Cine y Tv
Soundtracks clásicos: la trilogía de Matrix

Probablemente la mejor de las tres producciones es el soundtrack de The Matrix (1999) que incluye canciones de Heavy Metal, Nu Metal y electrónica principalmente.
The Matrix (1999)
- «Rock Is Dead» – Marilyn Manson
- «Spybreak! (Short One)» – Propellerheads
- «Bad Blood» – Ministry
- «Clubbed to Death (Kurayamino Mix)» – Rob D
- «Prime Audio Soup» – Meat Beat Manifesto
- «Leave You Far Behind» – Lunatic Calm
- “Mindfields» – The Prodigy
- «Dragula (Hot Rod Herman Remix)» – Rob Zombie
- «My Own Summer (Shove It)» – Deftones
- «Ultrasonic Sound» – Hive
- «Look to Your Orb for the Warning (Radio Edit)» – Monster Magnet
- «Du hast» – Rammstein
- «Wake Up» – Rage Against the Machine
Dentro de las más características podemos encontrar a:
«Rock Is Dead» – Marilyn Manson
“Rock Is Dead” es el cuarto track del tercer material de estudio de Marilyn Manson, Mechanical Animals (1998) y en el que participaron Billy Corgan (Smashing Pumpkins) y Dave Navarro (Jane’s Addiction). Esta producción vendió más de 8 millones de copias en todo el mundo y comprende otros éxitos como “The Dope Show” y “I Don’t Like the Drugs (But the Drugs Like Me)«.
«Spybreak! (Short One)» – Propellerheads
«Spybreak!» se encuentra en el único disco de estudio Decksandrumsandrockandroll (1998) del conjunto británico, Propellerheads. Una producción que fue nominada al Mercury Music Prize y que también incluye otros éxitos como «History Repeating» (feat. Shirley Bassey).
«Mindfields»– The Prodigy
«Mindfields» se desprende del tercer disco de The Prodigy, The Fat of the Land (1997). Éxitos como “Smack My Bitch Up”, “Breathe” y “Firestarter” ayudaron a que la banda de Essex vendiera más de diez millones de copias en todo el mundo. Al igual que el Decksandrumsandrockandroll, de Propellerheads, The Fat of the Land fue nominado al Mercury Music Prize.
«Dragula (Hot Rod Herman Remix)» – Rob Zombie
“Dragula” es el track 3 del primer LP solista de Rob Zombie, Hellbilly Deluxe (1998). Tanto “Dragula” como el Hellbilly Deluxe son de las producciones más emblemáticas y las de mayor éxito comercial. Una curiosidad del Hellbilly Deluxe fue que Tommy Lee baterista de Motley Crue participa en dos temas («Meet the Creeper» y «The Ballad of Resurrection of Joe and Rosa Whore»). Además, “Dragula” aparece en el soundtrack de los videojuegos Twisted Metal 4, Jet Grind Radio, Sled Storm (2009), Gran Turismo 2 y en Twisted Metal del 2012.
«My Own Summer (Shove It)» – Deftones
«My Own Summer (Shove It)» pertenece al segundo LP de estudio Around the Fur (1997). Además de ser unos de los sencillos, «My Own Summer (Shove It)» también cuenta con un vídeo musical dirigido por Dean Karr.
«Look to Your Orb for the Warning» – Monster Magnet
«Look to Your Orb for the Warning» se encuentra en el tercer larga duración de Monster Magnet, Dopes to Infinity (1995). A pesar de salir en The Matrix, fue el sencillo «Negasonic Teenage Warhead« el tema más popular de este LP.
«Du hast» – Rammstein
Probablemente la rola más conocida a nivel mundial del conjunto alemana, “Du Hast” forma parte del segundo larga duración de estudio Sehnsucht (1997). El video fue dirigido por Philipp Stölzl y es uno de los más vistos en su canal de YouTube. “Du Hast” llegó al número veinte de la lista de Billboard Mainstream Rock en Estados Unidos, convirtiéndola en la canción en alemán más exitosa en la historia de este ranking.
«Wake Up» – Rage Against the Machine
“Wake Up” se incluye en el disco homónimo de 1992 de la agrupación de Los Ángeles y en The Matrix suena al final de la película. Una canción en la que Zack del Rocha suele agregar discursos sobre temas políticos y sociales durante sus presentaciones en vivo.
The Matrix Reloaded (2003)
El soundtrack fue lanzado en una producción doble en el que se integraron las canciones en un primer disco y el score en un segundo.
Las canciones siguen un poco la misma tónica que en The Matrix, y es por ello que artistas como Marilyn Manson, Rob Zombie, Deftones y Rage Against the Machine vuelven a hacerse presentes.
Disco 1
- «Session» – Linkin Park
- «This Is the New Shit» – Marilyn Manson
- «Reload» – Rob Zombie
- «Furious Angels» – Rob Dougan
- «Lucky You» – Deftones
- «The Passportal» – Team Sleep
- «Sleeping Awake» – P.O.D.
- «Bruises» – Ünloco
- «Calm Like a Bomb» – Rage Against the Machine
- «Dread Rock» – Oakenfold
- «Zion» – Fluke
- «When the World Ends (Oakenfold Remix)» – Dave Matthews Band
Dentro de las más características podemos encontrar a:
«Session» – Linkin Park
“Session” aparece en el Meteora (2003), una producción que vendió 16 millones de copias y que comprende otros éxitos como «Somewhere I Belong«, «Numb« y «Breaking the Habit«. “Sessions” es una canción instrumental que además de salir en el filme, fue nominada a un Grammy.
«This Is the New Shit» – Marilyn Manson
«This Is the New Shit» forma parte del The Golden Age of Grotesque (2003). Para el video de esta canción se tuvo que cambiar la letra y el título por «This Is the New Hit». Además, la banda inglesa Goldfrapp le hizo un remix.
«Lucky You» – Deftones
«Lucky You», del Deftones (2003) fue una colaboración entre la banda del norte de California y DJ Crook (miembro de Team Sleep, uno de los proyectos alternos de Chino Moreno). Un tema con rasgos de trip hop que se aleja de los sonidos de rock y heavy metal que caracterizan a la banda.
«Sleeping Awake» – P.O.D.
“Sleeping Awake” fue grabada por P.O.D para The Matrix Reloaded y fue el primer sencillo del soundtrack. La canción también aparece como bonus track en el Payable on Death (2003).
«Calm Like a Bomb» – Rage Against the Machine
«Calm Like a Bomb» es el track 3 del The Battle of Los Angeles (1999). Al igual que “Wake Up” en la primera parte de la serie, «Calm Like a Bomb» aparece al final de la película. Una canción fiel al estilo frontal y combativo de RATM y en cuya letra se mencionan a personajes como Baldwin y Zapata.
«When the World Ends (Oakenfold Remix)» – Dave Matthews Band
“When the World Ends” forma parte del Everyday (2001) y fue remezclado por el DJ Británico Paul Oakenfold para el filme. Originalmente esta canción iba a ser el sencillo del disco, pero debido al ataque a las torres gemelas se decidió por un tema más optimista como “Everyday«.
Disco 2
- “Main Title» – Don Davis
- «Trinity Dream» – Don Davis
- «Teahouse» – Juno Reactor featuring Gocoo
- «Chateau» – Rob Dougan
- «Mona Lisa Overdrive» – Juno Reactor/Don Davis
- «Burly Brawl» – Juno Reactor vs. Don Davis
- «Matrix Reloaded Suite» – Don Davis

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The Matrix Revolutions (2003)
Para el soundtrack de The Matrix Revolutions, sólo se publicó el score y no el compilado de canciones que salían en la película como había sucedido en The Matrix y The Matrix Reloaded. Como en ocasiones anteriores la música estuvo a cargo de Don Davis.
- «The Matrix Revolutions Main Title» – Don Davis
- «The Trainman Cometh» – Juno Reactor/Don Davis
- «Tetsujin» (Iron Man) – Juno Reactor/Don Davis
- «In My Head» – Pale 3
- «The Road to Sourceville» – Don Davis
- «Men in Metal» – Don Davis
- «Niobe’s Run» – Don Davis
- «Woman Can Drive» – Don Davis
- «Moribund Mifune» – Don Davis
- «Kidfried» – Don Davis
- «Saw Bitch Workhorse» – Don Davis
- «Trinity Definitely» – Don Davis
- «Neodämmerung» (Neo’s dusk) – Don Davis
- «Why, Mr. Anderson?» – Don Davis
- «Spirit of the Universe» – Don Davis
- «Navras» – Juno Reactor vs. Don Davis
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La misteriosa mirada del Flamenco – Una charla con su director, Diego Céspedes
El 12 de junio llega a Mubi La misteriosa mirada del Flamenco, el primer largometraje dirigido por Diego Céspedes. Esta producción chilena también fue escrita por Céspedes y se llevó el premio Una cierta mirada en el Festival de Cannes en 2025. Además, también fue premiada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y seleccionada para el de Toronto.
La historia tiene lugar en Chile en 19821 y sigue a Lidia, una niña de 11 años criada por artistas queer en la cantina de un pueblo minero en medio del desierto. Su relación más estrecha es con Flamingo, a quien reconoce como su mamá. Cuando la crisis del sida llega a este aislado lugar, el miedo y la violencia comienzan a apoderarse de sus habitantes. Pero hasta en las circunstancias más adversas, el amor y la comunidad pueden ayudarnos a resistir.
Platicamos con Diego Céspedes sobre su obra. Nos compartió sus inspiraciones, su visión sobre la dualidad de la historia como reflejo de la vida misma, y el rol que juega el realismo mágico en la película.
Hablemos de las dualidades de esta historia. En la película vemos violencia, pero también hay amor; vemos pérdida, pero también celebración. Creo que es una manera muy acertada de abordar una historia queer, porque la experiencia queer no debería ser encasillada en una sola cosa, y debe de tomar en cuenta todo por lo que puede estar conformada. ¿Cómo manejaste ese balance, para poder retratar todos los ángulos de la historia, dándole a cada uno el espacio y el tiempo necesarios?
Creo que fue de una forma muy intuitiva. El discurso más formado de la película se va dando después de la promoción de la película; pero cuando yo escribo y la hago, es de manera muy intuitiva.
Creo que el humor ha sido una base fundamental en la supervivencia de nuestra comunidad. Es una película que no es de una apariencia sesuda, que uno puede disfrutar, se puede reír, puede llorar y puede emocionarse desde distintos lados. Eso es justamente porque la experiencia que yo viví, y la experiencia de las personas que me inspiran a escribir esta película, ha sido así.
Entonces, ese balance entre humor, violencia, amor, ternura, es justamente donde sentía que era el lugar más honesto. Y cuando iba escribiendo el guión, ya tenía mucho de esto, tenía los dos elementos que me parecían reales, fluidos. Después, las chicas en el elenco también me fueron dando sus propias vivencias, y muchas apuntaban al humor y otras eran también oscuridad. Al final, en el montaje, es cuando uno finalmente va balanceando todo esto.

La relación que hay entre Lidia y Flamingo es muy importante y muy tierna; pero la que existe entre Lidia y Mamá Boa es la más cautivante. Es una relación muy compleja que está marcada por el dolor de la pérdida, y también sobre todo por esta lucha entre querer proteger a alguien que al mismo tiempo quiere explorarlo y saberlo todo, no deja de preguntar, así que hay una gran tensión ahí. ¿Cómo construiste esa relación, tanto en el guión como en el trabajo de tus intérpretes?
Soy muy cercano a Paula Dinamarca, quien interpreta a Mamá Boa, entonces fue un personaje súper fácil de escribir. Se inspira no solamente en ella sino también en su abuela y en referentes que nosotros dos teníamos. La siento un poco mamá protectora pero también un poco que a veces la protejo yo. Entonces este juego que tengo con ella en la vida real hizo que escribirlo en Lidia me fuera fácil y me fuera natural.
Además, Paula es un ser muy emocional, pero también muy duro. Tiene esa dualidad. Así que interpretó a Mamá Boa de una manera espectacular, que tiene mucho que ver con ella, con lo que ella es y lo que ella es capaz de representar por sus propios referentes.
Ahora platícanos de los elementos fantásticos que hay en la película. Hay una conexión con la inocencia de Lidia, quien es el personaje a través del cual estamos viendo toda esta historia. Y siendo Latinoamérica un espacio que está tan marcado por el realismo mágico, ¿cuáles fueron las inspiraciones que nutrieron estos elementos en tu película? ¿Cómo fue su inclusión en el guión?
Al principio del guión había mucho más realismo mágico, y fue perdiendo peso porque me fueron llamando más la atención los personajes y las personas que interpretaban a estos personajes. Entonces también es una suerte de balance casi intuitivo de qué debería ir en todos los lugares.
Y creo que el realismo mágico en esta película particularmente es eso, que Lidia responde en su cabeza a las preguntas que no entiende. Cuando no encuentra respuestas y le están hablando de un personaje que quiere, que encuentra hermoso, pero también le están refiriendo a algo sexual y negativo, viene esta imagen de realismo mágico que un poco apunta a cómo se va construyendo lentamente el imaginario de un niño. Que un niño no es que vea un mensaje y lo entienda por completo, es un proceso más lento en su cabeza. Y simplemente en esta película el realismo mágico responde a esa construcción y lo materializa un poco.
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Seminuevos como nuevos: ¿ciencia ficción o realidad?
Cuando alguien menciona que encontró un auto en muy buen estado, con pocos años de uso y un precio muy por debajo de otros similares, lo primero que aparece es la duda. Para mucha gente eso suena demasiado bueno para ser verdad. Sin embargo, en el mercado es perfectamente posible encontrar opciones de seminuevos como nuevos.
Los carros que llegan al mercado de segunda mano en buen estado tienen una explicación detrás, y vale la pena conocerla.
Considera que quizás muchos planes cotidianos se posponen por no tener un auto propio. Ir al cine, llegar a un autocine o reunirte con amigos para ver una serie juntos se podría complicar cuando dependes del transporte público o del aventón de alguien más. Un seminuevo en buenas condiciones y a buen precio puede resolver eso: un auto confiable con el que llegues a donde quieras sin depender de nadie.
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Mucha gente compra un auto nuevo, lo usa con moderación durante un par de años y luego lo vende porque sus circunstancias cambiaron: un traslado al extranjero, necesidades familiares o simplemente el gusto por cambiar de modelo. El auto sale al mercado con kilometraje bajo, sin golpes mayores, con mantenimientos al corriente y a veces con garantía de fábrica todavía activa.
Recuerda que ciertos carros económicos llegan al mercado en condiciones que vale la pena revisar con calma. Cuando se compran a través de plataformas confiables y con procesos serios, el estado en que se encuentran puede ser muy cercano al de un auto nuevo, con un precio bastante menor.
Un auto nuevo pierde una parte de su valor en cuanto sale de la agencia. Ten presente que esa caída en el precio ya la absorbió el propietario anterior cuando el vehículo llega al mercado de carros económicos seminuevos. Tú pagas por lo que el auto vale en ese momento, no por estrenar algo que en el primer año ya habrá bajado bastante.
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Cine, azar y espectáculo, tres historias donde el juego es parte del relato

El cine siempre ha sentido una fascinación especial por el azar. Desde hace décadas, tanto los directores como los guionistas han utilizado el juego como metáfora del riesgo, del deseo de cambio y de la eterna lucha entre el control y el caos. No es casualidad, porque pocas cosas generan tanta tensión dramática como una carta girándose lentamente, una ruleta deteniéndose o una apuesta que puede cambiarlo todo.
A lo largo de la historia, numerosas películas y series han sabido integrar el casino dentro de sus tramas como un elemento narrativo que define a los personajes, las decisiones y los destinos
Casino Royale y el renacer del espía moderno
Cuando Daniel Craig debutó como James Bond en Casino Royale, la saga dio un giro más oscuro y realista. Lejos del glamour exagerado de entregas anteriores, la película apostó por mostrar a un Bond vulnerable, físico y expuesto al error.
La mítica partida de póker contra Le Chiffre es el corazón emocional del film. Cada apuesta refleja la psicología de los personajes, su capacidad para engañar, resistir la presión y leer al adversario. Aquí, el casino no es un simple escenario lujoso, sino un campo de batalla donde se libra una guerra silenciosa. Este tipo de escenas explican por qué el imaginario del juego sigue tan presente en la cultura popular. Representa decisión, valentía y consecuencias.
Rounders, el lado más humano del póker
Mucho antes de que el póker se convirtiera en un fenómeno televisivo global, Rounders ya mostraba su cara más cruda. La película sigue a jóvenes jugadores que se mueven entre partidas clandestinas, deudas peligrosas y sueños de grandeza.
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Más allá de las cartas, el verdadero tema es la obsesión: personajes que creen haber encontrado en el juego una identidad, una forma de vida, incluso una vía de escape. Esta visión más íntima conecta con quienes ven el azar no solo como entretenimiento, sino como una pasión que puede volverse absorbente.
Peaky Blinders y el negocio detrás del juego
Ambientada en la Inglaterra de entreguerras, Peaky Blinders utiliza las apuestas y las casas de juego como parte esencial del ascenso criminal de la familia Shelby. Aquí, el juego no es un pasatiempo, sino una industria.
Las salas clandestinas, las carreras amañadas y las mesas privadas sirven para mostrar cómo el control del juego equivale al control del poder. Es una representación muy distinta a la de Casino Royale o Rounders, pero igual de poderosa, con el azar como negocio, no como ocio.
El juego como reflejo de nuestra relación con el riesgo
Estas historias, aunque muy distintas entre sí, comparten un punto en común, que es que el juego funciona como espejo de nuestras decisiones. Apostar es elegir. Es aceptar que no todo depende de uno mismo.
Quizá por eso el interés por este tipo de temáticas se mantiene vigente, tanto en el cine como en el entretenimiento digital. Hoy en día, muchas personas juegan a los mejores slots desde una perspectiva más casual, buscando experiencias visuales atractivas y mecánicas que prioricen la diversión por encima de la competición.
Del mismo modo que ocurre con el cine, los jugadores suelen sentirse atraídos por propuestas con identidad, estética cuidada y sensaciones reconocibles, donde valoran además de los premios, el diseño y la experiencia en su conjunto.
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Un vínculo que sigue evolucionando
Desde el blanco y negro hasta las superproducciones actuales, el cine ha sabido adaptar el universo del juego a cada época. A veces lo muestra como un mundo elegante, otras como un entorno peligroso, y en ocasiones como una simple forma de evasión.
Lo interesante es que, más allá de modas, el tema sigue funcionando porque conecta con la emoción de arriesgar, la esperanza de ganar y la tensión de no saber qué ocurrirá en el siguiente instante.
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