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The Flash: Andy Muschietti defiende sus «raros» efectos visuales

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La crítica no perdona a The Flash en cuanto a sus efectos visuales. Si hay un punto en el que coinciden un sinnúmero de opiniones negativas, es justamente la manera sui generis en que la película resolvió su festín de CGI; tan extraña que muchos podrían argumentar que es reflejo de un muy deficiente trabajo de posproducción. Sin embargo, el director Andy Muschietti afirmó recientemente que lo visto en pantalla fue completamente premeditado; una decisión creativa fundamentada en el deseo de representar de modo original las habilidades sobrehumanas de Barry Allen (Ezra Miller).

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Siendo honestos, la aparente falla en materia de efectos visuales no sólo es perceptible en las secuencias que involucran directamente al superhéroe titular. Todas las escenas de acción con Supergirl (Sasha Calle) pueden resultar igualmente controversiales. No obstante, los momentos en que vemos al velocista escarlata usar sus poderes ciertamente suponen un caso único al que conviene prestar especial atención.

Pongamos un ejemplo libre de spoilers sustanciosos. Una de las primeras secuencias de The Flash versa sobre un rescate que exige al corredor relámpago entrar a la Fuerza de Velocidad; una «capa de realidad dimensional» a la que Barry Allen debe acceder para moverse más rápido que el resto de las personas. Pero al hacerlo, todos los rostros y objetos a su alrededor se perciben en la película completamente falsos, lo que obvio puede desconcertar a cualquier espectador. Pero Muschietti tiene una explicación para ello.

«Vemos desde la perspectiva de Flash», declaró el cineasta argentino esta semana en entrevista con Gizmodo. «Todo está distorsionado en cuanto a luces y texturas. Entramos en este ‘mundo acuático’ que es básicamente hallarse desde el punto de vista de Barry. Eso era parte del diseño, así que si te parece un poco raro, era lo que se pretendía».

También te podría interesar: The Flash: ¿Cuántas escenas post créditos tiene y qué significan?

¿Qué piensan de la explicación brindada por el director? ¿Será suficiente para que el público vea con otros ojos los efectos visuales de The Flash? Lo cierto es que, independientemente de esta película de Warner Bros., el cine de superhéroes ya venía arrastrando un historial de CGI mediocre, en particular con las producciones más recientes de Marvel Studios; motivo de innumerables quejas por parte de los fans, además de efecto colateral —según dirían reportes posteriores— de los conflictos entre artistas de efectos visuales y los ejecutivos de la compañía.

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The Flash se exhibe desde esta semana en salas comerciales de toda la República Mexicana. ¿Ustedes ya la vieron? Pasen AQUÍ para leer la crítica de Cine PREMIERE.

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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes

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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?

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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.

A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos

Casino Royale y el renacer del espía moderno

Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.

La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.

Rounders, el lado más humano del póker

Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.

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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.

Peaky Blinders y el negocio detrás del juego

Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.

Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.

El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo

Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.

Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.

Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.

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Un vínculo que sigue evolucionando

Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.

Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.

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