Cine y Tv
Alana Haim y su debut fílmico en Licorice Pizza: «Lo haría de nuevo un millón de veces»
En esta entrevista con Alana Haim, la actriz de Licorice Pizza habla sobre su experiencia trabajando con Paul Thomas Anderson y sus anécdotas en su primer trabajo como intérprete para un filme. En su nuevo proyecto, el responsable de Embriagado de amor (2002) nos presenta la historia de la amistad que se forma entre Alana Kane (Haim) y Gary Valentine (Cooper Hoffman), mientras ambos viven en el Valle de San Fernando, California, en la década de los 70.
Haim cuenta cómo fue que recibió el guion de la cinta, mismo que fue escrito específicamente para ella. También habla sobre sus recuerdos como residente del Valle, el día que cuidó a Cooper cuando él aún era un niño y el reto de aprender a conducir un camión para una secuencia.
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Haim ya había trabajado con Anderson cuando el realizador dirigió varios videos musicales de la banda de pop-rock que ella lidera junto a sus hermanas. No obstante, cuando surgió la oportunidad para que ambos volvieran a colaborar, ninguno de los dos dudó. Ésta decisión rindió frutos, pues, con su debut actoral, la también guitarrista y vocalista ha obtenido excelentes críticas.
¿Tu experiencia trabajando con Paul en los videos musicales de Haim hizo que fuera más fácil decir que sí cuando se acercó a ti para hablarte de la película?
Automáticamente siempre digo: “¡Sí!” cuando se trata de trabajar con Paul. Nunca pensé que sería para una película. Trabajamos con él en increíbles videos musicales tantas veces que pensé que así sería nuestra relación de trabajo. Cuando surgió ésta oportunidad, la aproveché porque, ¿quién no lo haría? Uno de los directores más increíbles del mundo quiere que actúe en una película, así que dije que sí inmediatamente, pero luego me puse nerviosa y dije: “¿En qué me metí?” Siempre he confiado en Paul y él siempre ha sido genial conmigo y mis hermanas. El proceso de trabajar con él fue súper fácil, no sólo en los videos, sino también en la película.
¿Cuál fue tu reacción cuando leíste el guion?
Me enamoré del guion inmediatamente. Amé que fuera una carta de amor al Valle, que es donde crecí. Estaba en Londres cuando me llegó el guion. Mis hermanas y yo estábamos ahí para mostrarle a la disquera el video de “Summer Girl”, lo cual fue hilarante, porque hicimos ése con Paul. Me llegó un e-mail a las 2 o 3 de la mañana y tenía jet lag, entonces lo leí. Siempre que me llega un correo de Paul me emociono, porque puede ser algo que quiere que escuche o que lea.
Siempre nos envía cosas increíbles a mis hermanas y a mí. Me llegó un documento sin título, y no sabía lo que era. Cuando lo abrí y vi el nombre “Alana” y luego “Gary”, entré en shock. Primero porque Paul estaba usando mi nombre para la película y pensé que eso era lindo. Y luego, cuando empecé a leerlo, vi que había muchas historias mías que le había contado a Paul a lo largo de los años. Pensé: “¿Qué está pasando aquí?” Finalmente, él me preguntó si quería interpretar a Alana. Claro que no dejé pasar la oportunidad. Leí el guion muchas veces y llamaba a Paul para hablar sin parar de eso.
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Creciste en el Valle. ¿Discutiste con Paul cómo ha cambiado el Valle y la vibra que él quería crear?
Por suerte, el Valle no ha cambiado tanto sino hasta apenas recientemente. Hay cosas que me rompen el corazón, como el hecho de que mi cafetería favorita, llamada Du-par’s, es ahora un Sephora. Es algo así como que puedes ver la esencia del edificio y cómo lucía antes, pero ahora tiene una marca completamente diferente. Teníamos los mismos puntos de referencia, como Henry’s Tacos, Casa Vega, Art’s Deli y restaurantes a los que íbamos, como el Sportsman’s Lodge.
Es divertido escuchar que ahora la gente quiere visitar el Valle después de ver la película, porque cuando crecí todo el mundo lo odiaba. ¡Espero que no se decepcionen cuando vengan! Sólo es un suburbio, pero Paul y yo lo amamos porque cuando crecimos todo el mundo se burlaba de que vivíamos en el Valle. [Decían cosas como] “Ah, eres una chica del Valle”. Sí eres del Valle y conoces a otras personas que pasaron por la misma experiencia formas un lazo irrompible del que te enorgulleces, porque todas las otras personas lo odian. Así fue como se fortaleció la relación entre Paul, mis hermanas y yo.
¿Cómo fue trabajar con Cooper?
Al igual que yo, él nunca antes había actuado en una película. Hay muchos videos caseros divertidos con él y los hijos de Paul. Conocí a Cooper cuando él tenía 13 o 14 años. Lo conocí otras dos veces antes de filmar la película. Pero la primera vez que lo conocí… Él odia que cuente ésto, porque hago que suene como que él necesitaba una niñera, ¡pero lo cuidé! Él estaba en la casa de edición mientras Paul editaba El hilo fantasma. Habíamos ido a ver a Paul porque realmente necesitábamos grabar un video musical para una canción llamada “Little Of Your Love”. Y Paul nos invitó a hablar de eso.
Paul Tenía que ir a hacer algo y Cooper tenía hambre, así que nos pidió a mí y a mis hermanas que lo lleváramos por comida. Lo subimos a nuestro auto y lo llevamos a un restaurante. En ése entonces ni siquiera sabíamos nada de Gary Valentine, ya que en ése momento Paul ni siquiera pensaba en hacer la película. Cooper se sentó y se apoderó del lugar inmediatamente. Mis hermanas y yo teníamos más o menos 20 años y él tenía 13 o 14. quería ordenar algo para nosotras y nos hizo preguntas. ¡Realmente se comportó como Gary Valentine con nosotras! No teníamos ni idea [de que la película sucedería], pero él tenía mucha confianza y ganas de vivir.
Y luego, corte a: Paul y yo tratando de encontrar un Gary para Licorice Pizza. Probamos con un montón de personas y leímos el guion con un montón de niños diferentes. Realmente yo no tenía ninguna conexión con quienes audicionaban. Después de todo, Gary y Alana son los mejores amigos, confían el uno en el otro pase lo que pase, y no pudimos encontrar a nadie.
Eso me puso nerviosa, porque sabía que lo necesitábamos. No hay Alana sin Gary. Un día Paul me miró y dijo: «¿Qué hay de Cooper?» Y yo sabía quién era, por la impresión que me dejó cuando tenía 13 años. No dije: «¿Quién es Cooper?» Más bien dije: «¡Por supuesto! ¡Cooper!» Leí con él y, aunque al principio todo era muy inestable, porque no habíamos trabajado en películas antes o leído guiones o actuado antes, funcionó desde el principio, realmente funcionó.
A partir de entonces, hablamos todos los días. Realmente creamos este lazo irrompible, porque [Alana y Gary] son los mejores amigos. Es mi mejor amigo y no podría haber hecho esto sin él. Todas las noches hablaba de lo inseguros que estábamos de todo, y él estaba allí conmigo. Fue genial que Paul no tenía ninguna duda sobre nosotros, pero nosotros obviamente estábamos inseguros con respecto a nuestras habilidades. El hecho de que alguien como Paul creyera en nosotros era como estar cubiertos por una armadura todo el tiempo.
Conduces un camión en una gran secuencia de la película. ¿Te divertiste? ¿Realmente eras tú?
Creo que hice alrededor del 90% de toda la conducción del camión. Y éste es un dato curioso sobre mí: ¡Soy una conductora terrible! Nunca aprendí a conducir con palanca de velocidades, así que tuve que aprender a hacerlo para la película. Y tuve que practicar con ése camión. Al principio, era lo más aterrador del mundo. No era dirección asistida, estaba poniendo toda la fuerza de mi cuerpo para conducir éste camión y el cambio de velocidades se atoraba constantemente, necesitaba todo mi peso corporal para hacer los cambios.
Pero una vez que me acostumbré, fue como: «¡Genial, aquí vamos!» Eso fue importante para mí porque fue un gran reto. No sólo conducía por mi cuenta, pero llevaba a otras dos personas con cámaras amarradas al camión. Íbamos por carreteras muy, muy pequeñas. ¡Y lo hice! ¡Fue una locura! Ahora que ya sé cómo conducir con palanca de velocidades, mi próximo proyecto será Rápidos y furiosos.
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Licorice Pizza se filmó durante la pandemia. Paul ha hablado sobre cómo la seguridad hizo las cosas más disfrutables. ¿Sentiste eso?
Es divertido, pero no conozco nada más que filmar durante [la era] COVID. Fue genial porque quienes estábamos en el set éramos una familia. Todos queríamos estar a salvo, sólo queríamos convivir entre nosotros. Éramos una gran familia y tuvimos mucha suerte de que nadie se enfermara. Tuvimos un equipo increíble que nos mantuvo a salvo. Estábamos tan felices de trabajar que, si alguien nos pedía que usáramos 15 máscaras y protecciones, lo habríamos hecho con gusto. Lo haría de nuevo un millón de veces.
¿Hubo alguna parte desafiante de la filmación que te alegraste de haber superado de manera creativa?
No es por querer volver a hablar del camión, ¡pero eso fue una gran hazaña! Fue una experiencia de aprendizaje muy loca y es curioso, porque el rodaje duró 65 días y adquirí una gran cantidad de conocimientos durante esos días… Aprendí algo todos los días, absorbí todo como una esponja. Una de las actrices más increíbles de la película es Harriet Sansom Harris, quien interpreta a la agente que está al teléfono cuando nos conocemos.
Cuando llegó al set, Cooper y yo volteamos a ver a Paul y dijimos: «¡Es una actriz! Esa es una verdadera actriz». Tropezamos en el proceso, pero ella tenía total control y era increíble. Creo que ambos aprendimos mucho de ella y sólo estuvo allí un par de días. Poder verla y ver su proceso y verla prepararse para la escena fue increíble. En todas las diferentes tomas que hizo, estaba cambiando todo constantemente, dándole tanto a Paul. Fue increíble verlo, y ni siquiera quería estar en la escena, sólo quería verla. «No se preocupen por Cooper y por mí, dejemos que Harriet sea la estrella».
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El Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam, mejor conocido como IDFA, es un punto de encuentro fundamental para amantes del cine documental de todo el mundo. Cada año, reúne a cinéfilos y a profesionales del cine para disfrutar de películas de gran calidad y participar en las actividades de industria. La edición de este año se realizó del 13 al 23 de noviembre y se presentaron alrededor de 250 largometrajes y cortometrajes.
Visitar el festival por primera vez y decidir qué ver y qué hacer entre tantas opciones es retador, pero afortunadamente el programa cuenta con la etiqueta de “IDFA Hit” para destacar los eventos imperdibles. Uno de ellos fue la proyección en el Teatro Carré de Cover-Up, que retrata el trabajo de Seymour Hersh, un periodista estadounidense que por décadas ha sido un personaje incómodo en su país por su trabajo de investigación y las historias que saca a la luz. Después de la película, hubo una sesión de preguntas y respuestas con los directores: Laura Poitras, quien anteriormente dirigió Citizenfour, y Mark Obenhaus, productor, director y viejo amigo del periodista.
Otro evento con el mismo distintivo fue el estreno mundial de Gaza’s Twins, Come Back To Me, en colaboración con la oganización Oxfam. El filme es un desgarrador documental que muestra la vida de gemelos palestinos recién nacidos. A nivel cronológico, continúa donde No Other Land termina, ya que retrata la vida en Palestina en los últimos dos años, a partir de octubre de 2023.
En un festival con tanto prestigio, los estrenos mundiales son abundantes, y otro largometraje proyectado por primera vez fue Eyes of the Machine, una película que presenta el control del gobierno de China en la región de Turquestán Oriental, donde vive la etnia uigur. La protagonista del documental es Kalbinur Sidik, una mujer que huyó del país para exponer la realidad que se vive en esta comunidad, donde en su día a día tratan con “centros de orientación” y visitas obligatorias a casa.
IDFA es un festival internacional, pero la presencia de artistas de Países Bajos es esencial. La ganadora del Premio IDFA a mejor película neerlandesa fue My Word Against Mine, que retrata la introducción de una nueva terapia para pacientes que escuchan voces: el psiquiatra pide hablar con la otra persona. A través de este método, a lo largo de sesiones, pacientes y médicos logran desentrañar aspectos fundamentales de su condición.
México participó en las competencias del festival de distintas maneras, la película mexicana Nuestro cuerpo es una estrella que se expande formó parte de la competencia Envision, dedicada a cineastas que forjan nuevos lenguajes cinematográficos. Mientras que en la competencia Internacional se presentó The Shipwrecked, un filme neerlandés que reflexiona sobre la vida en México.
De manera paralela a la programación de películas, el festival cuenta con actividades dedicadas a la industria del cine de no ficción y parte del público que viaja a Ámsterdam son personas que están presentando proyectos, trabajan en asociaciones internacionales dedicadas al cine documental o distribuyen documentales en diferentes espacios en todo el mundo. Con esto en mente, IDFA ofrece pláticas que abordan distintos temas, como el diseño de audiencias y la inteligencia artificial en el cine documental.
Dentro de esta categoría de actividades de industria, se llevan a cabo los Delegation Project Showcase, donde un país presenta cinco o seis películas que están en desarrollo o filmes completados que buscan distribución. Un showcase que formó parte del programa fue “Narrativa canadiense e indígena”, que contó con proyectos como Mammoth Hunters, documental que habla sobre los lazos entre las personas y el mamut, e Inuguiniq, la historia de una cineasta y su hija que buscan reconectarse con las tradiciones de su comunidad inuit en Canadá.
Otra sección en el festival, adicional a las películas proyectadas y a las actividades de industria, es IDFA DocLab, que está dedicada al arte documentario inmersivo e interactivo. Una de las propuestas en este espacio fue Nothing to See Here, un mirador a través del cual una persona puede verse de lejos, pero las cámaras que la están grabando y las bocinas agregan pequeñas diferencias de sonido e imagen a su alrededor. Los cambios son tan sutiles que logran poner en duda cómo es que percibimos la realidad.
En este espacio, hay una sede dedicada al IDFA DocLab, también se presentó A Long Goodbye, proyecto de cine inmersivo ganador del premio por realización en la última edición de la Muestra Internacional de Arte Cinematográfico de Venecia. Esta experiencia busca acercar al usuario, a través de un visor con auriculares, al día a día de una persona que sufre demencia. No sólo a nivel artístico y visual A Long Goodbye es de gran calidad, sino que la confluencia de la temática con el medio realmente logra su objetivo y actividades cotidianas como dar de comer a un pez, en un ambiente digital, resultan incómodas.
El encanto del IDFA está en lo programado, pero especialmente en lo que surge de manera espontánea y la oportunidad de dejarse llevar por las historias al alcance durante el festival. GEN_ retrata a un doctor en el norte de Italia que atiende en su consultorio, con gran empatía, a pacientes con problemas de fertilidad y a personas que están en proceso de transición de género. ¿La línea guía del doctor? El bienestar del paciente ante todo. Después de varios días completamente dedicados al cine, este filme fue una gran sorpresa por la esperanza que contagia de manera sutil.
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Con una delicadeza notable, pero no por eso menos directa en los temas que quiere abordar, llega a salas de cine mexicanas la película La sombra del Catire. Se trata de una cinta que nos presenta a Benigno Cruz (Francisco Denis), un bandolero que, a merced de paisajes desolados y desérticos, deberá enfrentar los demonios de su pasado, todo mientras se pregunta cuál es su legado.
En entrevista con Cine PREMIERE, el protagonista, Denis, y el director, Jorge Hernández Aldana, diseccionan la cinta y nos cuentan por qué, según su criterio, sigue siendo importante narrar este tipo de historias que muestran la importancia de poner en perspectiva lo que hemos sido, con el objetivo de mejorar lo que seremos.
Esta es una cinta que habla muy bien de algo que sucede al llegar a una edad adulta: que muchas veces las personas que ya han vivido una vida muy larga, con muchas experiencias, se quedan guardados muchos sentimientos. Jorge, ¿para ti cómo fue llegar a la decisión de abordar este tema de la represión de los sentimientos? Y para Francisco, ¿cómo fue interpretarlo?
Jorge Hernández Aldana: Por un lado, a mí me gusta hacer películas que hagan a la gente sentir cosas. A veces son cosas que no son comunes y justamente descubrir nuevos sentimientos, yo digo que es como un ejercicio. Es como cuando vas al gimnasio y empiezas a estirar un músculo que no sabías que podías usar. Al principio te duele, pero ya sientes que está ahí, y una vez que lo ejercitas, te sientes como una persona nueva. Yo creo que con las emociones también es así. Las películas nos permiten explorar vidas de otras personas y hacer crecer nuestra experiencia de estar vivos.
Un poco la idea comienza por ahí, y también muy sencillamente por el hecho de querer ser padre y proyectarme yo a futuro qué tipo de padre puedo ser. Los artistas, la gente que creamos obras, a veces tenemos una manera muy extraña de crear obras a partir de nuestras propias experiencias. Esta es una manera en la que yo lo hago: parto de mi propia experiencia y mis propias dudas sobre ser padre, y hago una historia completa sobre la familia y qué significa una familia.
Francisco Denis: En cuanto al trabajo de interpretación, algo similar fue importante para mí: conectar también con imágenes mías, con emociones mías, con mi pasado. También estoy quizás en una etapa de mi vida parecida a la de Benigno, en donde mirar hacia atrás y ver el camino recorrido es fundamental para seguir adelante. No es que esté terminando, pero sí es el hacer una parada y reflexionar sobre el camino recorrido. Creo que Benigno está en esa etapa quizás más avanzada, en donde él está consciente de que está viviendo en una especie de limbo entre la vida y la muerte. Entonces, tiene que saldar cuentas. Es un leitmotiv viejo en el cine, además.
¿Por qué creen ustedes que en esta época sean necesarias películas, o cualquier tipo de arte, que hable de la redención y por qué les atrae ese tema?
JH: Me parece una gran pregunta y una inquietud muy importante, yo también me lo pregunto. Para mí, es importante no perder de vista una visión del mundo donde tengamos un acuerdo entre lo que es ético y moral. Y no solo eso, que también tengamos las herramientas necesarias para lidiar con las consecuencias de nuestras propias acciones. Yo creo que, sobre todo, se trata de eso.
Primero, de que nunca es tarde para adquirir esas herramientas y poder tener algo de paz. Y segundo, porque siento que las hemos ido perdiendo con la inmediatez de la vida que estamos viviendo hoy en día. Nos cuesta [lidiar con esto], y creo que parte de la polarización que se está viviendo en el mundo viene a partir de la intolerancia con el otro y una falta de capacidad nuestra de lidiar con nuestras propias emociones y frustraciones.
También es la convención del western, porque es un western latinoamericano, es una cosa poco vista también. Estamos muy contentos porque creemos que hicimos una película que no se parece a otra. Hicimos una película nuestra, de nuestra tripa, de nuestra experiencia de vida, que no se parece a nada más. La intención justo es explorar estos temas a profundidad en la medida que sea posible, y compartir esa experiencia con el espectador.
FD: Es un poco de lo que decíamos hace rato: hay momentos en la vida donde quizás te das cuenta de que has cometido errores y es tarde para pedir perdón; ya sucedieron, las acciones tienen consecuencias. Pero quizás hay algo al final de ese último impulso, antes de pasar a otro lado, de solucionar de alguna manera eso que no pudiste hacer en algún momento. Y creo que todo eso le pertenece a todo ser humano; es decir, la carga de la vida, ese bulto que cargamos a medida que vamos viviendo. Y pues no toca más que enfrentarlo.
JH: Yo nada más quiero agregar una cosa: pienso que son tiempos de muchas cosas nuevas que estamos viendo que están sucediendo, que pensamos que no iban a suceder. Y creo que aquí lo importante es que la película te recuerda que todo lo que hagas, te va a encontrar en algún momento en tu futuro.
Continúa leyendo: La sombra del Catire: misterioso y reflexivo ajuste de cuentas
Francisco, esta película es un estudio de personaje. Es muy reflexiva y se enfoca mucho en las vivencias de Benigno, pero también tiene esta contraparte de que las personas con las que interactúa en su camino lo forman y también lo hacen ser quien es. Le dan otra perspectiva de la vida, ya sea con esta venta que tiene que hacer o cómo sobrevivir con su soledad. ¿Cómo te enfrentaste a esta propuesta que es sobre tu personaje, pero también una composición de varias vidas más?
FD: Gracias por la pregunta. A ver, creo que efectivamente el trabajo del actor tiene varias capas, varios niveles. Hay un primer nivel de acercamiento que es la palabra, ese guion que está escrito ahí, que te marca un poco hacia dónde va esto. Pero, en definitiva, creo que se termina de componer en el sitio donde vas a rodar, con la gente que vas a rodar, con los otros actores y, sobre todo, en el momento en que dicen: «acción».
Todo lo demás es una preparación. Y en el caso de Benigno fue una preparación muy física, de bajar de peso, de estar en el sitio durante un mes, un mes y medio, dos meses antes. Es un sitio, además, que determina muchísimo el comportamiento de los personajes que ahí viven. Es un desierto, hay espinas por todos lados, y donde la gente digamos que se expresa de una manera muy sintética, muy reducida, porque el calor es tal que lo demás sería como un desperdicio casi.
Entonces, esa preparación termina cuando el director dice acción. Ahí es donde lo inesperado cobra vida. Sucedió varias veces en el rodaje de Benigno que la magia sucedió sin prepararla. Es decir, tanto Jorge como director, y el director de foto, que es también el camarógrafo, y yo, empezamos a bailar con eso que estaba pasando. Y yo creo mucho en eso, no solamente en el cine, yo hago mucho teatro. Y creo que esa magia sucede cuando tú estás abierto a que cualquier cosa es posible, y eso, gracias al tipo de cine que hace Jorge, fue posible.
José Roberto Landaverde Me fascina escribir, escuchar, leer y comentar todo lo relacionado con el cine. Me encanta la música y soy fan de The Beatles, Fleetwood Mac y Paramore. Mis películas favoritas son Rocky y Back to the Future y obvio algún día subiré los “Philly Steps” y conduciré un DeLorean. Fiel creyente de que el cine es la mejor máquina teletransportadora, y también de que en la pantalla grande todos nos podemos ver representados.
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La entrega final de una de las series insignia de Netflix está muy cerca y, por ello, la expectativa está por las nubes. Ahora, se ha revelado cuál sería el salario de los actores de Stranger Things para su quinta temporada que, aparentemente, será la que concluya las aventuras en Hawkins.
Esta información llega cortesía de Puck News (vía The Direct), desde donde se aclara que cada histrión del show estaría recibiendo aumentos considerables en comparación con lo que ganaban cuando la producción fue lanzada en el año 2016. Sin duda, las y los intérpretes que aparecen en la serie se han consagrado como grandes estrellas a lo largo de los años, así que es lógico que para el gran cierre de la iteración original de la franquicia se busque que el elenco adulto y juvenil reciba una mayor cantidad de dinero.
Este será el salario de los actores de Stranger Things: Temporada 5
Por lo que se menciona en el artículo original, la forma en la que se decidió cuánto aumentaría el pago de cada persona fue muy organizada. Se dividió al reparto en grupos para, entonces, decidir de mejor manera las cantidades.
Así, se tiene que el primer grupo lo conforman Winona Ryder y David Harbour, quienes interpretan a Joyce Byers y Jim Hopper, respectivamente. Según lo que se sabe, cada uno recibirá alrededor de $9.5 MDD por los ocho episodios que conformarán la temporada. En comparación, en temporadas pasadas la cantidad no era tan fuerte. Por ejemplo, durante la tercera temporada, Ryder y Harbour percibieron $350,000 dólares cada uno. Por lo visto, esta vez lograron un gran acuerdo.
Otro grupo es el que está conformado por las estrellas Finn Wolfhard, Noah Schnapp, Caleb McLaughlin, Gaten Matarazzo y Sadie Sink –quienes dan vida a Mike Wheeler, Will Byers, Lucas Sinclair, Dustin Henderson y Max Mayfield, respectivamente–. Durante la primera temporada –Sadie Sink entró en la temporada 2–, las primeras cuatro estrellas ganaban $25,000 dólares por episodio y, ahora, obtendrán, $7 MDD. Cabe señalar que Millie Bobby Brown, quien interpreta a Eleven, no entra en el acuerdo, ya que ella tiene un contrato exclusivo con el estudio de la “N” roja que se estima en $18 MDD.
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El tercer grupo en el que aumentará el salario de los actores de Stranger Things es el que está compuesto por Maya Hawke, Joe Keery, Natalia Dyer y Charlie Heaton –quienes encarnan a Robin Buckley, Steve Harrington, Nancy Wheeler y Jonathan Byers–, cuya ganancia será de $7 MDD por cabeza. Además, habrá un cuarto grupo del cual no se reveló la ganancia, pero se sabe que las personas que lo conforman ganarán muchísimo menos.
La primera parte de la quinta temporada de Stranger Things llega el 26 de noviembre de 2025.
José Roberto Landaverde Me fascina escribir, escuchar, leer y comentar todo lo relacionado con el cine. Me encanta la música y soy fan de The Beatles, Fleetwood Mac y Paramore. Mis películas favoritas son Rocky y Back to the Future y obvio algún día subiré los “Philly Steps” y conduciré un DeLorean. Fiel creyente de que el cine es la mejor máquina teletransportadora, y también de que en la pantalla grande todos nos podemos ver representados.
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