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Volver al futuro: Con todo el tiempo del mundo
Cuando las luces se encendieron en la sala de proyección, Steven Spielberg y Robert Zemeckis se voltearon a ver en silencio. Ambos sabían la misma cosa: algo estaba profundamente mal. Lo que el productor y el director acaban de ver era un ensamble de 45 minutos de Volver al futuro. La película (escrita por Zemeckis y Bob Gale) llevaba 28 días de rodaje y ésta era la primera vez que podían realmente confirmar lo que ya todos sospechaban. El ritmo de la película funcionaba; la historia se contaba bien; Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover y Tom Wilson estaban geniales… pero había un serio problema con el protagonista.
Para tratarse del personaje principal, Eric Stoltz (el primer Marty McFly) se había unido a la producción relativamente tarde. Los productores y el director querían al protagonista de la sitcom Family Ties (una estrella en ascenso llamada Michael J. Fox), pero él no estaba disponible y el resto de los histriones que habían entrevistado (Johnny Depp, Charlie Sheen, John Cusack y Matthew Broderick) rechazaron la oferta o no podían acomodarlo en sus agendas.
Aunque Stoltz era un histrión sólido y comprometido, Zemeckis tenía dudas de si un “actor de método” tan serio podría encontrar el nivel de comicidad que Marty requería. Después de todo, una de las primeras peticiones de Eric fue que todos se refirieran a él únicamente como Marty y llegaba al set cada día ya con el vestuario puesto desde su casa.
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Lea Thompson (Lorraine) recordaría muchos años después –según Caseen Gaines, en su libro We Don’t Need Roads– que, a pesar de ser un gran actor, la intensidad de Stoltz no encajaba con el espíritu de la cinta. “Esto pasó poco después de los 70. Todos los actores jóvenes querían ser De Niro o Pacino, lo cual era bueno de muchas formas… Pero ésta no era la película correcta para comportarse así”, dijo la actriz.
En efecto, la impresión de Spielberg al terminar de ver aquellos primeros 45 minutos confirmó los miedos de todos en la producción. Eric Stoltz parecía estar en una película completamente diferente al resto de los actores; una mucho más seria y dramática que la aventura intertemporal que los demás estaban haciendo.
En todo caso, la noche del 10 de enero de 1985, Robert Zemeckis llamó al intérprete a su tráiler y le dio la noticia: éste sería su último llamado en Volver al futuro. La escena que filmaban en ese momento es aquella en la que el Doc le enseña a Marty cómo funciona la máquina del tiempo, así que el único otro actor en set esa noche sería Christopher Lloyd. La responsabilidad de darle a él la noticia recayó en el productor Neil Canton, quien recuerda que cuando le dijo a Loyd, éste le respondió: “¿quién es Eric?”. “¡Tu coprotagonista!”, respondió el productor. “¡Ah, Marty!”, dijo Loyd, sorprendido, “ con razón, y yo que pensaba que era mucha coincidencia que hubieran encontrado a un actor que se llamara como el personaje”.
Volver al principio
El trato con Michael J. Fox fue que, prácticamente, durante los próximos meses él no dormiría. Para entonces, su agenda en Family Ties ya se había relajado un poco (su coprotagonista, Meredith Baxter, ya había regresado de su permiso de maternidad), pero aún así sólo le permitieron tomar la película si se comprometía a rodar la serie en el día y la película en la noche. Su primer llamado fue el 15 de enero de 1985 (terminaron de rodar la secuencia en el estacionamiento del centro comercial) y la producción entera notó un cambio de inmediato. De repente, el ambiente se sentía más ligero, todos estaban más cómodos y las primeras escenas con el Doc fueron descritas como electrizantes por quienes tuvieron oportunidad de estar ahí.
El cambio de actor representó un aumento de $4 millones a una producción que ya había tenido que ajustarse el cinturón. En recortes anteriores tuvieron que modificar su plan original para la secuencia final de la película, que involucraba una explosión masiva en el desierto. Los ajustes presupuestales, sin embargo, obligaron a Zemeckis y a Bob Gale a idear un final diferente que pudieran filmar en el set que Universal ya había construido en sus estudios en Los Ángeles. “Definitivamente fue la decisión correcta”, recordaría Zemeckis, sobre el cambio.
Otra modificación para bien, por ejemplo, fue alterar la profesión y la motivación de Marty. En la primera versión del guion era, él era un chico rebelde y rudo que trabajaba para el “profesor” Brown en la tienda de videos piratas con la que el científico financiaba sus experimentos. En aquel tratamiento, la aventura se detonaba cuando Marty intentaba regresar en el tiempo para ganar un poco de dinero apostando. Sin embargo, Universal se rehusó a financiar una película sobre piratería.
Aun así, Zemeckis tampoco accedió a todas las peticiones del estudio, como aquella de Sid Sheinberg, expresidente de Universal, en donde solicitaba cambiar el título a “Space Man From Pluto” (Hombre espacial de Plutón), pues consideraba que el nombre Volver al futuro era demasiado confuso.
El tiempo se acaba
El rodaje terminó el 26 de abril de 1985: 105 días después de haber comenzado. Es inusual que una cinta tenga más de un editor (pues cada uno podría tener un estilo diferente), pero aquí fue particularmente beneficioso por la ardua tarea que fue reemplazar a Michael J. Fox en las escenas que ya habían filmado con Eric Stoltz y la rapidez con la que tenía que ser terminada debido a los retrasos por el cambio de protagonista. Además, esto le dio oportunidad al director de ver un corte muy avanzado prácticamente al día siguiente de haber terminado de filmar. “Vimos lo que llevaban editado y dije ‘¿estoy loco? Está quedando bien esto, ¿no?’”, recuerda Zemeckis, según Michael Klastorin en el libro Back to the Future: The Ultimate Visual History. “Aún así, me costó trabajo separarme de la miseria por la que estaba pasando”.
Entre los cambios del personaje principal, reducciones de presupuesto y altercados directos con Crispin Glover (quien se rehusaba a tomar la más simple de las direcciones en su interpretación de George McFly), Zemeckis estaba exhausto. Era urgente mandar la película a una proyección de prueba para saber si lo que tenía en las manos valía la pena o no.
Las tarjetas de opinión que en esa época se entregaban al público en dichas funciones tenían cinco rubros:
- 5. Excelente
- 4. Muy buena
- 3. Promedio
- 2. Satisfactoria
- 1. Mala
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La primera proyección de Volver al futuro –llevada a cabo el 18 de mayo en San José, California– recibió el 96% de votos en las primeras dos categorías. Ninguna película en la historia de Universal había logrado eso. Pensando que quizá se trataba de un error, Sheinberg ordenó organizar otra. Esta vez, la función sería en las instalaciones de Universal y la mitad del público estaría compuesto por empleados del estudio (cuyos estándares generalmente son mucho más elevados que los de una audiencia de “civiles”). Spielberg estuvo en esa función y recuerda: “Me pareció que era la película más entrañable, contagiosa e irreverentemente cómica en la memoria reciente y distante. Los aplausos fueron ensordecedores”, según dijo a Klastorin en el citado libro.
Volver al futuro se estrenó en cines norteamericanos el 3 de julio de 1985 y el éxito fue inmediato. Ese fin de semana (uno de los más importantes del año, debido a las vacaciones del Día de la Independencia) la película recaudó más de $11 millones de dólares, cuatro más que su competencia más cercana: Pale Rider, un western dirigido y protagonizado por Clint Eastwood.
El inesperado megaéxito del filme volvió inevitable la siguiente petición de Sheinberg, quien hizo lo que cualquier ejecutivo de Hollywood haría: ordenar una secuela. El gag con el que Gale y Zemeckis habían terminado la película para hacerse los chistosos (Doc Brown regresa del futuro para llevarse a Marty y a Jennifer porque sus hijos están en problemas), tendría que funcionar como semilla para la siguiente aventura. Y para emocionar a los fans, Universal añadió la leyenda “Continuará…” al final de la película, cuando ésta fue lanzada en formatos caseros.
Hoy, a casi cuatro décadas del estreno de la primera, incluso el futuro propuesto por la segunda cinta es ya nuestro pasado, pero las aventuras del Doc y de Marty siguen vigentes. Tanto, que aún hay fans que piden una cuarta y Hollywood, siendo Hollywood, seguramente ya ha considerado un remake. Pero… ¿y Zemeckis? Él de una cosa sí está seguro, “eso no sucederá mientras Bob y yo sigamos vivos [ambos tienen los derechos de los personajes]. Después, estoy seguro de que lo harán”, le dijo a The Telegraph en 2015 y añadió una línea que a cualquier fan le sonará muy familiar: “a menos de que nuestros herederos puedan hacerlo algo para detenerlos”.
Continuará…
Después del estreno y del éxito de Volver al futuro, el presidente de Universal Pictures, Sid Sheinberg, ordenó la producción de dos secuelas. Aún no se terminaba de filmar la segunda parte, cuando las oficinas de Universal ya estaban llenas de cartas preguntando cuándo verían una nueva aventura.
Mientras tanto, en otra área de aquella empresa, comenzaban ya los planes para desarrollar una atracción en los parques temáticos de Universal, ubicados en Los Ángeles y en Orlando. Back to the Future: The Ride (que transportaba a los usuarios a una aventura completamente nueva y de la mano de Doc Brown) hizo su debut el 2 de mayo de 1991. Sin embargo, la realidad es que muy pocos fans tendrían la oportunidad de viajar a alguno de los parques de Universal incluyendo el de Tokio. Por lo mismo, unos meses antes de que abriera, Universal Cartoon Studios se propuso iniciar operaciones con una caricatura basada en la exitosa trilogía. Aun así, la atracción fue bastante exitosa, reemplazada hasta mayo de 2008 por un juego de Los Simpson.
Bob Gale (guionista de las cintas) no estuvo involucrado en el juego, pero la animación le emocionó tanto que decidió aceptar el puesto de productor ejecutivo y se encargó de supervisar cada uno de los guiones. Sólo tuvo dos condiciones: “Una fue que cada capítulo tuviera una introducción de Christopher Lloyd como Doc Brown”, le dijo a Michael Klastorin para su libro Back to the Future: The Ultimate Visual Guide. “La segunda fue que todos los episodios tuvieran contenido de ciencia e historia. Mi hija Samantha tenía dos años y, como todos los padres, me preocupaba mucho lo que viera en TV”.
La caricatura se estrenó el 14 de septiembre de 1991 a través de la señal de CBS. A pesar de que la mayoría del elenco no prestó sus voces para la animación, Christopher Lloyd sí participó en las secuencias live-action, dirigidas por Peyton Reed, quien muchos años después comandaría Ant-Man. Asimismo, tanto Tom Wilson (Biff), como Mary Steenburgen (Clara), repitieron sus papeles. La voz de Marty fue del actor David Kaufman y la del Doc de Dan Castellaneta, conocido principalmente por dar voz a Homero Simpson.
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La primera temporada gozó de un mediano éxito, suficiente para que se aprobara una segunda. Sin embargo, la dirección de la división de niños de CBS pidió algunos cambios. “No les gustaban los experimentos científicos”, recuerda Gale en el libro mencionado, “así que querían eliminarlos. Su otra sugerencia fue que deberíamos añadir a un personaje extraterrestre. A ambas cosas les dije que absolutamente no”. La temporada 2 sería la última. No obstante, Gale la recuerda con orgullo: “Fue muy gratificante recibir cartas de muchos maestros que mencionaban que habían replicado en sus aulas algunos de nuestros experimentos. Yo me esforcé por siempre contestar esas cartas personalmente”.
Tras haber conquistado los mundos del cine, la televisión, los cómics y las atracciones (también hay un videojuego, pero ése nunca funcionó del todo), a Volver al futuro le queda un hito más: la adaptación musical.
“Bob Zemeckis y yo nos pusimos a platicar un día”, le contó Gale a Klastorin. “Y pensamos que un musical era una idea más que obvia. Con una versión así podríamos revisitar la historia y personajes. Marty es un aspirante a rockstar, ¡tiene sentido que cante!”.
La obra teatral –que cuenta con música de Alan Silvestri, compositor del score de los filmes– se estrenó en Londres en marzo del 2020. Sus críticas han sido muy positivas y, como ya sabemos, el futuro no está escrito… pero podemos augurarle una exitosa corrida en Broadway a partir de junio del 2023.
Una versión de este artículo se publicó originalmente en Cine PREMIERE No. 310, en julio del 2020.
La entrada Volver al futuro: Con todo el tiempo del mundo se publicó primero en Cine PREMIERE.
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Aunque parezca una frase rebuscada, es cierto que la música nos conecta, incluso más allá de lo que creemos. Pero detrás de cada melodía y letra hay una historia humana fascinante, y a veces más interesante que la imaginada (o recordada) en nuestra mente. Gracias a increíbles biopics, numerosos directores nos han permitido conocer el proceso creativo, o incluso las experiencias de vida que dieron paso a temas inolvidables. A continuación, te presentamos las biopics musicales que más han sido celebradas por críticos y fans de diversos artistas.
NOTA: Las películas se presentan por orden cronológico de estreno.
Amadeus (Dir. Miloš Forman, 1984)
Ganadora de 8 Premios Óscar (incluyendo Mejor película) y considerada una de las mejores biopics musicales en la historia. Aunque basada en hechos históricos, la película se toma libertades creativas para explorar la supuesta rivalidad entre Mozart y Salieri, quien cuenta la historia desde su perspectiva. Si bien, no es un precisa en cuanto a hechos históricos se refiere, construye una narrativa de enemistad muy interesante. Es protagonizada por F. Murray Abraham y Tom Hulce; el primero encarna la envidia y la frustración de un hombre que ve su talento eclipsado, mientras que el segundo tiene la energía y encarna la genialidad que caracterizó a Mozart. Los momentos musicales, acompañados de un maravilloso diseño de producción, son el escenario perfecto para hacer preguntas sobre el éxito y las envidias que provoca.
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Selena (Dir. Gregory Nava, 1997)
Esta película fue una manera de honrar la vida y el legado de Selena Quintanilla, quien fue trágicamente asesinada en la cima del éxito. Jennifer Lopez entregó una actuación tan enérgica y precisa que prácticamente se convirtió en Selena. No sólo replicó su comportamiento y forma de hablar, sino también sus icónicos movimientos en el escenario. Si bien, la película celebró su música y carrera, también habló de una mujer latina que logró alcanzar el éxito en la industria musical y se convirtió en ídolo de muchos. La carrera de su protagonista, que fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz en una película de comedia o musical nunca volvió a ser la misma.
¿Dónde ver? Max.
8 Mile: Calle de las ilusiones (Dir. Curtis Hanson, 2002)
Si algo tienen en común varias de las biopics aquí mencionadas, es que no sólo se dedican a reflejar la vida de sus protagonistas; también tienen algo importante por decir y que conecta con la audiencia. 8 Mile, ganadora del Óscar a Mejor canción original, retrató los barrios marginados de Detroit, un entorno que fue crucial en el crecimiento de Eminem. Con batallas de rap, conflictos personales y relaciones familiares con las que muchos se pueden identificar, se convirtió en todo un éxito de crítica y taquilla. Se alabó la actuación de Eminem, pero también el reflejo de los desafíos y aspiraciones de todos aquellos que buscan salir adelante en entornos hostiles, y que ven en la música su gran liberación.
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Ray (Dir. Taylor Hackford, 2004)
Interpretar a Ray Charles, uno de los cantantes más influyentes de las últimas décadas, hizo que Jamie Foxx se ganara el Óscar a Mejor actor. Hubo una ligera transformación física, pero sobre todo, un gran trabajo actoral para ir más allá de los éxitos de Charles y ahondar en sus luchas personales contra la ceguera y las drogas. En su banda sonora se incluyeron las canciones más famosas de Charles, lo cual fue bien recibido por los espectadores. Este murió sólo unos meses antes de que la película estrenara, por lo que ver su vida en pantalla fue especial. Recaudó $124 millones de dólares y recibió elogios de numerosos críticos musicales. Uno de ellos, Robert Christgau, señaló que Foxx logró “lo imposible” al conseguir casi el mismo carisma de Charles.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Johnny y June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)
Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon se convirtieron en Johnny Cash y June Warter Cash. Su trabajo los hizo acreedores de múltiples nominaciones, e incluso ella ganó el Óscar a Mejor actriz. La película se basa en un par de autobiografías de Cash y retrata su ascenso a la fama, sus luchas personales con las adicciones, la relación que mantuvo con June Carter y su transformación espiritual. Recibió buenas críticas por su apartado musical, pero también por el trabajo de sus protagonistas y la forma en que construyen una pareja encantadora. James Mangold también fue objeto de buenas críticas por su dirección, que equilibró la carrera de Cash, el contexto social de la época y la ya mencionada historia de amor.
¿Dónde ver? Disney Plus.
La vida en rosa (Dir. Olivier Dehan, 2007)
A través de una estructura no lineal, esta producción francesa nos sumerge en la vida turbulenta y apasionante de Édith Piaf, desde su infancia (viendo cómo su abuela comandaba un burdel) hasta su ascenso a la fama mundial. Si por algo sobresalió, fue por no sólo presentar la imagen idealizada de Piaf; habló de la vulnerabilidad que la caracterizó, y los demonios internos que se hicieron presentes en varias de sus letras. Marion Cotillard realizó una interpretación tan conmovedora y precisa de Édith Piaf que prácticamente se transformó en la icónica cantante. Su voz, gestos y presencia la convirtieron en ganadora del Óscar a la Mejor actriz. En términos cinematográficos, gracias a la recreación de la época, también resulta una delicia.
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Mi historia sin mí (Dir. Todd Haynes, 2007)
Sin duda, una de las biopics más particulares que se han realizado. En lugar de presentar un relato lineal de Bob Dylan, el guion lo fragmenta en seis personajes distintos, cada uno interpretado por un actor diferente (Cate Blanchett, Christian Bale, Richard Gere, Heath Ledger, Marcus Carl Franklin y Ben Whishaw). Aunque arriesgada, la idea funciona y deja que cada uno de ellos construya su faceta de Dylan. Más allá de abordar los hechos biográficos “tradicionales” en este tipo de cintas, Haynes enfocó en el proceso creativo y la influencia de la música creada por Dylan. Sí, fue un fracas de taquilla, pero los críticos y el público la recibieron de major manera. Cate Blanchett fue nominada al Óscar como Mejor actriz de reparto.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Mi nombre es John Lennon (Dir. Sam Taylor-Johnson, 2010)
Aquí nos adentramos en los años de John Lennon como estudiante, un período crucial para crear una de las leyendas musicales más grandes en las últimas décadas. Taylor-Johnson muestra a Lennon como un joven rebelde, lleno de dudas y pasiones, que busca su lugar en el mundo. También nos deja conocer las canciones que inspiraron su obra, y a millones de fans en todo el mundo. La relación con su madre, la crianza de su túa Mimi, y los primeros acercamientos con la música también forman parte de este relato. Fue una plataforma para que Aaron Taylor-Johnson se diera a conocer, pues aun cuando no obtuvo grandes nominaciones o premios, los críticos reconocieron su labor.
¿Dónde ver? ViX y Pluto TV.
James Brown: El rey del soul (Dir. Tate Taylor, 2014)
Similar a lo visto en La vida en rosa, esta producción nos cuenta la historia de James Brown, pero no cronológicamente. La actuación de Chadwick Boseman fue uno de los puntos más destacados; su caracterización y voz lograron que muchos voltearan a verlo y elogiaran su preparación. Hay recreaciones de algunos espectáculos donde Brown participó, pero también se habla de cuán ambicioso fue, cómo lidió con su ego, y la relación compleja que vivió entre fama y éxito. No fue un éxito de taquilla, pero puso aún más en el radar a su protagonista y se le consideró un interesante homenaje.
¿Dónde ver? Disponible para comprar y rentar en Apple TV y Claro Video.
Letras explícitas (Dir. F. Gary Gray, 2015)
Captar la esencia y el impacto de N.W.A., uno de los grupos de rap más influyentes de la historia, no era tarea fácil. Y menos si se quería hacer de una forma respetuosa. Por suerte, todo se conjuntó de la manera adecuada y tanto críticos como fans resultaron satisfechos. N.W.A. fue un grupo que utilizó su música como una plataforma para denunciar las injusticias sociales y la brutalidad policial. En la película, más de una escena sirvió para demostrar cómo sus temas se convirtieron en la voz de toda una generación. Fue bien recibida por su fiel representación de la realidad en Compton, California, durante los 80 y 90. O´Shea Jackson Jr. (también conocido como Ice Cube) y Dr. Dre, que formaron parte de N.W.A., estuvieron involucrados en la producción. Se convirtió en un gran éxito de taquilla.
¿Dónde ver? Prime Video.
Bohemian Rhapsody: La historia de Freddie Mercury (Dir. Bryan Singer, 2018)
Este exitoso largometraje es, ante todo, una celebración a la música creada por una de las bandas más exitosas en la historia. La recreación de sus espectáculos y la dinámica de Queen fue algo que, de inmediato, llamó la atención. Rami Malek se metió de lleno en la piel de Freddie Mercury, ofreciendo una interpretación llena de energía, gestos y movimientos que sorprendieron a los más fans del cantante. Alternando entre el desarrollo de la banda y la vida personal de Mercury, entendemos las luchas internas de este útlimo, y cómo llevó su orientación sexual ante los ojos del mundo. Aunque se tomó algunas libertades creativas, conectó con un gran sector de la audiencia. Como muestra están sus inesperados $900 millones de dólares en la taquilla mundial.
Rocketman (Dir. Dexter Fletcher, 2019)
La vida de Elton John no podía ser contada de forma convencional, y vaya que Dexter Fletcher, en conjunto con el guionista Lee Hall, entendió la misión. A diferencia de otras biopics que tienden a suavizar los aspectos más controvertidos de la vida de sus protagonistas, Rocketman aborda de frente las adicciones, las inseguridades y los desafíos que Elton John enfrentó a lo largo de su carrera. Es, en esencia, la historia de un hombre que intentó todo sólo para conseguir el amor y aprobación de su madre. El talento de Taron Egerton ayudó a las escenas musicales, con coreografías, movimientos de cámaras y voces espectaculares. Una oda a la música de su protagonista, que durante años buscó su lugar en medio de extravagancias, desamores y hasta traiciones.
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Judy (Dir. Rupert Goold, 2019)
En este largometraje, que convirtió a Renée Zellweger en ganadora del Óscar a la Mejor actriz, vemos los últimos años de vida de Judy Garland mientras se encontraba en una gira por Londres. Vemos a la estrella, sí, pero mejor aún, conocemos a una mujer luchando contra sus demonios personales, la adicción y la presión de seguir siendo la estrella que el público espera. Esta cinta va más allá de las leyendas en decadencia y nos enseña cómo la salud mental juega un papel importante en ellas. Sin duda, lo más destacado de la película es la actuación de Zellweger. Su transformación física y vocal, así como la forma de evocar la nostalgia en algunas escenas, es digna de mención.
¿Dónde ver? Prime Video.
Elvis (Dir. Baz Luhrmann, 2022)
Austin Butler, quien interpreta a Elvis Presley, fue ampliamente elogiado por su actuación. No sólo se refugió en el maquillaje y peinado para llevar su personaje a buen término, sino que también estudió al llamado “Rey del Rock”, e incluso vivió (y habló) como él durante un largo tiempo. El estilo de su director está presente en todas las escenas, y ofrece una experiencia llena de color, música y edición desenfrenada. Elvis profundiza un poco más en la relación del cantante con su representante, el coronel Tom Parker, y gracias a ello tenemos otra visión sobre su carrera. El trabajo de Austin Butler a la hora de reinterpretar algunas canciones es más que sorprendente.
¿Dónde ver? Max.
Weird: La historia de Al Yankovic (Dir. Eric Appel, 2022)
Como en el caso de Elton John, no había otra forma de contar la vida de “Weird Al Yankovic” que con una comedia fuera de serie. El cantante, músico y humorista estadounidense es famoso por sus parodias musicales, en las cuales satiriza la cultura pop, a sí mismo, o incluso a los artistas originales. Con esta personalidad como base, la película decide parodiar los clichés y tropos comunes de las biopics musicales. Daniel Radcliffe celebra la excentricidad de “Weird Al” con una interpretación muy divertida, y en la que desaparece por completo. Además de homenajear a Yankovic y su obra, esta película celebra la locura, la creatividad en cada uno de nosotros, y lo bien que se siente reír de uno mismo.
¿Dónde ver? Disponible en Blu-Ray en Amazon.
Pharrell Williams: Pieza por pieza (Dir. Morgan Neville, 2024)
Si de propuestas originales hablamos, no podemos dejar de lado esta interpretación de la vida de Pharrell Williams, pero utilizando piezas de Lego. La decisión no sólo permite un aspecto visual único, sino también hacer una referencia a la creatividad e imaginación que han caracterizado a Williams. Hay algunos elementos de documental en varias escenas, como entrevistas que mezclan el live-action con la animación, pero también canciones icónicas que sirven para revivir la carrera del protagonista. Lejos de la fama, también se habla sobre la vida personal de Williams, qué o quiénes lo han influenciado, y hasta sus reflexiones sobre el estatus actual de la industria musical.
¿Dónde ver? Próximamente disponible en plataformas digitales.
Un completo desconocido (Dir. James Mangold, 2025)
Ambientada en los años 60, refleja un período crucial en la carrera de Bob Dylan, cuando decidió electrificar su música y desafiar las convenciones del folk. La actuación de Timothée Chalamet como Dylan fue elogiada no sólo por el parecido físico, sino también por su habilidad para el canto. Técnicamente hay una sólida recreación de la época, y la narrativa aprovecha para hablar de importantes cambios sociales ocurridos al mismo tiempo que la fama de Bob Dylan. Además de Chalamet, vemos la a participación de actores como Monica Barbaro (interpretando a Joan Baez) , Elle Faning (dando vida a Sylvie Russo) Edward Norton (como Pete Seeger), quienes complementan un periodo decisivo para que Dylan se convirtiera en semejante leyenda. Consiguió 8 nominaciones a los Óscar de 2025.
¿Dónde ver? Actualmente en cines de México.
Maria Callas (Dir. Pablo Larraín, 2024)
Tras contar las vidas de Jackie Kennedy y la Princesa Diana, el realizador chileno cerró su trilogía de “mujeres poderosas” con este relato sobre Maria Callas, la exitosa cantante de ópera que se convirtió en todo un referente. Con Angelina Jolie como protagonista, el guion se se centra en los últimos años de vida de Callas en París, mientras lidia con enfermedades y se refugia en el cariño y respeto de quienes trabajan en su casa. Hay flashbacks a su infancia, los primeros amores, e incluso aquellos hombres que marcaron su vida. Se trata de una mirada íntima y conmovedora hacia una mujer que, incluso en sus últimos minutos, encontró la felicidad gracias al canto y la admiración que recibía por este. Uno de los trabajos más espectaculares en la carrera de Jolie.
¿Dónde ver? 20 de febrero de 2025 en cines de México.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
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Estrreno, trailer y entrevista del coming-of-age con Isaac Cherem y Aksel Gomez| Cine PREMIERE
Déjame estar contigo es una producción mexicana en la que Bruno y Lucía, un par de adolescentes con toda la inexperiencia del mundo y nada de tiempo restante, deciden aventurarse en la mágica experiencia humana que es querer a alguien y dejarse querer por ese alguien.
¿De qué trata Déjame estar contigo?
Bruno es un joven de 18 años que es deportado de Estados Unidos a México sin conocer nada ni a nadie. Lucía es una universitaria de 19 años con una enfermedad incurable. Sus caminos se cruzan cuando Bruno, trabajando en un call-center, llama a Lucía, quien le pide ayuda con una situación urgente.
En esta llamada encontrarán empatía, esperanza y mariposas en el estómago provocadas por alguien a quien todavía no conocen. Cuando lo hacen, tendrán que decidir cómo enfrentar sus sentimientos por el otro.
¿Quiénes están detrás de Déjame estar contigo?
Esta montaña rusa de emociones está escrita por Fernanda Eguiarte (La flor más bella) y dirigida por Isaac Cherem (Leona), quien nos compartió en entrevista para Cine PREMIERE que ella “es una persona muy tierna, entonces siento que ella ve así las relaciones”, además de que la inspiración para tomar este proyecto fue “mi experiencia personal de transición a la adultez, que tengo muy presente, que fue muy importante, que fue muy intensa y que, además, fue mientras me mudaba la Ciudad de México. Entonces era como un poco lo que vive el personaje de Bruno”.
En las sillas de producción tenemos a José Nacif Gobera (La caída), Marco Polo Constandse (Casi el paraíso), Catalina Aguilar Mastretta (Cindy, la regia: la serie) y Mariana Rodríguez Cabarga (Temporada de huracanes) a través de Filmadora; mientras que Fernanda Eguiarte y Ramiro Ruiz (Somos oro) se enmarcan como productores ejecutivos. La cinta está distribuida por Videocine.
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El elenco detrás de Déjame estar contigo
Aksel Gómez hace su debut fílmico en esta cinta, quien también nos contó en entrevista que encontró muchas similitudes con su personaje, a tal punto que sentía que estaba predestinado. Como Bruno, él también ha vivido toda su vida en Estados Unidos, lo que ayuda muy poco en su habla del español, sin embargo, aunque al principio podemos detectar cierto acento que lo delata, para el final su pronunciación tiene una notoria mejoría.
Al respecto, dijo que todo fue cuestión de “práctica, también, hablando con Andrea y con el crew. Y también hice una playlist de canciones de puro español, y las cantaba en la mañana antes de ir al set para que se me aflojara la lengua”. En esta misma conversación, Isaac preguntó cómo se comunicaba con sus papás, a lo que Aksel respondió que utilizaba el inglés, el español y el spanglish: “Como mi papá no es de Estados Unidos, es de México también, con él hablo mucho español; y con mi mamá es mayormente en inglés, pero sí, a veces le hablo en español también”.
A su lado, también protagonizando, se encuentra Andrea Sutton (The Gigantes), uniéndoseles Silvia Navarro (Papá o mamá), Johanna Murillo (La liberación) y Regina Blandón (Firma aquí).
¿Cuándo estrena Déjame estar contigo?
Este coming of age llega a las salas de cine mexicanas a partir del 30 de enero de 2025.
Póster oficial
Trailer oficial de Déjame estar contigo
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Yessica R. Viais Vivo creyendo que no se trata de lo que ves en la pantalla, sino de lo que te hace sentir, y mí me gusta mucho sentir. I’m just a girl… jaja
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Como ha sucedido en los últimos años, la fuerza interpretativa de las mujeres ha dejado espectaculares resultados. Hace unos meses, dos leyendas de la industria (Angelina Jolie y Nicole Kidman) parecían inamovibles entre las nominadas al Óscar 2025 como Mejor actriz, pero las últimas semanas han dado un gran giro a la competencia. Contendientes internacionales, películas exitosas y otros premios han hecho que la categoría sea una de las más difíciles para predecir. Y no nos malentiendan, eso se agradece.
Considerando los resultados de la temporada de premios, la narrativa alrededor de esta, e incluso los discursos, a continuación te presentamos nuestra predicción de la actriz que se alzará con la estatuilla más codiciada de la industria cinematográfica.
Revisa aquí la lista completa de nominaciones y nuestro análisis (con predicciones) por categoría.
Demi Moore – La sustancia (Predicción CP)
Tras años de ausencia, Demi Moore demostró que no sólo tiene el talento para protagonizar una cinta arriesgada, sino también las agallas para retarse a sí misma. Si los momentos más “extraños” en La sustancia funcionan (y vaya que hay muchos) es gracias a ella, que además ya tiene en la bolsa el Globo de Oro. Es díficil imaginar a otra actriz que pudiera interpretar a Elisabeth Sparkle con tanta dignidad y precisión.
A favor: Una poderosa narrativa muy similar a la que se ve en la película. Su discurso de agradecimiento en los Globos de Oro hizo que el mundo volteara a verla. Por otro lado, la Academia ama los regresos como este… y a los actores ocultos tras grandes capas de maquillaje.
En contra: El poco amor que los votantes han dado al terror / thriller, o a películas con una temática e imágenes igual de sangrientas. Mikey Madison también representa una gran amenaza.
Mikey Madison – Anora
La historia de una trabajadora sexual que sucumbe ante el amor hizo que esta joven actriz consiguiera el reconocimiento mundial. Los fans de Scream y Había una vez… en Hollywood ya la conocían, pero ahora fue el turno de la industria para ponerla en la cima. Como en el caso anterior, no habría una Anora tan aclamada de no ser por Madison.
A favor: Una película constante en nominaciones para otros premios. Madison ha conseguido todas las nominaciones de los premios precursores y carga, totalmente, con el peso de la cinta. Para quienes no la conocían, es toda una revelación.
En contra: El contenido sexual de la cinta podría alejar a algunos votantes. Se trata, también, de una actriz que “apenas” tiene 25 años. Muchos podrían considerar que, con su talento y edad, no batallará en conseguir otra nominaciones y galardones en el futuro.
Cynthia Erivo – Wicked
Después de una larga carrera en el teatro y algunos papeles en la pantalla grande (no todos igual de exitosos), la británica consiguió uno de los personajes más aclamados en 2024: Elphaba. La historia no contada de la bruja verde nos recordó su increíble talento vocal, pero también el rango que tiene para ir de la felicidad al coraje en sólo instantes.
A favor: Una película más que complaciente. La gran mayoría de los que ven Wicked resultan fascinados por su historia y mitología. Por otro lado, la cinta cierra con su interpretación de Defying Gravity, donde entrega todo de sí y crea momentos memorables. Tampoco se ha quedado fuera de las nominaciones más importantes.
En contra: Hay una competencia brutal por parte de Madison y Moore, y si hay una actuación de Wicked que será premiada por la Academia, esa pinta para ser la de Ariana Grande como Glinda. No todo está perdido, pues podría competir el próximo año gracias a Wicked: For Good, y a la canción que coescribió para la película.
Karla Sofía Gascón – Emilia Pérez
Más de una década atrás disfrutamos de su talento en Nosotros los Nobles, e incluso hace un par de años participó en un programa de cocina mexicano. Hoy, Karla Sofía Gascón llega a la contienda con un premio de Cannes y múltiples marcas en otras ceremonias, pero sobre todo, con una seguridad impresionante. Hay muchas cosas cuestionables en la película donde participa, pero si alguien cumple con lo que se le pide, es ella.
A favor: Una película adorada por la crítica internacional. Si los votantes extranjeros apoyan una actuación, muy probablemente sea esta. Al ser la primera actriz trans nominada a un Óscar, también arrastra consigo una importante narrativa. Su triunfo, por muchas razones, sería un momento histórico.
En contra: Las dudas sobre su rol en la película. Esta lleva el nombre de su personaje como título, pero muchos la consideran una interpretación secundaria y ven a Zoe Saldaña como la verdadera protagonista y es ella quien ha recibido más elogios.
Fernanda Torres – I’m Still Here
Creció en un entorno marcado por el arte. Su madre, Fernanda Montenegro, es considerada una de las actrices brasileñas más importantes de la historia, y ahora es su turno para continuar con el legado. Las buenas críticas a su trabajo y el apoyo de fans y críticos internacionales parecen coincidir en una cosa: “lo que bien se aprende, nunca se olvida”. Es considerada una gran figura en el arte contemporáneo brasileño.
A favor: Una sorpresiva victoria en los Globos de Oro, donde venció a actrices con mayor renombre. Su película, desde entonces, ha debutado con éxito en otros países y ha generado más conversación a su alrededor. Es una carrera muy abierta, y si los votantes internacionales deciden apoyarla, podría repetir la sorpresa. Además, que su película contienda al premio máximo no se debe ignorar.
En contra: Prácticamente todos los premios precursores han ignorado su trabajo. No estuvo presente en los Critics Choice Awards, SAG o BAFTA, y por ello, se puede considerar que la nominación es su verdadero triunfo.
Juan José Cruz. Soy de los que siempre defendió a Robert Pattinson como Batman y puede ver la misma película en el cine hasta 7 veces. ¿Mi gusto culposo? El cine de terror de bajo presupuesto.
ues de anuncios individuales.
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