Musica
Recordemos el legado de Cedric Bixler y Omar Rodríguez más allá de The Mars Volta
La historia de la música está plagada de parejas creativas excepcionales… Y en lo que respecta al nuevo milenio, el tándem conformado por Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López debe ser uno de los más icónicos.
Pero esto no solo por lo que representan cada uno como músicos, pues su valor individual es innegable ya sea en la guitarra, en la voz o en el estudio. Hablar de ellos es referirse a un combo que en conjunto ha sabido reinventarse, complementarse y llevarse a nuevos niveles en cada momento que se han abierto la puerta con un nuevo proyecto musical.
Llamar la atención para bien y triunfar con diferentes bandas no es cosa fácil. Pero estos dos son la excepción. Y vaya legado el que han dejado… es más, ya que andamos en la nostalgia, recordemos algunos de los mejores proyectos musicales en los que ambos han participado juntos.
At The Drive-In y su poderoso post-hardcore
Hubo un momento a finales de los 90 e inicios de los 2000 en el que el post-hardcore tuvo un auge importante en la escena musical mundial. Y ahí, At The Drive-In eran uno de los amos absolutos del estilo.
Pero ellos eran distintos de otras bandas de su camada en el entendido de que, por ejemplo, sus letras eran más crípticas y no eran tan directas o fáciles de interpretar. Desde ese momento, ya se veía en Cedric Bixler una tendencia a explorar una escritura poco convencional.
El vocalista nacido en El Paso pero de origen mexicano, estuvo en diversas bandas de la escena texana hasta que llegó a ATDI. Y luego de un tiempo, decidió traer a su viejo amigo Omar Rodríguez -que andaba de pata de perro por el mundo sin rumbo fijo- para que se agregara al proyecto. Tremendo acierto.
El estilo enérgico de Omar en la guitarra revolucionó el post-hardcore hablando del tema instrumental. Y eso se nota cuando vemos el cambio notorio entre el disco Acrobatic Tenement (donde el guitarrista principal era Jim Ward mientras Rodríguez López le daba al bajo) hasta In/Casino/Out, donde es evidente la evolución de una banda que pasó de las composiciones puramente ‘punkarras’ a un sonido que se mantenía agresivo, pero también experimental.
Luego de varios años como una banda de culto, ATDI se hizo con la fama internacional más marcada tras el lanzamiento de Relationship Of Command, la obra maestra que los catapultó a tarimas más grandes en las que un público masivo pudo presenciar por fin la locura que este grupo texano era capaz de desplegar.
Porque si hay un rasgo definitivo de At The Drive-In, eran esas caóticas presentaciones donde Omar parecía poseído mientras tocaba. Y qué decir de Cedric, a quien parecía no importarle en lo absoluto enloquecer en cualquier rincón del escenario. Por ahí en YouTube se pueden encontrar algunos videos de su presentación en el Big Day Out del 2001, donde podemos ver la locura de esta bandota. Su regreso del 2015 al 208 fue increíble, dicho sea de paso.
Algunas canciones chidas para recordar: “Cosmonaut”, “Arcarsenal”, “One Armed Scissor”, “198d”, “Hulawoop Wounds”, “Napoleon Solo”, “Lopsided”, Hourglass”, “Rascuache”.
De Facto y la experimentación en el dub
Para la mala fortuna de los fans, At The Drive-In se separó tras Relationship Of Command. Pero en los últimos años de la banda, Omar y Cedric ya comenzaban a explorar su lado más experimental con un proyecto al que llamaron De Facto (luego de varios nombres que se barajaron por ahí).
Lejano al post-hardcore que venían manejando de tiempo atrás, esta bandita nació solo con el fin de organizar algunas jam sessions donde el dub era su motivación principal, agregando toques de reggae, algunos tintes salseros menores, algo de música electrónica y un montón de influencias que hacen muy difícil encasillar lo que hacían.
Y aquí, Omar pasó al bajo mientras Cedric se rifaba en la batería. Realmente, el encanto de De Facto estaba en los otros dos integrantes de la banda: el mítico tecladista Ikey Owens (fallecido en 2014 mientras estaba de gira en México con Jack White) y Jeremy Ward, un técnico de sonido y viejo amigo a quien Omar y Cedric conocieron por ser primo de Jim Ward (segundo guitarrista de ATDI).
Sin embargo, De Facto tuvo a muchos músicos conocidos en sesiones y tocadas, siendo uno de los más recordados el mismísimo John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers. Pero bueno, más allá de eso, De Facto era la otra raíz con la que Rodríguez-López y Bixler-Zavala pronto aprovecharían para llevar su genio creativo conjunto al próximo nivel…
El máximo esplendor llegó con The Mars Volta
Con el nuevo milenio encima y llegando al 2003, el nü metal moría poco a poco, el pop-punk agarraba tintes emo y el indie-rock se alzaba como la tendencia a seguir con Nueva York y el Reino Unido como estandartes. ¿Había entonces espacio en la escena musical para una banda diferente? Sí y esa fue The Mars Volta.
Omar y Cedric siguieron colaborando con Ikey Owens y Jeremy Ward. Además, en esos primeros años de los 2000 conocieron a cada vez más músicos, todos de diferentes niveles y habilidades como Eva Gardner, la considerada primera bajista oficial de TMV con la que se grabó el extended play Tremulant.
Ese material, de alguna forma conjuntaba la furia post-hardcore de At The Drive-In con los elementos más psicodélicos de De Facto. Pero el grado de experimentación y de improvisación llegó a otro nivel, en el entendido de que el excelente baterista Jon Theodore, la propia Gardner y Owens amplificaron las propias habilidades que Omar y Cedric mantenían contenidas en sus otros proyectos.
Claro, The Mars Volta también tiene una deuda eterna con Jeremy Ward, quien como el sonidista de confianza de Bixler y Rodríguez les dio a esta nueva banda una sonoridad característica. De hecho, Ward falleció poco después de que el grupo lanzara el aclamado De-Loused in the Comatorium, que curiosamente (y fatídicamente) era un álbum conceptual basado en la historia de otro viejo amigo de Cedric llamado Julio Venegas fallecido en 1996.
Antes de ese disco debut, Eva Gardner también dejó a la agrupación, así que muchos otros músicos como Flea de Red Hot Chili Peppers le entraron al quite en algunos tracks. John Frusciante también contribuyó, ya que su amistad con la banda ya estaba más que cimentada.
La escena musical mundial no entendió si esto era un material de post-hardcore experimental con tintes de metal, jazz, salsa, electrónica, psicodelia, etcétera. Pero la música que había en él era tan vasta y llena de texturas que llamarle rock alternativo le quedaba chico. Y bueno, los expertos de la prensa musical en todo caso decidieron encasillarlos como algún tipo de rock progresivo de esencia muy punk por su frenético despliegue.
Básicamente, los siguientes discos de The Mars Volta como Frances The Mute, Amputechture, The Bedlam In Goliath, Octahedron y Noctourniquet siguieron esa línea del De-Loused, con temáticas intrincadas y misteriosas, música llevada al máximo nivel de ejecución (las baterías de Thomas Pridgen en el Bedlam, por ejemplo, son para enloquecer), actuaciones frenéticas y más. Algunos mejores recibidos que otros, pero cada álbum tiene rolas increíbles que los vuelven imprescindibles.
Rolas para recordar: “Inertiatic ESP”, “Roulette Dares (The Haunt Of)”, “Televators”, “The Widow”, “”L’Via L’Viaquez”, “Viscera Eyes” “Asilos Magdalena”, “Wax Simulacra”, “Ilyena”, “Conjugal Burns”, “Teflon”, “Desperate Graves”, “Dyslexicon”, “The Malking Jewel”.
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Antemasque, el proyecto genial que no fue tan épico
Luego de muchos discos geniales, The Mars Volta desapareció en 2013… pero no el combo creativo de nuestros ya mencionados hasta el cansancio Omar Rodríguez y Cedric Bixler.
Su siguiente esfuerzo se llamó Antemasque, una banda que solo sacó un disco en 2014 y que recibió atención bastante moderada del público. Pero merecía más porque ese álbum homónimo es bastante bueno en realidad. Eso sí, el material se siente como un rock garage experimental más convencional para lo que era TMV, pero que seguía en la línea de la música enérgica y poderosa de siempre.
La verdad, esta banda merecía más rato de exitencia o al menos tenía el potencial para entregarnos más cosillas cool. Además, de nuevo Flea le entró al bajo para grabar y en algún momento Travis Barker de Blink-182 se convirtió en su baterista.
Mención honorífica: El Grupo Nuevo de Omar Rodríguez-López
Bueno, todo fan del trabajo de Omar Rodríguez-López sabe que a este puertorriqueño le gusta trabajar en muchos proyectos diferentes. Y más allá de At The Drive-In o The Mars Volta, él tiene un montón de bandas que vale la pena escuchar.
Ahí tienen a los ya mencionados Bosnian Rainbows, El Trío de Omar Rodríguez-López (que incluye colaboraciones con Ximena Sariñana) y en una de sus facetas alternativas a TMV, nació también El Grupo Nuevo de Omar Rodríguez-López.
Esa banda también incluyó a Cedric Bixler y Juan Alderete, con la integración de Jonathan Hischke en los sintetizadores y Zach Hill en la batería. Su disco Cryptomnesia del 2009 suena bastante a algo que hubieran hecho con TMV, pero no lo decimos claro de forma despectiva. Vale la pena darle una escuchada nuevamente.
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Bulgaria ha dado la sorpresa este sábado al ganar por primera vez el Festival de Eurovisión con “Bangaranga”, una festiva canción interpretada por la cantante DARA y con la que el país ha regresado a un certamen en el que llevaba tres años ausente por problemas económicos, en una edición marcada por la polémica presencia de Israel, que quedó segundo.
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El voto del público confirmó el veredicto que los jurados profesionales habían emitido, colocando al país en primera posición y elevó su puntuación total a 516.
Israel, por contra, vio cómo el octavo puesto inicial dado por los jurados se convirtió en una segunda posición con 343 puntos gracias al masivo apoyo del voto del público, en una repetición de lo sucedido el año pasado.
DARA, la ganadora del certamen, definió minutos antes de anunciarse el resultado que el título de su canción, ‘Bangaranga‘ “significa el momento en que decides vivir tu amor y no tu miedo”.
 
¿Por qué la participación de Israel en Eurovisión 2026 fue tan controvertida?
La 70 edición de Eurovisión, celebrada en Viena, ha estado marcada por la polémica presencia de Israel y la ausencia en protesta de España, Países Bajos, Eslovenia, Irlanda e Islandia.
Esos países argumentaron su boicot en los ataques de Israel a la población civil en Gaza, que dejaron más de 70 mil muertos entre 2023 y 2025, en represalia a los atentados terroristas de Hamás en octubre de 2023.
 
Ha sido también polémico el sistema de votación, sobre todo después de que el diario The New York Times publicara una investigación que apunta a que una campaña del Gobierno israelí y el sistema que permitía a cada televidente votar hasta 20 veces inclinaron el resultado de forma que la representante israelí, Yuval Raphael, arrasó el año pasado en el televoto.
En esta edición se han permitido sólo diez votos por cada televidente.
¿Quién es DARA, la ganadora de Eurovisión 2026?
En lo puramente artístico, DARA es con 28 años una de las artistas pop más reconocidas de Bulgaria, y ha marcado la pauta de ese género de su país en los últimos años con su voz única, su imponente presencia escénica y su audaz fusión de géneros.
Se hizo famosa en 2015 al participar en el concurso de talentos ‘X Factor’.
Con todo, las casas de apuestas no tenían a Bulgaria en el ránking de favoritos, que lideraba Finlandia, que finalmente quedó sexto.
De hecho, la propia DARA resumió que el sentido de su canción es que sentirse en armonía con uno mismo es la clave para “ser lo que quieras ser y de que todo es posible”.
JM
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En medio de su estudio de ensayo, buscando desesperadamente una señal estable de internet, Paco Huidobro aparece en Zoom con un sombrero de palma y el username “La Cucaracha”. “Acá en el solazo, quema este sillón”, bromea entre risas antes de comenzar a hablar con EL INFORMADOR sobre el presente de Fobia y su presentación del 21 de mayo en el Auditorio Telmex. Celebran 40 años de carrera.
Lejos de la nostalgia fácil, Huidobro asegura que la banda atraviesa uno de sus mejores momentos musicales. “Este show lo llevamos preparando desde septiembre. Imagínate cuánto tiempo le he invertido a sacar esto adelante. Está sonando mejor que nunca”, afirma.
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La agrupación tiene montadas alrededor de 35 canciones para esta nueva etapa, apoyándose en tecnología que antes parecía imposible para el grupo. “Ahora sí puedo hacer las cosas tal y como me las imaginaba. Tener las consolas automatizadas, los efectos sincronizados, todo conectado. Cada movimiento en una canción requiere que una computadora mande cambios al sintetizador, a la batería, a la consola. Es muy laborioso, pero me apasiona muchísimo”.
Fobia celebra 40 años de trayectoria y una de sus etapas musicales más sólidas
El músico compara esa complejidad actual con los años iniciales de la banda tocando en Rockotitlán (legendario foro de rock mexicano fundado originalmente en 1985) con equipo mínimo.
“Veo cuando empezábamos a tocar con seis canales y unas bocinitas chiquitas y luego escucho lo que estamos grabando ahorita en los ensayos… sí está mejor que nunca”.
Antes del concierto, Paco también piensa en Guadalajara como un espacio afectivo. Muchas amistades y rituales personales lo mantienen unido en la ciudad. “Siempre me gusta ir a comer, visitar amigos, ir a ver a Jis y a Trino. Tengo cita con ellos para ir a comer. Me encanta Guadalajara”.
La conversación inevitablemente lleva a la dinámica interna de Fobia, una banda históricamente marcada por pausas, diferencias y reconciliaciones. Paco no evade el tema y define al grupo como una “familia disfuncional”. “Todos venimos de familias disfuncionales e hicimos una familia más disfuncional que es un grupo de rock”.
Sin embargo, también reconoce que el paso del tiempo ha ayudado a entender los roles dentro de la banda.
“Es como todas las relaciones humanas. Uno lleva el timón, otro iza las velas, otro suelta el ancla. El problema es cuando unos quieren el lugar de los otros. Ya con los años vas entendiendo quién hace mejor cada cosa”.
Parte importante de esta nueva etapa es la incorporación del baterista Elohim Corona, a quien Paco no duda en calificar como el mejor músico con el que ha trabajado. “Estoy disfrutando muchísimo tocar con el mejor baterista que he visto en mi vida”. Huidobro destaca el entendimiento musical y humano que encontró con él. “Hay músicos que tocan increíble y le pegan a todo lo que se encuentran. Elohim no. Él está al servicio de la canción. Tiene una filosofía parecida a la mía”.
La admiración se extiende a detalles específicos de ejecución y sonido. “La afinación es brutal. La batería ya no tiene un solo sonido uniforme. Cada parte tiene personalidad. El resultado es brutal”. También explica que la convivencia durante los ensayos ha sido determinante para mantener el entusiasmo. “Los ensayos son muy amenos. Yo aprendo mucho de él y él aprende mucho de mí. Siempre que hay algo nuevo hay entusiasmo”.
Paco Huidobro explica por qué Jay de la Cueva no forma parte de la nueva etapa de Fobia
Uno de los temas inevitables alrededor de esta nueva alineación es la ausencia de Jay de la Cueva. Paco responde sin rodeos cuando se le pregunta por qué no forma parte de esta etapa. “Porque no me convenía, la verdad”. Tras una pausa, desarrolla la idea. “Yo ya no me puedo ajustar a los tiempos de alguien más. Si quiero hacer esto es ahora y de esta manera. Lo respeto mucho y viví cosas padrísimas con él, pero en este momento no podía adecuarme a sus tiempos”.
Aunque Fobia volvió a los escenarios, la posibilidad de grabar música nueva sigue siendo incierta. Paco reconoce que tiene canciones, pero admite que la lógica tradicional de la industria ya no le interesa. “Siempre tengo muchas canciones, pero entrar otra vez al ritmo de la industria… hagan un álbum, hagan promoción… híjoles, no”.
Para él, la experiencia de las disqueras terminó convirtiendo a los músicos en vendedores. “Uno empieza queriendo ser músico y la disquera te trata como vendedor de Avón”.
Recuerda con ironía las entrevistas promocionales de los primeros años. “Íbamos a hacer promoción y las preguntas eran: ‘¿Quién tiene más novias?’ Pura pregunta pendeja”. Huidobro asegura que hoy disfruta otros aspectos de la música. “A mí lo que me gusta es mi estudio, las máquinas y tocar. Cuando empezamos a improvisar algo en el ensayo, esos son los momentos que me prenden”. Y remata con una crítica frontal a los formatos promocionales tradicionales. “No quiero ir al programa de la mañana, luego al concurso donde cambian pañales y después toca el grupo. Qué horror”.
Paco Huidobro recuerda el disco “Leche” y reflexiona sobre la creatividad, el arte y la fama
La charla también deriva hacia “Leche”, tercer disco de la banda publicado en 1993 y que Paco considera uno de los momentos creativos más importantes de la banda, aunque reconoce que fue poco comprendido en su momento. “Con el tiempo te das cuenta de que no estabas adelantado a tu época, sino en el lugar atrasado”, exclama entre una risa burlona.
El álbum fue grabado en Nueva York, en el estudio Magic Shop, rodeados de una escena artística que terminó impregnando el sonido del disco. “Absorbimos muchísima cultura. Veíamos música brasileña, DJs, arte, cine, exposiciones. Todo eso se volvió parte del disco”.
Recuerda especialmente las experiencias fuera del estudio: festivales, galerías y encuentros con figuras del arte contemporáneo. “Me acuerdo mucho de ayudar a Antony Gormley a montar una exposición. Llegó un camión con 10 mil piezas de cerámica y ahí estaba él diciendo dónde poner cada cosa. Son momentos que se te quedan grabados”.
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También habla de cómo Nueva York transformó su forma de entender la música y el arte. “No ves al artista como alguien inalcanzable, sino como alguien trabajando contigo”.
Aunque “Leche” no alcanzó la recepción masiva de otros discos de Fobia, Paco parece reconciliado con ello. “Obviamente no iba a ser un disco muy comprendido”.
Y fiel a su estilo, termina dejando una frase que resume buena parte de su visión artística y personal.
“Yo no estoy hecho para que me comprendan, sino para que me amen”.
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Lady Gaga avisó al inicio de su nueva era musical que la categoría era “bailar o morir” y después de elegir tantas veces la primera, era el momento de presenciar lo segundo para despedir su disco ‘MAYHEM’ a través de un concierto documental en el que simula un descenso a los infiernos.
La estrella estadounidense presenta para Apple Music Live ‘MAYHEM: Requiem’, una reinterpretación de su séptimo disco de estudio en solitario, cuyo adelanto ofreció de manera exclusiva en un encuentro íntimo el pasado 14 de enero en la sala Wiltern de Los Ángeles.
Si bien ‘MAYHEM’ supuso como el renacer de su etapa pop-dance más popular, en el que volvía a abrazar sus pensamientos intrusivos, esta reinvención pretende rendir un homenaje a esta era y prepararse para su acto final.
Bajo un tono sombrío, con parte del decorado de la gira que todavía sigue realizando por todo el mundo, la artista evocó un universo parecido al ‘Upside Down’ (El Mundo del Revés) de Stranger Things.
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El rito mortuorio en cada disco de Gaga
Vestida de luto y ocultando su rostro bajo un velo frente a un escenario de columnas destruidas, Gaga apareció en escena como la suma sacerdotisa para ofrecer un espectáculo inédito en forma de rito funerario.
Sin dejar atrás sus atuendos estrafalarios, pero alejada de sus coreografías frenéticas, Gaga versionó las canciones que componen ‘MAYHEM’ al son de ritmos experimentales que recordaban a grupos como Daft Punk.
Este nuevo ADN bebió de influencias del metal industrial, alejando el show de cualquier estructura convencional de concierto que acostumbra a seguir Gaga, con solo cinco músicos acompañándola sobre el escenario entre sintetizadores y un órgano de iglesia.
Gaga alternó instrumentos clásicos con efectos electrónicos para convertir el espacio en un templo dedicado a la introspección más profunda del dolor en temas como ‘Desease’ el aclamado ‘Abracadabra’.
A diferencia de sus giras mundiales, la puesta en escena que ofreció fue más estática, simulando una ópera profanada en la que solo los juegos de luces daban dinamismo a una Gaga que se movía en el espacio para tocar instrumentos, cantar y acompañar a los músicos.
En el tramo final de este íntimo concierto, el luto se transformó en un casco metálico futurista con la mezcla de la balada ‘Die With a Smile’ con un sonido de electrónica nocturna.
Con este nuevo proyecto, la estrella del pop-dance parece dar carpetazo a una guerra interna personal con la que ha estado viajando en el último año; un rito en el que sobrevivió a su propio desorden para poder navegar hacia otro horizonte.
Tras una reverencia final, Gaga desapareció entre las sombras del teatro bajo un mensaje de despedida: descanse en paz.
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