Cine y Tv
La hora marcada: El clásico de terror de la televisión mexicana

Si un género ha tenido gran conexión con el público mexicano, ése es el terror. Experimentar lo desconocido, sentir pánico ante presencias de otro mundo, o descubrir todo tipo de criaturas es algo que los mexicanos disfrutan, al menos en la pantalla. Sin importar los actores que participen, de dónde provenga su historia, o incluso la calidad de las mismas, es común que las producciones de terror se coloquen entre lo más visto en taquilla o streaming. Pero ese éxito no es algo reciente. A finales de los años 80, el terror tenía a México en vilo gracias a La hora marcada, serie que no sólo fascinó y aterró a millones de espectadores, también catapultó el talento de mexicanos como Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón, que hoy tienen más de un Óscar en su haber.
El fenómeno
La hora marcada fue una creación de la productora Carmen Armendáriz (María Félix: La Doña). Su intención era traer el terror al público mexicano, justo de la forma en que proyectos como La dimensión desconocida marcaron un antes y un después en Norteamérica. Se trató de una producción pionera para la televisión mexicana, ya que el terror era un género destinado al cine. Como explotarlo de la manera correcta resultaba caro, ningún productor o creativo se atrevía a llevarlo para la pantalla chica. En un país donde el melodrama era el género predilecto de los espectadores, apostar por el terror resultaba arriesgado.
El equipo de La hora marcada decidió que, si iban a realizar un género “complicado” para la televisión, entonces lo harían bien. Carmen Armendáriz se reunió con un equipo que involucró a importantes directores y guionistas de la época, como Gilberto de Anda, José Luis García Agraz , Jorge Prior, Alejandro Licona y Juan Mora Catlett, entre otros. La premisa del proyecto era sencilla: en vez de contar una sólo historia a lo largo de todos sus capítulos, La hora marcada se enfocó en el formato antológico. Es decir, cada capítulo abría y cerraba una trama diferente con el miedo, lo desconocido y la fantasía como factores en común.
“Normalmente, yo hago lo que a mí me gustaría ver en la televisión y así nació La hora marcada”, rememoró Armendáriz en entrevista con Javier Poza en Fórmula en 2022. “Lo hicimos desde el corazón. Pero no teníamos idea de que estos muchachos iban a llegar tan lejos y tan arriba, desde ‘El Chivo’ hasta Cuarón y el ‘Gordo’ Del Toro. Se hizo un gran proyecto y yo estoy muy orgullosa de él”.

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Otro aspecto que compartían los capítulos era la aparición de la “Mujer de negro”. Dicha representación de “la muerte” se encargaba de hilar los capítulos, y fue el único personaje que apareció en todos. Su atuendo, compuesto de vestido largo y sombrero negro ponía tensos a los espectadores, y es que ella sólo se paraba y observaba a las víctimas de los fenómenos paranormales. Así recuerda Frances Ondiviela, una de las actrices que le dio vida al peculiar personaje, cómo eran las filmaciones en entrevista con El heraldo de México:
“Era muy divertido hacer el programa, a veces teníamos llamados nocturnos en los que me recogían a la una de la madrugada para ir al set. Muchas veces hacía un frío intenso que sólo aguantábamos con una taza de chocolate caliente y pan. De inmediato empezaba la charla, y las historias de panteones no faltaban, pero era un ambiente increíble”.
La actriz de origen español considera que gran parte del éxito de La hora marcada se debió a los temas que tocaron. Había historias de aparecidos, algunas criaturas fantásticas, maldiciones familiares, e incluso la búsqueda de la juventud eterna. Sin importar qué aspecto del terror se disfrutara más, siempre había algo atractivo para el público. La hora marcada se transmitió de 1988 a 1990, Televisa apostó por hacerlo en su canal principal, el llamado Canal de las Estrellas, todos los martes en punto de las 10 p.m., justo después de la telenovela de más éxito.
El experimento resultó. Se produjeron más de 100 episodios, y poco a poco más figuras de renombre participaron en el elenco. Una vez que terminó la serie, actores de cine, televisión y teatro ya habían formado parte de ella. Patricia Reyes Spíndola, Jacqueline Andere, Humberto Zurita, Margarita Isabel, María Rojo, Gonzalo Vega, Angélica María, Marga López, Ofelia Guilmáin, Claudia Islas, Evita Múñoz “Chachita”, Roberto Sosa, Daniel Giménez Cacho, Carmen Salinas, Arcelia Ramírez, Eduardo Palomo, Enrique Rocha, Erika Buenfil y Pedro Armendáriz Jr. fueron algunos de los actores que estelarizaron capítulos.
En años posteriores, otros proyectos intentaron copiar la fórmula de La hora marcada. TV Azteca produjo el unitario Lo que la gente cuenta, mientras que Televisa hizo lo mismo con 13 miedos. Se podría decir que éste último proyecto fue el que más bebió de la obra de Carmen Armendáriz. Además de adoptar el formato de media hora, la serie producida por Lemon Films utilizó la figura de un hombre vestido de negro para hablar sobre los “miedos” explorados en cada capítulo. Si en La hora marcada se hablaba de “la muerte”, en 13 miedos se representaba al diablo. Evidentemente, ninguno llegó al mismo nivel de éxito.

Un semillero de talento
A 35 años de que debutara en televisión, La hora marcada sigue en la mente de muchos espectadores. Pero también en la de quienes trabajaron para ella. Actualmente, no podríamos hablar de cine mexicano sin mencionar los nombres de Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Emmanuel Lubezki. Los tres cineastas han puesto el nombre de México en alto gracias a su trabajo en cintas como La forma del agua, Gravedad y El renacido, respectivamente, pero no sólo tienen en común su origen mexicano. En algún momento, los tres formaron parte de La hora marcada.
La primera participación importante de Cuarón se dio en el episodio 22, titulado “No estoy jugando”. Éste narraba la historia de un joven enamorado de una mujer que no le correspondía. Harto de la situación, decide hacer un pacto para poseer el cuerpo del hombre al que ella sí ama. Dirigió a Rafael Sánchez Navarro, Mariagna Prats y Guillermo García Cantú. En aquellos tiempos, Del Toro aún no recibía una oportunidad de dirigir, pero sí formaba parte del equipo técnico: se encargaba de aspectos como el maquillaje de los personajes.
“Alfonso y yo nos conocimos en los 80s”, mencionó Del Toro para Deadline. “Habíamos escuchado el trabajo del otro por amigos en común. Y recuerdo pensar: ‘¿Quién es este tipo que a todos les cae bien? ¿Por qué a todos les agrada?’ Nos conocimos en la sala de espera de La hora marcada, un programa en el que yo iba a realizar los efectos de maquillaje y Alfonso escribía y dirigía. Recuerdo haberle dicho: ´Mira, haré el maquillaje si me dejas dirigir y escribir algunos episodios´”.
Afortunadamente, las intenciones de Del Toro se convirtieron en realidad. Ambos se unieron para “De ogros”, uno de los episodios más recordados del proyecto. Cuarón dirigió una historia escrita por el tapatío, y Emmanuel Lubezki se encargó de la fotografía. Lejos estaban de imaginar que, años después, sus nombres serían reconocidos en ceremonias tan importantes como los premios Óscar. Para muchos seguidores, “De ogros” funcionó como un breve pero contundente adelanto del estilo que Del Toro derrocharía en futuros proyectos.

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El primer episodio que dirigió fue “Con todo para llevar”. En él, un joven disfruta de una hamburguesa en un restaurante, pero la actitud de los empleados le hace pensar que la carne de su platillo quizá no provenga de un animal. Posteriormente, coqueteó con la ciencia ficción en “La cosa”, donde una criatura amenaza a un hombre que presenció un incidente de tránsito.
Irónicamente, La hora marcada no sólo permitió que estos tres talentosos mexicanos trabajaran juntos, también fortaleció una amistad duradera hasta nuestros días. Sin embargo, no todo fue miel sobre hojuelas. Para tener el honor de dirigir un episodio en la serie del momento, Cuarón inició como asistente de dirección. Ahí aprendió todo lo necesario para después hacerse cargo de sus propias historias. Del Toro participó en el maquillaje y los efectos especiales, e incluso hubo ciertos roces entre ambos. Cuarón dirigió un episodio inspirado en un relato de Stephen King, y Del Toro lo cuestionó por el resultado, que no fue de su agrado.
Así recordó Guillermo del Toro su paso por La hora marcada en entrevista para Cine PREMIERE en 2018:
“A mí me encanta haberlo hecho. Carmen Armendáriz fue una santa patrona de mi generación —y otras— del quehacer cinematográfico en México. Era un momento bien difícil para el cine aquí. Tras la generación de [Arturo] Ripstein, [Felipe] Cazals y [Jorge] Fons, vino un silencio muy denso. Y luego vino la siguiente generación que entró completamente en La hora marcada y nos permitió ejercer a nosotros ahí. Primero como maquillistas, como diseñadores de monstruos, como actores, guionistas y directores. Yo hice veintitantos capítulos de La hora marcada. Era padrísimo. Fue un momento bien bonito”.
En total, Alfonso Cuarón dirigió 7 episodios, mientras que Guillermo del Toro escribió 5 y dirigió 6, pero colaboró en más de 20.
Sin embargo, no fueron los únicos grandes cineastas que iniciaron en esta producción de Televisa. El cineasta Luis Estrada (El infierno), y los directores de fotografía Guillermo Navarro (El laberinto del fauno) y Rodrigo Prieto (Los asesinos de la luna) también aterrorizaron al público en sus primeros años de carrera. Si alguna vez dudaron del impacto de La hora marcada, sólo hace falta ver hasta dónde llegaron todos ellos. No sólo se trató de un proyecto exitoso, también fue un semillero de talentos. Y demostró lo que la televisión abierta mexicana podía lograr con talento, esfuerzo, respeto por el público… y por las fuerzas del más allá.
Si quieren conocer este clásico por primera vez, o recordar esas aterradoras noches de martes frente a la pantalla del Canal 2, varios capítulos de La hora marcada se encuentran disponibles en el catálogo de ViX. ¿Listos para ser víctimas de la “Mujer de negro”?
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
Ten presente que hoy existen plataformas especializadas donde puedes comprar carros seminuevos baratos a crédito, con revisiones verificadas y financiamiento de instituciones bancarias reconocidas. No necesitas reunir el valor total del vehículo antes de comprarlo. Cuando eliges esta vía, puedes adquirirlo con un enganche accesible e ir pagando mensualidades que se ajusten a lo que ganas, sin afectar el presupuesto que ya tienes comprometido.
Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
Muchos de estos vehículos también conservan garantía activa, refacciones fáciles de conseguir y un historial documentado. Cuando eliges una plataforma especializada en seminuevos seria, puedes revisar el historial, comparar opciones y consultar el reporte vehicular antes de decidir, con todo lo que necesitas saber sobre el auto en un mismo lugar.
Considera que un seminuevo bien elegido puede darte un auto con pocos años de uso y en condiciones muy cercanas a las de uno nuevo, a un precio bastante menor. En el mercado de vehículos de segunda mano eso pasa seguido, siempre que sepas dónde buscar y qué revisar.
Además, el financiamiento que ofrecen las plataformas especializadas hace que esa opción sea todavía más accesible. Buscar carros seminuevos baratos con crédito ya no es algo complicado ni exclusivo para quien tiene las finanzas muy acomodadas: algunas de estas plataformas trabajan con instituciones bancarias y han simplificado los requisitos para que más personas puedan acceder. En lugar de pagar todo de una sola vez, vas cubriendo mensualidades que caben en tu presupuesto y no alteras el resto de tus gastos del mes.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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