Cine y Tv
Merlina Addams, a través del cine y la televisión

Un estandarte de gente inadaptada, disidente, de aficiones «anormales» o que a veces se consiente imaginando escenarios ligeramente retorcidos… Ella es Merlina Addams, un inolvidable personaje que ha conquistado el cine y la televisión en épocas diferentes, para gusto de diversas generaciones.
Fue a finales de la década de los 30 que la joven integrante de «los locos Addams» tuvo su debut en las tiras cómicas del caricaturista estadounidense Charles Addams. No obstante, su profunda inserción en la cultura popular ocurrió hasta que la pantalla facilitó la atención global que ella y sus singulares parientes merecían; una fama que a la fecha continúa inspirando nuevas narrativas y reinterpretaciones.

A continuación, conozcan las siete iteraciones oficiales de Merlina Addams que hasta ahora han figurado en cine y televisión. Se enlistan a partir de las distintas actrices que han interpretado al personaje, haciendo mención además de las producciones en que participaron. ¿Cuál es su favorita?
Lisa Loring
Entre los seis y ocho años de edad, Lisa Loring dio vida a la primerísima encarnación de Merlina a través de la serie televisiva en blanco y negro Los locos Addams (1964-1966), compuesta de dos temporadas —un total de 64 episodios— y transmitida por la cadena ABC en Estados Unidos.
Su versión del personaje era de placeres extravagantes; por ejemplo, tener un lagarto y una viuda negra de mascotas, o una muñeca descabezada de nombre María Antonieta. Pero en el fondo resultaba ser una niña muy dulce, ¡y bailadora! Cómo olvidar esa viralizada escena en que Merlina enseña a Largo algunos movimientos clave para dominar la pista de baile.
Posterior a la cancelación del show sesentero, Loring tuvo oportunidad de retomar su icónico papel once años después gracias a Halloween with the New Addams Family (1977), una película televisiva de NBC que convocó a la gran mayoría del elenco original y los grabó a todo color.

Cindy Henderson (voz)
Antes de que la familia Addams tuviera su propia serie animada, los personajes caricaturizados —enteramente basados en las ilustraciones de Charles Addams— presumieron una aparición especial en un episodio de Las nuevas películas de Scooby-Doo, de la casa productora Hanna-Barbera. Ahí, la pandilla de Misterio a la Orden decide ayudar a los Addams y descubrir quién está detrás del secuestro de la pequeña Merlina, en voz de Cindy Henderson.
La misma histrión siguió interpretando a la peculiar niña de cabello negro, ahora sí, en el show de animación The Addams Family (1973) de NBC, a lo largo de sus únicos 16 episodios, también producidos por la dupla William Hanna y Joseph Barbera.
Esta Merlina destaca por sus profundos ojos negros y un insólito vestido rosa. Y a diferencia del de Lisa Loring, el personaje de Henderson tenía alrededor de 12 y 13 años de edad, aunque seguía sin ser la persona lúgubre retratada en versiones posteriores.

Christina Ricci
En los años 90, llegó a cines la que es consideradada la versión definitiva de Merlina Addams; una niña que rehuye la positividad, al igual que cualquier gesto de cariño, teniendo una desatada tendencia a realizar actividades macabras y pavorosas. Pero claro, el arribo de esta emblemática familia a la pantalla grande, por medio de la película de humor negro Los locos Addams (1991) del director Barry Sonnenfeld y la casa productora Paramount Pictures, significó justamente llevar las idiosincrasias de la estirpe titular por un camino más oscuro.
A sus diez años, Christina Ricci asumió este primer gran rol de su trayectoria actoral, y que la catapultó al estrellato. Formó parte también de la secuela estrenada en 1993, donde la exhibición de una aterradora sonrisa y una explosiva reinvención del Día de Gracias terminaron por convertir al personaje en un ícono de la cultura popular.
Ya en el siglo XXI, Ricci se incorporó al elenco de la serie Merlina de Netflix, pero en los zapatos de un personaje distinto y completamente nuevo.

Debi Derryberry (voz)
En la coyuntura de las películas live-action noventeras, vio la luz otra serie animada sobre la espeluznante familia, producida por Hanna-Barbera y transmitida por NBC. Sin embargo, a diferencia de aquellas adaptaciones cinematográficas, las dos temporadas y 21 episodios del show The Addams Family (1992-1993) trajeron de vuelta ese ambiente colorido y menos fúnebre, propio de la animación primigenia.
Aquí, distanciándose de la versión de Ricci, Merlina no es ajena a expresar felicidad y ciertamente no vive con una nube negra sobre su cabeza. Mantiene una relación muy dinámica con su hermano Pericles, y suele desenvolverse con una sofisticación claramente heredada de sus padres, Morticia y Homero. Por otro lado, no pasa desapercibido que el personaje renuncia al negro y blanco para vestir de azul.
La veterana actriz de voz Debi Derryberry (Jimmy Neutrón) interpretó a la astuta primogénita de los Addams en este programa.

Nicole Fugere
Revitalizada la fama de esta familia, no transcurrió demasiado tiempo para que una novedosa película live-action llegara al mercado —en formato casero— bajo el título La reunión de los locos Addams (1998). Esta producción eligió a la joven histrión Nicole Fugere para ser la Merlina en turno, que con rigidez corporal, maquiavélico semblante y comportamiento sádico, dejaba en claro una cosa: la versión anterior de Christina Ricci dictaría los principios básicos de cómo representar a la pálida chica de las trenzas en adaptaciones audiovisuales subsecuentes.
Lo curioso es que aquel reboot vapuleado por la crítica era sencillamente una tarjeta de presentación de la serie live-action que estrenaría ese mismo año: The New Addams Family (1998-1999), donde sólo Fugere retornó como Merlina, mientras que el resto del elenco acabó siendo diferente al de la cinta.
El show en cuestión estuvo compuesto de una única y amplísima temporada de más de 60 episodios.

Chloë Grace Moretz (voz)
La siguiente iteración oficial tardaría veinte años en manifestarse, ahora en los terrenos de la animación por computadora. La película responsable fue Los locos Addams (2019), producida por Metro-Goldwyn-Meyer. Y quien dio voz a la estrafalaria Merlina fue la actriz Chloë Grace Moretz (Kick-Ass, Tom y Jerry).
Con aire tétrico y melancólico, sumado a su protagonismo, apariencia sombría, comentarios mordaces y gusto por armas mortíferas como hachas y ballestas, es nuevamente palpable el legado de las películas de Barry Sonnenfeld en la concepción del personaje. No obstante, a lo largo de la cinta, descubrimos que las puertas permanecen abiertas para que Merlina brinde destellos de ternura y variedad cromática en su vestir.
Moretz adoptó ese mismo rol en la secuela de aquel largometraje animado, estrenada en 2021. Ahí se enfatiza que entre las cualidades de la joven Addams, destaca su habilidad y talento en calidad de una niña prodigio de la ciencia.

Jenna Ortega
La enorme popularidad de Merlina, por encima del resto de su parentela, terminaría por concretar lo inevitable: si no una película, un show live-action centrado enteramente en ella. Para esto, la plataforma Netflix tuvo la dicha de asegurar la participación del célebre director, productor y amante de lo extraño Tim Burton, quien —no está de más recordar— recibió la oferta de dirigir Los locos Addams de 1991, pero le fue imposible por cuestiones de agenda.
En la serie Merlina, de ocho episodios, la histrión de ascendencia mexicana Jenna Ortega (Scream, The Fallout) encarna al personaje titular; en este caso, como una estudiante y audaz investigadora de la Academia Nevermore.
La inexpresividad, hostilidad y amor por lo macabro prevalecen, al igual que el código de vestimenta tradicional (aquí justificado por su “alergia” al color). Pero además, la versión adolescente de Ortega remarca una actitud de rebeldía dentro del núcleo familiar y sorprendentemente sigue el ejemplo de Lisa Loring respecto a hacer de un baile algo cien por ciento memorable.

También te podría interesar: ¿En qué se inspiró Jenna Ortega para crear el baile viral de Merlina?
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
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Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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