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Huesera: Una película de horror sobre la monstruosa presión de ser madre
Ser madre, no serlo, ser soltera, quedarte sola, ser lesbiana, elegir otra vida; dejar en un cajón tus sueños y deseos más profundos para cuidar a un bebé, un bebé que la sociedad quiere a veces más que una misma. Un bebé que ha de nacer para que seas una mujer, una mujer de verdad, porque si no te quedas a medias, no cumples tu ciclo, el que te corresponde biológicamente o tal vez el que la sociedad exige de una. Elige, elige a tiempo, se te pasa el tren, la vida.
¿Qué mujer no ha pasado por esta tortura? ¿No les parece terrorífico?
Esas preguntas pesan, no dejan dormir, se convierten en un monstruo que atormenta a diario y perfora el alma. Eso lo sabe bien Michelle Garza Cervera, directora de Huesera, la más reciente película de horror en México, filme que podría marcar un antes y un después en el cine mexicano de género.
“Huesera es una película que habla del proceso de una mujer a través de su primer embarazo, en el cual una entidad macabra empieza a torturarla y cuestionarla para saber si quiere esa vida doméstica o no”, explica la cineasta.
Se trata de la ópera prima de Michelle, egresada del Centro de Capacitación Cinematográfica, y ha sido calificada por la crítica internacional como una película que dialoga con clásicos como El Babadook, El legado del diablo y El bebé de Rosemary. Además, obtuvo el reconocimiento a Mejor nueva dirección narrativa y el Premio Nora Ephron durante el Festival Internacional de Cine de Tribeca 2022, además de ser nombrada Mejor película iberoamericana en el Festival de Cine de Sitges.
Escrita en colaboración con la guionista Abia Castillo, con quien Michelle ha hecho mancuerna creativa, la película cuenta la historia de Valeria (Natalia Solián), quien tiene un matrimonio aparentemente feliz con Raúl (Alfonso Dosal). La pareja recibe con alegría la noticia de que están embarazados, sin embargo, para la protagonista la experiencia se torna aterradora. Una entidad siniestra pondrá en peligro su vida y, después de dar a luz, la de su bebé. Para salvarse tendrá que adentrarse en su pasado punk y en un mundo de brujas urbanas que la guiarán para enfrentar a la Huesera.
Huesera: una historia personal
La directora partió desde lo personal al escribir esta historia, pues reconoce que creció con una figura bastante oscura en casa que tenía que ver con una mujer tomando decisiones sobre su cuerpo y vida; invariablemente se vio reflejada. Después de la muerte de su madre, Michelle se puso a pensar en lo que había vivido, los silencios, los sacrificios y el dolor. En la película, quiso explorar esa ceguera que existe en muchas familias con respecto a las presiones y quiebres que conlleva el ser mujer.
“Pasan los años y yo pienso en lo que viven las madres”, nos comenta. “Y los procesos que pasamos nosotras como mujeres, pensar si tú quieres o no esa vida. Y creo que sin duda el feminismo me arrebató la vida entera y lo agradezco mucho porque me hizo cuestionarme muchas cosas. Empecé a tener pesadillas y tener ataques de pánico sobre qué quería yo de mi vida y me pareció un material muy inspirador”.
Michelle no titubeó jamás en hacer de Huesera una película de género: sabe bien que no hay idea más monstruosa que dejarle las decisiones sobre tu cuerpo al “qué dirán”, a los juicios y a esos deseos impuestos, que vienen más de afuera que de dentro. Temas como el embarazo, la entrada quebrantadora a la vida doméstica y la idea de felicidad que se nos vende constantemente a las mujeres definen a la película.
Así lo reconoce Natalia Solián, protagonista de esta historia:
“El monstruo [que la película dibuja] es muy generoso porque cabe en él la culpa, la frustración, si eres una mujer llegando a los 30 y no has sido madre vienen una serie de preguntas que debes responderte aunque las respuestas existan. Lo que más me gustó es que es un monstruo muy abierto, se puede metaforizar todo”.
Ante esta presión, sin embargo, siempre hay un respiro. En el caso de Valeria es ese el mundo de su pasado, un universo punk y subterráneo. En él habita Octavia, interpretada por Mayra Batalla (Noche de fuego), un personaje que representa la tierra de la película. Es la aliada que no deja que el monstruo la devore sola, pero que también confrontará a Valeria para impulsarla a decidir qué es lo que en verdad quiere.
“Para mí, Octavia es una mujer que es la cordura de la película», comenta Maya Batalla, «es el espacio en el que Valeria puede ser quien ella quiera ser y no va a ser juzgada, sino abrazada y amada, pero cuestionada. Me encanta eso de esta relación y esa capacidad de poder no estar de acuerdo, decir la neta, pero te lo digo con mucho amor. Aquí es un espacio libre y desde ahí se relacionen y por eso Valeria siempre regresa a Octavia”.
Ser mujer y hacer cine de género
Por otro lado, Michelle Garza Cervera confiesa que se enfrentó a otro tipo de monstruos al aventurarse a dirigir una historia de género en nuestro país. Reconoce que sí tuvo su nivel de complejidad ser un una realizadora mujer en una industria que, por un lado no suele tener recursos para este tipo de historias de horror, y por otro, sigue arrastrando dinámicas machistas y problemas de representación.
Recordemos que las cineastas mexicanas aún luchan por abrirse paso en el panorama cinematográfico mexicano. Del total de las películas producidas en 2021 en nuestro país, 25% fueron dirigidas por una mujer, mientras que 43% contaron con una productora, en 34% participaron como guionistas y 16% como fotógrafas. Tan sólo hace dos años, en el Centro de Capacitación Cinematográfica, en donde Garza Cervera cursó la licenciatura en Dirección, se determinó que, por norma, la mitad de los aspirantes por generación debían ser mujeres. Con respecto al cine de género contemporáneo, la mayor parte de las películas de horror son dirigidas por hombres; realizadoras como Michelle, Issa López (Vuelven, próximamente True Detective) o Sandra Becerril (Están aquí) han sido la excepción en los últimos años.
“Ahora lo veo a distancia y sí creo que muchas cosas que viví sucedieron así por ser mujer”, admite Michelle. “Hay muchos colaboradores que no creen, que no dan un centavo porque vayas a lograrlo y esos procesos son muy duros. No digo que los hombres no lo hagan, pero sí creo que hay un trabajo que debemos hacer las morras, esforzarte el doble. Me siento muy orgullosa de haber logrado seguir mi instinto y creo que en un mundo tan patriarcal debes escucharte siempre tú”.
Huesera fue filmada en la Ciudad de México y presenta escenarios comunes, colonias populares, sonidos de la ciudad y costumbres de las familias chilangas. Hasta el tema religioso está representado con una virgen de Guadalupe enorme en la primera secuencia, que se alza como un símbolo de la madre abnegada y la idea de la “buena mujer”. A partir ahí, sin embargo, la película es un viaje por distintos Méxicos, lleno de símbolos, católicos y paganos, curanderas, remedios, colonias aspiracionales de clase media y conciertos punk.
Entre las referencias cinematográficas de Michelle Garza están directores como Roman Polanski, responsable de El bebé de Rosemary; Lucrecia Martel, quien dirigiera La Ciénega en 2001, y Carlos Enrique Taboada, director de Veneno para las hadas. De hecho, esta última es la película favorita de Michelle Garza. La cineasta está convencida de que el terror es el género ideal para expresar lo cotidiano en nuestro país.
En contraste con las grandes producciones de género, Huesera se realizó con un presupuesto de ópera prima mexicana, que va entre los 10 o 15 millones de pesos. Garza Cervera admite que esto es poco para una película de horror con efectos visuales –como dato comparativo, la cinta mexicana KM 31, de Rigoberto Castañeda, tuvo un presupuesto de casi 40 millones de pesos–. No obstante, la directora de fotografía de Huesera, Nur Rubio Sherwell, así como su editora Adriana Martínez, la diseñadora de producción Ana J. Bellido, y el resto del crew se las ingeniaron para lograr lo que la directora tenía en mente.
“La verdad es que es una película que se hizo con un presupuesto de ópera prima mexicana. No es que haya una escena más cara que otra, no hay locaciones caras, algunas son el Bosque de Chapultepec, preparamos mucho, hubo mucha preproducción porque precisamente sabíamos que teníamos poco presupuesto”, comenta la cineasta.
Ante un presupuesto acotado, la preproducción lo es todo. En este rodaje no hubo improvisación, pero sí mucho trabajo de escritura a lo largo de tres años, semanas para realizar un shooting, una pandemia que les dio tiempo para pensar y corregir y estar lo más preparados posibles para llegar al set.
Huesera es solo el inicio
Huesera es una película dirigida por una mujer, escrita por dos, protagonizada por un elenco principalmente femenino (a Natalia Solián y Mayra también se unen también Mercedes Hernández y Aída López), que defiende la libertad de elegir y muestra imágenes muy distintas de la maternidad. En palabras de Mayra Batalla: “Da continuidad a todo lo que se ha estado pidiendo, gritando de muchas maneras. Huesera da un paso más allá, es menos adolescente y da el grito de lucha, es una película que toca una conversación muy madura, muy elevada”.
Michelle Garza Cervera admite que nunca imaginó el éxito y el recibimiento que ha tenido Huesera. Sin embargo, la película la ha colocado ya en la mira de la industria y se ha posicionado como una mirada a la que hay que seguirle la pista. Entre sus próximos proyectos se encuentra el estreno de la serie La hora marcada, en la plataforma de Vix+ –remake de la clásica serie de terror de los años 80–, en donde dirigió y escribió un capítulo. Asimismo, revela que se encuentra trabajando en la adaptación del cuento Ese verano a oscuras, de la escritora argentina Mariana Enriquez, quien también ha ascendido al firmamento de las estrellas literarias del género en Latinoamérica por su horror de lo cotidiano.
«Tuve la oportunidad gracias a Huesera de conocerla en Suiza, en un festival; ella era jurado», platicó Michelle posteriormente, en otra entrevista con Cine PREMIERE. «Fue de los mejores días de mi vida. Después de ver algunos de mis cortometrajes, un amigo animador me mandó el libro Las cosas que perdimos en el fuego. Él sentía que teníamos algo en común y creo que tiene que ver con que, aunque somos muy distintas, claro, hay una intención de narrar desde nuestras perspectivas. Yo estoy muy influenciada por el cine norteamericano, pero sí me preocupa mucho construir desde aquí, amarrado a nuestro lugar. Por eso me emociona tanto su trabajo».
Huesera, de Michelle Garza Cervera, se podrá ver en salas mexicanas a partir de este 23 de febrero. Después de verla, probablemente dejemos de tronar los huesos de las manos de la misma manera.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
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Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
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Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
¿Dónde ver? Disponible en DVD en Amazon.
Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Estrreno, trailer y entrevista del coming-of-age con Isaac Cherem y Aksel Gomez| Cine PREMIERE
Déjame estar contigo es una producción mexicana en la que Bruno y Lucía, un par de adolescentes con toda la inexperiencia del mundo y nada de tiempo restante, deciden aventurarse en la mágica experiencia humana que es querer a alguien y dejarse querer por ese alguien.
¿De qué trata Déjame estar contigo?
Bruno es un joven de 18 años que es deportado de Estados Unidos a México sin conocer nada ni a nadie. Lucía es una universitaria de 19 años con una enfermedad incurable. Sus caminos se cruzan cuando Bruno, trabajando en un call-center, llama a Lucía, quien le pide ayuda con una situación urgente.
En esta llamada encontrarán empatía, esperanza y mariposas en el estómago provocadas por alguien a quien todavía no conocen. Cuando lo hacen, tendrán que decidir cómo enfrentar sus sentimientos por el otro.
¿Quiénes están detrás de Déjame estar contigo?
Esta montaña rusa de emociones está escrita por Fernanda Eguiarte (La flor más bella) y dirigida por Isaac Cherem (Leona), quien nos compartió en entrevista para Cine PREMIERE que ella “es una persona muy tierna, entonces siento que ella ve así las relaciones”, además de que la inspiración para tomar este proyecto fue “mi experiencia personal de transición a la adultez, que tengo muy presente, que fue muy importante, que fue muy intensa y que, además, fue mientras me mudaba la Ciudad de México. Entonces era como un poco lo que vive el personaje de Bruno”.
En las sillas de producción tenemos a José Nacif Gobera (La caída), Marco Polo Constandse (Casi el paraíso), Catalina Aguilar Mastretta (Cindy, la regia: la serie) y Mariana Rodríguez Cabarga (Temporada de huracanes) a través de Filmadora; mientras que Fernanda Eguiarte y Ramiro Ruiz (Somos oro) se enmarcan como productores ejecutivos. La cinta está distribuida por Videocine.
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El elenco detrás de Déjame estar contigo
Aksel Gómez hace su debut fílmico en esta cinta, quien también nos contó en entrevista que encontró muchas similitudes con su personaje, a tal punto que sentía que estaba predestinado. Como Bruno, él también ha vivido toda su vida en Estados Unidos, lo que ayuda muy poco en su habla del español, sin embargo, aunque al principio podemos detectar cierto acento que lo delata, para el final su pronunciación tiene una notoria mejoría.
Al respecto, dijo que todo fue cuestión de “práctica, también, hablando con Andrea y con el crew. Y también hice una playlist de canciones de puro español, y las cantaba en la mañana antes de ir al set para que se me aflojara la lengua”. En esta misma conversación, Isaac preguntó cómo se comunicaba con sus papás, a lo que Aksel respondió que utilizaba el inglés, el español y el spanglish: “Como mi papá no es de Estados Unidos, es de México también, con él hablo mucho español; y con mi mamá es mayormente en inglés, pero sí, a veces le hablo en español también”.
A su lado, también protagonizando, se encuentra Andrea Sutton (The Gigantes), uniéndoseles Silvia Navarro (Papá o mamá), Johanna Murillo (La liberación) y Regina Blandón (Firma aquí).
¿Cuándo estrena Déjame estar contigo?
Este coming of age llega a las salas de cine mexicanas a partir del 30 de enero de 2025.
Póster oficial
Trailer oficial de Déjame estar contigo
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Yessica R. Viais Vivo creyendo que no se trata de lo que ves en la pantalla, sino de lo que te hace sentir, y mí me gusta mucho sentir. I’m just a girl… jaja
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Como ha sucedido en los últimos años, la fuerza interpretativa de las mujeres ha dejado espectaculares resultados. Hace unos meses, dos leyendas de la industria (Angelina Jolie y Nicole Kidman) parecían inamovibles entre las nominadas al Óscar 2025 como Mejor actriz, pero las últimas semanas han dado un gran giro a la competencia. Contendientes internacionales, películas exitosas y otros premios han hecho que la categoría sea una de las más difíciles para predecir. Y no nos malentiendan, eso se agradece.
Considerando los resultados de la temporada de premios, la narrativa alrededor de esta, e incluso los discursos, a continuación te presentamos nuestra predicción de la actriz que se alzará con la estatuilla más codiciada de la industria cinematográfica.
Revisa aquí la lista completa de nominaciones y nuestro análisis (con predicciones) por categoría.
Demi Moore – La sustancia (Predicción CP)
Tras años de ausencia, Demi Moore demostró que no sólo tiene el talento para protagonizar una cinta arriesgada, sino también las agallas para retarse a sí misma. Si los momentos más “extraños” en La sustancia funcionan (y vaya que hay muchos) es gracias a ella, que además ya tiene en la bolsa el Globo de Oro. Es díficil imaginar a otra actriz que pudiera interpretar a Elisabeth Sparkle con tanta dignidad y precisión.
A favor: Una poderosa narrativa muy similar a la que se ve en la película. Su discurso de agradecimiento en los Globos de Oro hizo que el mundo volteara a verla. Por otro lado, la Academia ama los regresos como este… y a los actores ocultos tras grandes capas de maquillaje.
En contra: El poco amor que los votantes han dado al terror / thriller, o a películas con una temática e imágenes igual de sangrientas. Mikey Madison también representa una gran amenaza.
Mikey Madison – Anora
La historia de una trabajadora sexual que sucumbe ante el amor hizo que esta joven actriz consiguiera el reconocimiento mundial. Los fans de Scream y Había una vez… en Hollywood ya la conocían, pero ahora fue el turno de la industria para ponerla en la cima. Como en el caso anterior, no habría una Anora tan aclamada de no ser por Madison.
A favor: Una película constante en nominaciones para otros premios. Madison ha conseguido todas las nominaciones de los premios precursores y carga, totalmente, con el peso de la cinta. Para quienes no la conocían, es toda una revelación.
En contra: El contenido sexual de la cinta podría alejar a algunos votantes. Se trata, también, de una actriz que “apenas” tiene 25 años. Muchos podrían considerar que, con su talento y edad, no batallará en conseguir otra nominaciones y galardones en el futuro.
Cynthia Erivo – Wicked
Después de una larga carrera en el teatro y algunos papeles en la pantalla grande (no todos igual de exitosos), la británica consiguió uno de los personajes más aclamados en 2024: Elphaba. La historia no contada de la bruja verde nos recordó su increíble talento vocal, pero también el rango que tiene para ir de la felicidad al coraje en sólo instantes.
A favor: Una película más que complaciente. La gran mayoría de los que ven Wicked resultan fascinados por su historia y mitología. Por otro lado, la cinta cierra con su interpretación de Defying Gravity, donde entrega todo de sí y crea momentos memorables. Tampoco se ha quedado fuera de las nominaciones más importantes.
En contra: Hay una competencia brutal por parte de Madison y Moore, y si hay una actuación de Wicked que será premiada por la Academia, esa pinta para ser la de Ariana Grande como Glinda. No todo está perdido, pues podría competir el próximo año gracias a Wicked: For Good, y a la canción que coescribió para la película.
Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
Más de una década atrás disfrutamos de su talento en Nosotros los Nobles, e incluso hace un par de años participó en un programa de cocina mexicano. Hoy, Karla Sofía Gascón llega a la contienda con un premio de Cannes y múltiples marcas en otras ceremonias, pero sobre todo, con una seguridad impresionante. Hay muchas cosas cuestionables en la película donde participa, pero si alguien cumple con lo que se le pide, es ella.
A favor: Una película adorada por la crítica internacional. Si los votantes extranjeros apoyan una actuación, muy probablemente sea esta. Al ser la primera actriz trans nominada a un Óscar, también arrastra consigo una importante narrativa. Su triunfo, por muchas razones, sería un momento histórico.
En contra: Las dudas sobre su rol en la película. Esta lleva el nombre de su personaje como título, pero muchos la consideran una interpretación secundaria y ven a Zoe Saldaña como la verdadera protagonista y es ella quien ha recibido más elogios.
Fernanda Torres – I’m Still Here
Creció en un entorno marcado por el arte. Su madre, Fernanda Montenegro, es considerada una de las actrices brasileñas más importantes de la historia, y ahora es su turno para continuar con el legado. Las buenas críticas a su trabajo y el apoyo de fans y críticos internacionales parecen coincidir en una cosa: “lo que bien se aprende, nunca se olvida”. Es considerada una gran figura en el arte contemporáneo brasileño.
A favor: Una sorpresiva victoria en los Globos de Oro, donde venció a actrices con mayor renombre. Su película, desde entonces, ha debutado con éxito en otros países y ha generado más conversación a su alrededor. Es una carrera muy abierta, y si los votantes internacionales deciden apoyarla, podría repetir la sorpresa. Además, que su película contienda al premio máximo no se debe ignorar.
En contra: Prácticamente todos los premios precursores han ignorado su trabajo. No estuvo presente en los Critics Choice Awards, SAG o BAFTA, y por ello, se puede considerar que la nominación es su verdadero triunfo.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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