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Kasabian se inspira en el espacio y la salida de Tom Meighan en ‘The Alchemist’s Euphoria’
Para su séptimo disco de estudio, Kasabian enfrenta uno de los retos más difíciles en su carrera de 25 años: superar la salida de su vocalista Tom Meighan (ACÁ la noticia). En 2020, la voz de la banda se declaró culpable de agredir a su entonces prometida, ahora esposa, Vikki Ager. De inmediato, la banda anunció su separación del proyecto, por lo que Sergio Pizzorno tomó el papel de cantante y frontman.
Un par de años después, la banda originaria de Leicester lanza The Alchemist’s Euphoria, ante la expectativa y curiosidad de sus fans por ver si la banda puede seguir sin una pieza clave de la alineación. Y debemos decir que la voz y presencia emblemática de Tom, quien ha lanzado algunas canciones previas a un disco completo como solista, impactan a lo largo de las nuevas doce canciones que se encuentran por debajo de los cuarenta minutos de duración.
Sergio ha sido el único compositor acreditado de la banda desde la salida de Chris Karloff después del disco homónimo, dejando algunas rolas del Empire (2006) en su legado con la banda. Además de Kasabian, Pizzorno tiene un proyecto solista llamado THE S.L.P., en donde escuchamos su sonido sin restricción alguna, con un álbum lanzado en 2019.
Lo más electrónico de Kasabian a la fecha
La banda siempre ha buscado cambiar su sonido, incorporando desde su disco debut elementos electrónicos, con una sólida base de riffs y baterías agresivas. La innovación siempre ha estado presente en sus lanzamientos, lo que ha sido agradable cuando aciertan en incorporar algún elemento nuevo, como las progresiones digitales permanentes del Velociraptor! (2014) o los interludios en el 48:13 (2017).
Kasabian se mueve desde conmovedoras canciones acústicas (“British Legion”, “Goodbye Kiss”) hasta explosiones violentas que arman mosh pits en sus conciertos (“Swtichblade Smiles”, “Bumblebee”), pasando por canciones bailables y divertidas (“You’re in Love with a Psycho”, “eez-eh”) y los himnos que les han dado personalidad propia, letras aceleradas y concisas con coros que las. convierten en himnos de estadio (“L.S.F.”, “Fire”, “Days Are Forgotten”).
Para este LP, Pizzorno incorpora muchos más elementos electrónicos que en los seis discos anteriores. Todas las canciones tienen sintetizadores, ritmos digitales y muchísimos efectos en voz e instrumentos, incluso con sampleos vocales. Lamentablemente, hay rolas exageradas que parecen pertenecer a otro proyectos por ser bastante electrónicas como “ROCKET FUEL” o “STARGAZR”, en las que Sergio se vuelve el protagonista y deja a la banda apenas presente.
El espacio y la separación como piedras angulares
Tomando notas de lo que ha hecho Muse en su carrera, Kasabian miró al espacio exterior para hacer algo muy orientado al space rock que no necesariamente les va bien, ya que de plano se olvidaron de hacer riffs, y cambian las baterías por beats entre sintetizadores que hacen una especie de synth rock pop con rolas como “T.U.E. (the ultraview effect), “THE WALL”, ésta última pudiendo fácilmente pertenecer a algún DJ contemporáneo como Marshmello o The Chainsmokers.
El arte del disco es bastante steampunk, con colores neón y brillo sobre un casco. como portada. Definitivamente es el disco más espacial y electrónico de la banda, lo que no necesariamente es bueno, sino que parece un esfuerzo sin completar en la amplia mayoría de las nuevas rolas.
Es inevitable relacionar letras que hablan sobre la pérdida y la separación con la salida de Tom de la banda. Aunque está el fantasma de Meighan entre las letras de todo el disco, rolas como “LETTING GO” y “CHEMICALS” hacen evidente su partida de la banda, con un mensaje sobre sobreponerse ante la adversidad y resiliencia frente a lo que venga.
Muchos errores, pocos aciertos de la banda
En el balance general del disco, pocas veces se siente realmente que estemos escuchando a Kasabian, ya que parece que Sergio tomó un protagonismo absoluto en el que relega muchas veces a la banda. Canciones completamente electrónicas, o puentes en los que prescinde de sus compañeros dan cuenta de que este disco debió haber sido lanzado bajo el proyecto solista The S.L.P.
La potencia vocal y el timbre de Tom Meighan sobre el escenario resultan un elemento difícil de olvidar cuando estamos escuchando a la banda, reconociendo que Sergio debe apegarse a su propio estilo, sin simular lo hecho por su excompañero. En la agrupación, rara vez escuchamos a Pizzorno cantar una canción completa, como “bow” del 48:13, pero era una gran voz de apoyo y reacción a la voz de Meighan.
De lo más fiel al sonido de Kasabian, encontramos “SCRIPTVRE” con Sergio prácticamente rapeando, un coro que se queda en tu cabeza y la banda ejecutando con mucha energía con algunos elementos digitales dándole brillo a la rola. Sin embargo, es innegable que pensamos en cómo hubiera sonado en la voz de Tom, acompañada de.Sergio como apoyo, una fórmula brutal en la discografía de la banda.
Parece que en vivo funcionará mejor que de estudio, con metales de apoyo:
“ALYGATYR” también forma parte de lo bueno de este álbum, en una clásica fórmula de los de Leicester, aunque Pizzorno emula la voz de Tom en casi toda la rola. Escuchamos hasta un brevísimo solo de guitarra en esta rola, una rareza en The Alchemist’s Euphoria. Eventualmente, la rola rompe en beats, lo que va bastante bien y recuerda a los dos predecesores más recientes de este disco.
Lo más rescatable es sin duda “CHEMICALS”, equilibrada entre lo digital y lo análogo, con una letra sincera ante la situación de la banda, y Sergio usando su voz propia sin emular otras. Acelerada, con un coro pegajoso y guitarras apenas distorsionadas, este. tipo de rolas pudieron haber presentado una nueva faceta sin intentar recuperar algo de lo que se perdió con la salida de Meighan.
¿Y qué es de Tom Meighan?
En este año, Tom Meighan ha lanzado cinco rolas que formarán parte de un disco solista. Mucho más orientadas al rock, inclusive blues, Tom se aprovecha de su timbre para hacer rolas que escuchamos funcionando como rock de estadio. También hablan bastante sobre seguir adelante (“Movin’ On”), y reconocer. cuando se necesita apoyo (“Would You Mind”).
Parece que el rompimiento entre Tom y Kasabian no tendrá pronta solución, sobre todo con Sergio acaparando la banda y retomándola como propia. Incluso declaró para NME: “Cuando ves a alguien cantar palabras que han. venido de ellos, hay algo mágico sobre eso”.
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Spotify ofrecerá nuevo plan de suscripción con nuevos beneficios
Spotify ofrecerá un nuevo plan de suscripción para los usuarios. Se trata de un nuevo plan premium para “superfans” que incluirá funciones adicionales para los suscriptores, según señaló Daniel Ek, director ejecutivo de la plataforma.
Este nuevo nivel llega después de que Spotify y Warner Music Group (WMG) firmaran un acuerdo plurianual que busca ofrecerle nuevas experiencias a los usuarios fanáticos de los artistas pertenecientes a esta compañía.
“El nuevo acuerdo ayudará a ofrecer nuevas experiencias a los fanáticos, un catálogo de música y videos más profundo, más niveles de suscripción paga y paquetes de contenido diferenciados“, señalaron ambas empresas en un comunicado.
¿Qué ofrecerá el nuevo plan de suscripción de Spotify y cuánto costará?
Por el momento ninguna de las dos compañías han brindado detalles sobre qué beneficios tendrá el nuevo plan de suscripción. Sin embargo, consideran que tendría un alto nivel de fidelidad con los usuarios.
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De acuerdo con Ek, esta nueva suscripción de Spotify será más atractiva para los fanáticos y además beneficiara a artistas y compositores por igual.
“Este importante acuerdo ofrece nuevos beneficios para los artistas, compositores y fans, al tiempo que posibilita una mayor colaboración que expande el ecosistema musical“, reafirmó Robert Kyncl, director ejecutivo de WMG.
Las compañías, tampoco señalaron cuánto costará el nuevo nivel de suscripción premium y si este llegará a todos los países en donde tiene presencia a Spotify o será en territorios seleccionados.
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La creación de un nuevo plan de suscripción llega en el primer año de rentabilidad para Spotify, después de 17 años de su creación. Su beneficio operativo para el trimestre alcanzó un récord de 509,48 millones de dólares lo que contribuyó a un beneficio operativo total de 1.495 millones de dólares para el año fiscal 2024.
Con información de SUN
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Inteligencia artificial: ¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?
Luego de anunciar su regreso a la música con el próximo lanzamiento de su nuevo álbum, Lady Gaga vuelve a causar sensación entre los amantes de la música, especialmente sus fans, los “little monsters”.
Hace unos días la “Mother Monster” reveló que su nuevo álbum, Mayhem, saldrá a la luz el próximo 7 de marzo. Al día de hoy, la cantante ha publicado dos sencillos, “Disease” y “Abracadabra”, que nos muestran una probada de lo que será su siguiente disco. Lo que más destaca de estas dos canciones, es que tienen un sonido y estética muy parecidos a la música de sus inicios, con álbumes como The Fame Monster o Born This Way, causando curiosidad y emoción por el público.
En este sentido, se le pidió a la inteligencia artificial de ChatGPT que determinara cuál es la mejor canción de Lady Gaga, siendo esta una tarea complicada, ya que su catálogo musical es amplio y diverso, y cada canción resuena de manera distinta según los gustos, emociones y contextos personales de quienes la escuchan.
¿Cuál es la mejor canción de Lady Gaga?
Según la IA, “Bad Romance” podría considerarse como una de las mejores canciones de su carrera. Lanzada en 2009 como parte de su álbum The Fame Monster, esta canción es una obra maestra pop, que encapsula los elementos distintivos que hacen a Lady Gaga una artista excepcional.
La canción combina una producción innovadora, una melodía pegadiza y una interpretación vocal poderosa, mostrando la capacidad de Gaga para fusionar estilos musicales electrónicos con letras emocionalmente resonantes.
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“Bad Romance” se destaca no solo por su éxito comercial, alcanzando el primer puesto en numerosos países y ganando varios premios, sino también por su impacto cultural. La canción se convirtió en un himno de la década de 2010, consolidando a Lady Gaga como una figura central en la industria musical.
Por otro lado, el video musical, con su estética futurista y coreografía icónica, redefinió los estándares de la creatividad visual en la música pop.
Desde una perspectiva lírica, “Bad Romance” aborda temas universales como el amor obsesivo y la vulnerabilidad emocional, lo que permite que los oyentes se identifiquen con la narrativa de desear una relación imperfecta pero apasionada.
Este nivel de sinceridad y complejidad emocional es un rasgo distintivo en la música de la “Mother Monster”, quien ha sabido conectar con su público al exponer sus propias luchas y sentimientos.
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En conclusión, “Bad Romance” es una canción que captura la esencia de Lady Gaga como artista: audaz, emocionalmente honesta y visionaria. Aunque su discografía incluye muchas otras joyas, esta canción destaca como un ejemplo emblemático de su capacidad para trascender los límites del pop convencional, y crear arte que permanece en la memoria colectiva.
Sin duda, tanto sus fans como el público en general, están atentos al nuevo material discográfico que Gaga está por revelar.
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5 power trios de mujeres en la música
Lo que necesitas saber:
Los power trios son una de las configuraciones más populares para las bandas de rock. Te traemos 5 power trios de mujeres a lo largo de la historia de la música.
Un power trio en el rock es una formación musical compuesta por tres instrumentos: guitarra eléctrica, bajo eléctrico y batería. A pesar de lo simple que parece, ha sido fundamental en la historia del rock, como punto de arranque de algunas de las bandas más influyentes y creativas.
Aunque no está del todo definido y hay puntos de vista contradictorios, sus orígenes se remontan a Cream, la bandota compuesta por Eric Clapton, Ginger Baker y Jack Bruce. La banda londinense marcaría desde 1966 un hito para el resto de la historia de la música, ya que muchas bandas han seguido su configuración.
Cream pelea haber sido el primer power trio con The Jimi Hendrix Experience, que contaba con Jimi, Mith Mitchel y Noel Redding. La banda se formó en el mismo año que Cream, así que en ese entonces el mundo podía apreciar a estas dos bandotas.
Ahora, décadas después de su origen, los power trios tienen bastante variedad, y ahora analizaremos como es que el girl power ha dominado este tipo de formación de banda, con algunos matices. Te dejamos 5 bandas de puras mujeres esenciales para entender los power trios.
Sleater-Kinney: del riot grrrl a ser las heroínas del underground
Este power trio de culto es una muestra del poder que tiene la configuración clásica de este tipo de bandas. El grupo comenzó como parte del movimiento riot grrrl y rápidamente se convirtió en una parte clave de la escena del indie rock estadounidense.
La banda es conocida por sus posicionamientos feministas y de tendencia izquierdista La banda hizo una pausa en 2006 y se reunieron en 2014, aunque Janet Weiss dejó la banda en 2019. Sleater-Kinney ha sido citado como una influencia importante por muchos artistas, incluyendo a Bikini Kill, The Gossip y Paramore.
El sonido de Sleater-Kinney se caracteriza por sus letras de tendencia izquierdista, voces melódicas y ritmos de batería de alta energía. Muchas de sus canciones abordan temas de política, feminismo y la experiencia de las mujeres en la sociedad. Si quieres entrarle a Sleater-Kinney, tienes que echarte sus discos Dig Me Out, One Beat y The Woods.
The 5.6.7.8’s: rocksito retro directo desde Japón
The 5.6.7.8’s es un grupo femenino japonés de garage rock, que se formó en Tokio en 1986. Su música es un riquísimo homenaje al surf y garage rock estadounidense desde los cincuentas en adelante.
Son famosas por su energía en vivo y la estética retro, además de su aparición en la película Kill Bill Volumen 1 de Quentin Tarantino. Tienen un sonido crudo y enérgico, con influencias del rock and roll clásico y hasta punk rock.
Principalmente cantan en japonés, pero muchas de sus canciones son covers de temas estadounidenses de rock and roll, lo que les ha ayudado a irse de gira por todo el mundo.
Boygenius: el super power trio que no sabíamos que necesitábamos
La historia de los power trios viene desde la configuración de Cream, quienes son vistos como una superbanda, y las Boygenius han traído a esta época la categoría de un power trio que también es una superbanda.
Con muchísima anticipación de su disco debut desde que se anunció la banda, no nos decepcionaron ya que The Record es asombroso, y Julien Baker, Phoebe Bridgers y Lucy Dacus exhibieron todo el talento musical y también la química que tienen en su composición.
La mayoría de las canciones en The Record de Boygenius son muy destacables, catárticas y liberadoras para el trío, quizás únicamente algunas acústicas calman demasiado los momentos climáticos, y aún así son introspectivas y muy bien trabajadas. Preparen los pañuelos para llorar.
HAIM: un enfoque fresco al power trio
Las hermanas Haim le dan un toque multiinstrumental a la configuración clásica de un power trio. Alana (guitarra y teclados), Danielle (guitarra y batería) y Este (bajo) Haim conforman un power trio en el que las tres le entran a las voces, aunque Danielle suele ser la vocalista principal.
Partiendo del rock hacia una mezcla con pop elegante y algunos elementos del funk y rhythm and blues, las HAIM han sido de las bandas más importantes de la última década.
Sus presentaciones en vivo son una muestra de la energía inagotable que tienen sobre el escenario, algo que presenciamos desde que las vimos en el Corona Capital 2016. Su excelente Women in Music Pt. III tiene ya 5 años de haber salido, por lo que estamos ansiosos de escuchar un nuevo material de estudio de HAIM.
The Warning: rock puro y duro en una configuración clásica
Este es un power trio clásico, que honra el formato tradicional con un virtuosismo asombroso. Alejandra (bajo), Daniela (guitarra y voz) y Paulina (batería) han captado la atención internacional y ya se han presentado en algunos de los festivales más importantes del mundo como Wacken Open Air o Pol’and’Rock.
Les hemos contado bastante sobre el fenómeno que han sido las Warning en una carrera que aún podemos considerar corta. El camino a agotar tres fechas en el Auditorio nacional ha estado lleno de constancia, con grandes lanzamientos y presentaciones potentísimas.
Su disco más reciente, Keep Me Fed, es hasta ahora su mejor trabajo de estudio, ya que incorporó lo mejor de su sonido, sin temor a probar con algo electrónica y cambiar de inglés a español. Para dimensionar la magnitud de este power trio, ya lograron vender tres fechas en el recinto más icónico de la CDMX, el Auditorio Nacional.
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