Cine y Tv
Carrie: ¿Por qué es un clásico?
Hoy, es prácticamente imposible pensar en un libro de Stephen King que no haya sido llevado al cine. Con más de 100 adaptaciones fílmicas y televisivas basadas en sus obras, los horrores que el autor ha plasmado en las páginas se han quedado en el imaginario colectivo gracias a la intervención de muchos cineastas. Si bien, pareciera que hemos vivido siempre en el Kingverso, lo cierto es que no es difícil rastrear donde inició todo. Se trata de Carrie: extraño presentimiento (1976), dirigida por Brian De Palma. Un filme que pionero en muchas cosas, empezando por hacer que el escritor de la novela declarara que la versión filmada superaba el relato primigenio.
Ruptura de esquemas: no todo es color de rosa
Estrenada a finales de la década de los 70, Carrie fue una de esas producciones que marcó un antes y un después en la manera en la que los habitantes del mundo —y particularmente de Estados Unidos— percibían su entorno. El ’76 fue el año en el que también llegaron a salas cintas como Taxi Driver, Network: Poder que mata, La profecía o Todos los hombres del presidente. Estas retratan el despertar del país a la crudeza social que se empezaba a vivir. Había enojo, decepción tras las guerras y, sobre todo, hambre y sed de verdad. Que las cosas se digan como son. Sin edulcorantes. Sin tapujos.
¿Qué mejor escenario para desarrollar con plenitud esta visión de la novela de King? Desde su publicación dos años antes, en 1974, el libro dio de qué hablar. Le dio cabida a temas como la liberación adolescente y la exploración de la sexualidad en la juventud, así como también los cambios emocionales que llegan en esta etapa de cambio. Lo interesante es que el autor decidió abordar estas vicisitudes desde la perspectiva de un personaje femenino: Carrie White. Personaje que, además, como parte de su desarrollo, tiene un obstáculo importante: la falta de popularidad y el abuso escolar como consecuencia de su vida en un ambiente doméstico represivo. Carrie no sabe cómo desenvolverse alrededor de sus compañeros y compañeras de clase porque nadie le ha dicho cómo hacerlo. Y en este sentido, la historia, tanto impresa como fílmica, deja claro que enfrentarse a lo desconocido puede ser aterrador.
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No obstante, la versión para la pantalla grande es quizá la que hace más énfasis en los miedos que surgen durante una etapa de cambio. Lo hace mediante una escena de apertura tan memorable como angustiante y disruptiva, que inmediatamente le deja ver al espectador el tono realista que tendrán futuros eventos dentro de la trama. En ella, después de un partido de voleibol del equipo de la escuela, la protagonista y sus compañeras acuden a los vestidores. Cuando Carrie se está bañando tranquilamente, de pronto le llega su primera menstruación. Asustada, confundida y cubierta de sangre, ella corre hacia las demás jóvenes, quienes, hasta hace unos segundos, se paseaban libremente por el lugar, demostrando confianza en sus cuerpos.
Lo que vemos en pantalla contrasta sobremanera con la música calmada y dulce. Además, algunos momentos están editados en cámara lenta. Todo esto simboliza la dificultad de la estelar para adaptarse a una realidad mucho más abierta que de costumbre. Evidentemente, las burlas y el acoso no se hacen esperar, pues las chicas comienzan a lanzarle a la atemorizada Carrie varios tampones y toallas.
En cuestión de minutos, se nos comunica que estamos ante un conjunto que explorará el crecimiento humano por medio de la oscuridad y la venganza. De hecho, este ambiente de peligro se hace presente más allá de este incidente. A lo largo del resto de la película, la forma en la que los adolescentes se relacionan tiene un dejo de rebeldía y desconfianza. No hay tiempo para fraternidad, y eso es deprimente.
La religión como base del horror
A la par de la ansiedad omnipresente, Carrie: extraño presentimiento se permite hablar de otro aspecto que ya estaba en boga en otras producciones de la época: las costumbres religiosas.
No obstante, llama la atención que, si bien, en otras cintas como la ya mencionada Profecía (The Omen) o El exorcista, estrenada tres años antes, la espiritualidad era presentada como antídoto al mal en cuestión, en este filme el enfoque es mucho más pesimista, e incluso antagónico. En la cinta, Margaret White, la madre de la estelar, es retratada como una fanática que lleva su cristianismo a niveles extremadamente peligrosos. Esto hace que Carrie sea víctima de reprimendas terribles derivadas de sucesos que, para muchas personas, son totalmente normales, tales como asistir al baile de graduación.
En retrospectiva, es curioso que no haya registros de grupos religiosos protestando afuera de los cines que exhibieron la película en su época. Vamos, incluso el libro de King, a la fecha, está prohibido en algunas escuelas del país vecino por su tratamiento “negativo” de la devoción.
Sin embargo, la interpretación que se hace en el largometraje de imágenes bíblicas como la crucifixión, o la alusión al ejercicio de la sexualidad como puerta al pecado (“¡Eva fue débil!”, le repite Margaret a Carrie en repetidas ocasiones), es mucho más directa, por lo que cuesta creer que no haya levantado controversia, al tratarse de una de las primeras veces en las que una persona cristiana es vista bajo una óptica ominosa en el cine.
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No es como que Stephen King o las personas involucradas en la realización de la película decidieran atacar la fe de los lectores o espectadores. De hecho, el autor de la novela, considerado el “maestro del horror”, ha dicho que, aunque piensa que la religión “es una herramienta muy peligrosa que ha sido mal utilizada por mucha gente”, él mismo cree en Dios y le ha pedido ayuda en su proceso para mantenerse sobrio desde hace mucho tiempo. Esto le dijo a Rolling Stone en 2014:
“Elijo creer que Dios existe y, por tanto, puedo decir: ‘Dios, no puedo hacer esto yo solo. Ayúdame a no beber hoy. Ayúdame a no tomar drogas hoy’. Y eso funciona bien para mí”. morphs montanababe406
Por otro lado, en una entrevista para la edición especial de la película lanzada por Shout! Factory, el guionista, Lawrence D. Cohen aseguró que los abusos, disfrazados de protección por Margaret, son incluso más dañinos que los que se ve obligada a soportar en la escuela:
“[Uno de los aspectos que más me llamó la atención de la historia] era que Carrie regresaba a casa después de estar en un infierno escolar, y nos damos cuenta de que tiene una madre fanática religiosa, quien hace que ir a la escuela parezca un día en la playa”.
Entonces, el mensaje es claro: creer no es malo. Lo que sí es malo es utilizar esas creencias como escudo para desestimar aquello a lo que se le teme. Aquí entra un interesante giro, y es que Carrie descubre que tiene poderes telequinéticos. Cuando está perturbada, puede mover objetos y causar desastres. Con esto, caemos en cuenta de que Margaret no sólo se siente intimidada por la “impureza” física de su hija. También por su poder sobrenatural, el cual no logra comprender.
De nueva cuenta, se hablaba de lo perjudicial que puede ser el miedo a lo desconocido. Pero hacerlo cuestionando algo como la espiritualidad, que casi siempre se considera incuestionable, era sin duda algo transgresor.
Brian De Palma y su equipo
Tras analizar los anteriores elementos, ahora sí es momento para hablar de la principal razón por la que funcionan tan bien en conjunto: la dirección de Brian De Palma, quien supo inyectarle su estilo hiper-cinemático a un proyecto que ya era redondo por sí solo desde su origen literario.
Como parte de la entrevista ya citada, Cohen cuenta que, cuando estaba en proceso de escribir la película, inmediatamente se dio cuenta de algo:
“Después de leer 12 o 15 páginas, me quedó claro que esta no sólo era una novela debut impactante que tenía mucha seguridad y confianza, y era ambiciosa y retadora. Esto era algo serio. Y este sujeto [King] lo tenía. Abordó muchos temas, desde Carrie como una niña que, más o menos, servía como ejemplo del acoso; había elementos sobrenaturales y de ciencia ficción”.
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Esto sin duda suena como algo que De Palma estaba capacitado para adaptar. Después de todo, ya había demostrado ser capaz de trabajar en casi cualquier género. Dándoles a sus largometrajes mucha sustancia narrativa, siempre incluía también un estilo visual impactante y muy bien ejecutado.
Por esa razón, los ejecutivos del estudio United Artists decidieron que él era la mejor opción para hacerse cargo del filme. En una entrevista con la revista Cinefantastique, publicada en 1977, un año después del estreno, el cineasta comentó lo siguiente:
“El proyecto estaba en manos de United Artists, y el jefe de producción, Mike Medavoy, y el presidente, Eric Pleskow, insistieron en que querían que yo dirigiera la película. No creían que debiera hacerla nadie más. A Paul Monash [el productor], sin embargo, no le convencí, y sólo gracias a la presión de la gente del estudio llegó a la conclusión de que tal vez yo era la persona adecuada para su película”.
En UA tenían razón. De Palma logró, con creces, trasladar la atmósfera inquietante y tenebrosa de la novela a la gran pantalla. Levantada con un presupuesto de $1.8 MDD, al final de su corrida en salas de Estados Unidos y Canadá la cinta recaudó $33.8 MDD. Un éxito inesperado.
Pero el director no lo consiguió solo. Estaba acompañado de un equipo técnico y actoral inmejorable. Por ejemplo, para capturar el mundo de Carrie con cuadros simétricos, claustrofóbicos y desconcertantes, reclutó al cinefotógrafo Mario Tosi, quien elevó las cualidades de thriller de la cinta a niveles estratosféricos, sobre todo en tres escenas clave: cuando Margaret, la madre de la joven, le apunta con un cuchillo en las sombras; también en la escena en la que la señora White corta una zanahoria como si fuera un robot, todo en un plano cenital que provoca vértigo; y una que sucede en la ya mítica secuencia del baile de graduación, que presenta un diálogo entre la tímida estelar y el galán Tommy Ross. Mientras ellos bailan, la cámara gira sin parar, cada vez más rápido, acentuando la sensación de confusión.
Aunado a la fotografía, está el trabajo de edición de Paul Hirsch. Sin él, todo el misticismo del conjunto no existiría. Simplemente basta con recordar la escena de las duchas, en las que la cámara lenta retrata la soledad de Carrie, contrastándola con la actitud rebelde de sus compañeras de clase, que desfilan al compás de la dulce banda sonora compuesta por Pino Donaggio.
De igual forma, la edición destaca durante la graduación, en la que la pantalla dividida con colores contrastantes nos muestra la escala del terror que se cierne sobre los asistentes al gimnasio cuando el personaje principal desata sus poderes como venganza tras ser víctima de una broma cruel.
Con todo esto, queda hablar de las personas que se pusieron en la piel de los personajes más emblemáticos de la novela en su salto al celuloide. En su noveno esfuerzo directoral, De Palma fichó a actrices y actores con los que volvería a colaborar años más adelante en otras obras de su filmografía, como Nancy Allen y un jovencísimo John Travolta, de quien —erróneamente— se decía que este era “su primer papel en cine”. Estos dos actores, quienes después aparecerían en Estallido mortal (1981), encarnaban a los bullies principales, Chris Hargensen y Billy Nolan.
También tenemos a Amy Irving, quien fue la compasiva Sue Snell, compañera que comienza su arco molestando a Carrie, pero que, de a poco, se da cuenta de que puede ayudarla a destacar en el ámbito social. Por ello, junto a su novio, Tommy Ross, interpretado por William Katt, diseña un plan para cambiar el rumbo de la vida de Carrie.
Claro está, hay dos nombres que no se pueden dejar de mencionar: Sissy Spacek y Piper Laurie.
Spacek, quien al momento de la preproducción tenía 26 años, no fue la primera actriz en mente para el rol de la chica titular. En la novela y en la cinta, Carrie tiene 16 años, pero la actriz fue convencida por su esposo, el director de arte Jack Fisk, para hacer la audición.
Se quedó con el protagónico y su intervención le valió una nominación al Óscar a Mejor actriz en 1977. El que la Academia la haya considerado para el premio está totalmente justificado, pues el personaje está escrito como alguien que pasa de ser introvertida a alguien que, al menos por unas horas, recobra el control de su vida. Spacek logra capturar estos matices de forma excepcional. Sobre su actuación, ella le dijo esto a ComingSoon.net en 2017:
“Leí el libro antes de saber que se iba a hacer la película, pero lo volví a leer el día antes de la audición. Lo que más me llamó la atención de la novela fue que la niña era tan patética, tan perdedora, y creo que lo que añadí a la hora de filmar la película fue que le di al personaje un poco de esperanza”.
De igual forma, la interpretación de Laurie fue aclamada de manera unánime. La actriz se tomó un descanso de los escenarios y las cámaras tras aparecer en El audaz (1961), y el largometraje de De Palma significó su gran regreso tras 15 años de ausencia del cine.
Por su trabajo, cargado de intensidad y cólera que hacían de Margaret una villana en toda la extensión de la palabra, la Academia también le otorgó una nominación en la categoría de Mejor actriz de reparto. Aunque hay que aclarar que, al principio ella pensó que formaría parte de una sátira. Antes de su fallecimiento, comentó esto en una entrevista con el sitio HollywoodChicago.com:
“Una vez que De Palma me reveló que no quería un enfoque satírico y me dijo: ‘Te vas a reír si haces eso’, me di cuenta de que no quería risas, al menos no en nuestra interpretación consciente. Me limité a aceptar la realidad de lo que estaba interpretando. Debo decir que disfruté de la libertad infantil de actuar y ser la bruja malvada. Fue muy liberador y divertido”.
No es casualidad que, después de décadas, éste sea, para muchas personas, uno de los mejores exponentes cinematográficos de horror jamás hechos. No sólo por tratarse de la primera adaptación de una novela de King, sino porque, en un periodo en el que las imágenes en movimiento se usaban para expresar nuevas inquietudes, reconfiguró una conocida fórmula, entregando una de las obras mejor logradas del género. Si tan sólo el público hubiera sabido que ella tenía el poder…
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Por lo general, uno empieza a apostar cuando el interés por un deporte se junta con las ganas de poner a prueba sus habilidades. Siendo así, es difícil ver a alguien que no sea fan de al menos una disciplina buscando hacer sus pronósticos en fútbol, básquetbol o tenis.
Más aún hoy en día, con páginas de apuestas confiables tan accesibles y llenas de opciones. Los operadores de prestigio ofrecen más de 30 deportes y permiten depósitos mínimos. Así, incluso quienes disfrutan de disciplinas como el snooker o el voleibol de playa y tienen un presupuesto modesto, logran encontrar algo que encaje con su propio estilo.
Sin embargo, si algunas personas se aventuraran en este mundo, aunque no les gustaran los deportes, sin duda podrían obtener resultados interesantes. Ahora bien, ¿y si esas personas fueran personajes clásicos de películas y series? ¿Qué nombres de la pantalla grande y del streaming podrían tener éxito en las apuestas online?
El perfil clásico del apostador deportivo: Billy Beane (Moneyball)
Billy Beane es un personaje inspirado en una figura real, pero que en la película Moneyball, interpretado por Brad Pitt, nos muestra un perfil que encajaría perfectamente con el estilo de los apostadores deportivos comunes. De hecho, fácilmente podría estar entre aquellos que calculan su presupuesto con cuidado y buscan sitios de apuestas que acepten depósitos bajos. Al final de cuentas, el dinero es un punto central en la historia del personaje. Mira por qué:
Gerente general de un equipo de béisbol, Billy tuvo un problema principal: poco dinero para trabajar, teniendo que competir contra equipos sumamente ricos. En su trayectoria, él deja de lado la intuición de juego y comienza a tomarse en serio el análisis estadístico. En la práctica, el entrenador evita ver los juegos en vivo para evitar decisiones impulsivas y reacciones emocionales, manteniéndose lejos del campo.
Si apostara online, sería el típico cazador de valor; es decir, de apuestas que tienen momios desajustados o que valen la pena matemáticamente. Al encontrar el camino más eficiente, Beane jamás caería en narrativas falsas, como esa de que un solo jugador puede resolverlo todo. Él sabría que la suerte existe, pero quien prevalece es la matemática. Para completar un perfil casi perfecto, Billy también haría una excelente gestión de banca, ya que estaría preparado para lidiar con pocos recursos.
Ahora, aquí queda solo un detalle: las personas involucradas en el deporte, en México, no pueden apostar en disciplinas en las que participan — esto está restringido por los organismos reguladores del deporte.
Los fríos y calculadores: Sherlock Holmes, Thomas Shelby y Terminator
En otro grupo, sería posible clasificar a los tres personajes mencionados, que no necesitan presentación. Aquí, el tema es sobre los fríos y calculadores. Para resumir, Sherlock Holmes sería el rey de las apuestas en vivo, ya que percibe el factor humano como nadie, notando detalles y encontrando lo que todos los demás pasaron por alto.
Por su parte, Thomas Shelby no apostaría a la suerte, sino que intentaría explotar los momios al máximo. Su enfoque estaría en las cuotas, en el sistema, tratando de sacar ventaja del sitio de apuestas. Eso sí, aquí él correría algunos riesgos, tal como sucede en la propia serie (Peaky Blinders).
Y para finalizar con los fríos y calculadores, el Terminator (Exterminador del Futuro) sería como un Billy Beane, pero en modo «invencible». Él haría cálculos mentales, neutralizaría las emociones del juego y convertiría apuestas en algo sencillo.
El rey de la arbitraje: Robert Miller (Arbitrage o Mentiras Mortales)
Para imaginar cómo sería Robert Miller apostando (película Arbitrage), solo basta revisar el nombre original en inglés de la trama: «Arbitrage». En el guion, lo que el personaje multimillonario y magnate hace es precisamente algo análogo a un arbitraje, que no es más que aprovechar diferencias de precio entre mercados para obtener una ventaja.
Aquí, las habilidades que están en juego son un excelente manejo financiero, la capacidad de apalancar inversiones, la manipulación de números y el valor para seguir actuando bajo presión.
Claro que las apuestas deportivas no son inversiones de las cuales se espera lucro, sino un pasatiempo enfocado al entretenimiento. Por eso, Miller tendría que adaptar sus habilidades a este ambiente. Él podría, por ejemplo, enfocarse en la búsqueda de los mejores momios, analizando y comparando plataformas de apuestas para encontrar mercados más ventajosos. En el mundo real, los jugadores no necesitan hacer esto manualmente — en este aspecto, sitios como Legalbet México salen al auxilio de los amantes de las apuestas. Este analiza y elabora clasificaciones de las mejores casas de apuestas, compara sus cuotas y márgenes (comisión cobrada por la casa de apuestas), cuyo valor varía de acuerdo con la casa de apuestas, así como sus ofertas, bonos y características. Mucho depende de elegir la mejor opción en las apuestas deportivas.
Otro punto fuerte de Robert Miller podría ser el hedge. Miller podría usar esta estrategia haciendo apuestas complementarias para reducir riesgos — por ejemplo, apostar inicialmente a la victoria de un equipo y, más tarde, hacer un segundo pronóstico en otro mercado para asegurar parte del retorno en caso de que el partido tome un rumbo diferente al previsto.
El personaje interpretado por Richard Gere reúne varias cualidades útiles, como gestión de recursos, pensamiento estratégico y sentido de riesgo. Sin embargo, en la película se le retrata como alguien éticamente cuestionable, que traspasa límites y abusa de la confianza de quienes le rodean. Este tipo de conducta no tendría espacio en el mercado actual de juegos de azar, ampliamente regulado por la ley, donde cualquier intento de actuar de forma desleal contra una casa de apuestas resultaría, como mínimo, en el bloqueo de la cuenta. Aun así, Miller sirve como ejemplo de cómo un personaje ambiguo puede tener habilidades que funcionarían en un hobby como las apuestas — siempre que se apliquen solo a lo que realmente importa en este contexto: análisis frío y una buena gestión de lo que se tiene disponible.
Los apostadores realmente buenos son una rareza
A pesar de que el ejercicio de imaginar a algunos personajes apostando es interesante, es bueno observar: incluso las personas que parecen más frías, racionales, o aquellas que conocen el deporte a profundidad, también tienen varias fallas y defectos, que son naturales del ser humano.
Por lo tanto, además de una buena forma de imaginación, estas hipótesis también pueden ser un buen ejercicio para el apostador común: las pérdidas son naturales y mucho más frecuentes que las ganancias. Lo que marca la diferencia a largo plazo es lograr reunir el máximo de habilidades posibles, pero manteniendo siempre la constancia y el equilibrio.
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El catálogo de Netflix puede ser abrumador, especialmente para quienes buscan algo más que entretenimiento inmediato. Por eso, esta lista de las mejores películas en Netflix México está pensada para todo tipo de gustos: cine de autor, películas premiadas, apuestas formales interesantes y obras que dialogan con el cine contemporáneo. Si buscas algo interesante, estimulante, o simplemente entretenido, aquí tenemos la solución.
Si te preguntas cuáles son las mejores películas que puedes ver Netflix México hoy y quieres ir más allá del Top 10, esta guía prioriza la calidad cinematográfica, la visión de autor y la conversación crítica que cada película propone. Además, también puedes revisar los estrenos en Netflix de la semana y del mes.
Cine de autor imprescindible en Netflix México
Roma (Dir. Alfonso Cuarón)
Una de las películas mexicanas más importantes del siglo XXI y una de las mejores películas en Netflix México. Filmada en un hipnótico blanco y negro, Roma combina memoria personal, observación social y una puesta en escena precisa que la convirtió en un referente inmediato del cine moderno.
El poder del perro (The Power of the Dog, Dir.a Jane Campion)
Un western psicológico contenido y perturbador, donde la violencia es emocional antes que física. Campion construye un retrato de masculinidad tóxica a través del silencio, el encuadre y una tensión constante.
Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades (Dir. Alejandro G. Iñárritu)
Ensayo fílmico, viaje autobiográfico y provocación estética. Bardo es excesiva, irregular y profundamente personal, pero también una de las propuestas más ambiciosas del cine mexicano reciente.
Dramas contemporáneos en Netflix que dejaron huella
Historia de un matrimonio (Marriage Story, Dir. Noah Baumbach)
Un drama íntimo sobre el final de una relación, sostenido por guion, actuaciones y una puesta en escena invisible pero devastadora. Ideal para quienes buscan cine emocional sin sentimentalismo barato.
Manchester junto al mar (Manchester by the Sea, Dir. Kenneth Lonergan)
Un retrato del duelo y la culpa que evita cualquier trampa melodramática. Sobria, dolorosa y profundamente humana, es una de las grandes películas estadounidenses de la década pasada.
Thriller y cine de género con inteligencia
Zodiaco (Zodiac, Dir. David Fincher)
Procedimental obsesivo sobre la imposibilidad de cerrar una historia. Fincher convierte la investigación en un laberinto moral y psicológico, y redefine el thriller moderno desde la frustración y el detalle.
Primicia Mortal (Nightcrawler, Dir. Dan Gilroy)
Una sátira oscura sobre los medios, el sensacionalismo y la ética en el capitalismo tardío. Jake Gyllenhaal ofrece una de las interpretaciones más inquietantes de su carrera.
Animación y ciencia ficción para adultos
Aniquilación (Annihilation, Dir. Alex Garland)
Ciencia ficción existencial que privilegia la atmósfera y las ideas por encima de la explicación. Una película que se experimenta más de lo que se entiende, ideal para espectadores curiosos y pacientes.
Pinocho (Dir. Guillermo del Toro)
Una reinterpretación oscura, política y profundamente emocional del cuento clásico. Del Toro utiliza la animación stop-motion para hablar de autoritarismo, muerte y desobediencia con una sensibilidad única.
Joyas menos evidentes (para salir del algoritmo)
Los Meyerowitz: La familia no se elige (The Meyerowitz Stories, Dir. Noah Baumbach)
Comedia dramática sobre familia, ego y frustración artística, con diálogos afilados y actuaciones contenidas. Pequeña, incómoda y muy honesta.
Okja (Dir. Bong Joon-ho)
Fábula moderna que mezcla cine comercial con crítica social. Bong demuestra que se puede hacer cine político sin renunciar al espectáculo ni al humor.
Si buscas qué ver en Netflix México y quieres algo que te deje pensando, aquí tienes un excelente punto de partida.
Staff Cine PREMIERE Este texto fue ideado, creado y desarrollado al mismo tiempo por un equipo de expertos trabajando en armonía. Todos juntos. Una letra cada uno.
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Desde películas con efectos visuales sorprendentes, hasta tragedias centradas en historias familiares, esta temporada de premios presentó una gran variedad de cintas que prometen una competencia reñida rumbo al cierre de la temporada, el cual se vivirá en la 98a edición de los Premios Óscar el próximo 15 de marzo de 2026. Aquí las películas con más nominaciones al Óscar 2026.
Aquí las películas que recibieron más nominaciones y sus respectivas categorías. Y revisa nuestra lista completa de nominados al Óscar 2026 y dónde puedes ver las películas (incluso los cortos).
Pecadores – 16 nominaciones
Dirección: Ryan Coogler
Son sus 16 nominaciones, Pecadores se convirtió en la película con más menciones al Premio de la Academia. El récord anterior lo tenían La malvada (1950), Titanic (1997) y La La Land (2016), con 14 nominaciones cada una. Pecadores es una historia sobrenatural, con música excepcional y, además, repleta de emoción y referencias histórico-sociales es lo que el director y guionista, Ryan Coogler, nos da con su más reciente cinta, Pecadores. En ésta, que sigue la historia de los gemelos Smoke y Stack (ambos interpretados por Michael B. Jordan), así como la de su primo, Sammie (Miles Canton), podemos observar lo que es, en realidad, un relato de opresión, racismo, herencia y apropiación cultural.
Pecadores es una producción que no deja de maravillarte, con su fotografía, su elenco y su música inolvidable.
Nominaciones:
- Película
- Actor – Michael B. Jordan
- Actriz de reparto – Wunmi Mosaku
- Guion original – Ryan Coogler
- Actor de reparto – Delroy Lindo
- Música (score original) – Ludwig Göransson
- Música (canción) – «I Lied to You», música y letra de Ludwig Göransson y Raphael Saadiq
- Dirección – Ryan Coogler
- Fotografía – Autumn Durald Arkapaw
- Efectos visuales
- Edición
- Maquillaje y peinado – Ken Diaz, Michael Fontaine, Shunika Terry
- Diseño de vestuario
- Diseño de producción
- Sonido
- Casting – Francine Maisler
Una batalla tras otra – 13 nominaciones
Dirección: Paul Thomas Anderson
Considerada ya como una de sus mejores obras, Paul Thomas Anderson adapta la novela Vineland de Thomas Pynchon para convertirla en una ambiciosa obra cinematográfica. Con un presupuesto de producción de alrededor de $130 millones de dólares es, hasta ahora, también su más costosa.
La cinta sigue la historia de un grupo de revolucionarios (Leonardo DiCaprio, Teyana Taylor, Benicio del Toro) que, tras 16 años de haberse separado se ven obligados a enfrentarse a fantasmas de su pasado, esta película brinda cierta frescura al mezclar temas de lealtad, política y amistad.
Nominaciones
- Casting – Cassandra Kulukundis
- Fotografía – Michael Bauman
- Música (score original) – Jonny Greenwood
- Sonido
- Película
- Dirección – Paul Thomas Anderson
- Actor – Leonardo DiCaprio
- Actor de reparto – Benicio del Toro
- Actor de reparto – Sean Penn
- Actriz de reparto – Teyana Taylor
- Guion adaptado – Paul Thomas Anderson
- Diseño de producción
- Edición
Frankenstein (2025) – 9 nominaciones
Dirección: Guillermo del Toro
Uno de los monstruos más importantes de la cultura popular es tomado por Guillermo del Toro para ser llevado a la pantalla grande. Sin duda, el director mexicano plasmó su pasión y obsesión por Frankenstein y convirtió su versión de esta novela en una de las producciones cinematográficas más reconocidas del año.
Una cinta que relata una historia emocional y gótica, invita a uno a cuestionarse qué es realmente la humanidad y si es que ésta es exclusiva del hombre. Frankenstein (2025) innova con los escenarios y elementos tradicionales de la historia y, junto con sus actores y equipo detrás, brinda una nueva perspectiva a la historia.
Nominaciones
- Fotografía – Dan Laustsen
- Maquillaje y peinados – Mike Hill, Jordan Samuel, Cliona Furey
- Música (score) – Alexandre Desplat
- Sonido
- Película
- Actor de reparto – Jacob Elordi
- Guion adaptado – Guillermo del Toro
- Diseño de producción – Tamara Deverell (diseñadora de producción), Shane Vieau (decoración de set)
- Diseño de vestuarios – Kate Hawley
Marty Supremo – 9 nominaciones
Dirección: Josh Safdie
Inspirada en el jugador de tenis de mesa Marty Reisman, esta cinta dirigida por Josh Safdie experimenta con la ficción que se puede crear a partir de una persona real. La comedia dramática sigue el ascenso de Marty (Timothée Chalamet) dentro del mundo del deporte de tenis de mesa profesional, donde muestra cómo la arrogancia del protagonista lo lleva a consecuencias inesperadas. Safdie retrata los límites que puede romper una persona en la búsqueda de la grandeza.
Nominaciones
- Casting – Jennifer Venditti
- Fotografía – Darius Khondji
- Película
- Dirección
- Actor – Timothée Chalamet
- Guion original – Josh Safdie, Ronald Bronstein
- Diseño de producción – Jack Fish (Diseñador de producción), Adam Willis (Decoración de set)
- Diseño de vestuario – Miyako Bellizzi
- Edición – Ronald Bronstein, Josh Safdie
Valor sentimental – 9 nominaciones
Dirección: Joachim Trier
El nuevo drama del director Joachim Trier (La peor persona del mundo, 2021) explora la compleja relación entre un padre ausente y sus dos hijas. Tras años de distancia, Gustav Borg (Stellan Skarsgård) intenta reconectar con su hija, Nora (Renate Reinsve), a través de la única manera en la que sabe relacionarse: el arte. Nora, llena de rencores y de traumas personales, se resiste a formar parte del proyecto de su padre. Trier no sólo retrata la conexión de un director con el proceso creativo de su películas, sino que profundiza en las fracturas personales ocasionadas por la familia y sobre cómo el arte puede ser utilizado como un puente capaz de reparar la conexión entre una familia que se desarrolla en ese ámbito.
Nominaciones
- Película
- Película Internacional (Noruega)
- Dirección – Joachim Trier
- Actriz – Renate Reinsve
- Actor de reparto – Stellan Skarsgård
- Actriz de reparto – Elle Fanning
- Actriz de reparto – Inga Ibsdotter Lilleaas
- Guion original – Joachim Trier, Eskil Vogt
- Edición – Olivier Bugge Coutté
Hamnet – 8 nominaciones
Dirección: Chloé Zhao
Este drama histórico, dirigido por la ganadora del Óscar de dirección en 2021, Chloé Zhao (Nomadland), nos adentra en la creación de la obra más famosa de William Shakespeare: Hamlet. Basada en la novela de Maggie O’Farrell, la película retrata el profundo duelo de Shakespeare y su esposa Anne (a veces Agnes) Hathaway, tras la pérdida de su hijo de 11 años, Hamnet. Zhao experimenta con la representación de este dolor, enfocándose en lo íntimo de la familia, el duelo, la fragilidad de la vida y aquello que nos inspira a crear arte. Con su narrativa contemplativa y emocional propia del cine de Zhao, no es sorpresa ver a esta película entre las principales nominadas.
Nominaciones
- Casting – Nina Gold
- Música (score) – Max Richter
- Película
- Dirección – Chloé Zhao
- Actriz – Jessie Buckley
- Guion adaptado – Maggie O’Farrell, Chloé Zhao
- Diseño de producción – Fiona Crombie (Diseño de producción), Alice Felton (Decoración de set)
- Diseño de vestuario – Malgosia Turzanska
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