Cine y Tv
Scream: la enmienda de revitalizar el legado de Wes Craven
Al igual que sucedió con la original Scream, el regreso de Ghostface a la pantalla busca popularizar el slasher para una nueva generación de aficionados al horror… y armados con celulares inteligentes, y mensajes de texto en lugar de llamadas por teléfono.
Y es que, si bien rendía homenaje a Psicosis y filmes ya clásicos como Halloween, Viernes 13 o Prom Night, Scream no era el típico slasher en el que un grupo de adolescentes es acosado por un maniático enmascarado y sólo una heroína virginal es capaz de detenerlo. O no del todo. Dirigida por el legendario Wes Craven según un guion de Kevin Williamson, la cinta habría de establecer también nuevas reglas de la película de terror adolescente o teen horror, combinando scare jumps y la angustia propia de la adolescencia con un poco de comedia… y mucha de esa autoconciencia irónica.
Por supuesto, Craven es también creador de Freddy Krueger, quizá la figura más emblemática del cine terror en los 80. Pero corría el año de 1996, la época en que Neve Campbell era mejor conocida por la popular serie Party of Five –y por ser una de las Jóvenes brujas–, y aquella en la cual las hordas de imitadores y secuelas habían hecho del slasher un lugar común y predecible. No deja de ser una ironía el que, tras haber sido una mirada satírica y hasta crítica del género, Scream se haya convertido en un clásico en toda regla, y una franquicia tan venerada como lo fue en su momento la propia Halloween.
Tras su estreno, sin embargo, Scream se convirtió en el primer thriller –sí, así la describían en los pósters– en llegar a las principales salas de cine en prácticamente una década. La revista Fangoria apuntaba en su cobertura del set que prometía ser tan original que ni los involucrados en su realización podían ponerse de acuerdo en lo que era. ¿Era un slasher? ¿Era la parodia de un slasher? Veinticinco años después de que esa racha de brutales asesinatos conmocionara a la pequeña ciudad de Woodsboro, California, un nuevo asesino se ha puesto la máscara de Ghostface… y busca resucitar con ello no sólo una franquicia, sino un género entero.
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Crímenes del pasado
En realidad, Scream no sería la primera película en burlarse de las convenciones del horror al tiempo que los personajes las discuten abiertamente. Las reglas estaban claras años atrás: el filme silente The Lunatics (1912), de Maurice Tourneur, echaba ya mano de la violencia visceral para seducir a los aficionados al Théâtre du Grand-Guignol de París, y muchos tropos del género estaban presentes ya en películas como The Cat and the Canary (1927) y The Old Dark House (1932), inspiradas a su vez en el éxito de The Bat (1926)—en la que los invitados de una remota mansión eran amenazados por un asesino oculto detrás de una grotesca máscara—.
Inspirado además en el Giallo italiano y thrillers de suspenso como Peeping Tom y Psicosis en 1960, ambos prototipos del género, el término slasher puede aplicarse de hecho a cualquier película en la que un asesino misterioso aceche y asesine a víctimas incautas. Por lo general mediante el uso de instrumentos punzocortantes y en el aniversario de una tragedia, o una festividad que inspira al asesino…, y en las que un y en el que la joven virginal—la final girl— queda sola para enfrentarse al asesino… y para contar la historia, como única superviviente.
Así, no es de extrañarse que una cinta como Pandemonium, de 1982 –cuyo título original era Thursday the 12th–fuera ya parodia contemporánea de un género que había de alcanzado su apogeo en los setenta y ochenta (la «edad de oro» del slasher) con cintas hoy clásicas como La masacre de Texas y Black Christmas en 1974, Halloween (1978), Friday the 13th (1980) y, por supuesto, Pesadilla en la calle del infierno (1984), la alucinante reinvención del género con la que Craven habría de salvar de la quiebra a New Line Cinema. Aquel, el estudio detrás de la cinta y apodada «la casa que Freddy construyó”, éxito que a Craven se le habría de escapar de las manos cuando cedió los derechos… y no vio un solo centavo de las regalías.
“Es un poco triste,” me dijo Craven en entrevista para Cine PREMIERE en 2009, a propósito del remake a The Last House on the Left que él mismo producía. “[Pesadilla en la calle del infierno] fue la primera película que no estaba haciendo con un amigo en quien podía confiar para que me diera lo que era justo», recordó entonces. “Me dijo, ‘somos amigos, solo firma el contrato.’ Y mi abogado dijo que no lo hiciera y yo lo hice. Y fue así que otros se hicieron ricos, y yo no. Eso es un poco triste”.
«Pero, esas cosas pasan, ¿sabes?», me dijo, riendo—. Así es Hollywood.”
El que ríe al último
Puede que Wes Craven fuera la única persona en Hollywood que no estaba entusiasmada con el guion de un joven Kevin Williamson y que se titulaba originalmente Scary Movie. Lo cierto es que, más allá del humor (negro, como la túnica de Ghostface) y las referencias al género y al propio autor, la franquicia no deja de ser una anomalía. La identidad del maniático cambia de una película a otra, para revelarse sólo al final de la cinta y, además de Sidney Prescott –final girl atípica también–, tanto el torpe pero entrañable Dewey Riley (David Arquette), como Gale Weathers, la odiosa reportera de Courteney Cox que se ganaría el corazón de Dewey, han logrado sobrevivir una y otra vez a Ghostface.
Al igual que sucedió con Halloween, los imitadores no se hicieron esperar, y películas como Sé lo que hicieron el verano pasado (1997), Leyenda urbana (1998) e, inclusive, Halloween H20 (1998) conforman un ciclo de neoslashers que si bien incorporan elementos metaficcionales, no harían más que destacar la impronta de Craven como uno de los maestros del género, y un genuino auteur en el sentido original del término. Mientras películas como The Hills Have Eyes o The People Under the Stairs presentaban relaciones familiares abusivas, tanto A Nightmare on Elm Street como Shocker y Scream abordaban el trauma familiar y los pecados de los padres que, más allá de convenciones y reglas, son temas recurrentes en la filmografía del director.
“Y lo que me interesa a mí parece interesarle también a la audiencia”, confesó Craven en aquella entrevista. “La gente me da las gracias por hacer películas, y lo dicen sinceramente, así que creo que hay algo en lo que hago que ayuda un poco a la gente.”
En Scream y sus secuelas, mientras los imitadores de Ghostface recreaban una y otra vez los asesinatos de Woodsboro, Craven encontraría al fin la franquicia que se le había escapado con Freddy y que ni siquiera había logrado despegar con Horace Pinker, el sobrenatural asesino de Shocker. En 2011, el director confirmó que había sido contratado para trabajar en una quinta y sexta entregas –al igual que Williamson, obligado por contrato a escribir Scream 4 y Scream 5–, que se realizarían si la cuarta película tenía éxito. Y el resto, como dicen, es historia.
¿Un nuevo comienzo?
Tras la muerte de Wes Craven en 2015, a causa de un tumor cerebral, la franquicia parecía haber llegado también a su final. El mismo Williamson expresó dudas sobre una nueva película luego de que Scream 4 “nunca despegó de la forma que esperaban”, según sus propias palabras. Pero en noviembre de 2020, Williamson reveló que el título de la nueva película sería simplemente Scream. Sería un relanzamiento de la franquicia, pero también una secuela directa a Scream 4. Esto la cinta misma lo define como una recuela: una mezcla de remake y secuela.
Dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, miembros (junto con Chad Villella, productor) del colectivo conocido como Radio Silence y responsables también de la exitosa comedia de terror Ready or Not (2019) y el thriller Devil’s Due (2014), esta nueva entrega promete más que esa particular mezcla de comedia, horror y aventura que ha caracterizado el trabajo del trío de cineastas. “Es más aterradora que Ready or Not”, revela Bettinelli-Olpin. “Esta es una película de terror. Es una película de Scream y es todo lo que Wes y Kevin establecieron desde el principio. Estamos tratando de hacer todo lo posible para rendir homenaje a eso”.
Con Campbell, Arquette y Cox de vuelta, y un reparto de jóvenes actores más que apropiado para un slasher (y que incluye a Jack Quaid, Melissa Barrera, Dylan Minnette y Mason Gooding, además del retorno de Marley Shelton como Judy Hicks), los directores buscan dar cuenta del estado actual del género, los medios y la cultura pop de la misma manera en que Scream lo hiciera con el slasher, pero sin que resulte una parodia o una farsa. “A diferencia de 1996, el terror no está a la baja en este momento,” dice Gillett.
“No es algo pasado de moda, estamos viviendo otra era dorada. Y eso está integrado en la historia de una manera muy importante.”
“Ese era realmente nuestro objetivo, ante todo», concluyen los directores. «Asustar a la gente y hacerla reír… y darles más de lo mismo que tanto amamos de las otras películas”.
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El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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En conferencia de prensa, esta mañana del 15 de febrero 2026, el Gobierno de México anunció una política integral de fortalecimiento para el sector cinematográfico y audiovisual, centrada en la implementación de un nuevo estímulo fiscal y una reforma a la Ley de Cine. El objetivo central de estos nuevos incentivos para la industria del cine es consolidar a México como un nodo competitivo a nivel internacional, evitar la fuga de producciones nacionales hacia otros países con mejores condiciones fiscales y democratizar el acceso a los apoyos gubernamentales.
Los pilares de esta iniciativa de nuevos incentivos para la industria del cine incluyen un crédito fiscal de hasta el 30% sobre gastos realizados en territorio nacional, la obligatoriedad del 10% de tiempo de exhibición para el cine nacional en salas comerciales, y una expansión masiva de la educación técnica gratuita a través del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Se proyecta que estos incentivos generen un efecto multiplicador económico de entre tres y nueve unidades por cada unidad de apoyo invertida, además de fortalecer la soberanía cultural y la narrativa auténtica del país.
Presente en el evento de presentación de la nueva ley de cine e incentivos, estuvo Salma Hayek, quien, relató las dificultades históricas para filmar en México debido a la falta de incentivos, señalando que proyectos concebidos como «cartas de amor a México» terminaban filmándose en otros países. Destacó que el apoyo gubernamental actual permitirá aprovechar la «ventaja competitiva» inigualable de México en cuanto a diversidad de locaciones y talento técnico. Por su lado, la productora Inna Payán subrayó que este mecanismo promueve un «reequilibrio estructural» en la industria, protegiendo la soberanía cultural y permitiendo que la inversión privada, tanto nacional como extranjera, tenga un cauce sólido dentro del país.
El nuevo marco de incentivos fiscales para la industria del cine
El mecanismo central de esta política es un incentivo diseñado en coordinación con la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, enfocado en atraer inversiones y retener el talento nacional.
Detalles técnicos del estímulo
- Naturaleza: Crédito fiscal contra el Impuesto sobre la Renta (ISR).
- Monto: Equivalente a hasta un 30% del gasto realizado en territorio nacional.
- Tope máximo: 40 millones de pesos por proyecto.
- Requisito de proveeduría: Para acceder al beneficio, se debe acreditar que el 70% de la proveeduría sea nacional, asegurando que la derrama económica beneficie a las empresas y trabajadores locales.
Formatos elegibles:
- Largometrajes y series de ficción.
- Largometrajes y series de animación.
- Largometrajes y series documentales.
- Procesos específicos de postproducción, efectos especiales y animación.
Objetivos de los nuevos incentivos para la industria de cine
- Competitividad internacional: Equiparar a México con países como Colombia, República Dominicana o Australia, que han captado proyectos mexicanos debido a sus estructuras de incentivos.
- Fomento a la producción independiente: Facilitar que creadores nacionales cuenten con recursos para desarrollar sus visiones sin depender exclusivamente de capital extranjero.
- Efecto Multiplicador: Según datos de la industria, cada unidad de apoyo genera un impacto de 3 a 9 unidades de actividad económica agregada.
Reforma legislativa: la nueva ley de cine y el audiovisual
Se ha presentado una actualización del marco normativo que busca modernizar la industria frente a las nuevas tecnologías y garantizar derechos culturales.
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Descripción y alcance
- Certeza jurídica: se otorga permanencia normativa al FOSCINE, dándole estabilidad presupuestaria y convirtiendo el fomento al cine en una política de Estado integral.
- Cuota de exhibición: se regula un 10% obligatorio de exhibición de cine nacional en salas cinematográficas, con supervisión semestral y horarios equitativos.
- Preservación: se reconoce al cine como memoria cultural. La Cineteca Nacional resguardará un archivo de toda la producción nacional para proteger el patrimonio.
- Derechos del público: se actualiza la ley en función de los derechos de las audiencias y el acceso a la diversidad de visiones.
Infraestructura y formación profesional
La estrategia gubernamental de incentivos para la industria de cine enfatiza que el cine es un ecosistema que requiere desde formación técnica hasta espacios de exhibición de vanguardia.
Educación y capacitación
- Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC): Se eliminaron las cuotas de inscripción en la licenciatura para garantizar la gratuidad. Se proyecta que para 2026 la matrícula crezca cinco veces, certificando a 2,000 estudiantes a través de la SEP.
- Enfoque en oficios: Se inauguró el CCC de Chapultepec, orientado a formación técnica especializada en guion, postproducción y animación, reconociendo que la industria depende de una base técnica sólida más allá de la dirección y actuación.
- Inversión en escuelas: Se reportó una inversión de aproximadamente 1,600 millones de pesos para la remodelación y equipamiento de escuelas vinculadas a la Secretaría de Cultura, el INBAL y el INAH.
Infraestructura
- Cineteca Chapultepec: un nuevo polo de exhibición con ocho salas de última generación y foros al aire libre, conectada mediante el Cablebús.
- Estudios Churubusco: se encuentran en un proceso de remodelación y reequipamiento para ofrecer servicios de filmación de alta calidad técnica.
- Proyecto Chapultepec Naturaleza y Cultura: incluye el Archivo Nacional de Arte y espacios gratuitos de trabajo y encuentro para creadores.
Impacto social, económico y narrativo
El fomento a la industria cinematográfica a través de estos incentivos para la industria de cine se presenta no solo como una estrategia cultural, sino como un motor de desarrollo regional y soberanía nacional.
- Desarrollo regional y turismo: La industria cinematográfica actúa como una «campaña publicitaria» para el país. Las filmaciones en estados como Veracruz y Quintana Roo han impulsado la creación de infraestructura local (como carreteras) y han dinamizado la economía de los ejidos y comunidades locales.
- Soberanía cultural: se enfatiza la importancia de que México tome el control de su propia narrativa frente a representaciones erróneas del extranjero. El objetivo es proyectar una «narrativa auténtica» que refleje la diversidad ecológica y cultural del país.
- Perspectiva de género: se destacó el papel de las mujeres en la toma de decisiones dentro de la actual administración y la industria, promoviendo una visión de inclusión y acompañamiento profesional.
El Gobierno de México ha incrementado el presupuesto del IMCINE en un 25% para este año, con el fin de asegurar que los apoyos lleguen a más territorios y pluralidad de voces. La publicación del decreto con los nuevos incentivos fiscales para la industria de cine en el Diario Oficial de la Federación se programó para dar inicio inmediato a esta nueva fase de fomento industrial, orientada a convertir a la cultura en un derecho accesible y en un pilar de cohesión social.
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