para acá”, dijo emocionada.

La explanada del AKRON se llenó de fanáticos felices comprando mercancía estampada con la imagen de la colombiana, gente conversando y tomando fotos, esperando con emoción a que arrancara el concierto y pudieran atestiguar a Shakira en vivo y en directo.

Había familias, parejas, grupos de amigos. Decenas vestían los outfits más icónicos de la artista, con pelucas moradas, faldas negras, trenzas multicolor, resplandecientes caderines de lentejuelas y vestimentas árabes.

Muchos sentían que estaban ante un sueño, un espectáculo que soñaron por ver durante años. “No puedo creerme que voy a ver a Shakira”, compartió Sebastián, de 25 años. “Es mi cantante favorita”.

Y como él, muchos; cada uno con su historia personal con la cantante y su música. Había gente de todas las edades: fanáticos de la vieja escuela cuyas juventudes coincidieron con las melodías de Shakira en la década de los 90, y generaciones más recientes que conocieron a la colombiana por medio de sus éxitos virales y sus polémicas recientes.

“Yo me acuerdo cuando Shakira era más underground, cuando tenía trenzas”, dice Jaime, de 42. “No me ha gustado mucho lo que ha sacado últimamente, pero Shakira es Shakira”, expuso.

Por su parte, Karla, de 21 años, conectó con la colombiana por medio de “BZRP Music Sessions #53”, y le parece que la cantante es un ícono femenino. “A mí no me gusta tanto la Shakira viejita, como que me aburre”, confiesa. “Me gusta más la nueva, más empoderada, con más fuerza de mujer”.

Sin importar la versión de la cantante con la que el público ha formado un vínculo, han trascurrido 30 años desde el lanzamiento de “Pies descalzos”, y ya sea del agrado de muchos o no, el camino que tomó en su carrera, Shakira sigue vigente y es, indiscutiblemente, una de las personalidades más reconocidas de América Latina.

La colombiana conquistó a Guadalajara y reunió a miles de personas luego de no ofrecer conciertos en México por ya casi seis años, en un evento que cumplió expectativas, satisfizo exigencias y dejó en la noche del domingo un reguero de risas, cantos, gritos y lágrimas.

Las controversias de la colombiana

  • En años recientes se ha criticado a Shakira por distanciarse de lo que algunos fanáticos consideran su estilo “original”, y enfocarse en crear hits comerciales por completo distintos a los que creó en las primeras etapas de su carrera. 
  • Sus problemas con la Hacienda de España, la cual la acusó de desviación fiscal por 14.5 millones de euros, puso a la colombiana en jaque, situación que incluso pudo haberla llevado a prisión de no ser por el pago de 432 mil euros, y por no tener antecedentes penales. 
  • Su divorcio con Gerard Piqué, producto de una infidelidad del futbolista con Clara Chía, fue un escándalo mediático que la cantante aprovechó para desquitarse por medio de la música, en un acto que fue tanto aplaudido como criticado por sus fanáticos.

La hija pródiga de Barranquilla conquista al mundo

Shakira Isabel Mebarak Ripoll nació un 2 de febrero de 1977 en Barranquilla, Colombia. Al mirar hoy su carrera, se puede afirmar sin margen de error que es la artista latina con mayores ventas discográficas en la historia.

Pero toda historia tiene un inicio y en su caso como muchos otros, no fue nada sencillo. Inició su carrera en la década de los años noventa con dos discos que, en un principio, pasaron desapercibidos por el público: “Magia” (1991) y “Peligro” (1993).

Sería hasta 1995, con el lanzamiento de “Pies descalzos”, que la colombiana logró alcanzar el éxito en su país primero y a nivel latinoamericano después. Esa fama terminaría por consolidarse en 1998 con la placa “¿Dónde están los ladrones?”, el cual le otorgó la fama suficiente para aparecer a finales de la década en el MTV Unplugged, siendo el primero en transmitirse en Estados Unidos por una cantante latina, y además en español.

Con la conquista del mercado de Latinoamérica, llegaría en turno de probar suerte a nivel mundial. En la década de los 2000, con “Fijación oral”, Shakira se convirtió en una artista internacional, particularmente por el sencillo “Hips Don’t Lie”, con el que entró de lleno en el mercado europeo y de Estados Unidos.

El lanzamiento del álbum “Loba”, y su participación con uno de los temas musicales de la Copa Mundial de Futbol Sudáfrica 2010, consolidaron su fama en todo el mundo. Fue ahí que conoció al futbolista español Gerard Piqué, con el que tuvo un romance, y con el cual mantuvo una relación durante 12 años, de la que nacieron dos hijos.

El final de la relación entre ambos se convertiría en un escándalo mediático de proporciones titánicas, aunque Shakira supo cómo tomar ventaja de la polémica.

Su material discográfico más reciente, y que la ha vuelto una presencia constante en redes sociales, es “Las mujeres ya no lloran”, en particular por la canción “Shakira: BZRP Music Sessions, Vol. 53”, lanzada poco después del escándalo con Gerard Piqué, y que se volvió viral en plataformas digitales, con millones de reproducciones.

La canción forma parte importante de la gira mundial que actualmente trae a Shakira en Guadalajara.

Su estilo vocal, movimientos de caderas, su versatilidad musical, y el poder de sus letras así como sus numerosas colaboraciones con artistas, han hecho de Shakira una de las personalidades más importantes y reconocidas de América Latina, y una referente destacada de los latinos en el planeta.

CT

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Una noche emotiva con Jay de la Cueva y hasta Tito Fuentes

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Lo que necesitas saber:

Molotov cerró el primer día del Vive Latino 2025, con una presentación muy distinta a la que nos tienen acostumbrados.

Fue una verdadera sorpresa cuando Molotov anunció que Tito Fuentes no tocaría con ellos en el Vive Latino 2025 por problemas de salud, y que su lugar lo tomaría el mismísimo Jay de la Cueva. Y es que no es para menos, si es pieza clave para el sonido en vivo de la banda. Sin embargo, no imaginábamos que esa noticia nos daría uno de los shows más emotivos y especiales de la agrupación en el festival.

Se sabe que Jay es uno de los miembros fundadores de la banda, pues en 1995, junto al propio Tito, Micky Huidobro e Iván Moreno, quienes daría vida a la primera agrupación. Pero tras ganar un concurso de una famosa refresquera, estos dos últimos se fueron entre octubre de ese año y febrero de 1996, lo cual no dejó oportunidad de que todos los viéramos en vivo.

Molotov en el Vive Latino 2025: Una noche emotiva con Jay de la Cueva y hasta Tito Fuentes
Jay de la Cueva volvió a ser integrante de Molotov en el Vive Latino 2025/Foto:David Durán

Molotov tocó con Jay de la Cueva en el Vive Latino 2025

Sin embargo, en medio de la edición 25 del Vive Latino y ante las broncas que trae Tito, a Molotov no le quedó de otra más que llamar a Jay de la Cueva para que les tirara paro. Y definitivamente, pedirle que los acompañara en el escenario Amazon fue una de las mejores decisiones que tomaron, pues lograron reunirse con un integrante al que por un buen rato le ‘tiraron carrilla” por irse a Fobia.

Por supuesto que había muchas expectativas por ver a Jay junto a la demás agrupación. Y después de varias apariciones del músico con otros artistas, por fin se nos hizo verlo con este proyecto en el que alguna vez participó, en una presentación sumamente llena de sentimiento y que en definitiva, no podremos superar en un buen rato.

Molotov en el Vive Latino 2025: Una noche emotiva con Jay de la Cueva y hasta Tito Fuentes
Molotov cerró con todo el primer día del Vive Latino 2025/Foto: David Durán

Para que se den una idea de cómo estuvo el asunto, Molotov apareció en el escenario del Vive Latino 2025 con todo, para echarse un combo lleno de clásicos para echar relajo y recordar los buenos tiempos de juventud. ¿Y cómo sonaba la banda con Jay de la Cueva? Bueno, no podemos decir si mejor o peor, eso definitivamente es cuestión de gustos, pero como siempre, se escuchaban ponchadísimos.

Aunque bajita la mano, además de Jay, la banda nos sorprendió contando con un par de invitados inesperados. El primero de ellos fue Max Ayala, hijo de Paco, quien se subió al escenario Amazon para tocar la batería en “Frijolero”. Pero quizá el que jamás vimos venir fue Iván Moreno, quien después de casi tres décadas sin tocar en el proyecto, apareció para pegarle duro a la batería en “Gimme Tha Power”.

Molotov en el Vive Latino 2025: Una noche emotiva con Jay de la Cueva y hasta Tito Fuentes
El hijo de Paco Ayala subió a tocar con Molotov en el Vive Latino 2025/Foto: David Durán

Y al final, Tito Fuentes subió al escenario Amazon con sus amigos y compañeros musicales

El cierre de la presentación de Molotov en el Vive Latino 2025 estuvo llena de sentimiento por una participación muuuy especial… así como lo leen. ¿Y por qué lo decimos? Bueno, pues porque después de todo el cambio en la alineación e invitados especiales, al final apareció el mismísimo Tito Fuentes en el escenario Amazon… sí, tal cual.

Tito se subió a tocar “Noko”, “Here We Kum”, “Mátate teté”, “P*to” y “Rastaman-dita”, quien todo el momento recibió el cariño no solo de sus propios compañeros, también del público que coreó su nombre. Con la alineación clásica de la banda e invitados especiales sobre el escenario principal, la agrupación terminó el que, posiblemente sea, su mejor show en años en el Festival Iberoamericano de Cultural Musical.

Setlist de Molotov en el Vive Latino 2025

  1. “Pendejo”
  2. “Here Comes the Mayo”
  3. “Amateur (Rock Me Amadeus)”
  4. “Changüich a la chichona”
  5. “Chinga tu madre”
  6. “Parásito”
  7. “Frijolero”
  8. “Gimme Tha Power”
  9. “Marciano I (I Turned Into a Martian)”
  10. “Marciano II (Punk Version)”
  11. “El señor del banco”
  12. “Perro negro granjero”
  13. “Dance and dense denso”
  14. “Rap, soda y bohemia”
  15. “Noko”
  16. “Here We Kum”
  17. “Mátate teté”
  18. “P*to”
  19. “Rastaman-dita”
Molotov en el Vive Latino 2025: Una noche emotiva con Jay de la Cueva y hasta Tito Fuentes
Molotov se aventó un setlist prácticamente impecable en el Vive Latino 2025/Foto: David Durán

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Meme del Real en el Vive Latino 2025: un repertorio de ensueño

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Lo que necesitas saber:

Nos tocó presenciar el estreno de Meme del Real en el Vive Latino, en una presentación maravillosa y nostálgica.

Tocó el estreno de Meme del Real en el Vive Latino, y aunque ha tocado bastantes veces con Café Tacvba, ahora fue su primera vez como solista en el Festival Iberoamericano de cultura musical.

Meme es un músico muy querido por el público del festival, y congregó a bastante gente, aunque le tocó el horario de las 18:35, ya estaba casi lleno el escenario Telcel.

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Meme recorrió todo el escenario con sus bailes peculiares y una presencia inmensa. Foto: Liliana Estrada para OCESA.

Meme del Real nos regaló un recorrido por una discografía excepcional y extensa

La variedad de géneros y sonidos nos mantuvieron atentos a lo que seguía en el set de Meme

Teníamos bastante expectativa del repertorio que traía planeado Meme para la tarde sabatina, y el Tacubo nos deleitó con rolas de la banda de Satélite, suyas como solista y hasta covers sorprendentes.

Meme es un curioso del sonido que nos enseñó toda su musicalidad . Su presentación se caracterizó por un ambiente íntimo y reflexivo, pero también experimental, donde el público conectó con rolas que podemos considerar de culto.

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Los bailes de Meme arrancaron gritos de sus fans durante su presentación en el Vive Latino 2025. Foto: Liliana Estrada para OCESA.

Abrió durísimo con “Aviéntame” y su reciente rolota “Princesa”, que fue bastante coreada a pesar de ser nueva, y de ahí Meme no le bajó ni un momento a la intensidad sentimental en su presentación en el Vive Latino 2025.

Con sus bailes atípicos y una sonrisa permanente, interrumpía para agradecer con un -“Qué chido”- o -“A todo dar”-, y hasta dijo que fuimos sus padrinos en un Vive, y que nos veríamos pronto. Esperemos anuncie fecha solo.

Le siguió con “Eres”, un himno del rock en español, en una versión acústica en la que su público sonaba ensordecedor, porque el Tacubo cumplió la expectativa con rolitas de su banda, como “Quiero Ver” y la cerradora “El Mundo en Que Nací”.

Meme fue un maestro de ceremonias en una presentación sin desperdicio alguno

Meme nos contagió lo bien que la pasa en el escenario, invitó a una banda de regional mexicano, bailó todo el show, y se aventó un recorrido entre géneros con covers a “Nunca es suficiente” y “¿Y todo para qué?” y “Amor Prohibido”.

Ya hacía el final, “Todo Va a Estar Bien” fue una fiestotota en la que junto al apoyo de la banda de regional mexicano Los Inútiles se echó una versión con trompetas y cuerdas adicionales. Hubo muchísimo baile entre la gente, y habían bastantes papás con sus hijos disfrutando de la tarde.

-“Gracias por darse la vuelta, esta es la del estribo, nos vemos a la que sigue”-, dijo Meme antes de echarse para terminar “El Mundo en Que Nací”, en la que vimos papás e hijos cantando y llorando juntos, un momentazo de esta memorable presentación del Vive Latino 2025.

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Lulú Bulos fue parte de la banda de apoyo de Meme en el Vive Latino 2025. Foto: Liliana Estrada para OCESA.

La presentación de Meme del Real en el Vive Latino 2025 fue una maravilla en un festival que ha acogido a los Tacubos y ahora a Meme, quien exhibió el talento como solista y su capacidad para crear música que conecta con el público, independientemente del proyecto. Su concierto fue un viaje introspectivo, con lágrimas y nostalgia, pero también mucho baile y celebración.y

Meme del Real dio un show impresionante como todo un maestro de ceremonias en el escenario Telcel, y la verdad nos quedamos con ganas de más de las 11 rolitas que nos regaló, pero esperemos que tenga un regreso al Vive en próximas ediciones.

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Meme cantó con muchísimo sentimiento cada una de las rolas de su set. Foto: Liliana Estrada para OCESA.

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