Cine y Tv
FICM 2023: Cómo el cine ayudó a Jodie Foster a enfrentar la soledad
«Aprendí a leer a la gente y su comportamiento», declara la protagonista de El silencio de los inocentes ante quienes asistieron al Teatro Melchor Ocampo con motivo de su clase magistral. Jodie Foster, invitada de honor del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) en su edición 2023, expone con aquellas palabras la razón por la cual se le consideraba una niña prodigio. No tiene claro si semejante habilidad era innata o si la fue desarrollando a partir de su temprana carrera como actriz ―empezó a hacer comerciales a los 3 años de edad― pero lo cierto es que le trajo también mucho sufrimiento y soledad.
«Vi demasiado en los adultos y los niños no deberían ser tan compasivos. No deberían entender la vida adulta de esa manera», reflexiona Foster.
Su aguda percepción del mundo estuvo además acompañada de una muy avanzada educación fílmica. Criada en Los Ángeles, su madre solía llevarla a ver películas de corte internacional. «Ella no sabía qué hacer conmigo así que nos metíamos a una sala oscura, y a veces ella se dormía mientras yo veía películas sobre todo extranjeras», rememora la sexagenaria histrión, quien así conoció una amplia variedad de producciones habladas en alemán, español y francés, incluida Los 400 golpes de François Truffaut, una de sus favoritas.
A la par de su cinefilia, Jodie Foster siguió cultivando su carrera actoral por medio de series televisivas y algunas apariciones en películas, hasta saltar a la fama en 1976 con Taxi Driver de Martin Scorsese. Antes, ella entendía que su oficio consistía en hacer malabares entre actuar con fluidez y atenerse a las indicaciones del director. Pero de su coestrella Robert De Niro, aquella niña de apenas 12 años —al momento del rodaje de aquel emblemático thriller— aprendió también las maravillas de la improvisación. En sus palabras: «Comprendí que no sólo se trata de actuar con naturalidad, sino de construir al personaje».
Entre bofetadas y oportunidades
Crecer en los sets de filmación inevitablemente convertía a la gente involucrada en cada proyecto ―mayormente hombres― en su familia. Varios de ellos eran «padres y hermanos maravillosos» que confiaban en esta niña prodigio y que colaboraban abiertamente con ella. Sin embargo, el ambiente laboral no siempre estuvo exento de prepotencia y malos tratos.
«Aun si eras niño, había gente que te gritaba o que te pellizcaba», dice Jodie Foster en su clase magistral. «A mis 10 ú 11 años, trabajé con actores adultos que para una escena me abofeteaban una y otra vez, y yo sentía que no podía negarme».
Luego, a comienzos de los años 80, la californiana ingresó a la universidad de Yale para estudiar literatura afroamericana, creyendo que su futuro estaba en las letras y que su trayectoria de actuación se hallaba en un irremediable declive. De cualquier modo, al poco tiempo de graduarse, aceptó estelarizar el drama criminal Acusados de Jonathan Kaplan, sólo para sentirse muy frustrada con su interpretación y asumir que ahora sí nadie volvería a ponerla frente a las cámaras. Pero al final, gracias a aquella película de 1988, Foster obtuvo el primero de sus dos premios Óscar a Mejor actriz.
Tres años después, su ópera prima Mentes que brillan llegó a cines, siendo aquél un proyecto hasta cierto punto muy personal, ya que versaba sobre un niño prodigio y la relación de éste con su madre. A la fecha, la veterana cineasta se muestra agradecida sobremanera no sólo con aquellos directores con los que trabajó y de los que aprendió el oficio («al mirar por encima de sus hombros») sino con aquellos productores y ejecutivos de estudio que le dieron la oportunidad de ocupar la silla de dirección. Pero claro, Foster es muy consciente de que en aquel entonces, había muchas otras mujeres esforzándose por alcanzar puestos clave en Hollywood y se les ignoraba por completo.
«No creo que hubiera una conspiración en la que todos los hombres del mundo se reunieran para hablar sobre cómo obstaculizar a todas las mujeres de la industria», señala la directora. «Es sólo que se olvidaron culturalmente de nosotras y no sentían que fuera necesario contar nuestras historias o que nuestras voces fueran escuchadas. Pero ahora es diferente. Es momento de escuchar nuevas voces y nuevas historias que hasta ahora se habían invisibilizado».
Lazos controversiales
Posterior a Mentes que brillan, Foster dirigió la comedia familiar Home for the Holidays (1995) y el drama psicológico Mi otro yo (2011), donde además compartió créditos con Mel Gibson, quien por aquella época ya sumaba a su historial una serie de escándalos; entre comentarios homófobos y antisemitas, además de conflictos ligados al alcoholismo. Todo empeoró cuando meses después de culminar la filmación, la entonces pareja del histrión Oksana Grigorieva lo acusó de violencia doméstica, y en marzo de 2011, Gibson optó por ceder a un cargo menor de agresión, días antes de que Mi otro yo tuviera su premiere mundial.
La postura de Foster en ese asunto es todavía idéntica a la de hace una década. Y no, no se arrepiente de haber trabajado con la estrella de Mad Max y Corazón valiente. «Probablemente mi experiencia favorita como directora haya sido con él», recalca en el marco de su visita a México. Respecto a Gibson, la cineasta posee únicamente calificativos favorables como «divertido» y «generoso», y actualmente ella continúa manifestando agradecimiento y admiración por su actuación en Mi otro yo.
«Querer a alguien no basta para perdonar sus [malas] acciones ni su comportamiento [inapropiado], pero sigues queriéndolo y él sigue siendo parte de tu familia», afirma Foster. «No justifico su comportamiento. Sólo digo que su contribución fue tan profunda y hermosa que no puedo darle la espalda».
Hablando de figuras controversiales, la realizadora angelina asimismo recuerda la ocasión en que se propuso llevar la historia de la cineasta alemana Leni Riefenstahl a la pantalla grande, lo cual desató protestas en el año 2000. Tal proyecto no prosperó, pero Foster todavía tiene muy presente cuál era la pregunta que originalmente la impulsaba a querer dirigir la biopic de una artista que en la década de 1930 aceptó confeccionar propaganda para el Partido Nazi. La cuestión era: ¿Cuál es nuestra responsabilidad como cineastas por el bien de nuestras comunidades?
«[La historia de Riefenstahl] es un maravilloso cuento con moraleja. Era alguien egoísta, ensimismada y ambiciosa; una mujer en una época en la que no habían directoras, quien aceptó la oferta de trabajar para Hitler y el gobierno nazi, y siguió haciéndolo sin nunca mirar atrás», declara la invitada de honor del FICM 2023. «Es importante observar aquellos personajes y estar seguros de por qué hacemos películas».
Pertenecer a través del cine
A ojos de Jodie Foster, la importancia en torno a qué películas hacer y por qué hacerlas no es menor al cómo. De sus años de niña actriz, ella no olvida que la agresividad y la manipulación eran a veces las herramientas para conseguir que las y los histriones (sin importar edad) hicieran lo que una escena requería. En el caso de Foster, un productor incluso le mintió sobre que su perro había muerto, con tal de hacerla llorar para una escena triste. Sin embargo, tal medida más bien la hizo enojar. No podía creer que alguien recurriera a artimañas tan crueles, en lugar de sencillamente comunicar lo que quería con respeto y consideración hacia los intérpretes.
«Puede que sea realmente ingenua o muy optimista respecto al mundo, pero quiero creer que quien eres como persona define quien eres como artista y como líder», expresa Foster.
Por un lado, en su rol de directora, ella siempre ha buscado que las emociones y la psicología de los personajes sean lo que fundamente la propuesta visual y sonora de sus largometrajes, ligado a que nunca ha querido imitar, homenajear o referenciar el estilo de otro cineasta. «Yo no concibo una película desde el lado de la cámara, sino desde el lado del actor o del personaje», aclara al público de Morelia. Por otra parte, su prioridad está en impulsar una sana experiencia colaborativa, una donde su voz no sea la única que se escuche, sino también la de todos los involucrados; todos aquellos que ponen su alma, su empeño y una parte de sí mismos en aquel «monstruo de Frankenstein» que es la película final.
«Quizás debería decir que amo el arte de la dirección y todo eso, lo cual es cierto, pero lo que realmente me encanta es estar en un set con más de cien personas y crear un entorno lleno de alegría. Así es como me gusta hacer películas. Eso es lo que brinda las mejores experiencias», concluye la aclamada actriz y realizadora.
Siendo una niña prodigio, Jodie Foster solía sentirse muy sola y aislada del mundo, pero eventualmente descubrió que la mejor manera (o la única para ella) de conectar con los demás era a través del cine. Desde su perspectiva, «no es que quisiera tener amigos, pero sí quería pertenecer a una comunidad».
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La dramaturgia cinematográfica en las escenas de juego: por qué las mesas de cartas ganan a los slots
Pregunte a cualquier cinéfilo cuál es su momento favorito relacionado con el juego en una película y, muy probablemente, la escena que describirá tendrá que ver con un juego de cartas. Ha habido escenas icónicas construidas en torno al blackjack y al poker, con dramáticos primeros planos de jugadores que intentan leer las señales de sus oponentes sin revelar las suyas propias, el empuje de las fichas sobre el tapete verde y, por supuesto, revelaciones a cámara lenta.
Pero lo que no se ve tan a menudo en la gran pantalla son dramatizaciones de jugadores sentados frente a slots. Esto puede parecer extraño, especialmente para aquellos que están familiarizados con los casinos online, donde más del 80 % de los jugadores pasan la mayor parte de su tiempo en slots. Las mejores apps de casinos y también sitios web ofrecen una amplia variedad de juegos con diferentes temas y estilos.
Sin embargo, en las películas, las escenas en las mesas de juego casi siempre predominan. Y quizás por una buena razón. Pero dado que los slots son tan importantes en el mundo real del juego y siguen siendo muy populares, ¿por qué estas máquinas icónicas han sido tan ignoradas en las películas?
Crear conflicto
La primera y más obvia razón por la que los juegos de cartas de casino tienen tanta preferencia sobre los slots en el cine se debe a la creación de conflictos. Todas las buenas historias necesitan el conflicto como fuerza motriz para hacer avanzar la trama, y no hay mejor escenario dentro de un casino que una mesa de poker, donde los jugadores compiten directamente entre sí. En los juegos de cartas como el blackjack y el baccarat, se trata más bien de una competición contra las manos del dealer.
Pero todos los juegos de cartas tienen algo más en común, y es la influencia de la elección sobre el azar. Los jugadores tienen que tomar decisiones conscientes sobre si subir una apuesta en el poker, por ejemplo, o si pedir otra carta o plantarse en una mano de blackjack. Este elemento de elección que tiene el personaje produce una sensación de que controla su destino.
Creación de personajes
La forma en que un jugador reacciona ante un momento intenso en un juego suele ser bastante reveladora de su carácter. ¿Hasta qué punto son reacios al riesgo? ¿Qué tan buenos son para farolear? Cuando la elección de la estrategia de un personaje entra en juego durante una partida de cartas, aporta mucho más a la mesa cinematográfica en términos de drama que cualquier juego en un slot.
¿Por qué? Porque el slot es externo al jugador, y todo lo que haría un personaje sería presionar un botón para girar, el drama llegaría rápidamente a un callejón sin salida.
En una escena dramática de poker, el personaje principal intenta lograr algo, que en gran medida consiste en burlar a un antagonista. A menudo, este es un mecanismo para avanzar en la trama o para resolver algo. Una vez más, el personaje que juega es tan importante como el juego en sí, porque sus habilidades o sus defectos deben influir en el resultado del juego, relevante para el desarrollo de la trama.
Por supuesto, dado que todos los juegos de casino se basan en el azar, la suerte sigue siendo un elemento importante; es la naturaleza misma de los juegos de casino. En el mundo del cine, aunque la suerte sigue existiendo en las representaciones de los juegos de cartas, es realmente la agencia de los jugadores lo que define la escena.
¿Cuál será su decisión cuando sepan que no tienen una buena mano en el poker? ¿Se arriesgarán para ganar una partida de blackjack? Esto introduce factores que también profundizan un poco más en el personaje.
Esto se debe a que lo que está en juego para el personaje es extremadamente personal, lo que genera una gran tensión y dramatismo. Un personaje podría perder fácilmente una oportunidad por falta de criterio, o ver cómo su inteligencia en el juego alcanza un nivel completamente nuevo al enfrentarse a oponentes experimentados y despiadados en la mesa de poker.
Suerte mediocre
Dado que las máquinas de casino funcionan con generadores de números aleatorios para garantizar la imparcialidad, son el epítome de la suerte. Ver a un personaje jugar a una de ellas no tendría el mismo impacto dramático que los juegos de cartas. Imagínese una escena en la que un jugador gana una mano de poker crucial bajo una enorme presión gracias a su astucia, después de apostarlo todo en un último intento desesperado.
Ahora compárelo con un personaje que gana el premio gordo en un slot. Debido a la aleatoriedad de los slots, no habría una tensión intensa; la victoria simplemente ocurriría de la nada y eso, a su vez, probablemente haría que los espectadores pusieran los ojos en blanco ante un momento tan deus ex machina.
Por el contrario, si el personaje no ganara un premio mayor en un slot, sería muy decepcionante, aunque se base en gran medida en la realidad, ya que las posibilidades de ganar uno son matemáticamente muy escasas.
Los juegos de cartas ganan por goleada
Para un drama sobre el juego, nada supera a un juego de cartas en un casino. Desde la configuración hasta la competitividad de las rondas de apuestas y el enfrentamiento final, los juegos de mesa permiten subtextos importantes, como la exteriorización del conflicto interno.
Por eso los juegos de cartas se han utilizado una y otra vez en películas como Apuesta final (Rounders) y Casino Royale; porque son un medio formidable para poner a prueba los nervios y tienen consecuencias enormes, angustiosas y sobrecogedoras.
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La novia! Trailer, estreno y todo sobre la nueva película con Jessie Buckley y Christian Bale
Tras un año en el que el protagonista fue la criatura de Frankenstein, llega el turno de que La novia! reclame el reflector. Tras un aclamado debut como directora con La hija perdida (2021), Maggie Gyllenhaal regresa con una reinterpretación del personaje titular que promete mucho punk. Aquí te contamos todo lo que debes saber sobre la película.
¿De qué trata?
Situada en los años 30, La novia! arranca cuando la criatura de Frankenstein, ansiando terminar con su soledad, le pide a la doctora Euphronious que le haga una compañera. Es por ello que desentierran el cadáver de una mujer que fue asesinada, pero las cosas tal vez no saldrán como lo tenían planeado.
El avance nos deja ver que a partir de la llegada de La novia (como se nombra al personaje estelar) se desencadenarán persecuciones policiales, crímenes, y una revolución social total. Además, podemos esperar mucho glamour y fantasía, gracias a la construcción de los 30s que realizó Gyllenhaal:
«Elegí los 30s porque amo su estética, y las películas incluyen tanta fantasía. Mucho de [La novia!] es acerca de la diferencia entre fantasía, amor de fantasía, estilos de fantasía, sexo de fantasía, todo de fantasía versus la realidad, y cuál es el placer real de un amorío que está plantado en la realidad», contó en conferencia de prensa la directora. Lo que sí aseguró es que es una versión de los 30s muy inspirada en un Nueva York de 1981.
¿A quiénes veremos en La novia!?
Un elenco espectacular nos presentará esta historia, empezando por Jessie Buckley como el personaje titular. Buckley está arrancando un espectacular año en su carrera, pues con su película Hamnet, es la gran favorita a llevarse el Óscar a mejor actriz, luego de hacer lo propio en los Globos de oro 2026. Sobre trabajar con la actriz, Gyllenhaal dijo lo siguiente:
«Sigo sin saber quién más pudo haber hecho este papel. Creo que tiene que ver con su sabiduría en reconocer que todo humano contiene un espectro de sentimiento, tan feroz y poderoso. Y justo a lado de eso se encuentra la más profunda vulnerabilidad. Tan inteligente, también totalmente irracional y a veces horrible. Todo eso, combinado, hace a una persona. Y lo que me parece extraordinario de ella como actriz es que realmente sabe cómo incorporar todas esas cosas en su trabajo».
Acompañándola están Christian Bale (El caballero de la noche, El gran truco) como la legendaria criatura, Peter Sarsgaard (Batman, La hija perdida) como un detective que les sigue muy de cerca la pista, Annette Bening (Belleza americana, Capitana Marvel) como la doctora Euphronious, Jake Gyllenhaal (Donnie Darko, Se presume inocente) como Ronnie Reed y Penélope Cruz (Dolor y gloria, Madres paralelas) como Myrna.
¿Cuándo podremos ver La novia!?
Llegará a pantallas tradicionales y IMAX de cine el 06 de marzo de 2026.
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Trailer
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El universo cinematográfico de James Bond, el agente secreto más famoso del mundo, es tan amplio como su archivo de gadgets imposibles, villanos excéntricos y misiones imposibles. Para quienes desean iniciarse en esta saga que abarca más de seis décadas, seleccionar por dónde empezar puede ser una misión digna del MI6.
Aquí tienes una guía con las películas más emblemáticas para conocer la esencia del 007, su evolución y —por supuesto— la obra imprescindible: Casino Royale.
1. Dr. No (1962) – El nacimiento del mito
La primera película de James Bond estableció los cimientos del personaje y su universo. Con Sean Connery dando vida a un Bond magnético, elegante y peligroso, Dr. No presenta muchos elementos que se volverían clásicos: la presentación icónica, el estilo seductor, el humor seco y la mezcla perfecta entre espionaje y acción.
Por qué verla si eres nuevo:
Es el punto de partida. Si quieres entender cómo comenzó todo y por qué Bond se convirtió en un icono global, este es el lugar.
2. Goldfinger (1964) – La fórmula Bond en su máximo esplendor
Si hay una película que encapsula lo que significa “ser Bond”, es Goldfinger.
Aquí encontramos al villano memorable, el plan extravagante, el Aston Martin DB5, una banda sonora legendaria y algunas de las frases más citadas de toda la saga.
Por qué verla:
Es la película que consolidó el estilo Bond y elevó la franquicia al estatus de fenómeno cultural.
3. On Her Majesty’s Secret Service (1969) – El lado más humano del agente 007
Protagonizada por George Lazenby, esta entrega se ha revalorizado enormemente con el tiempo. Presenta un Bond más emocional, vulnerable y profundo, sin perder la acción clásica.
Por qué verla:
Es esencial para comprender que Bond no es solo acción: también tiene corazón. Además, su final es uno de los más impactantes de toda la saga.
4. The Spy Who Loved Me (1977) – El Bond más carismático y divertido
Roger Moore aportó humor, elegancia ligera y un toque de irreverencia al personaje.
The Spy Who Loved Me es considerada su mejor película, con secuencias espectaculares, la aparición de Jaws y uno de los mejores temas musicales (“Nobody Does It Better”).
Por qué verla:
Representa el Bond más “divertido blockbuster”, ideal si te gustan las películas de acción con un tono más ligero.
5. GoldenEye (1995) – El renacimiento del agente en los años 90
Con Pierce Brosnan, Bond regresó tras una pausa de seis años y lo hizo con estilo moderno, acción explosiva y un villano memorable (interpretado por Sean Bean).
Es también la película que llevó al personaje a una nueva generación, especialmente gracias al famoso videojuego de Nintendo 64.
Por qué verla:
Es un Bond moderno pero fiel a su esencia, perfecto para quienes disfrutan de acción sofisticada y estética de los 90.
6. Casino Royale (2006) – El reinicio perfecto: crudo, elegante y emocional
La película que no puede faltar en ninguna lista.
Con Daniel Craig, el personaje recibió un reboot radical, más realista, más físico y más emocional. Casino Royale explora los orígenes del 007, mostrando cómo se forja su dureza y su frialdad, sin renunciar al glamour y la intriga y, por supuesto, casinos.
La historia con Vesper Lynd añade una profundidad emocional que pocas cintas previas lograron, convirtiéndola en una de las mejores películas de toda la saga y en un punto de entrada ideal para nuevos espectadores.
Por qué verla:
Porque marca un antes y un después. Es moderna, emocionante, intensa y, al mismo tiempo, respetuosa con el legado del personaje.
La puerta de entrada a un universo de acción y estilo
El mundo de James Bond es diverso: ha cambiado de rostro, de tono y de estilo a lo largo de más de 60 años. Ya sea que busques glamour clásico, acción contemporánea o historias de espionaje profundas, hay un Bond para ti.
Si solo pudieras elegir una película para comenzar, Casino Royale sigue siendo la introducción definitiva. Pero recorrer estas seis cintas te dará una mirada amplia, rica y emocionante al universo del espía más famoso del cine.
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