Musica
Babasónicos celebra 30 años de carrera y nos cuentan todo sobre su nuevo disco ‘Trinchera’
Pocas bandas pueden decir que tienen más de tres décadas de trayectoria y sobrevivir en la volátil escena del rock latinoamericano… Y los Babasónicos precisamente están en esta bolsa. El icónico grupo argentino se mantiene vigente, se renueva y ahora, trae bajo la manga un nuevo lanzamiento discográfico titulado Trinchera con el que abren una nueva etapa en su carrera.
Rumbo a su presentación del próximo 12 de mayo en el Auditorio Nacional, por acá tuvimos la oportunidad de platicar con Diego Rodríguez, guitarrista de la banda, respecto a este nuevo lanzamiento y lo que evoca musicalmente, la evolución y carrera de la agrupación, lo que algunos álbumes han dejado y más.
Un disco sobre atrincherarse y salir
Como decíamos, han sido 30 años de carrera para los Babasónicos. Y a pesar de todo el tiempo el tiempo juntos, es claro que han sabido reinventarse como pocos. “Nosotros tenemos todos estos años como banda, que para otros es como una esclavitud.…. Entonces, en el caso de algunas bandas es una angustia y para otras es una celebración. En el caso nuestro, lo sentimos como festejo cada disco porque no creemos que tenemos años de banda. Nosotros logramos en cada disco reprogramar a la banda”, nos dice Diego.
Precisamente, su nuevo material -el décimo tercero de su discografía- vuelve a poner de manifiesto que ellos buscan a toda costa. Por supuesto, el asunto no ha sido sencillo tomando en cuenta el tema de la pandemia y lo que ello conlleva en la producción de una nueva entrega… pero al final no fue impedimento. La nueva placa es, en todo caso, una celebración sobre salir luego de un momento complejo. Así lo describe Rodríguez:
“‘Trinchera’ tiene muchos significados y lo que tiene para cada uno de nosotros es que cuando vos estás en tu trinchera, te estas preparando para salir… [hablando de la pandemia] fue un momento para todos de estar atrincherados. Además, Trinchera’ abarca un montón de situaciones en cada una de las canciones y por eso se tardó tanto en encontrar el concepto del disco; es el más extenso que hemos hecho…. nos llevó un tiempo entender cómo poder sonar como queríamos, porque escuchamos música constantemente y eso hace que los discos tengan un audio actual, pero no el de moda. Porque no es lo mismo el audio de moda que el ritmo de moda. Este disco es muy abierto para una época en la que pasamos mucho tiempo encerrados”.
Diego Rodríguez de Babasónicos.
‘Trinchera’ y la evolución de Babasónicos en cada álbum
¿Imaginan lo complicado que puede ser reinventarse en tres décadas musicalmente hablando? No muchos artistas logran siquiera aguantar tanto un proyecto. Y si lo consiguen, la tarea de ofrecer un trabajo renovado en cada oportunidad no es sencilla.
Pero Babasónicos lo ha hecho para demostrar que sí se puede. “Tenemos una evolución muy grande donde la primera vez que nos ponemos a componer, llenamos todo el espacio de audio; no teníamos silencio. Del primer al segundo disco tuvimos una evolución muy grande porque nos permitimos tener y buscar en el silencio un instrumento más“, recuerda Diego cuando hace memoria de los primeros álbumes de la banda, esos que nos entregaron allá en los 90.
Eso, al final, fue la revelación de que tenían la capacidad de experimentar, cambiar y hacer cosas más allá de lo pensado. “El tercer disco se hizo totalmente experimental… se lo entregamos a la compañía y dijeron: ‘¡Uy! Los chicos se pasaron de mota’. En ‘Babasónica’, buscamos un disco de ensayo; un disco que no sea posible tocar a menos que seas una banda que ensaya todos los días, porque son riffs, es rock y debes ser una banda que esté muy cronometrada”, analiza Diego Rodríguez.
Luego, Diego nos cuenta sobre el disco Miami de 1999, donde él menciona que se gestó lo que considera la segunda evolución enorme de Babasónicos. “Es el segundo asalto donde creemos que entramos al estudio sin tener nada compuesto y es el hijo del que más canciones tenemos, porque no podíamos discernir que iba y que no. Esa es la segunda gran evolución, creo yo. La tercera es cuando logramos simplificarnos, entender que eso nos iba a hacer muy bien porque ya estábamos en una etapa donde tocábamos mucho en vivo y necesitábamos ser más sencillos para que la idea de la letra”, dice el guitarrista.
Y aquí, Diego rememora algo sobre la popularidad de la banda en México y como no eran tan reproducidos en aquellos tiempos; eran más de un público de nicho a finales de los 90 e inicios de los 2000. “Nosotros no éramos muy virales ni muy aceptados en la radio ni en ningún lado. En México nos comprabas en el Chopo o en Tepito…“, y por esos momentos, se dio lo que considera el tercer cambio importante del grupo: “Esa fue la tercera evolución; cuando nos dimos cuenta que podemos simplificar nuestra música para que las letras de Adrián [Dárgelos] brillaran porque se habían puesto muchos más conceptuales”.
¿La cuarta evolución de la banda? Sin duda, este disco titulado Trinchera. Diego Rodríguez resalta canciones como “Madera ideológica” o “La izquierda de la noche” de este nuevo disco, como una muestra de la ‘ópera’ que la banda había buscado siempre.
“La última gran evolución es este disco, es ‘Trinchera’. A lo largo de nuestra carrera, siempre buscamos una ópera que tiene muchos actos y muchos cambios de forma… creo que la mejor que hemos hecho sin volvernos una banda de ‘música adulta’ aburrida… Trinchera aporta mucho al imaginario de Babasónicos porque se retiran a su trinchera para volver a armarse y salir. Pero creo que esta es la vez que más armado en el buen sentido sale”.
Diego Rodríguez
Tres momentos especiales en 30 años
“Lo mejor de la banda es que nunca fue inocente. Nos atropellaron los tiempos por la cantidad de cosas que hacíamos durante muchos años, tipo 120 shows al año que es mucho, viajando, girando por toda América y varias partes de Europa”, dice Diego al hacer un comentario sobre la dinámica de la banda y cómo han funcionado durate tanto tiempo.
Pero en medio de eso, le preguntamos tres momentos cumbre en la historia de l grupo para él… y sí: le ofrece un espacio importante a su nuevo disco. “Yo creo que los tres momentos más importantes de la banda, si los tuviera que enumerar, uno sin duda es ‘Trinchera’ que va a ser un hito en nuestra carrera porque más allá de la recepción que tenga, para nosotros es un cambio enorme en la forma de transformarnos”, dice.
El regreso a los escenarios tras el tema de la pandemia es otro momento esencial, nos cuenta, y mirando al pasado, no se olvida de recordar aquel instante en que los Babasónicos se reunieron por primera vez para ensayar. “Uno de los hechos históricos es el día que nosotros formamos y la banda y nos juntamos para tocar. Rentamos lo que es un casa de verano alejada de la capital, armamos un sala y tocamos todos juntos. Ese es uno de los hitos más importantes que te puedo contar porque, por ejemplo, ves por primera vez tocar a Mariano [Roger Domínguez] y dices: ‘¡wow!’. La primera vez que veo a mi banda digo: ‘¡wow! Es un bandón’“.
“No hay mucho que le pueda decir [a su ‘yo’ de hace 30 años]. Creo que le diría que hubiera ahorrado más. Lo que podría haberle dicho: ‘estudia un poco más de música’, porque yo empecé a tocar la guitarra cuando comenzamos la banda, yo tenía 18 años. La primera vez que hice un solo de guitarra fue en los shows de la gira de ‘Dynamo’ que nos invitó a abrir Soda Stereo’...”, dice Diego cuando se le pregunta si le diría algo a su ‘yo’ de cuando iniciaba la banda.
Pues no hay más. Tres grandes décadas de carrera y los que faltan seguramente. Babasónicos regresa y ahora, nos trae este disco Trinchera que llega justo en este jueves 28 de abril 2022 para conmemorar 30 años de tocar y convertirse en una de las bandas más importantes de Latinoamérica.
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El 26 de mayo se cumplen cien años del nacimiento de Miles Dewey Davis III, el trompetista estadounidense que transformó el jazz y que redefinió la manera en que la música moderna entiende la innovación. A un siglo de su llegada al mundo, su figura permanece como una de las más influyentes del siglo XX: un artista incapaz de repetirse, obsesionado con anticipar el futuro sonoro incluso cuando eso significaba incomodar a su propio público.
Trompetista, compositor y líder de banda, Davis convirtió cada etapa de su carrera en un punto de inflexión para el jazz. Desde el bebop hasta la fusión eléctrica, su trayectoria -que abarcó cinco décadas- puede leerse como una historia paralela del desarrollo del género durante la segunda mitad del siglo pasado.
Un oído formado entre tradición y cambio
Miles Davis nació en Alton, Illinois, el 26 de mayo de 1926, aunque creció en East St. Louis dentro de una familia afroamericana de clase media acomodada.
Su entorno familiar estuvo marcado por la música desde temprana edad: su madre tocaba el violín y su hermana interpretaba piezas clásicas al piano, mientras que el gospel, el blues y el jazz entraban en su vida a través de la radio, la iglesia y los viajes familiares.
A los diez años recibió su primera trompeta, regalo que definiría su destino. Bajo la guía del trompetista Elwood Buchanan, comenzó a desarrollar un estilo poco convencional, alejado del virtuosismo explosivo dominante en la época. Buchanan insistía en evitar el vibrato excesivo, una enseñanza que terminaría moldeando el sonido íntimo y contenido que caracterizaría a Davis durante toda su carrera.
El propio músico recordaría años después la influencia decisiva de su mentor Clark Terry. “La influencia principal que recibí debe haber sido Clark Terry… íbamos a una jam y el lugar se llenaba en diez minutos. Venía a mi casa, pedía permiso a mi padre y me llevaba a tocar desde las seis de la tarde hasta las seis de la mañana”.
Aquellas sesiones marcaron su formación práctica mucho más que cualquier aula.
Nueva York y el nacimiento del jazz moderno
En 1944, con apenas 18 años, Davis se mudó a Nueva York para estudiar en la Juilliard School. Sin embargo, su verdadera educación ocurrió fuera de las clases, en los clubes nocturnos de la Calle 52, donde el bebop estaba revolucionando el lenguaje musical.
Allí conoció a figuras clave como Charlie Parker y Dizzy Gillespie, quienes lo integraron a la nueva corriente musical. Davis describió aquel encuentro decisivo con humor y asombro. “Ni siquiera reconocí a Dizzy cuando me preguntó si tenía carnet del sindicato. Yo solo quería escucharlo tocar, pero terminé subiendo al escenario”.
La experiencia confirmó que su aprendizaje debía darse dentro del movimiento creativo que estaba transformando el jazz.
De “Birth of the Cool” al cambio constante.
A finales de los años cuarenta, Davis reunió un noneto con una instrumentación inusual que incluía trompa y tuba. Aunque las grabaciones iniciales pasaron desapercibidas, posteriormente serían publicadas como “Birth of the Cool” (1957), obra fundamental que dio nombre al cool jazz y abrió una nueva sensibilidad sonora menos frenética que el bebop.
Davis continuó cambiando de rumbo. Tras el cool jazz llegó el hard bop, donde recuperó la energía del rhythm and blues; después, el jazz modal, basado en escalas más que en progresiones armónicas tradicionales. Este periodo produjo obras esenciales como “Milestones” (1958) y el legendario “Kind of Blue” (1959), considerado uno de los discos más influyentes de la historia.
Piezas como “So What”, “All Blues”, “Blue in Green”, “Solar” y “Four” muestran la amplitud estética de su obra y explican por qué su música sigue siendo objeto de estudio.
El riesgo eléctrico y la incomprensión
A finales de los años sesenta, fascinado por el rock, el funk y el soul, Davis volvió a romper expectativas al incorporar instrumentos eléctricos y ritmos más agresivos. Álbumes como “In a Silent Way” (1969) y “Bitches Brew” (1970) marcaron el nacimiento del jazz fusión.
La decisión provocó rechazo entre sectores puristas del jazz, que consideraron su electrificación una traición. Sin embargo, el tiempo consolidó esas grabaciones como una expansión definitiva del género.
Su capacidad para adelantarse a las tendencias fue constante: mientras muchos músicos perdían impulso creativo con los años, Davis seguía reinventándose.
Retiro, regreso y apertura al hip-hop
En 1975 se retiró temporalmente debido a problemas de salud y adicciones. Durante cinco años permaneció alejado de la vida pública, hasta regresar en 1980 con una nueva etapa creativa marcada por la exploración tecnológica y sonora.
Incluso en sus últimos años se mantuvo atento a nuevas corrientes musicales. Su álbum final, “Doo-Bop” (1991), incorporó elementos del hip-hop, anticipando el diálogo entre jazz y cultura urbana que se volvería común décadas después.
No es casual que artistas como The Roots, Mobb Deep, Notorious B.I.G., Outkast o Queen Latifah hayan sampleado su música, confirmando su influencia más allá del jazz.
El legado de una mente adelantada
Miles Davis falleció el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica, California, a los 65 años, tras complicaciones derivadas de enfermedades respiratorias, un accidente cerebrovascular y neumonía. Su último disco fue publicado de manera póstuma, cerrando una carrera marcada por la búsqueda constante.
Dueño de un sonido irrepetible
El sonido de la trompeta de Davis -frecuentemente interpretada con sordina Harmon- se distinguía por su lirismo, frases breves y una intensidad introspectiva que contrastaba con el virtuosismo dominante. Su estilo demostraba que la emoción podía surgir tanto del silencio como de la nota.
A lo largo de su trayectoria, convivió creativamente con gigantes del género, entre ellos Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y John Coltrane, formando parte del reducido grupo de artistas que redefinieron el rumbo del jazz y lo dotaron de una expresividad que rompió moldes.
El líder que construía sonidos colectivos
Parte del mito de Miles Davis reside en su habilidad para reunir músicos excepcionales y convertirlos en catalizadores de nuevas ideas. Aunque la autoría de algunas composiciones ha sido discutida -como el caso de “Blue in Green”, frecuentemente asociado al pianista Bill Evans- el resultado final siempre llevaba su sello artístico.
Más que imponer, Davis dirigía mediante la escucha y la intuición, nutriéndose de la creatividad colectiva para construir un sonido propio.
Cinco discos para entender su carrera
“Birth of the Cool” (1957)
El álbum que dio nombre al cool jazz. Davis rompió con la velocidad frenética del bebop y apostó por arreglos más sofisticados, atmósferas contenidas y un sonido elegante que cambiaría el rumbo del jazz moderno.
“Milestones” (1958)
Disco puente hacia el jazz modal. Aquí comenzó a abandonar las progresiones armónicas complejas para explorar estructuras más abiertas basadas en escalas, anticipando su obra maestra del año siguiente.
“Kind of Blue” (1959)
Considerado el disco de jazz más influyente de todos los tiempos. Con John Coltrane, Bill Evans y Cannonball Adderley, Davis creó una obra accesible, introspectiva y revolucionaria. Incluye clásicos como “So What” y “All Blues”.
“Sketches of Spain” (1960)
Su etapa más experimental y orquestal junto al arreglista Gil Evans. Fusionó jazz, música clásica y sonidos españoles en una obra atmosférica y cinematográfica encabezada por una reinterpretación del “Concierto de Aranjuez”.
“Bitches Brew” (1970)
El disco que detonó el jazz fusión. Davis incorporó instrumentos eléctricos, rock, funk y largas improvisaciones colectivas. Fue polémico en su momento, pero redefinió el jazz contemporáneo e influyó en generaciones posteriores.
CT
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Zapopan convierte sus plazas en escenario musical para celebrar la quinta Fiesta de la Música
La música tomó las calles de Zapopan y convirtió el centro del municipio en una celebración colectiva. Desde temprana hora del sábado, miles de personas comenzaron a reunirse entre la Plaza de las Américas, el Andador 20 de Noviembre y las inmediaciones de la estación Zapopan Centro de la Línea 3, donde se realizó la quinta edición de la Fiesta de la Música Zapopan 2026.
La jornada que se extendió desde las 17:00 horas hasta la medianoche. Familias, jóvenes, parejas y grupos de amigos caminaron entre escenarios, puestos de arte y zonas de convivencia mientras el sonido de guitarras, metales y percusiones se mezclaba con el bullicio de la noche.
La edición 2026 contó con cuatro escenarios principales: Máxima Red Cola, Cultura Fest, Cultura UDG y Juventudes Zapopan, además de dos espacios complementarios donde hubo música tradicional, banda pop y karaoke. La propuesta reunió tanto a artistas emergentes como a agrupaciones con trayectoria, consolidando un cartel diverso que apostó por distintos géneros y públicos.
Entre las bandas y proyectos que formaron parte del festival destacaron Mexican Balkan Orkestar, Circo Kandela, Cruda Mata, The Tropikal Yeah! y Sr. Fillips, además de presentaciones de artistas como Paulina Jiménez, Montenegro, Silent Noir y Navit. El programa también incluyó a Apolinar, Dínamo, Habitantes, Metal Miura, Fonemics y Gargamel, entre otros proyectos locales y nacionales.
A lo largo de la tarde y la noche, el ambiente cambió constantemente de ritmo. En un escenario predominaban las fusiones balcánicas y tropicales; metros adelante aparecían propuestas de rock, rap o metal. Mientras algunos asistentes bailaban frente a las tarimas, otros recorrían el bazar de emprendedores, observaban piezas de arte urbano o participaban en dinámicas culturales instaladas en distintos puntos del centro zapopano.
La Fiesta de la Música, iniciativa que se celebra en más de 120 países, busca democratizar el acceso a la cultura y recuperar el espacio público a través del arte sonoro. En Zapopan, el festival también integró actividades complementarias como expoventa de arte, brigadas culturales y talleres impulsados por el Instituto de las Juventudes.
Uno de los aspectos que marcó esta edición fue el enfoque en accesibilidad universal. El evento contó con intérpretes de Lengua de Señas Mexicana y adecuaciones para personas usuarias de silla de ruedas, con el objetivo de ampliar el acceso a las actividades y reforzar el carácter incluyente del encuentro.
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La banda colombiana Monsieur Periné anunció este miércoles su gira internacional ‘Instrucciones para ser feliz tour’, con la que ofrecerá 35 conciertos en nueve países de América y Europa para presentar en vivo su más reciente álbum.
La agrupación iniciará el tour el 27 de mayo en Buenos Aires y pasará por ciudades como Madrid, París, San Francisco, Nueva York, Ciudad de México y Caracas, en una serie de conciertos para promocionar el álbum ‘Instrucciones para ser feliz’.
El grupo, liderado por Catalina García y Santiago Prieto, aseguró que esta nueva gira representa una etapa “más íntima, luminosa y reflexiva”, en la que mantiene su mezcla característica de pop, jazz y ritmos latinoamericanos, según informó su equipo de prensa en un comunicado.
La etapa española de la gira comenzará el 1 de julio en A Coruña y continuará por Burgos, Madrid, Granada y O Grove, antes de pasar por París y regresar a España para conciertos en Cartagena y Huesca, donde cerrará su recorrido europeo.
Entre las fechas más destacadas del recorrido aparecen cuatro noches consecutivas en el auditorio SFJAZZ de San Francisco y un concierto en el Teatro Metropólitan de Ciudad de México, donde se han presentado artistas como Ricky Martin, Fito Páez y Ana Torroja.
Lee: INAPAM 2026: Requisitos exactos para recibir el pago triple en mayo
La gira culminará con un concierto en el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo de Bogotá el 24 de octubre y otro en el Caracas Music Hall el 7 de noviembre.
Esta nueva gira llega después de ‘Bolero Apocalíptico Tour’, con el que Monsieur Periné recorrió entre 2023 y 2024 gran parte de Latinoamérica y Estados Unidos, con conciertos en países como México, Chile, Perú y Ecuador, además de varias ciudades colombianas.
Con más de una década de trayectoria, Monsieur Periné ha alcanzado proyección internacional con temas como ‘Nuestra Canción’ y discos como ‘Bolero Apocalíptico’, ganador del Latin Grammy a Mejor Álbum Alternativo.
Además, la agrupación se ha presentado en escenarios y festivales como Carnegie Hall de Nueva York (EE.UU.), el festival Lollapalooza (Chile) y el Rock in Rio (Brasil), y recientemente se convirtió en el primer grupo latinoamericano en grabar una sesión en vivo en el Museo de Historia Natural de Londres, donde interpretó una versión de ‘Jardín del Paraíso’.
Mira: Así cotiza el peso frente al dólar la mañana de este miércoles
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