Musica
Vida, obra y milagros de Jimmy Page a propósito de su cumpleaños 79
Hoy cumple 79 años uno de los grandes maestros de las seis cuerdas, músico de sesión extraordinario, innovador sónico y líder de Led Zeppelin una de las fuerzas más poderosas del Rock. Él es Jimmy Page.
A los 13 años ya estaba empuñando su primer guitarra, inspirado por la rola “Baby Let’s Play House” (o “Nena, Juguemos a la Casita”) de Elvis Presley. Aunque aún tenía el sueño de convertirse en investigador biológico, el Rock lo atrapó y ya nunca lo dejó ir.
Jimmy Page y su trayectoria en la música
A los 22 años en lugar de formar una banda, decidió curtirse primero como músico de sesión de artistas como Joe Cocker, The Kinks, Marianne Faithfull, The Rolling Stones, Van Morrison, Al Stewart, The Who, Nico, Donovan y decenas más que han ido quedando en el olvido hasta para el propio Page, le otorgó reputación intachable no sólo como guitarrista, sino también como productor y arreglista.
Pronto le llegó a Jimmy la oportunidad de unirse a los Yardbirds, reemplazando a uno de los grandes de los 60: el Manolenta, Eric Clapton (quien se uniría a los forajidos blueseros de John Mayall), pero sintió que sería desleal hacerle eso a su amigo. En su lugar recomendó a otro guitarrista amigo y alumno de Page: Jeff Beck. Después de un tiempo el bajista de los Yardbirds dejó la banda, Jimmy se ofreció a reemplazarlo para que la banda no se detuviera. El guitarrista rítmico Chris Dreja, consciente de las capacidades de Page, le pasaría a la guitarra y tomaría el bajo, con lo que durante un tiempo el grupo tendría a los dos músicos tocando juntos, aunque Beck saldría de la banda pronto dejando a Jimmy como único guitarrista.
Así fue como Jimmy creó Led Zepelin
Es así que después de grabar el álbum Little Games, todos abandonan el grupo y Page se queda solo, así que recluta nuevos músicos para cumplir con unas fechas pendientes para los Yardbirds en Escandinavia. Comenzó a reclutar músicos, entre ellos el bajista John Paul Jones con quien había trabajado durante sus días de sesiones. Page esperaba completar el grupo con el baterista B.J. Wilson de Procol Harum, y el gran cantante Terry Reid. Ninguno de estos dos se encontraba disponible, pero Reid le recomendó a Robert Plant quien a su vez recomendó a su amigo John “Bonzo” Bonham con quien tocaba en la Band of Joy.
Bajo el nombre de The New Yardbirds cumplieron con las fechas pendientes. Pronto se cambiaron el nombre a Led Zeppelin (por una broma que había hecho Keith Moon y John Entwistle sobre formar un supergrupo con ellos además de Page y Jeff Beck, decían que todas las ganancias se “irían por las nubes, como un dirigible de plomo”). El resto es historia conocida por los amantes del Rock.
Jimmy Page fue pionero en varios sonidos y siempre brilló por su madurez musical
En el primer álbum de Zeppelin, Page da muestras de su espíritu explorador, internándose en las capacidades sonoras de la guitarra eléctrica, usando un arco de violín (ya desde los días de los Yardbirds) y múltiples gadgets en el estudio y en vivo para crear paisajes sonoros, los cuales verían un grado mayor de madurez en el segundo álbum que consolidó a la banda como uno de los grandes exponentes del Rock Pesado.
Y como no faltaron los críticos que acusaban a Page de escudarse tras el estudio y la electricidad, les cerró la boca con su tercer álbum en un inesperado pero genial giro acústico de la banda. Más aún, Page no era de la idea que una banda debía reproducir fielmente los temas de los álbumes en sus shows, por lo que era bastante proclive a la improvisación y al jam con lo que ofrecía una experiencia única en cada concierto de la banda.
Se convirtió en uno de los mejores guitarristas del mundo
El trabajo de Jimmy en la guitarra suele calificarse de sucio y descuidado, sin embargo es considerado uno de los mejores guitarristas del mundo en los conteos de todos los años. Page no es un virtuoso, pero sí es un gran compositor de melodías, con un gran sentido del groove y solos que están enraizados en el Blues.
Sin hacer menos su trabajo eléctrico lleno de riffs que hoy en día son históricos y fundamentales para el Hard Rock, las grandes proezas de Jimmy son más notorias en su trabajo con guitarras acústicas, como ha quedado plasmado en bellísimas melodías como “Babe, I’m Gonna Leave You”, la épica “Stairway to Heaven”, “Tangerine”, “Black Mountain Side” en la que además experimenta con afinaciones y sonidos del medio oriente, “The Battle of Evermore” y muchas otras que abundan en el catálogo de Led Zeppelin. Johnny Ramone, Steve Vai, Ace Frehley, Eddie Van Halen, Brian May, Joe Perry, Slash y muchos más se cuentan entre los músicos marcados por el genio de Jimmy Page.
Jimmy Page conquistó el mundo junto con Led Zepelin
Para mediados de los 70, Page y Zeppelin eran dueños del mundo entero, Jimmy comenzó a interesarse en el ocultismo y compró un castillo donde vivió el mago Aleister Crowley cerca del tenebroso lago Ness, influencia que se vio reflejada profundamente en el cuarto trabajo de la banda. Igualmente tenebrosa fue la influencia de la heroína en Page, quien sucumbió ante la adicción y por lo tanto sus facultades guitarreras decrecieron, al grado que en los dos últimos álbumes de Led Zeppelin la mayor parte de los temas los compuso John Paul Jones. Es así que Page mantuvo su reinado con Led Zeppelin hasta la muerte de John Bonham (fallecido en casa de Jimmy por cierto) tras lo cual desapareció del ojo público y no volvió a empuñar su guitarra en nueve meses.
Una vez recobrado de su autoexilio, Page unió fuerzas con el bajista Chris Squire y el baterista Alan White, ambos ex-integrantes de Yes, el trío se bautizó como XYZ y aunque grabaron algunos demos, el proyecto no fructificó y sus temas fueron utilizados posteriormente en sus diferentes proyectos por separado. Page después compuso el soundtrack de películas como Death Wish II y Lucifer Rising (que en realidad es del 72 pero salió hasta entonces). Estuvo involucrado en distintos proyectos como The Firm, junto a Paul Rodgers de Free y Bad Company. También se reunió con sus ex-compañeros de los Yardbirds, Clapton y Jeff Beck en el proyecto A.R.M.S. una seríe de conciertos a beneficio de enfermos con esclerosis múltiple. En 1984 formó parte de los Honeydrippers con Jeff Beck, Plant y Nile Rodgers en el que tocaban covers de viejas canciones de Rock.
En el 85 y 88 Page se reunió con Robert Plant y John Paul Jones en los conciertos de Live Aid y el Aniversario 25 de Atlantic Records, respectivamente con los bateristas Phil Collins (quien no fue nada bien recibido por al público y la banda), Tony Thompson y Jason Bonham, el hijo de “Bonzo“, en la batería. También en esa década lanzó su único álbum solista hasta ahora: Outrider y una polémica colaboración con el ex-cantante de Deep Purple/Whitesnake, David Coverdale (a quien acusaban de ser un vil imitador de Robert Plant).
Quizás escuchando dichas críticas y con el público hambriento por algo que sonara a Zeppelin, Page y Plant se reúnen a mediados de los 90 y reviven el legado de su banda en dos álbumes, No Quarter y Walking Into Clarksdale. Ya con ese vuelo Jimmy se une a los Black Crowes para tocar grandes éxitos de Zeppelin y varios estándares de Blues que les valen buenas críticas. Sin embargo el público siempre se mantuvo ansioso por ver una reunión de una de las más grandes bandas del Rock.
Es hasta 2007 que Led Zeppelin se reúne por única ocasión luego de 19 años de ausencia con Jason Bonham, el hijo de “Bonzo”, en la batería. El concierto tuvo tanto éxito que pronto se hablaba de una reunión de la banda con todo y gira. Sin embargo Robert Plant ha dejado claro en repetidas ocasiones que no estaba interesado en una gira con Zeppelin, así que Jones, Bonham y Page, y todos nosotros, nos quedamos con las ganas de ver una última vez a tres cuartas partes de Led Zeppelin en vivo (o conformarnos con verlos en el DVD, Celebration Day).
En las mismas fechas apareció en la cinta It Might Get Loud, un documental sobre guitarras eléctricas en la que le da algunas lecciones a The Edge de U2 y a Jack White. Hasta hace poco, ya cansado de los rechazos de Robert Plant, anunció que formará su propia banda y saldrá de gira. Mientras tanto ha tenido el suficiente tiempo libre para remasterizar de nueva cuenta todo el catálogo de Led Zeppelin.
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La música es uno de esos milagros de la vida conformados por el sonido y por el viento. No puede asirse, es intangible, pero ocasiona sensaciones físicas que para explicarlas ni siquiera bastan las palabras. El pintor tapatío Javier Jiménez, bañado de música, movido por sus vaivenes y sus oleajes invisibles, lleva la inspiración musical y artística a otro sitio, al pintar la música mientras la escucha.
Sentado detrás del lienzo, mientras un trío conformado por guitarra, bajo y saxofón desarrollaban sus acordes, Javier Jiménez, con sus manos embarradas de colores, dio forma a los sonidos, las notas y las melodías que los músicos tocaban: pintó la música.
El performance tuvo lugar esta mañana en el restaurante LuSia, repleto de madres y de familias, que atestiguaron cómo el pintor, guiado por la música, le daba forma con colores sin ver siquiera el lienzo. “Yo empiezo a escuchar la pieza y pinto la música frente a la gente. Aquí yo estoy atrás de mi caballete y la gente está viendo cómo la mano empieza a interpretar la pieza musical en color, porque la música no se ve, se oye”, explica el pintor, conversando con EL INFORMADOR.
Anota que esta manera tan única de entender la música nace porque así es como pudo entenderla desde el arte. “Siempre quise tocar un instrumento, pero a mí se me dio la pintura. Entonces dije: ‘Bueno, si los músicos tienen ese don, ¿por qué no juntar las dos artes?’. Y de ahí salió el proyecto ‘Pintando la música’”.
“Pintando la música” pertenece a la corriente artística del abstraccionismo, que en palabras del pintor, encierra mucho significado más allá de su apariencia infantil. “Tiene significados que hacen que el espectador dé una interpretación muy específica, comparada con una pintura realista o academicista”, dice.
No es la primera vez que Javier Jiménez pinta la música: en 2010, cuando el abstraccionismo cumplió su primer siglo, creó obras espontáneas en el tianguis de antigüedades de El Trocadero, acompañado por la música infalible.
Dieciséis años después, otra vez como homenaje al abstraccionismo, pero esta vez en el contexto del Día de las Madres, el pintor regresó, frente al público, a dar forma a la música mediante sus manos. No usa pinceles, ni mira tampoco lo que sus manos crean: como si fuera un títere movido por las cuerdas de la música, un médium de sus caprichos sonoros, Jiménez se limita a escuchar, a sentir, y sus manos coloridas van trazando caminos de acrílico en la tela.
“Tengo una espátula chiquita por si hay que hacer algún retoque de algo que falle, pero yo siempre voy a estar atrás del lienzo y así comienzo”, explica. “Según vaya escuchando, mis manos se van impregnando de los colores de la música que oigo. Es muy interpretativo; si tú llegas a un museo o a una galería y observas esto, y yo estoy al lado de ti sin conocerte, yo daría una interpretación y tú darías otra. Igual sucede con los colores. Se manejan cálidos y fríos. Yo puedo interpretar una pieza de tango, un bolero o un blues. De acuerdo con los tonos imagino una parte cálida y otra enérgica, más fría. Así voy haciendo mis combinaciones. Porque es como sentir las notas y pasarlas directo al color”.
Necesita sentir el color con las manos
Más allá de la espátula, Jiménez no recurre a pinceles de ningún tipo. Es su mano, directa, la que entra en contacto con la pintura, y para el pintor esto es fundamental. “Tiene que ser con las manos. Eso se me hace muy importante. Porque es ‘Pintando la música’. Sería muy distante hacerlo únicamente con pincel. Tiene que ser con las manos”, finalizó.
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En distintas partes del país, el Día de las Madres se ha convertido en una de las celebraciones más importantes del año, no solo en el ámbito familiar, sino también a nivel comunitario. Cada 10 de mayo, varios municipios y ciudades organizan eventos públicos, conciertos y actividades culturales para reconocer a las madres.
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Este tipo de celebraciones ya forma parte de una tradición que cada año reúne a familias completas en plazas, explanadas y espacios abiertos.
En este contexto, el Estado de México se suma nuevamente a los festejos con un evento masivo que busca reunir a la ciudadanía en torno a la música y la convivencia familiar.
¿Quién se presentará en el concierto por el Día de las Madres en el Estado de México?
Para la edición 2026 de esta celebración, el municipio de Ecatepec anunció un concierto gratuito encabezado por la cantante Amanda Miguel, una artista de amplia trayectoria que formará parte del evento especial. La presentación forma parte de los festejos oficiales organizados en la región, donde se espera la asistencia de cientos de familias.
El espectáculo ha sido anunciado como uno de los eventos principales para conmemorar esta fecha, integrando música en vivo y un ambiente familiar que busca celebrar a las madres en su día.
¿Dónde y a qué hora será el concierto del 10 de mayo en Ecatepec?
El concierto gratuito se llevará a cabo en la Explanada Municipal de Ecatepec, uno de los puntos más representativos del municipio para eventos públicos de gran afluencia.
La cita está programada para el 10 de mayo de 2026 a las 17:00 horas. De acuerdo con la información difundida, el acceso no tendrá ningún costo, por lo que cualquier persona que desee puede ser parte de este alegre evento.
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Además del concierto, se prevé un ambiente familiar con actividades adicionales pensadas para las asistentes, en una jornada que busca reunir a la comunidad en un espacio de convivencia y celebración.
Este tipo de eventos gratuitos se ha vuelto cada vez más común en distintas ciudades del país durante el 10 de mayo, donde la música en vivo se convierte en uno de los principales atractivos para las familias que buscan festejar esta fecha tan significativa.
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Es común que en los conciertos de K-pop se siga una interesante tradición que fascina a miles: dar los famosos “freebies”. Durante estos esperados eventos, los seguidores de las agrupaciones coreanas transforman las largas filas en verdaderos centros de intercambio cultural, amistad y creatividad.
¿Qué son exactamente los ‘freebies’ y cuál es su origen?
Los “freebies” son pequeños obsequios no oficiales, elaborados a mano, que los fans preparan con meses de anticipación para regalar o intercambiar. Esta noble práctica busca crear lazos sólidos dentro de la comunidad de fans, demostrando que la experiencia de un concierto va mucho más allá del escenario.
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El origen de esta dinámica se remonta directamente a Corea del Sur, donde la arraigada cultura del fandom asiático popularizó la entrega de recuerdos en eventos musicales. Lo que comenzó como un gesto local en Seúl, hoy es un fenómeno global masivo que domina los estadios mexicanos y latinoamericanos.
¿Qué tipo de regalos se intercambian y cómo prepararlos?
La creatividad no tiene límites cuando se trata de diseñar estos presentes para los conciertos masivos. Entre los ejemplos más comunes que circulan destacan las photocards (tarjetas fotográficas) no oficiales, pulseras de cuentas con nombres de canciones, pegatinas personalizadas, llaveros de acrílico y pequeños dulces temáticos empacados con dedicación. Hay quienes se ponen más creativas y dan cosas como calendarios, bolsitos, calcetas, pantuflas, e incluso billetes todo personalizado.
Estos obsequios suelen darse horas antes del show en las inmediaciones del recinto, acercándose amablemente a otros grupos para ofrecer el intercambio.
Si deseas unirte a esta dinámica en tu próximo evento, aquí tienes una lista de tips’:
- Planifica con tiempo comprando materiales al por mayor.
- Sé creativo usando frases icónicas del artista.
- Respeta el entorno evitando dejar basura en el recinto.
- Interactúa siempre con una sonrisa sincera y se amable.
Preparar estos detalles requiere una logística impresionante por parte de los seguidores más apasionados. Muchos organizan dinámicas previas en redes sociales como Instagram, Facebook, TikTok o X, anunciando su ubicación exacta mediante mapas o fotos para que otros asistentes puedan encontrarlos fácilmente y recibir su regalo conmemorativo sin ningún contratiempo.
Una tradición que trasciende el K-pop y conquista otros géneros
Aunque los freebies nacieron y se consolidaron en el nicho del K-pop, recientemente han comenzado a expandirse con fuerza hacia otros géneros musicales. Artistas pop occidentales y bandas de rock están viendo cómo sus propios seguidores adoptan esta hermosa costumbre de regalar pulseras de la amistad durante sus giras.
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Este salto cultural demuestra que la necesidad humana de conectar con otros apasionados por la música es verdaderamente universal. La inmensa influencia de la ola coreana, conocida como Hallyu, ha enseñado a las audiencias globales que asistir a un concierto es una oportunidad para construir una comunidad solidaria y afectuosa.
Es notable que esta práctica fomenta un ambiente mucho más seguro y amigable en eventos masivos. Por lo tanto, los freebies llegaron para quedarse, transformando para siempre la forma en que vivimos, compartimos y recordamos la música en vivo junto a miles de personas.
Esta nota fue redactada con ayuda de inteligencia artificial y revisada por un editor.
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