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La hora marcada: El clásico de terror de la televisión mexicana

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La hora marcada

Si un género ha tenido gran conexión con el público mexicano, ése es el terror. Experimentar lo desconocido, sentir pánico ante presencias de otro mundo, o descubrir todo tipo de criaturas es algo que los mexicanos disfrutan, al menos en la pantalla. Sin importar los actores que participen, de dónde provenga su historia, o incluso la calidad de las mismas, es común que las producciones de terror se coloquen entre lo más visto en taquilla o streaming. Pero ese éxito no es algo reciente. A finales de los años 80, el terror tenía a México en vilo gracias a La hora marcada, serie que no sólo fascinó y aterró a millones de espectadores, también catapultó el talento de mexicanos como Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón, que hoy tienen más de un Óscar en su haber.

El fenómeno

La hora marcada fue una creación de la productora Carmen Armendáriz (María Félix: La Doña). Su intención era traer el terror al público mexicano, justo de la forma en que proyectos como La dimensión desconocida marcaron un antes y un después en Norteamérica. Se trató de una producción pionera para la televisión mexicana, ya que el terror era un género destinado al cine. Como explotarlo de la manera correcta resultaba caro, ningún productor o creativo se atrevía a llevarlo para la pantalla chica. En un país donde el melodrama era el género predilecto de los espectadores, apostar por el terror resultaba arriesgado.

El equipo de La hora marcada decidió que, si iban a realizar un género “complicado” para la televisión, entonces lo harían bien. Carmen Armendáriz se reunió con un equipo que involucró a importantes directores y guionistas de la época, como Gilberto de Anda, José Luis García Agraz , Jorge Prior, Alejandro Licona y Juan Mora Catlett, entre otros. La premisa del proyecto era sencilla: en vez de contar una sólo historia a lo largo de todos sus capítulos, La hora marcada se enfocó en el formato antológico. Es decir, cada capítulo abría y cerraba una trama diferente con el miedo, lo desconocido y la fantasía como factores en común.

“Normalmente, yo hago lo que a mí me gustaría ver en la televisión y así nació La hora marcada”, rememoró Armendáriz en entrevista con Javier Poza en Fórmula en 2022. “Lo hicimos desde el corazón. Pero no teníamos idea de que estos muchachos iban a llegar tan lejos y tan arriba, desde ‘El Chivo’ hasta Cuarón y el ‘Gordo’ Del Toro. Se hizo un gran proyecto y yo estoy muy orgullosa de él”.

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Otro aspecto que compartían los capítulos era la aparición de la “Mujer de negro”. Dicha representación de “la muerte” se encargaba de hilar los capítulos, y fue el único personaje que apareció en todos. Su atuendo, compuesto de vestido largo y sombrero negro ponía tensos a los espectadores, y es que ella sólo se paraba y observaba a las víctimas de los fenómenos paranormales. Así recuerda Frances Ondiviela, una de las actrices que le dio vida al peculiar personaje, cómo eran las filmaciones en entrevista con El heraldo de México:

“Era muy divertido hacer el programa, a veces teníamos llamados nocturnos en los que me recogían a la una de la madrugada para ir al set. Muchas veces hacía un frío intenso que sólo aguantábamos con una taza de chocolate caliente y pan. De inmediato empezaba la charla, y las historias de panteones no faltaban, pero era un ambiente increíble”.

La actriz de origen español considera que gran parte del éxito de La hora marcada se debió a los temas que tocaron. Había historias de aparecidos, algunas criaturas fantásticas, maldiciones familiares, e incluso la búsqueda de la juventud eterna. Sin importar qué aspecto del terror se disfrutara más, siempre había algo atractivo para el público. La hora marcada se transmitió de 1988 a 1990, Televisa apostó por hacerlo en su canal principal, el llamado Canal de las Estrellas, todos los martes en punto de las 10 p.m., justo después de la telenovela de más éxito.

El experimento resultó. Se produjeron más de 100 episodios, y poco a poco más figuras de renombre participaron en el elenco. Una vez que terminó la serie, actores de cine, televisión y teatro ya habían formado parte de ella. Patricia Reyes Spíndola, Jacqueline Andere, Humberto Zurita, Margarita Isabel, María Rojo, Gonzalo Vega, Angélica María, Marga López, Ofelia Guilmáin, Claudia Islas, Evita Múñoz “Chachita”, Roberto Sosa, Daniel Giménez Cacho, Carmen Salinas, Arcelia Ramírez, Eduardo Palomo, Enrique Rocha, Erika Buenfil y Pedro Armendáriz Jr. fueron algunos de los actores que estelarizaron capítulos.

En años posteriores, otros proyectos intentaron copiar la fórmula de La hora marcada. TV Azteca produjo el unitario Lo que la gente cuenta, mientras que Televisa hizo lo mismo con 13 miedos. Se podría decir que éste último proyecto fue el que más bebió de la obra de Carmen Armendáriz. Además de adoptar el formato de media hora, la serie producida por Lemon Films utilizó la figura de un hombre vestido de negro para hablar sobre los “miedos” explorados en cada capítulo. Si en La hora marcada se hablaba de “la muerte”, en 13 miedos se representaba al diablo. Evidentemente, ninguno llegó al mismo nivel de éxito.

La hora marcada

Un semillero de talento

A 35 años de que debutara en televisión, La hora marcada sigue en la mente de muchos espectadores. Pero también en la de quienes trabajaron para ella. Actualmente, no podríamos hablar de cine mexicano sin mencionar los nombres de Guillermo del Toro, Alfonso Cuarón y Emmanuel Lubezki. Los tres cineastas han puesto el nombre de México en alto gracias a su trabajo en cintas como La forma del agua, Gravedad y El renacido, respectivamente, pero no sólo tienen en común su origen mexicano. En algún momento, los tres formaron parte de La hora marcada.

La primera participación importante de Cuarón se dio en el episodio 22, titulado “No estoy jugando”. Éste narraba la historia de un joven enamorado de una mujer que no le correspondía. Harto de la situación, decide hacer un pacto para poseer el cuerpo del hombre al que ella sí ama. Dirigió a Rafael Sánchez Navarro, Mariagna Prats y Guillermo García Cantú. En aquellos tiempos, Del Toro aún no recibía una oportunidad de dirigir, pero sí formaba parte del equipo técnico: se encargaba de aspectos como el maquillaje de los personajes.

“Alfonso y yo nos conocimos en los 80s”, mencionó Del Toro para Deadline. “Habíamos escuchado el trabajo del otro por amigos en común. Y recuerdo pensar: ‘¿Quién es este tipo que a todos les cae bien? ¿Por qué a todos les agrada?’ Nos conocimos en la sala de espera de La hora marcada, un programa en el que yo iba a realizar los efectos de maquillaje y Alfonso escribía y dirigía. Recuerdo haberle dicho: ´Mira, haré el maquillaje si me dejas dirigir y escribir algunos episodios´”.

Afortunadamente, las intenciones de Del Toro se convirtieron en realidad. Ambos se unieron para “De ogros”, uno de los episodios más recordados del proyecto. Cuarón dirigió una historia escrita por el tapatío, y Emmanuel Lubezki se encargó de la fotografía. Lejos estaban de imaginar que, años después, sus nombres serían reconocidos en ceremonias tan importantes como los premios Óscar. Para muchos seguidores, “De ogros” funcionó como un breve pero contundente adelanto del estilo que Del Toro derrocharía en futuros proyectos.

De ogros, uno de los capítulos más recordados de La hora marcada, fue escrito por Guillermo del Toro

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El primer episodio que dirigió fue “Con todo para llevar”. En él, un joven disfruta de una hamburguesa en un restaurante, pero la actitud de los empleados le hace pensar que la carne de su platillo quizá no provenga de un animal. Posteriormente, coqueteó con la ciencia ficción en “La cosa”, donde una criatura amenaza a un hombre que presenció un incidente de tránsito.

Irónicamente, La hora marcada no sólo permitió que estos tres talentosos mexicanos trabajaran juntos, también fortaleció una amistad duradera hasta nuestros días. Sin embargo, no todo fue miel sobre hojuelas. Para tener el honor de dirigir un episodio en la serie del momento, Cuarón inició como asistente de dirección. Ahí aprendió todo lo necesario para después hacerse cargo de sus propias historias. Del Toro participó en el maquillaje y los efectos especiales, e incluso hubo ciertos roces entre ambos. Cuarón dirigió un episodio inspirado en un relato de Stephen King, y Del Toro lo cuestionó por el resultado, que no fue de su agrado.

Así recordó Guillermo del Toro su paso por La hora marcada en entrevista para Cine PREMIERE en 2018:

“A mí me encanta haberlo hecho. Carmen Armendáriz fue una santa patrona de mi generación —y otras— del quehacer cinematográfico en México. Era un momento bien difícil para el cine aquí. Tras la generación de [Arturo] Ripstein, [Felipe] Cazals y [Jorge] Fons, vino un silencio muy denso. Y luego vino la siguiente generación que entró completamente en La hora marcada y nos permitió ejercer a nosotros ahí. Primero como maquillistas, como diseñadores de monstruos, como actores, guionistas y directores. Yo hice veintitantos capítulos de La hora marcada. Era padrísimo. Fue un momento bien bonito”.

En total, Alfonso Cuarón dirigió 7 episodios, mientras que Guillermo del Toro escribió 5 y dirigió 6, pero colaboró en más de 20.

Sin embargo, no fueron los únicos grandes cineastas que iniciaron en esta producción de Televisa. El cineasta Luis Estrada (El infierno), y los directores de fotografía Guillermo Navarro (El laberinto del fauno) y Rodrigo Prieto (Los asesinos de la luna) también aterrorizaron al público en sus primeros años de carrera. Si alguna vez dudaron del impacto de La hora marcada, sólo hace falta ver hasta dónde llegaron todos ellos. No sólo se trató de un proyecto exitoso, también fue un semillero de talentos. Y demostró lo que la televisión abierta mexicana podía lograr con talento, esfuerzo, respeto por el público… y por las fuerzas del más allá.

Si quieren conocer este clásico por primera vez, o recordar esas aterradoras noches de martes frente a la pantalla del Canal 2, varios capítulos de La hora marcada se encuentran disponibles en el catálogo de ViX. ¿Listos para ser víctimas de la “Mujer de negro”?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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